Robert Walter Irwin (12 de septiembre de 1928 - 25 de octubre de 2023) fue un artista de instalación estadounidense que exploró la percepción y lo condicional en el arte, a menudo a través de intervenciones arquitectónicas específicas del sitio que alteran la experiencia física, sensorial y temporal del espacio.
Irwin comenzó su carrera como pintor en la década de 1950, pero en la década de 1960 se dedicó a la instalación, convirtiéndose en un pionero cuyo trabajo ayudó a definir la estética y las cuestiones conceptuales del movimiento de la Costa Oeste de la Luz y el Espacio . Sus primeras obras a menudo empleaban luz y velos de gasa para transformar espacios de galerías y museos, pero desde 1975 hasta su muerte, también incorporó proyectos de paisajes a su práctica. Irwin concibió más de cincuenta y cinco proyectos específicos para el sitio, en instituciones como el Getty Center (1992-98), Dia:Beacon (1999-2003) y la Fundación Chinati en Marfa, Texas (2001-16). El Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles organizó la primera retrospectiva de su obra en 1993; en 2008, el Museo de Arte Contemporáneo de San Diego presentó otra, que abarca cincuenta años de su carrera. Irwin recibió una beca Guggenheim en 1976, una beca MacArthur en marzo de 1984, [1] y fue elegido miembro de la Academia Estadounidense de Artes y Letras en 2007. Vivió y trabajó en San Diego, California.
Robert Walter Irwin nació el 12 de septiembre de 1928 en Long Beach, California , hijo de Robert Irwin y Goldie Anderberg Irwin. [2] Creció en el área de Baldwin Hills en Los Ángeles y se graduó de Dorsey High School . [2] Después de servir en el Ejército de los Estados Unidos de 1946 a 1947, asistió a varios institutos de arte: Otis Art Institute en Los Ángeles de 1948 a 1950, Jepson Art Institute en 1951 y Chouinard Art Institute en Los Ángeles de 1952 a 1954. Pasó los siguientes dos años viviendo en Europa y el norte de África. Entre los años 1957 y 1958, enseñó en el Chouinard Art Institute .
En 1977, Robert Irwin escribió lo siguiente sobre sí mismo: "Empecé como pintor en medio de la nada con pocas preguntas... Mi primera pregunta real se refería a la arbitrariedad de mis pinturas... Utilicé mis pinturas como un proceso paso a paso, cada nueva serie de obras actuaba en respuesta directa a las preguntas planteadas por la serie anterior. Primero cuestioné la marca como significado y luego incluso como foco; luego cuestioné el marco como contención, el borde como el principio y el fin de lo que veo... consideré la posibilidad de que nada realmente trascienda su entorno inmediato... Traté de responder directamente a la calidad de cada situación en la que me encontraba, no para cambiarla por completo en un entorno nuevo o ideal, sino para prestar atención directamente a la naturaleza de cómo ya era. ¿Cómo es posible que un espacio pueda llegar a considerarse vacío cuando está lleno de eventos reales y táctiles?" (Robert Irwin, 1977) La noción de arte de Irwin derivaba de una serie de percepciones experienciales. Como pensador abstracto y de mente abierta, presentó la experiencia primero como percepción o sentido. Concluyó que la sensación de saber, o la capacidad de identificar, ayudaba a aclarar la percepción. Por ejemplo,
"Conocemos el azul del cielo incluso antes de saber que es "azul", y mucho menos "cielo".
Irwin explicó más tarde que la concepción de un pensamiento abstracto se produce en la mente, a través del concepto de sí mismo. A continuación, se reconoce la forma física, comunicándola a la comunidad. Entonces, se produce el compuesto objetivo, que delinea las normas de comportamiento y las normas artísticas, volviéndose identificable. Luego, los límites y los axiomas introducen la lógica y el razonamiento y se pueden tomar decisiones: inductivas o deductivas. Sigue el formalismo, que prueba y convence una decisión sobre el objeto que se percibe. El estudio realizado por Irwin sugería que: "... todas las ideas y valores tienen sus raíces en la experiencia... pueden mantenerse separados en cualquier momento y desarrollarse directamente sobre la base de la función y el uso, tanto que de hecho permanecen relativos a la condición de nuestro ser subjetivo como objetivo". La filosofía de Irwin definía su idea del arte como una serie de indagaciones estéticas, una oportunidad para la innovación cultural, una interacción comunicativa con la sociedad y un desarrollo histórico compuesto.
