El Estudio Harrison está formado por Helen Mayer Harrison (1927-2018) y Newton Harrison (1932-2022), que se encuentran entre los primeros y más conocidos artistas sociales y ambientales . [1] A menudo denominados simplemente "Los Harrison", Helen y Newton han producido trabajos multimedia en una amplia gama de disciplinas. Trabajan en colaboración con biólogos, ecologistas, historiadores, activistas, arquitectos, urbanistas y otros artistas para iniciar diálogos y crear obras que exploren la biodiversidad y el desarrollo comunitario. Helen y Newton Harrison son profesores eméritos de la Universidad de California, Santa Cruz, y de la Universidad de California, San Diego. Han realizado numerosas exposiciones individuales internacionales y su trabajo se encuentra en las colecciones de muchas instituciones públicas, incluido el Centro Pompidou , el Museo de Arte Moderno , el Museo de Arte de San José , el Museo de Arte de Nevada y el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago . En 2013, los Harrison se convirtieron en los primeros destinatarios del Premio Corlis Benefideo de Cartografía Imaginativa. Las bibliotecas de la Universidad de Stanford adquirieron The Helen and Newton Harrison Papers, un extenso archivo que documenta su vida y obra con una importante cantidad de material audiovisual y archivos nativos digitales.
Helen Mayer nació el 1 de julio de 1927 en el distrito más oriental de la ciudad de Nueva York, Queens , en una familia académica: ambos padres eran maestros de escuela y su padre, matemático. [2] [3] Helen se graduó de Forest Hills High School en 1943 a los dieciséis años, obteniendo una beca completa para la Universidad de Cornell . En Cornelle, se le animó a estudiar matemáticas debido a su habilidad natural, pero en su lugar se especializó en psicología durante dos años; finalmente regresó a casa para obtener su licenciatura en inglés del Queens College en 1948. En 1952, obtuvo una maestría en filosofía de la educación de la Universidad de Nueva York (NYU).
Newton Abner Harrison nació el 20 de octubre de 1932 en el distrito neoyorquino de Brooklyn y se crió en el cercano suburbio de New Rochelle . El abuelo de Newton, Simon W. Farber, era un hojalatero que emigró de Rusia en busca de prosperidad a finales del siglo XIX. Abrió una pequeña tienda de artículos de latón en el Lower East Side de Manhattan, donde vendía utensilios de cocina y objetos ornamentales; los clientes apreciaban la inmediatez y la calidad de su producto en comparación con los costosos artículos de latón importados de Europa. Cuando Simon pasó del martilleo manual al hilado de metales con un torno automático, tanto la producción como las ventas aumentaron drásticamente. En 1907 abrió una planta de fabricación en Brooklyn para ampliar aún más su línea de utensilios de cocina, a la que llamó Farberware . La Meyer Corporation adquirió Farberware en 1997 y promueve la empresa como una de las marcas más antiguas y de mayor confianza en artículos para el hogar estadounidenses.
A los quince años, Newton les dijo a sus padres, Estelle Farber y Harvey Harrison, que quería convertirse en artista. Le pidieron que continuara sus estudios en Peddie Prep High School, una escuela preparatoria para la universidad en Nueva Jersey. Mientras tanto, Newton andaba en bicicleta por todo New Rochelle. Localizó al célebre escultor de New Rochelle, Michael Lantz . Newton le mostró un caballo que había hecho el año anterior. Lantz respondió que nunca había hecho un caballo tan bien a los 14 años. Lantz lo aceptó como su aprendiz. Newton ayudó a Lantz durante las vacaciones escolares durante la escuela secundaria y de manera intermitente durante sus años universitarios desde 1948 hasta 1953. El aprendizaje incluía lecciones de modelado, fundición de yeso, carpintería y creación de modelos arquitectónicos a escala, así como dibujo y lectura de planos arquitectónicos. Newton asistió al Antioch College en Yellow Springs, Ohio durante varios años antes de transferirse a la Academia de Bellas Artes de Pensilvania (PAFA) en Filadelfia para formalizar sus estudios de escultura. Los profesores de la PAFA y los coleccionistas de arte locales alentaron a Newton a desarrollar su enfoque de la figura humana al estilo de Rodin: su capacidad para transmitir los movimientos poéticos del cuerpo y el alma utilizando arcilla. [4]
Helen y Newton se casaron en 1953. Hay una notable colección de cartas en los Harrison Papers de Stanford escritas y recibidas por los Harrison en su primer viaje al extranjero a Florencia, Italia , donde vivieron de 1957 a 1960 con financiación parcial de la beca Scheidt Memorial de la PAFA y el resto financiado por los padres de Newton, Estelle y Harvey. Las cartas de Florencia expresan la experiencia de la pareja viviendo en el extranjero y contemplando el propósito de sus vidas. Helen fue la directora de la Escuela Infantil Internacional de Florencia durante dos de los tres años que vivieron en el extranjero, aunque el foco de las cartas es la resolución de Newton de convertirse en un artista profesional. "Muchas gracias", comienza una carta a Estelle y Harvey, porque ambos "nos permitieron encontrarnos a nosotros mismos. El camino del artista no es fácil, pero las recompensas para nosotros son muchas, y la promesa de poder utilizarnos significativamente de acuerdo con nuestras capacidades es la única promesa que tiene sentido para nosotros". [5]
Los Harrison regresaron de Florence a la bulliciosa escena artística de la ciudad de Nueva York en 1960. Newton inicialmente encontró trabajo enseñando pintura experimental a niños en Henry Street Settlement y centros vecinales. Luego se inscribió en la Escuela de Arte y Arquitectura de la Universidad de Yale para completar su licenciatura y maestría en bellas artes. El reclutamiento de la Guerra de Corea había interrumpido el progreso hacia su licenciatura en PAFA. Se inscribió en 1952, pero luego se vio obligado a servir dos años en el Ejército de los EE. UU. de 1953 a 1955. El tiempo que los Harrison vivieron en el extranjero en Florence había pospuesto aún más la finalización de su licenciatura. A principios de la década de 1960, la ciudad de Nueva York fue la zona cero del ethos greenbergiano de la pintura abstracta, enfatizando la autonomía y la primacía de la pintura aplicada a un plano pictórico trascendente.
