Roy Fox Lichtenstein [ 2] ( / ˈlɪktənˌsttaɪn / ; 27 de octubre de 1923 - 29 de septiembre de 1997) fue un artista pop estadounidense . Durante la década de 1960 , junto con Andy Warhol , Jasper Johns y James Rosenquist , se convirtió en una figura destacada del nuevo movimiento artístico. Su trabajo definió la premisa del arte pop a través de la parodia. [3] Inspirado por la tira cómica , Lichtenstein produjo composiciones precisas que documentaban mientras parodiaban, a menudo de manera irónica . Su trabajo estuvo influenciado por la publicidad popular y el estilo del cómic. Su obra de arte fue considerada "disruptiva". [4] Lichtenstein describió el arte pop como "no pintura 'estadounidense' sino en realidad pintura industrial". [5] Sus pinturas fueron exhibidas en la Galería Leo Castelli en la ciudad de Nueva York.
Whaam!, Drowning Girl y Look Mickey resultaron ser las obras más influyentes de Lichtenstein. [6] Su pieza más cara es Masterpiece , que se vendió por 165 millones de dólares en 2017. [7]
Lichtenstein nació el 27 de octubre de 1923 en una familia judía alemana de clase media alta en la ciudad de Nueva York. [2] [8] [9] Su padre, Milton, era un corredor de bienes raíces y su madre, Beatrice (née Werner), ama de casa. [10] Lichtenstein se crió en el Upper West Side de la ciudad de Nueva York y asistió a la escuela pública hasta los 12 años. Luego, Lichtenstein asistió a la Dwight School de Nueva York , graduándose en 1940. Primero se interesó en el arte y el diseño como pasatiempo, a través de la escuela. [11] Lichtenstein era un ávido fanático del jazz y a menudo asistía a conciertos en el Teatro Apollo en Harlem . [11] Con frecuencia dibujaba retratos de los músicos tocando sus instrumentos. [11] En 1939, su último año de escuela secundaria, Lichtenstein se inscribió en clases de verano en la Art Students League de Nueva York , donde trabajó bajo la tutela de Reginald Marsh . [12]
Lichtenstein luego dejó Nueva York para estudiar en la Universidad Estatal de Ohio , que ofrecía cursos de taller y una licenciatura en bellas artes. [2] Sus estudios fueron interrumpidos por un período de tres años en el Ejército durante y después de la Segunda Guerra Mundial entre 1943 y 1946. [2] Después de estar en programas de entrenamiento de idiomas, ingeniería en el Programa de Entrenamiento Especializado del Ejército , [13] y entrenamiento de piloto, todos los cuales fueron cancelados, Lichtenstein sirvió como ordenanza, dibujante y artista. [2]
Lichtenstein regresó a casa para visitar a su padre moribundo y fue dado de baja del ejército con derecho a la Ley GI . [11] Lichtenstein regresó a sus estudios en Ohio bajo la supervisión de uno de sus profesores, Hoyt L. Sherman , quien es ampliamente considerado por haber tenido un impacto significativo en su trabajo futuro (Lichtenstein más tarde nombraría un nuevo estudio que financió en OSU como Hoyt L. Sherman Studio Art Center). [14]
Lichtenstein ingresó al programa de posgrado de la Universidad Estatal de Ohio y fue contratado como instructor de arte, puesto que ocupó de manera intermitente durante los siguientes diez años. En 1949, Lichtenstein obtuvo una maestría en Bellas Artes de la Universidad Estatal de Ohio.