En su libro Seeing Is Forgetting the Name of the Thing One Sees (Ver es olvidar el nombre de lo que se ve) , Lawrence Weschler documenta el proceso de Irwin desde sus primeros días como joven en el sur de California hasta su surgimiento como líder en el mundo del arte posabstracción. Weschler describe la calidad desconcertante y a menudo encantadora de estas obras en las notas de portada de su libro:
Debido a la naturaleza efímera o sutil de su obra, este libro se convirtió no sólo en una introducción, sino que, para muchos artistas y estudiantes de arte, fue la forma principal de experimentar la obra de Irwin. En 2007, Irwin le dijo a Jori Finkel del New York Times que la gente todavía se acercaba a él en las conferencias para pedirle autógrafos. En ese artículo, Michael Govan , el director del LACMA que había encargado previamente a Irwin que "diseñara nuestra experiencia" de Dia:Beacon, dijo que cree que el libro "ha convencido a más jóvenes de convertirse en artistas de los que Velvet Underground ha creado rockeros". [3]
Los primeros trabajos de Irwin comenzaron con la pintura. En 1959, pintó una serie de objetos hechos a mano y expuso por segunda vez, como expositor individual, en la Galería Ferus de Los Ángeles. Al año siguiente, en 1960, se le pidió que expusiera allí nuevamente, así como en el Museo de Arte de Pasadena . En ese momento, comenzó una serie continua de experimentos. En 1962, comenzó a enseñar en la Universidad de California en Los Ángeles y expuso nuevamente en la Galería Ferus. Ese año, comenzó con sus pinturas de línea. Expuso en la Galería Ferus en 1964 y presentó un estudio diferente, sus pinturas de puntos.
Entre 1966 y 1967, comenzó a pintar discos de aluminio. Fue invitado nuevamente como expositor individual a The Pace Gallery en la ciudad de Nueva York. En 1968, comenzó a enseñar en la Universidad de California, Irvine . Durante los dos años siguientes, comenzó su trabajo con discos de acrílico transparente, estructuras convexas blancas fijadas a la pared e iluminadas por lámparas. [4] En 1970, comenzó su trabajo en "Columns", una serie de columnas de acrílico transparente. En 1972, comenzó su estudio sobre "líneas de visión" y "lugares" en el suroeste.
Irwin utilizó por primera vez luz fluorescente en la década de 1970. [5] Su instalación Excursus: Homage to the Square3 , una meditación sobre el pintor Josef Albers y sus exploraciones de las relaciones de color, [6] se presentó en Dia:Chelsea entre 1998 y 2000. Consiste en 18 pequeñas habitaciones, divididas por paredes de gasa tensa; la luz en cada habitación, cuyo valor depende de la distancia desde las ventanas, se ve reforzada por cuatro bombillas fluorescentes dobles blancas y de colores, cada una colgada verticalmente en el centro de cada pared. [6] En 2015, se reinstaló en Dia:Beacon , donde estuvo en exhibición hasta 2017. [5] Para una exposición de 2015 en la Galería Pace en la ciudad de Nueva York, Irwin instaló filas de luces en forma de columna, recubriendo los diferentes tubos con geles de colores que alteran la transmisión de la luz. [5]
Sus exposiciones posteriores incluyen: Unlights en Kayne Griffin en Los Ángeles, del 9 de enero al 27 de febrero de 2021 y Light and Space, encargada por Light Art Space (LAS) y exhibida en Kraftwerk Berlín del 5 de diciembre de 2021 al 30 de enero de 2022. [7] [8]
"Las nuevas obras de Irwin están compuestas por luces fluorescentes apagadas de seis pies montadas en luminarias e instaladas en filas verticales directamente en la pared. Los tubos de vidrio están cubiertos con capas de geles translúcidos de colores opulentos y tiras delgadas de cinta aisladora , lo que permite que las superficies reflectantes de vidrio sin iluminación y aluminio anodizado interactúen con la iluminación ambiental en el espacio circundante y produzcan patrones cambiantes de sombras y tonalidad cromática. Reflejando su reciente giro hacia las posibilidades perceptivas de las bombillas apagadas, el nuevo conjunto de trabajos de Irwin amplía el rango de posibilidades de cómo experimentamos sensaciones de ritmo, pulsación, expansión e intensidad, al tiempo que continúa el interés de larga data del artista en registrar la inmediatez de nuestra propia presencia en el espacio". [7]
A partir de 1968 [9] Irwin se centró en el lugar en sí mismo creando instalaciones en habitaciones, jardines, parques, museos y varios lugares urbanos. [10] Influenciado, en particular, por las pinturas de John McLaughlin , Irwin y otros artistas de Luz y Espacio sintieron curiosidad por ampliar los límites del arte y la percepción, en la década de 1970 Irwin dejó el trabajo de estudio para dedicarse al arte de instalación que trataba directamente con la luz y el espacio: la base de la percepción visual , tanto en sitios exteriores como interiores modificados. Estas instalaciones permitieron una exploración abierta para el artista y el espectador de una experiencia alterada creada mediante la manipulación del contexto del entorno en lugar de permanecer con los confines de una obra de arte individual. Otros artistas involucrados en el movimiento Luz y Espacio incluyen a John McCracken , James Turrell , Peter Alexander , Larry Bell , Craig Kauffman , Doug Wheeler y Maria Nordman .