Helen estuvo muy involucrada en varias actividades humanitarias a principios de los años 60. Helen "se sumergió en una escena cultural que fusionaba el mundo del arte, el mundo de la música folk y el movimiento por la paz. Organizaba conciertos y Hootenannies para recaudar fondos para el movimiento por los derechos civiles y otras causas, entablando amistad con músicos que iban desde los Clancy Brothers hasta Archie Shepp . Fundó el Tompkins Square Peace Center. El grupo que ayudó a formar incluía a Dorothy Day del Catholic Worker , Dave McReynolds de la War Resisters League , Judith Malina y Julian Beck del Living Theater , David Dellinger del Pacifist Anarchist Group, Robert Gilmore del American Friends Service Committee . Fue la primera coordinadora de Nueva York de la Huelga de Mujeres por la Paz, una fuerza importante en el movimiento contra la guerra y una organización crítica detrás del tratado de Prohibición de Pruebas Nucleares de 1964". [6]
Newton había empezado a sentir que las convenciones del modelado de figuras y la perspectiva habían quedado extremadamente pasadas de moda. Con estas influencias, Newton dejó de lado la escultura y comenzó a establecerse como pintor. Sewell Sillman y Al Held fueron dos mentores clave para Newton durante su estancia en Yale. Combinando lecciones de teoría del color con Sillman y lecciones de abstracción de bordes duros con Held, pintó composiciones audaces. Sin embargo, esas pinturas conservaban su objetualidad. Parecían esculturas pigmentadas en relación con la arquitectura circundante.
Newton se graduó en Yale en 1965 a la edad de treinta y dos años con una licenciatura y una maestría en bellas artes. Luego consiguió su primer puesto en la facultad como profesor asistente a cargo de Fundamentos Visuales en la Universidad de Nuevo México (UNM). Con cuatro hijos en edad escolar y su propio conjunto de títulos, Helen también regresó a trabajar en la UNM enseñando literatura, aunque orientó su trabajo en el campo de la educación de manera más amplia. Helen quería plantear la cuestión de la igualdad y el acceso a una buena educación en todos los niveles de la sociedad. Ella y Newton colaboraron en la redacción de un ensayo que exploraba nuevas direcciones en la educación artística para los desertores escolares de la escuela secundaria. Titulado "Dropouts and a 'Design for Living'", el ensayo fue publicado en New Perspectives on Poverty . [7]
Los Harrison se mudaron a La Jolla, California , en 1967 cuando el pintor expresionista abstracto Paul Brach , presidente fundador del Departamento de Artes Visuales de la UC San Diego , reclutó a Newton para que se uniera a su facultad. [8] Los indicios de la creciente colaboración artística de Helen con Newton ya eran evidentes durante esta época. "La sensación que se tenía en el circuito literario y de conferencias era que Newton era el "alquimista" y constructor; Helen, la erudita y teórica que también trajo la fotografía y el texto a la práctica; esto se acepta retóricamente en un guión temprano de su colaboración..." [9]
Newton inició un período de tres años de experimentación intensiva en el campo expandido. Durante este tiempo se relacionó directa y libremente con ingenieros, biólogos, políticos e incluso corporaciones fuera del ámbito del arte. Participó en Experimentos en Arte y Tecnología de Billy Kluver , así como en el programa de Arte y Tecnología de Maurice Tuchman en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (LACMA). Produjo diseños esquemáticos para obras de arte que exploraban el comportamiento orgánico e interactivo de los sistemas vivos y tecnológicos, y comenzó a pensar en los procesos de crecimiento y las transformaciones como obra de arte más que como imágenes y objetos. [10]
Helen y Newton siguieron caminos diferentes y a distintas velocidades para transformar sus carreras después de llegar a la UC San Diego en 1967. El período inestable de reflexión sobre ideas sobre ciencia, tecnología, igualdad y justicia a fines de la década de 1960 es clave para entender su decisión de comenzar a colaborar entre sí en 1970 con motivo de la exposición "Furs and Feathers" en el Museo de Artesanía Contemporánea de la ciudad de Nueva York. En una obra llamada An Ecological Nerve Center presentada en el Museo de Artesanía Contemporánea, inauguraron una carrera de experimentación en la producción y exhibición del arte como conocimiento que informa el cambio social y ambiental.
Helen se mudó a California en 1967 y se inscribió en la Universidad Internacional de los Estados Unidos (hoy conocida como Alliant International University ) para comenzar un programa de doctorado interdisciplinario en la Escuela de Graduados de Liderazgo y Comportamiento Humano. Con una preocupación constante por la igualdad y la justicia social, buscaba actualizar y sintetizar tres áreas de especialización (lenguaje, aprendizaje y psicología social) para poder contribuir con la investigación a garantizar que todos los estudiantes tengan las mismas perspectivas de vivir bien. Sin embargo, Helen se retiró del programa de doctorado después de unirse a la División de Extensión de la UC como coordinadora del programa de educación en 1969 y ascender a un puesto de directora en 1970. Durante su mandato como directora de los programas de educación de la División de Extensión de la UC, la inscripción y la oferta de cursos aumentaron de un promedio de cuarenta y dos clases a cincuenta y cinco clases por trimestre. El objetivo de Helen era proporcionar a los maestros del condado de San Diego cursos para mejorar su nivel de experiencia en áreas temáticas, al mismo tiempo que les proporcionaba una comprensión más profunda de la psicología y el desarrollo infantil. Amplió el alcance de los programas educativos de la División de Extensión de la UC a más de diez distritos escolares del condado e introdujo conferencias de un día y dos semanas que atrajeron a participantes de todo el país.
Mientras estudiaba en la Universidad Internacional de los Estados Unidos, Helen también recopiló escritos de la vanguardia del Movimiento de Liberación de la Mujer , entre ellos: "Status of Women in Graduate Departments of Sociology: 1968-1969" de Alice S. Rossi , aceptado para su publicación en The American Sociologist (otoño de 1969) y puesto a disposición a través del Women's Caucus de la American Sociological Association en su convención de San Francisco; "Toward a Female Liberation Movement" de Beverly Jones y Judith Brown, publicado por New England Free Press; y "Kinde, Kuche, Kirche as Scientific Law: Psychology Constructs the Female" de Naomi Weisstein , publicado por New England Free Press. [11] A raíz del feminismo de segunda ola, la preocupación de Helen por la igualdad y la justicia social había crecido para incluir, de una manera más directa, sus propios derechos como mujer a usarse a sí misma de manera significativa de acuerdo con sus propias capacidades y a ser reconocida por sus contribuciones.