En 1951, Lichtenstein realizó su primera exposición individual en la Galería Carlebach de Nueva York. [2] [15] Se mudó a Cleveland ese mismo año, donde permaneció durante seis años, aunque Lichtenstein viajó con frecuencia a Nueva York. Durante este tiempo, realizó trabajos tan variados como dibujante o decorador de ventanas entre períodos de pintura. [2] El trabajo de Lichtenstein en esta época fluctuó entre el cubismo y el expresionismo. [11] En 1954, nació su primer hijo, David Hoyt Lichtenstein, ahora compositor de canciones. Su segundo hijo, Mitchell Lichtenstein , nació dos años después. [16]
En 1957, Lichtenstein regresó al norte del estado de Nueva York y comenzó a enseñar nuevamente. [5] Fue en esta época cuando adoptó el estilo del expresionismo abstracto , siendo un converso tardío a este estilo de pintura. [17] Lichtenstein comenzó a enseñar en el norte del estado de Nueva York en la Universidad Estatal de Nueva York en Oswego en 1958. Alrededor de esta época, comenzó a incorporar imágenes ocultas de personajes de dibujos animados como Mickey Mouse y Bugs Bunny en sus obras abstractas. [18]
En 1960, Lichtenstein comenzó a enseñar en la Universidad Rutgers , donde fue fuertemente influenciado por Allan Kaprow , quien también era profesor en la universidad. Este entorno ayudó a reavivar el interés de Lichtenstein en las imágenes proto-pop. [2] En 1961, comenzó sus primeras pinturas pop usando imágenes de dibujos animados y técnicas derivadas de la apariencia de la impresión comercial. Esta fase continuaría hasta 1965 e incluyó el uso de imágenes publicitarias que sugerían consumismo y tareas domésticas. [11] La primera obra de Lichtenstein que presenta el uso a gran escala de figuras de bordes duros y puntos Ben-Day fue Look Mickey (1961, National Gallery of Art , Washington, DC). [19] Esta pieza surgió de un desafío de uno de sus hijos, quien señaló un cómic de Mickey Mouse y dijo; "Apuesto a que no puedes pintar tan bien como eso, ¿eh, papá?" [20] Ese mismo año, Lichtenstein produjo otras seis obras con personajes reconocibles de envoltorios de chicles y dibujos animados. [18]
En 1961, Leo Castelli comenzó a exponer la obra de Lichtenstein en su galería de Nueva York. Lichtenstein realizó su primera exposición individual en la galería Castelli en 1962; la colección completa fue adquirida por coleccionistas influyentes antes incluso de que se inaugurara la muestra. [2] Un grupo de pinturas producidas entre 1961 y 1962 se centraba en objetos domésticos solitarios, como zapatillas de deporte, perritos calientes y pelotas de golf. [21] En septiembre de 1963, Lichtenstein se ausentó de su puesto de profesor en el Douglass College de Rutgers. [22]
Las obras de Lichtenstein se inspiraron en cómics que presentaban historias de guerra y amor. “En esa época”, contó más tarde, “me interesaba cualquier cosa que pudiera utilizar como tema y que fuera emocionalmente fuerte, generalmente el amor, la guerra o algo que fuera un tema muy cargado y emocional que se opusiese a las técnicas de pintura distantes y deliberadas”. [23]
Fue en esta época cuando Lichtenstein empezó a encontrar fama no solo en Estados Unidos sino en todo el mundo. Regresó a Nueva York para estar en el centro de la escena artística y renunció a la Universidad Rutgers en 1964 para concentrarse en su pintura. [24] Lichtenstein utilizó óleo y pintura Magna (acrílico temprano) en sus obras más conocidas, como Drowning Girl (1963), que fue apropiada de la historia principal de Secret Hearts No. 83 de DC Comics , dibujada por Tony Abruzzo . ( Drowning Girl ahora cuelga en el Museo de Arte Moderno de Nueva York . [25] ) Drowning Girl también presenta contornos gruesos, colores llamativos y puntos Ben-Day, como si hubiera sido creado por reproducción fotográfica. De su propia obra, Lichtenstein diría que los expresionistas abstractos "pusieron cosas en el lienzo y respondieron a lo que habían hecho, a las posiciones y tamaños de los colores. Mi estilo parece completamente diferente, pero la naturaleza de poner líneas es prácticamente la misma; las mías simplemente no parecen caligráficas, como las de Pollock o Kline ". [26]