En 1970, el Museo de Arte Moderno invitó a Irwin a crear una instalación. Utilizando todo el espacio del proyecto, Irwin suspendió una tela blanca a 10 pies del suelo y fijó cables de acero inoxidable brillantes a la pared. En 1971, el Centro de Arte Walker encargó al artista la creación de Untitled (Slant/Light/Volume) para la exposición inaugural de su edificio diseñado por Edward Larrabee Barnes . [11] Suspendida entre el suelo y el techo, su Full Room Skylight - Scrim V (1972/2022) consta de dos láminas de tela translúcida estiradas en forma de "V" a lo largo de dos galerías conectadas; desde arriba, la tela está iluminada por la abundante luz natural que entra por los tragaluces, ocultando y revelando la arquitectura circundante en función de variables como la luminosidad, la hora del día y el punto de vista del espectador. [12] Para Soft Wall , una instalación de 1974 en la Galería Pace de la ciudad de Nueva York, Irwin simplemente limpió y pintó una galería rectangular y colgó una fina tela blanca translúcida de teatro de cuarenta y cinco centímetros frente a una de las paredes largas, creando el efecto de una habitación vacía en la que una pared parecía permanentemente fuera de foco. [13]
Una instalación de pared permanente en el pasillo de entrada del Allen Memorial Art Museum , las dimensiones de Untitled (1980) repiten exactamente las de las ventanas profundas justo enfrente. [14] A principios de la década de 1980, Irwin fue invitado a participar como artista colaborador en diseños para el rejuvenecimiento y la mejora del Aeropuerto Internacional de Miami . En 1997 transformó una sala con vista al Pacífico en la sucursal de La Jolla del Museo de Arte Contemporáneo de San Diego . [15] Para celebrar su 125 aniversario, el Museo de Arte de Indianápolis encargó a Irwin la creación de Light and Space III (2008), convirtiéndose así en el primer museo estadounidense en tener una instalación interior permanente del artista. Para la pieza, Irwin dispuso bombillas fluorescentes en un patrón de cuadrícula irregular a lo largo de las paredes que rodean las escaleras mecánicas, con un velo de gasa enmarcando cada lado; a medida que los visitantes del museo suben y bajan entre los pisos, se mueven a través de la pieza. [16] Trifecta (Joe's Bar & Grill) , una instalación de iluminación permanente de tres pisos en la sede corporativa de Swiss Re en Fort Wayne, Indiana , se inauguró en 2012.
A finales de 2013, se inauguró una columna de acrílico de 33 pies de altura de Irwin en el Palacio de Justicia Federal de San Diego , donde el artista trabajó con sus viejos amigos y colaboradores, el arquitecto Martin Poirer y el arquitecto paisajista Andrew Spurlock, en la plaza al aire libre del palacio de justicia. La columna de acrílico de tres pisos de altura, construida hace décadas pero que nunca tuvo un hogar adecuado debido a una serie de circunstancias imprevistas, refracta la luz y arroja colores a medida que el sol se mueve a través del vestíbulo. [17] La fabricación de las columnas y los problemas técnicos relacionados con el material fueron ejecutados por Jack Brogan , un personaje central en la evolución de las técnicas del Movimiento de Luz y Espacio. El desafío y la técnica de pulir las columnas hasta obtener la transparencia requerida fueron inventados por Brogan y siguen siendo un punto culminante en el campo.