El primer compromiso prolongado de Helen con el trabajo de Newton fue en "Fur and Feathers", donde la investigación de 3 estudiantes de posgrado que ella guió fue fundamental. En esta etapa, Helen solo contribuía a la parte de investigación cuando no estaba ocupada con su trabajo de diseño de clases y planes de estudio en la Extensión de la UCSD. Helen y Newton tenían una colaboración informal que se remonta a la década de 1950. Cuando se mudaron al Lower East Side , ayudaron a formar el centro de la paz de Tompkins Square, un compañero del Centro de la Paz de Greenwich Village. El objeto de su trabajo colectivo aquí condujo a la Marcha de las Mujeres en Washington en un esfuerzo por lograr que Kennedy detuviera las pruebas sobre tierra, ya que el estroncio 90 de las pruebas atómicas estaba apareciendo en la leche materna. Más tarde, Helen se convirtió en la primera coordinadora de Nueva York de la Huelga de Mujeres por la Paz. Su trabajo conjunto fue integral, pero informal durante este período. Helen estaba siendo considerada para el puesto de vicerrectora en la Extensión de la UCSD. Ella le preguntó a Newton cómo se sentiría si desayunara un vicerrector todas las mañanas. Newton respondió que prefería hacerlo con un artista. Newton imaginaba obras que crecieran en escala y complejidad, y sabía que no podrían lograrse solos.
En su reseña de la exposición "Furs and Feathers", Richard Elman describió la observación de "un gran mapa blanco del mundo en la entrada principal que estaba repleto de anotaciones en letra impresa, especialmente la parte estadounidense, en tonos de rojo y gris para distinguir las especies de vida silvestre 'en peligro' de las 'exterminadas'". Aún más impresionante fue una grabación de audio que acompañaba el mapa y que Elman recuerda como "una letanía, una lista de bajas, entonada con una voz plana y desanimada. Continuó y continuó durante unos quince minutos sobre las actividades de caza de los jeques de la península Arábiga, poblaciones enteras de aves marinas, monos, leones, vincuñas y el gran alca ". [12]
Poco tiempo después, Helen decidió renunciar a su puesto de directora de los programas educativos de la División de Extensión de la UC para dedicarse al arte a tiempo completo en 1972. En su carta de renuncia, escribió con afecto: "¡Me he divertido demasiado aquí! Sin embargo, me estoy convirtiendo en una artista en mi vejez y estoy haciendo lo que hemos ofrecido en varios cursos de Extensión: 'cambiar de carrera a mitad de camino'". [13] "Fur and Feathers" fue el trabajo final por el que Helen no recibió el mismo crédito que Newton después de que comenzaran su asociación artística oficial.
Dos trabajos individuales, a través de los cuales Helen llegó a su propia comprensión vanguardista de la participación en la forma de crecimiento y el activismo de crecimiento, son fundamentales para la historia de la consolidación de su carrera como artista. Strawberry Jam (1973), el primer trabajo individual, comenzó cuando Dextra Frankel, director de la Galería de Arte de la Universidad Estatal de California en Fullerton , se puso en contacto con Helen en febrero de 1973 para preguntarle si le gustaría participar como artista solista en una gran exposición colectiva titulada "In a Bottle" (En una botella). Como recuerda Helen en una declaración escrita a máquina en la que reflexiona sobre la exposición: "Acababa de terminar de ayudar a Newton Harrison con una obra llamada Strawberry Wall (Muro de fresas) y él me sugirió que hiciera una performance de elaboración de mermelada, ya que yo hacía los festines para sus obras de crecimiento, y pensé: ¿qué cabe en una botella sino mermelada?". En una hoja de papel aparte, arrancada de un viejo bloc de notas del Departamento de Lengua y Literatura Inglesa de la Universidad de Nuevo México (donde Helen enseñó de 1965 a 1967), registró un flujo de conciencia que profundiza más en su proceso creativo: “Una de las cosas que hay que hacer con una botella es llenarla. Una de las cosas básicas con las que se llena una botella es la comida. Uno prepara la comida y la conserva en la botella. Recolectar botellas y llenarlas con comida... imaginar que no hay comida para nosotros este año y tenemos que preparar la comida del año que viene (Muro de la Comida), dar su producción a otras personas en una serie de festines (ritual de abundancia), registrarlo”. [14] Strawberry Jam se convirtió así en una actuación de resistencia en la que Helen hizo quince frascos de mermelada de fresa por día durante seis días consecutivos utilizando solo ingredientes naturales como jugo de limón y vino para espesar la mezcla, y la menor cantidad de azúcar posible para familiarizarse con el dulce sabor de la fruta en sí. Las recetas variaban cada día en función del dulzor de las bayas extraídas de las plantas, y la mermelada se volvía cada vez más ácida a medida que Helen empezaba a apreciar la forma en que el limón y el vino realzaban el matiz ácido de las bayas. Los primeros cinco días de la actuación se llevaron a cabo en privado. El sexto día, Helen representó la elaboración de la mermelada de fresa para un público en la Galería de Arte del California State College en Fullerton. Y el séptimo día, descansó.
Seis meses después, Helen reanudó la elaboración de mermelada de fresa como proyecto de investigación artística. Había seguido dándole vueltas a la imaginería conceptual de la botella y a la ideología de conservación que la acompañaba. Se preguntaba cómo el medio de la fotografía serviría como herramienta de conservación o tal vez de continuidad, no de la fruta en sí, sino del conocimiento y la habilidad necesarios para plantar, cultivar y cosechar fresas en ciclos de regeneración con momentos de abundancia y escasez. Como experimento de estudio, Helen utilizó estanterías cuadradas montadas en la pared para organizar una composición en cuadrícula similar a un lienzo de frascos llenos de mermelada que sobró de la exposición de Fullerton. Luego le pidió a Philip Steinmetz, un artista conceptual y fotógrafo que en 1971 se había incorporado a la facultad del Departamento de Artes Visuales de la UC San Diego, que hiciera dos imágenes en color: una de abundancia con todos los frascos en su lugar de manera que llenaran los estantes, y otra de escasez con solo unos pocos frascos en su lugar. También produjo una tercera y convincente imagen en la que colocó solo tres frascos sobre una pequeña pila de libros, incluido The Structure of Art de Jack Burnham , e imprimió varias copias para poder modificar la composición utilizando técnicas de collage. Con el collage, Helen podía ajustar la cantidad de frascos y apilarlos en diferentes formaciones acumulativas como una forma de reflexionar sobre los méritos de la forma de crecimiento y el activismo de crecimiento por parte de las mujeres en relación con la llamada estructura del arte.