En lugar de intentar reproducir sus temas, la obra de Lichtenstein abordó la forma en que los medios de comunicación los retratan. Sin embargo, nunca se tomó demasiado en serio a sí mismo, diciendo: "Creo que mi trabajo es diferente de las tiras cómicas, pero no lo llamaría transformación; no creo que lo que se quiere decir con eso sea importante para el arte". [27] Cuando la obra de Lichtenstein se exhibió por primera vez, muchos críticos de arte de la época cuestionaron su originalidad. Su trabajo fue duramente criticado por vulgar y vacío. El título de un artículo de la revista Life en 1964 preguntaba: "¿Es él el peor artista de los EE. UU.?" [28] Lichtenstein respondió a tales afirmaciones ofreciendo respuestas como la siguiente: "Cuanto más se acerca mi trabajo al original, más amenazante y crítico es el contenido. Sin embargo, mi trabajo está completamente transformado en el sentido de que mi propósito y percepción son completamente diferentes. Creo que mis pinturas están transformadas críticamente, pero sería difícil probarlo mediante cualquier línea de argumentación racional". [29] En una entrevista con April Bernard y Mimi Thompson en 1986, Lichtenstein habló sobre la experiencia de esta dura crítica. Sugiriendo que a veces era difícil ser criticado, dijo: "No dudo cuando estoy pintando, es la crítica la que te hace reflexionar, lo hace". [30]
La famosa imagen de Lichtenstein Whaam! (1963) muestra un avión de combate disparando un cohete contra un avión enemigo, con una explosión roja y amarilla. El estilo de dibujos animados se ve acentuado por el uso de la onomatopéyica "Whaam!" y el texto enmarcado " Apreté el control de fuego... y delante de mí los cohetes atravesaron el cielo..." Este díptico es de gran escala, mide 1,7 x 4,0 m (5 pies 7 pulgadas x 13 pies 4 pulgadas). [31] Whaam sigue los temas basados en tiras cómicas de algunas de sus pinturas anteriores y es parte de un conjunto de obras con temática bélica creadas entre 1962 y 1964. Es una de sus dos notables pinturas de gran tamaño con temática bélica. Fue adquirida por la Tate Gallery en 1966, después de ser exhibida en la Leo Castelli Gallery en 1963, y (ahora en la Tate Modern) ha permanecido en su colección desde entonces. En 1968, el empresario de Darmstadt Karl Ströher adquirió varias obras importantes de Lichtenstein, como Nurse (1964), Compositions I (1964), We rise up slow (1964) y Yellow and Green Brushstrokes (1966). Después de haber estado en préstamo durante varios años en el Hessiches Landesmuseum Darmstadt , el director fundador del Museum für Moderne Kunst Frankfurt, Peter Iden , pudo adquirir un total de 87 obras [32] de la colección de Ströher [33] en 1981, principalmente arte pop americano y arte minimalista para el museo en construcción hasta 1991. [34]
Lichtenstein comenzó a experimentar con la escultura alrededor de 1964, demostrando un talento para la forma que contrastaba con la insistente planitud de sus pinturas. Para Cabeza de niña (1964) y Cabeza con sombra roja (1965), Lichtenstein colaboró con un ceramista que esculpió la forma de la cabeza en arcilla. Luego aplicó un esmalte para crear el mismo tipo de motivos gráficos que utilizó en sus pinturas; la aplicación de líneas negras y puntos Ben-Day a objetos tridimensionales dio como resultado un aplanamiento de la forma. [35]
La mayoría de las obras más conocidas de Lichtenstein son copias relativamente cercanas, pero no exactas, de viñetas de cómics, un tema que abandonó en gran medida en 1965, aunque ocasionalmente incorporaría cómics a su trabajo de diferentes maneras en décadas posteriores. Estas viñetas fueron dibujadas originalmente por artistas de cómics como Jack Kirby y los artistas de DC Comics Russ Heath , Tony Abruzzo, Irv Novick y Jerry Grandenetti , quienes rara vez recibieron algún crédito. Jack Cowart , director ejecutivo de la Fundación Lichtenstein, cuestiona la noción de que Lichtenstein fuera un copista, diciendo: "El trabajo de Roy fue una maravilla de las fórmulas gráficas y la codificación del sentimiento que habían sido elaboradas por otros. Las viñetas fueron cambiadas en escala, color, tratamiento y en sus implicaciones. No hay una copia exacta". [36] Sin embargo, algunos [37] han criticado el uso que hace Lichtenstein de imágenes y piezas de arte de cómics, especialmente en la medida en que dicho uso ha sido visto como un respaldo a una visión condescendiente de los cómics por parte de la corriente principal del arte; [37] el dibujante Art Spiegelman comentó que "Lichtenstein no hizo más ni menos por los cómics que Andy Warhol por la sopa". [37]