Para el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (LACMA), Irwin creó una instalación al aire libre de palmeras primigenias ( Primal Palm Garden , 2008-2010), así como una escultura de luz fluorescente de 36 pies de largo para interiores, Miracle Mile (2013), que brilla detrás de ellas las 24 horas del día. [18]
Después de haber estado trabajando y reelaborando sus ideas para crear una instalación gigante para la Fundación Chinati desde principios de la década de 2000, la instalación de Irwin en Marfa, Texas , una construcción en forma de U de aproximadamente 10,000 pies cuadrados, comenzó a principios de 2015 y se completará y abrirá al público en 2016. [19] La instalación, ubicada en el edificio que había albergado el antiguo hospital del cuartel del ejército, [20] será la primera instalación importante agregada a la Fundación Chinati desde 2004 [5], así como la primera estructura independiente diseñada por Irwin que está dedicada exclusivamente a su trabajo. [20]
Otras instalaciones de Irwin incluyen; Fractured Light – Partial Scrim – Eye Level en el Museo de Arte Moderno , Nueva York (1970-1971); Black Line Room Division + Extended Forms en el Museo Whitney , Nueva York (1977); 48 Shadow Planes en el Old Post Office Pavilion , Washington, DC (1983); Ascending en el Musee d' Art Moderne de Ville, París, Francia (1994); y Double Diamond en el Musée d'Art Contemporain , Lyon, Francia (1997-1998). [21]
Irwin pasó a proyectos paisajísticos después de desarrollar un movimiento estilístico hacia el espacio experiencial, proyectando lo que aprendió sobre la línea, el color y, sobre todo, la luz sobre el entorno construido. A partir de 1975, Irwin concibió cincuenta y cinco proyectos de sitio. 9 Spaces 9 Trees (1980-3) fue originalmente encargado en 1980 para la azotea del Edificio de Seguridad Pública por la Comisión de Artes de Seattle; fue reimaginado en 2007 y ubicado en el campus de la Universidad de Washington . Filigreed Line (1979) de Irwin , realizada para Wellesley College en Massachusetts , consiste en una línea de acero inoxidable, que corre a lo largo de una cresta de hierba cerca de un lago, en la que se corta un patrón de formas similares a hojas. Su obra de 1983 Two Running Violet V Forms , dos vallas de alambre recubiertas de plástico de color azul violeta cruzadas fijadas con postes altos, se presenta como parte de la Colección Stuart de obras de arte público en el campus de la Universidad de California, San Diego . Para Sentinel Plaza (1990) en el Distrito del Centro Cívico de Pasadena , Irwin eligió pequeñas plantas desérticas y cactus . Más tarde, asesoró sobre el plan maestro para Dia:Beacon , creando, en particular, el diseño y el paisajismo de los espacios al aire libre, y el edificio de entrada y el diseño de las ventanas. [22]
Irwin diseñó y desarrolló posteriormente el Jardín Central del Getty Center de Los Ángeles, construido en 1997. En el Jardín Central, el concepto de Irwin de integrar relaciones experienciales con el entorno construido es muy claro. Esos elementos experienciales llenan el espacio. Este proyecto ha sido ampliamente elogiado por su diseño y fluidez. El diseño de 134.000 pies cuadrados (12.400 m2 ) presenta un barranco natural y una pasarela bordeada de árboles que conduce al visitante a través de una experiencia de vistas, sonidos y aromas. Seleccionó todo en el jardín para acentuar el juego de luz, color y reflejo. La planificación comenzó en 1992, como parte clave del proyecto del Getty Center. Desde que el Centro abrió en 1997, el Jardín Central ha evolucionado a medida que sus plantas han crecido. La declaración de Irwin, "Siempre cambiando, nunca dos veces igual", está tallada en el suelo de la plaza, recordando a los visitantes la naturaleza siempre cambiante de esta obra de arte viviente. Para consternación del artista, una escultura de Fernand Léger de la década de 1950 fue colocada en la plaza del jardín. [23]
Irwin completó más tarde la segunda fase de la instalación de un jardín de palmeras primordial en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles, que comenzó en 2007. [24] El jardín de palmeras está dispuesto en forma de "T" con el eje este-oeste que corre entre y alrededor del Museo de Arte Contemporáneo Broad y el Pabellón Resnick. El eje norte-sur termina con una cuadrícula de palmeras datileras que sirve como contrapunto a la instalación Urban Light del artista Chris Burden . Irwin estuvo intrigado durante mucho tiempo por cómo las palmeras capturan y reflejan la luz del sur de California; diseñar el jardín de palmeras le proporcionó a Irwin la oportunidad de trabajar con las percepciones fenomenales y culturales de las palmeras. Las especies individuales de palmeras están plantadas en cajas Cor-Ten , versiones modernas y formalizadas de las cajas de vivero de madera comunes. Los contenedores escultóricos hacen referencia a las bases de los pedestales que tradicionalmente significan objetos de arte. El uso de palmeras por parte de Irwin considera la conexión ubicua e icónica entre la palmera y las imágenes de Los Ángeles. [25]
Irwin expuso sus cuadros por primera vez en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles en 1957. La exposición se tituló "Artistas de Los Ángeles y alrededores". Ese mismo año, participó en la 57.ª Exposición Anual del Museo Whitney de Arte Americano de Nueva York. Ese mismo año, realizó su primera exposición individual en la Galería Felix Landau de Los Ángeles.