Off Strawberry Wall (1974), el segundo trabajo individual de Helen, comenzó cuando la historiadora de arte feminista Arlene Raven invitó a Helen a participar en el programa de exposiciones en el Women's Building de Los Ángeles. Helen se asoció con Joyce Shaw para una exposición de tres semanas en la galería Grandview One dentro del Women's Building. La declaración de artista que produjo para esta muestra demuestra aún más la fluidez de su pensamiento sobre el tiempo, el trabajo, la cultura, el arte, la preservación y la continuidad de la vida. En esta declaración, explicó que ambas obras de fresas son "derivaciones y diversiones de fiestas y actuaciones que he hecho en otros contextos. Me interesa la relación entre las morfologías y las transformaciones que ocurren en la vida, el crecimiento y la cocina y las transformaciones que llamamos arte. Estoy especialmente interesada en esas transformaciones intencionales que hacen que los objetos representen el proceso. El juego del tiempo, la naturaleza y el artificio es un elemento importante en mi trabajo y me intriga la yuxtaposición de fresas de crecimiento real, la vida útil de la mermelada y las transformaciones instantáneas de la cámara y el collage". [14] En la pared más grande de la Grandview One Gallery, Helen colgó las fotografías de Steinmetz junto con su collage exploratorio que cuestionaba los méritos del trabajo de las mujeres en relación con la estructura del arte. En una pared adyacente, instaló un pastizal horizontal bajo de plantas de fresa en formas modulares similares a contenedores que Newton había diseñado para Survival Pieces . Pero el cierre de la exposición el 23 de marzo de 1974 coincidiría con una celebración especial explícitamente llamada "Un día hecho por la mujer" que incluiría una serie de eventos como una presentación de diapositivas de autoayuda ginecológica por parte del Centro de Salud Feminista de la Mujer, una demostración de karate y autodefensa por parte de Karen Iwafuchi, un foro abierto sobre supervivencia y poder por parte de la Comisión Contra la Violación, una presentación sobre la creación del Taller de Estudio Feminista (la entidad que fundó el Edificio de la Mujer) y una actuación improvisada por parte de Helen.
Con Strawberry Jam (1973) y Off Strawberry Wall (1974), Helen reafirmó la obra de arte como una oportunidad para que los participantes aprendieran, sintieran e incluso establecieran vínculos con sus fuentes de alimentos como algo valioso, y a su vez se vieran a sí mismos como capaces de tomar decisiones de crecimiento y formación que beneficiaran a la sociedad sin degradar la tierra. Estas dos obras de fresas también marcaron un punto de inflexión en una nueva política del conocimiento —una política afirmativa— mediante la cual Helen y Newton Harrison comenzaron a combinar la investigación científica sobre cuestiones ambientales como la contaminación y el calentamiento global con la introspección autocrítica, las tecnologías de medios mixtos y la acción en vivo del arte escénico para dinamizar las epistemologías y ontologías de la academia y la vida cívica. [15]
En 1974 y 1980 respectivamente, Newton y Helen se convirtieron en profesores titulares del Departamento de Artes Visuales de la UC San Diego.
El tema de Harrison abarca un gran número de disciplinas, pero siempre tiene como eje central el bienestar ecosocial del lugar y la comunidad. Ya sea que se trate de la recuperación de cuencas hidrográficas, la reforestación o proyectos modestos en ciudades y sus alrededores, el pensamiento sistémico integral guía los procesos conceptuales de su investigación. Han expuesto en todo el mundo con instalaciones a gran escala utilizando diversos medios que tienen en sí un pensamiento crítico y propositivo. Utilizan el formato de exposición de varias maneras, a menudo en el sentido de una asamblea municipal, siempre con la intención de ver cómo sus propuestas salen de los muros, aterrizan en procesos de planificación y, en última instancia, resultan en intervenciones en pos de la justicia social y ambiental.
El estudio Harrison sitúa su trabajo en los dominios tanto del arte como de la ciencia. Al operar en el ámbito del arte, los Harrison enseñan las dimensiones ecológicas de la condición humana mejor de lo que podrían hacerlo si trabajaran en el ámbito de la ciencia. Al hacer arte con contenido ecológico, el estudio implica que la especie humana debería tratar al planeta como una escultura. Si bien no era evidente en ese momento, en retrospectiva el trabajo de los Harrison se divide naturalmente en cinco fases principales. Estas fases siguen una progresión natural a medida que evolucionan y crecen en escala y se alinean vagamente con diferentes décadas a lo largo de su colaboración artística de casi 50 años. Estas fases son la profética, la urbana, la biorregional, la global y, finalmente, la de fuerza mayor, que se centra en comprender cómo toda la vida, no solo la humanidad, sobrevivirá cuando se enfrente al cambio climático en el futuro lejano a medida que la entropía aumenta inevitablemente. [16]
La mayor parte de la obra de los Harrison está escrita en poesía en una especie de poesía en prosa [17]. La razón por la que utilizan la forma poética es que la poesía permite condensar la información. Además, la poesía no conlleva la discordia burocrática tan común en la mayoría de las propuestas de proyectos. En cambio, se centran en crear nuevas metáforas y narrativas orientadoras para lugares tan pequeños como una esquina de Santa Mónica o tan grandes como toda Eurasia. Las obras de Harrison Studio se realizaron principalmente por invitación y por encargo. [18]
Los Harrisons comenzaron su colaboración activa en 1970. Esta década puede ser recordada como los "Años de la Profecía". [19] Helen renunció a su puesto en la Universidad, actuó como asistente de investigación y diseñadora de performance y Newton escribió y construyó la obra en 7 "Piezas de supervivencia". [20] Las imágenes y los temas abarcaron Making Earth, Hog Pasture, Portable Orchard, Full Farm, Portable Fish Farm, Brine Shrimp farm y Crab Farm. Las imágenes muestran que Full Farm contenía otros elementos, como un huerto de patatas y una granja de lombrices. Los Harrisons afirmaron que su intención era demostrar el valor de la agricultura urbana y, al hacerlo, crear una dieta equilibrada. Su intención era que cada instalación de la serie contribuyera al diseño de un sistema alimentario productivo y sostenible . La obra presagiaba futuras historias del bioarte y debates sobre la ética, las ontologías y los efectos de la vida no humana o posthumana. Los Harrison trabajaron con entidades vivas como medios artísticos y adoptaron biofunciones como los desechos, la procreación, el crecimiento, la evolución, la muerte y la descomposición como procesos artísticos. Estas obras se han recreado en numerosos lugares de todo el mundo, como Toulouse en 1998, [21] Londres, en 2009 en el Barbican, [22] y el Museo de Arte Walker en Minneapolis en 2016, [23] y Los Ángeles en 2017, entre otros, y profetizaron el trabajo de agricultura urbana de finales de la década de 1990. [24]
A estas obras le siguió otra obra profética, esta vez una propuesta de policultivo de peces a lo largo del Mar Salton en 1974 y 1975. [25] En 1976, los Harrison hicieron un análisis muy complejo de la agricultura de regadío y de la entonces muy promocionada revolución verde. En esta obra, titulada “Las meditaciones sobre el río Sacramento, el delta y las bahías de San Francisco”. [26] Las dos últimas estrofas poéticas argumentan que los recursos utilizados para hacer agricultura de regadío arruinaron ríos, la ecología del Valle Central de California , incluso los bosques de Sierra Nevada , elevando la entropía de toda una biorregión.