Las obras de Lichtenstein basadas en viñetas ampliadas de cómics generaron un amplio debate sobre sus méritos como arte. [38] [39] El propio Lichtenstein admitió: "Nominalmente estoy copiando, pero en realidad estoy replanteando lo copiado en otros términos. Al hacerlo, el original adquiere una textura totalmente diferente. No son pinceladas gruesas o finas, son puntos y colores planos y líneas inflexibles". [40] Eddie Campbell escribió en su blog que "Lichtenstein tomó una imagen diminuta, más pequeña que la palma de la mano, la imprimió con cuatro tintas de color en papel de periódico y la amplió al tamaño convencional en el que se hace y se exhibe el 'arte' y la terminó con pintura sobre lienzo". [41] Con respecto a Lichtenstein, Bill Griffith dijo una vez: "Hay arte elevado y arte popular. Y luego está el arte elevado que puede tomar el arte popular, llevarlo a un contexto de arte elevado, apropiárselo y elevarlo a otra cosa". [42]
Aunque el trabajo de Lichtenstein basado en cómics ganó cierta aceptación, los críticos aún expresan inquietudes, diciendo que Lichtenstein no dio crédito, no pagó regalías ni solicitó permiso a los artistas originales o a los titulares de los derechos de autor. [43] [44] En una entrevista para un documental de BBC Four en 2013, Alastair Sooke le preguntó al dibujante de cómics Dave Gibbons si consideraba a Lichtenstein un plagiador. Gibbons respondió: "Yo diría 'imitador'. En música, por ejemplo, no puedes simplemente silbar la melodía de otra persona o interpretar la melodía de otra persona, sin importar lo mal que lo hagas, sin dar crédito y pagar de alguna manera al artista original. Es decir, esto es '¡WHAAM! de Roy Lichtenstein, después de Irv Novick'". [45] El propio Sooke sostiene que "Lichtenstein transformó la obra de arte de Novick de varias maneras sutiles pero cruciales". [46]
Ernesto Priego , fundador de la revista, profesor de la City University de Londres y doctor en filosofía de la University College de Londres , señala que el hecho de que Lichtenstein no reconociera a los creadores originales de sus cómics era un reflejo de la decisión de National Periodical Publications , la predecesora de DC Comics , de omitir cualquier crédito para sus escritores y artistas:
Además de encarnar el prejuicio cultural contra los cómics como vehículos de arte, ejemplos como la apropiación del vocabulario de los cómics por parte de Lichtenstein resaltan la importancia de tener en cuenta el formato de publicación al definir los cómics, así como la economía política implícita en tipos específicos de publicaciones históricas, en este caso el cómic convencional estadounidense. ¿En qué medida fue National Periodical Publications (más tarde DC) responsable del rechazo de los roles de Kanigher y Novick como artistas por derecho propio al no otorgarles el crédito de autor completo en la publicación misma?" [47]
Además, Campbell señala que hubo una época en que los artistas de cómics a menudo rechazaban la atribución de su trabajo. [41]
En un relato publicado en 1998, Novick dijo que había conocido a Lichtenstein en el ejército en 1947 y, como su oficial superior, había respondido a las quejas entre lágrimas de Lichtenstein sobre las tareas domésticas que le habían sido asignadas recomendándolo para un mejor trabajo. [48] Jean-Paul Gabilliet ha cuestionado este relato, diciendo que Lichtenstein había dejado el ejército un año antes del momento en que Novick dice que tuvo lugar el incidente. [49] Bart Beaty, señalando que Lichtenstein se había apropiado de Novick para obras como Whaam! y Okay Hot-Shot, Okay!, dice que la historia de Novick "parece ser un intento de disminuir personalmente" al artista más famoso. [48]
En 1966, Lichtenstein dejó atrás su aclamada imaginería de principios de los años 60 y comenzó su serie Modern Paintings , que incluía más de 60 pinturas y dibujos que las acompañaban. Utilizando sus característicos puntos Ben-Day y formas y líneas geométricas, creó imágenes incongruentes y desafiantes a partir de estructuras arquitectónicas familiares, patrones tomados del Art Déco y otros motivos sutilmente evocadores, a menudo secuenciales. [ cita requerida ] La serie Modern Sculpture de 1967-8 hizo referencia a motivos de la arquitectura Art Déco. [50]
A principios de la década de 1960, Lichtenstein reprodujo obras maestras de Cézanne , Mondrian y Picasso antes de embarcarse en la serie Pinceladas en 1965. [51] Continuó revisando este tema más adelante en su carrera con obras como Dormitorio en Arles que derivó de Dormitorio en Arles de Vincent van Gogh .