En 1965, participó en una exposición llamada The Responsive Eye en el Museo de Arte Moderno de Nueva York y en otra llamada XIII en la Bienal de São Paulo , Brasil. En 1966, expuso tanto como individuo como con Kenneth Price en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles y como expositor individual más tarde en The Pace Gallery en la ciudad de Nueva York. En 1969, Irwin expuso con Doug Wheeler en el Fort Worth Art Center en Fort Worth, Texas . En 1970, expuso por primera vez "volúmenes" de gasa en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Durante los siguientes cinco años, expuso individualmente en los siguientes lugares: la Pace Gallery en la ciudad de Nueva York, el Walker Art Center en Minneapolis , las Minuzo y Ace Galleries en Los Ángeles, el Fogg Art Museum en el campus de la Universidad de Harvard en Cambridge, Massachusetts , Wright State University en Dayton, Ohio , la Universidad de California en Santa Bárbara , Fort Worth Art Center y Palomar College en San Marcos, California . Participó en varias exposiciones conjuntas: “Transparencia, Reflexión, Luz, Espacio: Cuatro Artistas” en la UCLA Art Gallery de Los Ángeles y “Some Recent American Art” en la exposición del Museum of Modern Art de Australia. También expuso a nivel internacional: “Kompas IV” en el Stedelijk Museum de Eindhoven , junto a otros artistas (Larry Bell y Doug Wheeler), en la Tate Gallery de Londres, y en la Documenta de Kassel en Alemania .
En 1993, el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles organizó la primera retrospectiva integral de la carrera de Irwin; la exposición luego viajó al Kölnischer Kunstverein , el Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía . [26] En 2008, el Museo de Arte Contemporáneo de San Diego presentó otra retrospectiva integral que abarca cincuenta años de la carrera de Irwin.
Irwin recibió una beca MacArthur en 1984, lo que lo convirtió en el primer artista en recibir la beca de cinco años, que duró hasta 1989. También recibió una beca John Simon Guggenheim (1976), el premio Chaloner, el premio James D. Phelan (1954) y la medalla de la Fundación Thomas Jefferson en arquitectura otorgada por la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Virginia (2009). Obtuvo doctorados honorarios del Instituto de Arte de San Francisco (1978) y del Otis College of Art and Design (1992). Irwin fue elegido miembro de la Academia Estadounidense de las Artes y las Letras en 2007. Ese mismo año tuvo una residencia en el Museo de Arte Contemporáneo de San Diego . [27]
La obra de Irwin se conserva en más de 30 colecciones públicas en todo el mundo, incluido el Centro Georges Pompidou , París; el Museo J. Paul Getty , Los Ángeles; el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles ; el Museo de Arte Contemporáneo , Los Ángeles; el Museo de Arte Contemporáneo , Chicago; el Museo de Arte Contemporáneo de San Diego ; el Centro de Arte Walker , Minneapolis; el Museo y Jardín de Esculturas Hirshhorn , Institución Smithsonian, Washington, DC; el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía , Madrid, España; el Museo de Arte Moderno , Nueva York; el Museo Metropolitano de Arte , Nueva York; el Museo Solomon R. Guggenheim , Nueva York; el Museo Whitney de Arte Estadounidense , Nueva York; la Galería de Arte Albright-Knox , Buffalo; y la Fundación de Arte Dia , Nueva York. [5] [ mejor fuente necesaria ]
Entre 1999 y 2003, Irwin vivió en Beacon, Nueva York . [12] Irwin murió de insuficiencia cardíaca en La Jolla , California, el 25 de octubre de 2023, a la edad de 95 años. [2]