Esta colaboración se llevó a cabo originalmente en el Museo de Arte Contemporáneo de San Francisco como una exposición de una variedad de medios, incluidos murales, grafitis y performances. [27] Declaraciones escritas con tiza en las calles de la zona, vallas publicitarias que mostraban una sola palabra, agua, y varios carteles que cuestionaban la necesidad de la irrigación eran parte de esta exposición. En el interior se mostraban imágenes repetidas de una vista satelital de California que se centraba en diversos puntos de referencia, como la topografía, las fronteras y los cuerpos de agua, rodeadas de meditaciones escritas y críticas de las prácticas de irrigación y su impacto en el medio ambiente y la biodiversidad. Esta colaboración también incluyó representaciones de lecturas, consejos al personal del agua y una reunión de la Junta del Agua grabada en video. Esta colaboración transmitió de manera efectiva los problemas y las contradicciones de la intensa irrigación que se produce en estas áreas a los espectadores de todos los diferentes niveles de conocimiento y comprensión previos. [28]
Los Harrison afirman que ésta es la segunda crítica a gran escala de la agricultura de regadío. La primera crítica menos agresiva apareció varios años antes en una publicación de Ralph Nader. [29]
Entre 1975 y 1977, una de las acciones más políticas de los Harrison fue su crítica a la forma en que la Conferencia sobre el Derecho del Mar estaba explotando el océano para la 76ª Bienal de Venecia. [30] En 1975-76 también realizaron un trabajo titulado “Meditaciones sobre los Grandes Lagos de América del Norte”. [31] Esta fue su primera propuesta biorregional a gran escala, que propusieron a pedido del Centro de Estudios del Siglo XX de la Universidad de Wisconsin . El trabajo biorregional, que se replegó para centrarse en áreas más grandes, se volvería cada vez más frecuente en su trabajo en el futuro.
Hicieron una propuesta sencilla que sugería reunificar los Grandes Lagos y formar una cuenca hidrográfica gigante basada en los dictados de la ecología. La tercera meditación que hicieron en este período se tituló “Meditaciones sobre los indios Gabrieliño”, cuyo nombre tribal original ya no se recordaba, pero que cultivaban con fuego y luchaban guerras con canciones. [32] Este trabajo es fundamental para comprender el proceso de ecocidio y genocidio que se aplicó conjuntamente al tratamiento del sacerdote español a estos primeros pueblos conocedores de la ecología. Este podría considerarse el primer trabajo de justicia social a gran escala de los Harrison.
Todas las obras detalladas anteriormente fueron proféticas en el sentido de que hacían predicciones concretas sobre el futuro y el resultado a largo plazo de la destrucción del medio ambiente. En su momento esto no era obvio, pero a medida que más y más de sus predicciones comenzaron a hacerse realidad, la naturaleza profética de estas obras se hizo evidente. La última obra profética que realizaron los Harrison es el texto final de su Ciclo de la Laguna, [33] un poema que imagina el aumento del nivel del océano mundial y la migración masiva a regiones más frías. Finalmente, termina con su súplica:
Y la mayor parte de la vida
Conocida y desconocida
Nombrada y sin nombre
Tendrá que ir a otro lugar que ahora
Como vastas partes de la costa este
De América del Norte
Y partes de Europa
Cerca del Mar del Norte
Y América del Sur cerca del Amazonas
Y China en el este
Y Rusia en el norte
India en el noreste
Y otros pedazos de Asia África
Polinesia Melanesia
Australia e incluso Japón
Se unirán al mar en crecimiento
Y en este nuevo comienzo
En este continuo renacer
¿Me alimentarás
Cuando mis tierras ya no puedan producir?
Y yo te albergaré
Cuando tus tierras estén cubiertas de agua
Y juntos
Nos retiraremos
Cuando las aguas suban
[34]
Esta década fue un período enormemente productivo en la vida de los Harrison, ya que continuaron produciendo la enorme obra titulada "El ciclo de la laguna". [35] En esta obra, escrita principalmente en forma de poesía en prosa, vemos lo que equivale a un mural de 350 pies de largo en 60 partes en 7 secciones. Fue adquirido por el Centro Pompidou en 1998 y a menudo se cita en la literatura. Durante más de 25 años han estado experimentando con obras de arte biodinámicas relacionadas con el agua. [36] En El ciclo de la laguna, los Harrison intentan sintetizar la biología, la historia, la economía, la mitología, la geografía, la acuicultura y la geología para generar un nuevo paradigma para pensar sobre las realidades globales, con el agua en lugar de la tierra como base para evaluar las ideas. [37] Este cambio de énfasis de la tierra al agua está simbolizado por la diferencia entre el primer mapa de El ciclo de la laguna, que muestra la masa terrestre de América del Norte en el centro del globo, y el mapa final, que tiene en su centro no la tierra, sino el agua, el Océano Pacífico . [38]
Durante la década de 1980, los Harrison fueron cambiando gradualmente su enfoque hacia las ecologías urbanas. Habían comenzado su carrera con una autolimitación que se cita a menudo. Es decir, se comprometieron a no realizar ningún trabajo que no beneficiara al ecosistema durante el resto de sus vidas. [39] Esta decisión resonó con el desarrollo del arte conceptual , donde una sola decisión podía determinar un cuerpo, o incluso una vida de trabajo. Se vieron obligados a adoptar consideraciones urbanas, ya que la financiación que les permitía hacer obras generalistas a gran escala como las meditaciones y El ciclo de la laguna se desvaneció, y durante este período la financiación para el trabajo provino en gran medida de instituciones urbanas.