En 1970, Lichtenstein recibió el encargo del Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (dentro de su programa de Arte y Tecnología desarrollado entre 1967 y 1971) de realizar una película. Con la ayuda de Universal Film Studios , el artista concibió y produjo Three Landscapes , una película de paisajes marinos, directamente relacionada con una serie de collages con temas de paisajes que creó entre 1964 y 1966. [52] Aunque Lichtenstein había planeado producir 15 cortometrajes, la instalación de tres pantallas —realizada con el cineasta independiente radicado en Nueva York Joel Freedman— resultó ser la única incursión del artista en el medio. [53]
También en 1970, Lichtenstein compró una antigua cochera en Southampton, Long Island, construyó un estudio en la propiedad y pasó el resto de la década de 1970 en un relativo aislamiento. [54] En las décadas de 1970 y 1980, su estilo comenzó a relajarse y amplió lo que había hecho antes. Lichtenstein comenzó una serie de pinturas Mirrors en 1969. En 1970, mientras continuaba con la serie Mirrors , comenzó a trabajar en el tema de los entablamentos . Los Entablamentos consistieron en una primera serie de pinturas de 1971 a 1972, seguida de una segunda serie en 1974-76, y la publicación de una serie de grabados en relieve en 1976. [55] Lichtenstein produjo una serie de "Estudios de artistas" que incorporaron elementos de su trabajo anterior. Un ejemplo notable es Artist's Studio, Look Mickey (1973, Walker Art Center , Minneapolis ), que incorpora otras cinco obras anteriores, encajadas en la escena. [2]
Durante un viaje a Los Ángeles en 1978, Lichtenstein quedó fascinado por la colección de grabados expresionistas alemanes y libros ilustrados del abogado Robert Rifkind . Comenzó a producir obras que tomaban prestados elementos estilísticos encontrados en pinturas expresionistas. El árbol blanco (1980) evoca paisajes líricos de Der Blaue Reiter , mientras que Dr. Waldmann (1980) recuerda a Dr. Mayer-Hermann (1926) de Otto Dix . Se utilizaron pequeños dibujos a lápiz de color como plantillas para xilografías, un medio favorecido por Emil Nolde y Max Pechstein , así como por Dix y Ernst Ludwig Kirchner . [56] También a fines de la década de 1970, el estilo de Lichtenstein fue reemplazado por obras más surrealistas como Pow Wow (1979, Ludwig Forum für Internationale Kunst, Aachen ). Una importante serie de pinturas surrealistas-pop de 1979 a 1981 se basa en temas nativos americanos. [57] [58] Estas obras van desde Amerind Figure (1981), una escultura estilizada de tamaño natural que recuerda a un tótem aerodinámico en bronce patinado en negro, hasta el monumental tapiz de lana Amerind Landscape (1979). Las obras "indias" tomaron sus temas, como las otras partes de la serie surrealista, del arte contemporáneo y otras fuentes, incluidos libros sobre diseño indio americano de la pequeña biblioteca de Lichtenstein. [59]
Las pinturas, esculturas y dibujos de naturaleza muerta de Lichtenstein , que abarcan desde 1972 hasta principios de la década de 1980, cubren una variedad de motivos y temas, incluidos los más tradicionales, como frutas, flores y jarrones. [60] En 1983, Lichtenstein realizó dos carteles contra el apartheid , titulados simplemente "Contra el apartheid". [61] [62] En su serie Reflection , producida entre 1988 y 1990, Lichtenstein reutilizó sus propios motivos de trabajos anteriores. [63] Interiors (1991-1992) es una serie de obras que representan entornos domésticos banales inspirados en anuncios de muebles que el artista encontró en guías telefónicas o en vallas publicitarias. [64] Habiéndose inspirado en los grabados monocromáticos de Edgar Degas presentados en una exposición de 1994 en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, los motivos de su serie Paisajes en estilo chino están formados con puntos Ben-Day simulados y contornos en bloque, representados en colores duros y vivos, con todos los rastros de la mano eliminados. [65] El desnudo es un elemento recurrente en la obra de Lichtenstein de la década de 1990, como en Collage para desnudo con camisa roja (1995).
Además de pinturas y esculturas, Lichtenstein también realizó más de 300 grabados, principalmente en serigrafía . [66]
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En 1969, Lichtenstein recibió el encargo de Gunter Sachs para crear Composition y Leda and the Swan , para la suite de arte pop del coleccionista en el Palace Hotel en St. Moritz . A finales de la década de 1970 y durante la de 1980, Lichtenstein recibió importantes encargos de obras en lugares públicos: las esculturas Lamp (1978) en St. Mary's, Georgia ; Mermaid (1979) en Miami Beach; Brushstrokes in Flight (1984, trasladada en 1998) de 26 pies de altura en el Aeropuerto Internacional John Glenn Columbus ; Mural with Blue Brushstroke (1984-85) de cinco pisos de altura en el Equitable Center , Nueva York; y El Cap de Barcelona (1992) en Barcelona. [50] En 1994, Lichtenstein creó el Times Square Mural de 53 pies de largo, esmaltado sobre metal, en la estación de metro de Times Square . [67] En 1977, BMW le encargó pintar una versión de carreras del Grupo 5 del BMW 320i para la tercera entrega del BMW Art Car Project . El logotipo de DreamWorks Records fue su último proyecto completado. [2] "No estoy en el negocio de hacer algo así (un logotipo corporativo) y no tengo la intención de hacerlo de nuevo", admite Lichtenstein. "Pero conozco a Mo Ostin y David Geffen y me pareció interesante". [68]
Lichtenstein recibió numerosos doctorados honorarios de, entre otros, la Universidad George Washington (1996), el Bard College , el Royal College of Art (1993), la Universidad Estatal de Ohio (1987), el Southampton College (1980) y el Instituto de las Artes de California (1977). También formó parte de la junta directiva de la Academia de Música de Brooklyn . [54]
En 2023, cinco de las pinturas de Lichtenstein aparecerán en los sellos Forever de USPS : Standing Explosion (Red) , Modern Painting I , Still Life with Crystal Bowl , Still Life with Goldfish y Portrait of a Woman . Derry Noyes se desempeñó como director de arte y diseñador de la serie de sellos. [69]
En 1949, Lichtenstein se casó con Isabel Wilson, quien anteriormente había estado casada con el artista de Ohio Michael Sarisky . [70] Sin embargo, los brutales inviernos del norte del estado pasaron factura a Lichtenstein y su esposa, [71] después de que él comenzó a enseñar en la Universidad Estatal de Nueva York en Oswego en 1958. La pareja vendió la casa familiar en Highland Park, Nueva Jersey , en 1963 [72] y se divorció en 1965.
Lichtenstein se casó con su segunda esposa, Dorothy Herzka (1939-2024), en 1968. [73] A fines de la década de 1960, alquilaron una casa en Southampton, Nueva York , que Larry Rivers había comprado a la vuelta de la esquina de su propia casa. [74] Tres años después, compraron una cochera de 1910 frente al océano en Gin Lane. [74] Desde 1970 hasta su muerte, Lichtenstein dividió su tiempo entre Manhattan y Southampton. [75] También tenía una casa en Captiva Island . [76]
En 1991, Lichtenstein comenzó un romance con la cantante Erica Wexler, quien se convirtió en la musa de su serie Nudes, incluida la de 1994 "Nudes with Beach Ball". Ella tenía 22 años y él 68. [77] El romance duró hasta 1994 y terminó cuando Wexler se fue a Inglaterra con su futuro esposo Andy Partridge de XTC . Según Wexler, Lichtenstein y su esposa Dorothy tenían un entendimiento y ambos tenían otras parejas además de su matrimonio.
El 29 de septiembre de 1997, Lichtenstein murió de neumonía [20] en el Centro Médico de la Universidad de Nueva York , donde había estado hospitalizado durante varias semanas, a los 73 años. [10] A Lichtenstein le sobrevivieron su segunda esposa, Dorothy Herzka , [78] y sus hijos, David y Mitchell , de su primer matrimonio.
El arte pop sigue influyendo en el siglo XXI. Pop Art from the Collection presenta una amplia selección de serigrafías de Andy Warhol y Roy Lichtenstein, así como una variedad de fotografías Polaroid de Warhol, conocido como las figuras principales del movimiento Pop Art de los años 1960 y 1970. Warhol y Lichtenstein son famosos por explorar la relación entre las bellas artes, la publicidad y el consumismo. Lichtenstein y Andy Warhol fueron utilizados en la gira PopMart de U2 de 1997 y 1998 y en una exposición en 2007 en la Galería Nacional de Retratos británica . [79]
Entre muchas otras obras de arte perdidas en los ataques al World Trade Center el 11 de septiembre de 2001, una pintura de la serie El Entablamento de Lichtenstein fue destruida en el incendio posterior. [80]
En 1964, Lichtenstein se convirtió en el primer estadounidense en exponer en la Tate Gallery de Londres, con motivo de la muestra «'54–'64: Painting and Sculpture of a Decade». En 1967, su primera exposición retrospectiva en un museo se celebró en el Museo de Arte de Pasadena en California. El mismo año, su primera exposición individual en Europa se celebró en museos de Ámsterdam, Londres, Berna y Hannover. [70] Lichtenstein participó más tarde en la Documenta IV (1968) y VI (1977). Lichtenstein tuvo su primera retrospectiva en el Museo Guggenheim en 1969, organizada por Diane Waldman. El Guggenheim presentó una segunda retrospectiva de Lichtenstein en 1994. [55] Lichtenstein se convirtió en el primer artista vivo en tener exposiciones individuales de dibujo en el Museo de Arte Moderno de marzo a junio de 1987. [81] Las retrospectivas recientes incluyen "All About Art" de 2003, Louisiana Museum of Modern Art , en Dinamarca (que viajó a la Hayward Gallery , Londres, el Museo Reina Sofía , Madrid, [82] y el Museo de Arte Moderno de San Francisco , hasta 2005); y "Classic of the New", Kunsthaus Bregenz (2005), "Roy Lichtenstein: Meditations on Art" Museo Triennale, Milán (2010, viajó al Museo Ludwig , Colonia). A fines de 2010, The Morgan Library & Museum mostró Roy Lichtenstein: The Black-and-White Drawings, 1961–1968 . [83] Otra gran retrospectiva se inauguró en el Art Institute of Chicago en mayo de 2012 antes de ir a la National Gallery of Art en Washington, [84] Tate Modern en Londres y el Centro Pompidou en París en 2013. [85] 2013: Roy Lichtenstein, Olyvia Fine Art. 2014: Roy Lichtenstein: Intimate Sculptures, The FLAG Art Foundation. Roy Lichtenstein: Opera Prima, Civic Gallery of Modern and Contemporary Arts, Turín. [86] 2018: Exposición en The Tate Liverpool, Merseyside, Reino Unido.