Por ejemplo, en Baltimore Promenade, [40] el director del Instituto Maryland , Fred Lazarus, les preguntó a los Harrison cómo responderían a una planificación urbana defectuosa. Baltimore Promenade fue una obra sorprendentemente eficaz. Los Harrison argumentaron que el sistema de paseos de la ciudad había sido enormemente socavado por los tipos de desarrollo inadecuados, que alojaban a las personas en grandes edificios que eran como sistemas de almacenamiento. Esta obra fue única desde varias perspectivas.
En primer lugar, 5 fotografías aéreas de 8 pies cuadrados fueron el núcleo de este trabajo, donde todos podían ver su casa y todos podían ver dónde se desarrollaría el paseo. Una segunda propiedad notable fue que el alcalde y el consejo municipal apoyaron este trabajo, y cuando los Harrison propusieron un paseo por toda la ciudad, el alcalde lo dirigió a través de la ciudad en un carruaje tirado por caballos con tal éxito que el grupo de planificación urbana inmediatamente puso 15 millones de dólares para recrear una sección del paseo llamada el corredor cultural. Otra propiedad notable fue que el paseo conducía desde diferentes secciones de la ciudad hacia la nueva construcción en Harborplace . [41]
Otra obra urbana muy sorprendente se produjo en la pieza titulada “Fortaleza Atlanta”, [42] encargada por la Galería de la Universidad Emory con el Dr. Clark Poling como director. En ella, los Harrison descubrieron que el centro de la ciudad de Atlanta se había rediseñado en edificios muy grandes con entradas únicas, poco atractivos y con todos los estacionamientos rodeados de alambre de púas. Después de un estudio cuidadoso, los Harrison propusieron que la ciudad se había rediseñado a sí misma en oposición a la segunda enmienda de nuestra constitución, que legaliza las reuniones públicas, y sostuvieron que Atlanta se había rediseñado de modo que el público no pudiera reunirse en su centro. En rápida sucesión se encuentra una obra llamada Drama de la Isla Barrera, [43] invitada por el Museo de Arte John y Mable Ringling , en la que los Harrison abordan la destrucción de los manglares y la concienciación sobre este tema en toda la región.
En 1985, mostraron "Barrier Island Drama" en la Bienal de São Paulo y, unos meses después, mostraron trabajos de restauración para la ciudad de Pasadena . Dos años después, fueron invitados por la Santa Monica Mountain Conservancy para hacer una segunda propuesta para la presa Devil's Gate en Pasadena. Ocurrió algo notable. La princesa Gabrieleño vio sus dibujos para la cuenca de Devil's Gate y argumentó que los Harrison habían pedido la restauración de un lugar sagrado al que llamaron "El lugar de las aguas que ríen". En honor a esto, rebautizaron la cuenca de Devil's Gate como " Parque de la cuenca hidrográfica Hahamongna ". No hace falta decir que los Harrison se sintieron honrados. [44]
En 1987, invitados a la Documenta 8, [45] realizaron un trabajo para mejorar el medio ambiente de la ciudad de Kassel, y en él criticaron la reconstrucción de la ciudad después de la Segunda Guerra Mundial . Los Harrison se opusieron a reconstruir la ciudad según los planes originales de Hitler. Se produjo otro resultado notable. Al presidente alemán Von Weizsacker, que pasó por la Documenta, le gustó tanto el trabajo de los Harrison que les pidió que fueran a la ciudad de Berlín y trabajaran allí. Por ese motivo, se les concedió un premio DAAD . [46] [47]
En Berlín, donde los Harrison pasaron dos semestres a partir de 1988, realizaron dos obras. El primero, una obra urbana titulada “Trummerflora: sobre la topografía del terror”, [47] se oponía al sistema industrializado de asesinatos del gobierno alemán en sus campos de concentración. Contraproponían una obra que era un memorial, pero no un monumento. Evidentemente, esta obra fue considerada por el Parlamento alemán, pero fue rechazada por el jefe de la comunidad judía, ya que dicho líder dijo que el lugar era terrible y se usaba tan terriblemente que deseaba que desapareciera y se desarrollara totalmente como vivienda y se olvidara. Los Harrison se mostraron en desacuerdo en vano. [48] En 2003, se creó en esta zona el Memorial de Eisenman a los judíos asesinados de Europa . [49] La segunda obra, “Atempause für den Fluss Sava”, realizada en 1989, es otro ejemplo temprano de las investigaciones biorregionales de los Harrison, esta vez sobre el río Sava y las regiones circundantes. Finalmente, estos planes fueron aprobados por los funcionarios croatas, pero nunca se llevaron a cabo debido al conflicto y la inestabilidad causados por Slobodan Milošević . Estas obras biorregionales evolucionarían y aumentarían en escala a lo largo de la década de 1990. [50]
A principios de los años 1990, los Harrison continuaron desarrollando sus trabajos bioregionales prácticos. Entre ellos, el ya mencionado "Serpentine Lattice", que planteaba argumentos convincentes a favor de la restauración de los bosques de niebla de América del Norte. Se trataba de una instalación de 3 m x 11 m que consistía en un mural de diapositivas que se disolvía del bosque lluvioso templado de la costa del Pacífico de América del Norte, que estaba desapareciendo. La instalación también incluía un mapa dibujado a mano de 3,6 m x 11 m, texto y paneles fotográficos con imágenes del bosque.
En ese momento, se había talado el 95% del bosque antiguo y la tala de árboles había dejado alrededor de 75 mil millas de ríos y arroyos perturbados. El estudio creó un diseño que requeriría controlar el terreno elevado desde la bahía de San Francisco hasta la bahía de Yakutat en Alaska. Esto crearía un andamiaje para la recuperación sostenible del bosque tropical costero templado del noroeste del Pacífico. La idea principal era generar un sistema de seguridad ecológico, no muy diferente del sistema de seguridad social, y utilizar el 1% del Producto Nacional Bruto para tratar de luchar contra la destrucción aparentemente interminable del medio ambiente. En esta instalación se incluyó un escrito para explicar mejor sus ideas y razonamientos. Este proyecto se llevó a cabo en Reed College en Portland, Oregon. Susan Fillin-Yeh apoyó a los Harrison en este esfuerzo. Douglas F. Cooley, de la Memorial Art Gallery de la universidad, encargó el proyecto. Serpentine Lattice ahora está en la colección permanente del Museo de Arte de San José .