En 1996, la Galería Nacional de Arte de Washington, DC se convirtió en el mayor depósito individual de la obra del artista cuando Lichtenstein donó 154 grabados y dos libros. El Instituto de Arte de Chicago tiene varias obras importantes de Lichtenstein en su colección permanente, incluyendo Pincelada con salpicaduras (1966) y Espejo No. 3 (Seis paneles) (1971). Los fondos personales de la viuda de Lichtenstein, Dorothy Lichtenstein, y de la Fundación Roy Lichtenstein se cuentan por cientos. [87] En Europa, el Museo Ludwig de Colonia tiene uno de los fondos más completos de Lichtenstein con Takka Takka (1962), Enfermera (1964), Composiciones I (1964), además del Museo de Arte Moderno de Frankfurt con Lentamente nos levantamos (1964) y Pinceladas amarillas y verdes (1966). Fuera de Estados Unidos y Europa, la Colección Kenneth Tyler de la Galería Nacional de Australia posee un amplio fondo de grabados de Lichtenstein, que suma más de 300 obras. En total, se cree que hay unas 4.500 obras en circulación. [2]
Tras la muerte del artista en 1997, se creó la Fundación Roy Lichtenstein en 1999. En 2011, la junta directiva de la fundación decidió que los beneficios de la autenticación se veían superados por los riesgos de demandas prolongadas. [88]
A finales de 2006, la fundación envió una tarjeta navideña con una imagen de Electric Cord (1961), una pintura que había estado desaparecida desde 1970 después de haber sido enviada al restaurador de arte Daniel Goldreyer por la Galería Leo Castelli . La tarjeta instaba al público a informar sobre cualquier información sobre su paradero. [89] En 2012, la fundación autentificó la pieza cuando apareció en un almacén de la ciudad de Nueva York. [90]
Entre 2008 y 2012, tras la muerte del fotógrafo Harry Shunk en 2006, [91] la Fundación Lichtenstein adquirió la colección de material fotográfico tomado por Shunk y su János Kender , así como los derechos de autor de los fotógrafos. [92] En 2013, la fundación donó el tesoro Shunk-Kender a cinco instituciones: el Getty Research Institute en Los Ángeles; el Museo de Arte Moderno de Nueva York; la Galería Nacional de Arte de Washington; el Centro Pompidou en París; y la Tate en Londres, lo que permitirá a cada museo acceder a la parte de los demás. [92]
Desde la década de 1950, la obra de Lichtenstein se ha exhibido en Nueva York y otros lugares con Leo Castelli en su galería y en Castelli Graphics, así como con Ileana Sonnabend en su galería en París, y en la Ferus Gallery , Pace Gallery , Gagosian Gallery , Mitchell-Innes & Nash, Mary Boone , Brooke Alexander Gallery , Carlebach, Rosa Esman, Marilyn Pearl, James Goodman, John Heller, Blum Helman, Hirschl & Adler, Phyllis Kind , Getler Pall, Condon Riley, 65 Thompson Street, Holly Solomon y Sperone Westwater Galleries, entre otras. Leo Castelli Gallery representó a Lichtenstein en exclusiva desde 1962, [10] cuando una muestra individual del artista se agotó antes de su inauguración. [93]
A partir de 1962, la Galería Leo Castelli de Nueva York comenzó a realizar exposiciones periódicas de la obra del artista. [94] La Galería Gagosian ha estado exhibiendo obras de Lichtenstein desde 1996. [95]
Big Painting No. 6 (1965) se convirtió en la obra de Lichtenstein de mayor precio en 1970. [96] Al igual que toda la serie Brushstrokes , el tema de la pintura es el proceso de pintura expresionista abstracta a través de pinceladas amplias y goteos, pero el resultado de la simplificación de Lichtenstein que utiliza un fondo de puntos Ben-Day es una representación de la reproducción de impresión en color mecánica/industrial. [97]
El cuadro de Lichtenstein Torpedo... Los! (1963) se vendió en Christie's por 5,5 millones de dólares en 1989, una suma récord en aquel momento, lo que lo convirtió en uno de los tres únicos artistas vivos que han atraído sumas tan grandes. [70] En 2005, In the Car se vendió por un récord de 16,2 millones de dólares (10 millones de libras esterlinas).
En 2010, la pintura de estilo caricatura de Lichtenstein Ohhh...Alright... de 1964 , anteriormente propiedad de Steve Martin y luego de Steve Wynn , [98] se vendió por un récord de US$42,6 millones (£26,7 millones) en una venta en Christie's en Nueva York. [99] [100]
Basada en un dibujo de William Overgard de 1961 para una historieta de Steve Roper , [101] I Can See the Whole Room...and There's Nobody in It! (1961) de Lichtenstein muestra a un hombre mirando a través de un agujero en una puerta. Fue vendida por el coleccionista Courtney Sale Ross por 43 millones de dólares, el doble de su precio estimado, en Christie's en la ciudad de Nueva York en 2011; el marido de la vendedora, Steve Ross, la había adquirido en una subasta en 1988 por 2,1 millones de dólares. [102] La pintura mide cuatro pies por cuatro pies y está hecha en grafito y óleo. [103]
El cuadro cómico Sleeping Girl (1964) de la colección de Beatrice y Phillip Gersh estableció un nuevo récord en Liechtenstein por 44,8 millones de dólares en Sotheby's en 2012. [104] [105]
En octubre de 2012, la pintura de Lichtenstein Electric Cord (1962) fue devuelta a la viuda de Leo Castelli, Barbara Bertozzi Castelli, después de haber estado desaparecida durante 42 años. Castelli había enviado la pintura a un restaurador de arte para que la limpiara en enero de 1970, y nunca la recuperó. Murió en 1999. En 2006, la Fundación Roy Lichtenstein publicó una imagen de la pintura en su tarjeta de felicitación navideña y pidió a la comunidad artística que ayudara a encontrarla. [106] La pintura fue encontrada en un almacén de Nueva York, después de haber estado expuesta en Bogotá, Colombia. [107]
En 2013, la pintura Mujer con sombrero de flores estableció otro récord al ser vendida por el joyero británico Laurence Graff al inversor estadounidense Ronald O. Perelman . [108]
En 2015, esta cifra se superó con la venta de Nurse por 95,4 millones de dólares en una subasta de Christie's. [109]
En enero de 2017, Masterpiece se vendió por 165 millones de dólares. Las ganancias de esta venta se utilizarán para crear un fondo para la reforma de la justicia penal. [7]
"La historia de Lichtenstein, en muchos sentidos, es una historia de asimilación", dijo Bethany Montagano, curadora de "Pop for the People: Roy Lichtenstein en Los Ángeles". "Lichtenstein no hablaba a menudo sobre ser judío. Solo hubo una entrevista en la década de 1960 en la que habló sobre su abuelo materno que iba al templo y hablaba hebreo".
Las ochenta y siete obras de la antigua colección de Karl Ströher, industrial de Darmstadt, forman el núcleo de la colección del museo. Adquiridas por la ciudad de Frankfurt en 1981‒82, fueron un factor determinante en la fundación del MMK. La colección de Ströher se basó a su vez en la antigua colección del corredor de seguros neoyorquino Leon Kraushar. La mayoría de las obras datan de la década de 1960 y representan las corrientes del arte pop y minimalista estadounidense. Entre ellos se incluyen grupos de trabajo de artistas como Carl Andre, Francis Bacon, Walter De Maria, Jim Dine, Dan Flavin, Jasper Johns, Donald Judd, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg, Robert Rauschenberg, James Rosenquist, George Segal, Frank Stella, Cy Twombly o Andy Warhol, así como de artistas alemanes de la época, entre ellos Blinky Palermo, Gerhard Richter, Reiner Ruthenbeck y Franz Erhard Walther.