Este trabajo particularmente complejo terminó proponiendo que la restauración se hiciera de tal manera que la ocupación humana operara como una figura en un campo ecológicamente diverso. [51] En su tesis doctoral, Reiko Goto explica el uso de una "inversión de metáfora" en este trabajo como un ejemplo de arte conceptual que contiene un mensaje ambiental mucho más poderoso. [52]
Los Harrison argumentan en su poema final que Estados Unidos debería desarrollar un sistema de ecoseguridad financiado con un porcentaje de la base impositiva que fuera similar en intención y proceso a la forma en que funciona ahora el sistema de seguridad social.
Sin embargo,
si como una forma de reciclaje
tomamos el uno por ciento
de nuestro producto nacional bruto
y establecemos un sistema de ecoseguridad
no muy diferente
de nuestro sistema de seguridad social
, entonces
aproximadamente 57 mil millones de dólares
estarán disponibles anualmente
para restauración/recuperación.
Finalmente,
el terreno se invertiría
de modo que el ecosistema
se convertiría en el campo
y el uso humano
en la figura dentro de él.
Entonces,
el ecosistema nacional bruto
ocuparía su lugar
privilegiado apropiadamente
como el campo dentro del cual pueden existir
los sistemas políticos ,
los sistemas sociales
y los sistemas comerciales que constituyen
nuestra entidad ecocultural.
[53]
En 1993, Helen y Newton reclutaron a su hijo menor, Gabriel Harrison, arquitecto, y a su esposa, la diseñadora Vera Westergaard, para que se unieran a ellos en la creación formal del Harrison Studio en La Jolla . Este período enfatizó especialmente la interrelación del trabajo urbano y biorregional. Los Harrison permitieron que el trabajo urbano se desdoblara y se volviera biorregional en sus operaciones finales. Por ejemplo, en "El corazón verde de Holanda", el consejo cultural de los Países Bajos solicitó salvar el Groene Hart , que había sido dañado por la contaminación y amenazado por un desarrollo urbano descontrolado. Se trata de un área de 800 kilómetros cuadrados en el centro de los Países Bajos. La propuesta de los Harrison era biológica en su estructura y biorregional por implicación.
Por ejemplo, su anillo de biodiversidad de 257 kilómetros de longitud está en sintonía con los miniecosistemas de sucesión que se dan en todo el Corazón Verde. Si se lleva a cabo con suficiente agresividad, a medida que la agricultura retroceda en esa región y la red de vida aumente, su número de miniecosistemas de sucesión, toda la región del Corazón Verde podría convertirse en un área biorregional única. [54] El trabajo del Corazón Verde finalmente recibió el premio Groeneveld por hacer lo máximo por el país de Holanda ese año en 2002. [55]
Esta estrategia que los Harrison desarrollaron para reconectar el mundo urbano con la biorregión en la que operan también se refleja profundamente en el trabajo de 1995-96, Endangered Meadows of Europe (Las praderas en peligro de extinción de Europa). Al igual que Holanda, que comenzó con una petición de que se detuviera el desarrollo que dominaba el Corazón Verde, lo que el trabajo de los Harrison logró hacer, las praderas en peligro también comienzan con una ciudad, esta vez la ciudad de Bonn. Su forma física era un tejado de un acre y medio en la cima del museo más grande de Alemania, que era el museo de Helmut Kohl . La obra fue enormemente popular. Acudió un cuarto de millón de personas. Angela Merkel , entonces ministra de medio ambiente de Alemania, escribió el discurso de apertura. [56]
Sin embargo, la intención de los artistas era restaurar, en su estado original, las praderas de Europa. Si se restauraban, una parte importante de la red de vida del subcontinente volvería a existir, ya que las praderas estaban compuestas por una multitud de especies vegetales, muchas de ellas en peligro de extinción. La fauna terrestre, las aves y los insectos también se beneficiaban de las praderas. La biodiversidad regresa a la ciudad y se argumenta que debería volver al campo. En última instancia, los Harrison propusieron que la transformación histórica del bosque en pradera también creó las condiciones para que se desarrollara una red de vida rica e interconectada. [57]
El "Parque del Lignito para Leipzig" reinterpretó este trabajo para una región que ya había sido muy dañada por la contaminación. Propuso la regeneración de las vastas excavaciones realizadas para extraer lignito, que había sido una fuente de electricidad para Alemania y Europa durante muchas décadas. A principios de los años 1990, esta área estaba en gran parte abandonada. Las excavaciones comenzaron a llenarse de agua tóxica. Al mismo tiempo, había grandes áreas de tierra removida. Los Harrison se dieron cuenta de que la tierra removida tenía casi las mismas condiciones que el suelo dejado atrás por los glaciares. Los Harrison vieron esto como una oportunidad para desarrollar un gran ecosistema novedoso, en parte lagos y lo que crecería en la tierra removida. Lo inusual de esta propuesta fue que defendía que la red de vida creara un ecosistema local especializado que, con el tiempo, se ubicaría en una biorregión más grande durante su regeneración. [58]
Otro proyecto, "Un paseo perimetral para Frankfurt", surgió de una petición de los arquitectos de Hessen. [59] Se pidió a cinco equipos qué harían para resolver los problemas de reducción de la población y los problemas sociales de la ciudad de Frankfurt . Los Harrison se negaron a ello redefiniendo el problema. Descubrieron varios miles de acres de tierras de cultivo en el límite de la ciudad y propusieron un nuevo servicio que beneficiaría a toda la ciudad y beneficiaría enormemente al futuro del medio ambiente en general. Propusieron desviar aguas del río Meno que se bombearían a estanques de purificación y luego se unirían al río en el lado oeste de la ciudad. En sintonía con este nuevo arroyo, inventaron un paseo perimetral a lo largo de las tierras de cultivo y los bosques, salpicado por 9 invernaderos separados por un kilómetro aproximadamente.
Cada invernadero contenía lo que, según las investigaciones, podría vivir en ese entorno una vez que la temperatura hubiera aumentado, en este caso de 3 a 5 grados. El contenido de los diversos invernaderos era bosque, sotobosque, pastizales, tierras de cultivo y praderas, a veces en combinación. Estos invernaderos y estas ideas vanguardistas se volverían a retomar en los "Jardines del Futuro" muchos años después. [60] Este trabajo impresionó tanto a los dirigentes de Frankfurt que su exposición en el museo se presentó como la principal contribución de Frankfurt a la celebración de los Juegos Olímpicos . [59]
Después de regresar a California , uno de sus trabajos más singulares comenzó cuando los Harrison ganaron un concurso para conceptualizar una forma de conectar la ciudad de Santa Mónica con el paseo marítimo que funcionaba cerca del muelle de Santa Mónica . Los Harrison inventaron una obra titulada "California Wash". Desarrollaron un paseo serpenteante desde Pico Boulevard hasta el paseo marítimo que discurría entre Santa Mónica y Venice Beach. Los Harrison descubrieron que debajo del paseo marítimo había un desagüe que liberaba la escorrentía de la calle sin filtrar directamente al océano. [61]
Su diseño exigía cubrir el desagüe de tal manera que se creara un nuevo espacio y una nueva obra llamada "Wave Fence" impedía que la gente se cayera. Esta obra creó una narrativa completamente nueva para esta parte de la ciudad. Parte de la financiación provino de un hotel llamado Shutters on the Beach. Esta obra es emblemática de los problemas que plantea realizar obras públicas no convencionales generadas por arte. El hotel se oponía a la ecología y quería plantar flores no autóctonas como su jardín. La ciudad quería rediseñar el camino serpenteante debido a la preocupación de que los patinadores pudieran causar accidentes. El distrito de control de inundaciones detuvo el trabajo en esta pieza porque quería que la cubierta del desagüe fuera lo suficientemente fuerte como para soportar grandes camiones con cargas pesadas. La resistencia por pie cuadrado tuvo que mejorarse enormemente. Cientos de metros de hormigón y estrías, plantas, que se extendían hasta Pico Boulevard ya se habían completado cuando el trabajo se estancó.
Todo este proceso se prolongó durante casi seis años y la obra quedó inconclusa. Los Harrison descubrieron que existía una ley que establecía que si la ciudad manejaba mal una obra de arte público, los artistas podían pedir su devolución. Evidentemente, se pusieron en contacto con la ciudad y solicitaron la devolución de la obra. Parece que esta solicitud animó informalmente a todos los implicados y la obra se completó en tres meses. [62]
En 1998, los Harrison fueron invitados por la Tate Liverpool y la Fundación Henry Moore a realizar propuestas para el centro de Inglaterra como parte de una exposición titulada Artranspennine 98. [63]
En esta obra, los Harrison tomaron el título literalmente y comenzaron una exploración de los montes Peninos entre Liverpool y Kingston upon Hull . Descubrieron, trabajando con su colega David Haley, que hay caminos romanos que definen esta región, tanto arriba como abajo. El título surgió de Helen Harrison, quien se imaginó a sí misma a varios kilómetros de altura, lanzando una red verde sobre la región que cae sobre los dos caminos romanos y los dos parques públicos gigantes a cada lado. En los grandes mapas que construyeron, este contorno tiene el aspecto de un geco gigante en forma de dragón, y entonces surgió el título: "Lanzando una red verde, ¿puede ser que estemos viendo un dragón verde?" [64]
Esta obra tiene una amplitud y madurez de las que carecen los trabajos biorregionales anteriores, ya que aborda la agricultura, el pastoreo, el control de la población y el control de la vivienda. Además de esto, los Harrison finalmente sostienen que si no se realizan controles de este tipo, se pierde la ecología de la región, al igual que 35 aldeas. Lo contrario sucedería si su trabajo se pusiera en práctica.
La década de 1990 termina con un trabajo encargado a los Harrison por la dirección de la Feria Mundial de Hannover 2000. Este trabajo no era una obra de arte, sino un libro, titulado El mundo como jardín [65] o Grune Landschaften [66], que debía tener el ecologismo como tema central. Cuando un banquero belga asumió la dirección y eliminó todas las preocupaciones ambientales, incluso encargó a McDonalds que fuera el ejemplo de lo que es una dieta saludable, la antigua dirección encargó que se escribieran 10 libros sobre el medio ambiente de Europa. Resultó que, después de un estudio cuidadoso, se entendió que el libro de Harrison era el único que tenía una propuesta directa, por lo que los comisionados originales preguntaron a los Harrison qué querían hacer con su propuesta.
En este libro, los Harrison hacen una propuesta en forma de pregunta: ¿puede la Unión Europea , que en realidad cubre la mayor parte del subcontinente europeo hasta Polonia , comenzar a comportarse como un organismo vivo? ¿Quizás un microorganismo como un paramecio, y eso a través de procesos autopoéticos [67] , donde la inteligencia se indica porque una especie sabe lo que es bueno para sí misma y lo busca, y sabe lo que es malo para sí misma y lo evita? Por lo tanto, la inteligencia se manifiesta en formas de vida en ausencia de un sistema nervioso central. En este libro, los Harrison preguntan: ¿puede toda la península de Europa comportarse de esta manera, con su gobierno determinando lo que es bueno y malo? La pregunta nunca recibe una respuesta suficiente. Esto los lleva directamente a su primera obra importante del siglo XXI.
A principios de la década de 2000, los Harrisons ampliaron sus obras hasta escalas continentales, continuando la tendencia establecida en la década de 1990. Cuando se les preguntó cómo proceder con las ideas presentadas en Grune Landshaften, los Harrisons decidieron crear una exposición titulada “Península Europa”. [68] Esta exposición proponía regenerar los ecosistemas forestales que recorrían la península de Europa desde los Cárpatos a través de la llanura central del macizo francés, y aún más allá, a través de los Pirineos , hasta Portugal. Básicamente, argumentaron a través de muchos, muchos mapas, historias, mapas y piezas de suelo que si se salvaban y preservaban estas tierras, se regeneraría el extremo superior de cada cuenca hidrográfica, salvando simultáneamente tanto el ecosistema del subcontinente como sus sistemas hídricos. Así, "Peninsula Europe, the High Grounds", realizada en 2001, se exhibió en diversos museos de tres países diferentes con catálogos en cuatro idiomas y se completó hasta 2005. [69] Los Harrison volverían a este trabajo con actualizaciones y nueva información varias veces durante la década siguiente.
En 2003, los Harrison también se habían involucrado en un trabajo llamado “La cuenca hidrográfica de Santa Fe, lecciones del genio del lugar”. Esta fue su última gran obra sobre la cuenca hidrográfica. [70] La originalidad de este trabajo se puede ver en el esfuerzo de los Harrison por restaurar la ecología de los arroyos para aumentar las aguas que fluyen hacia el río Santa Fe . Este río solía fluir libre y completamente hacia el río Grande , pero ahora estaba a menudo seco como consecuencia de la sobreexplotación incesante. El concepto de este trabajo evidentemente se incluyó en el plan de la ciudad, pero nunca se promulgó. La parte más singular de este trabajo es la colaboración del estudio de Harrison con Rina Swentzell, sabia tewa y estudiantes de la escuela india. Después de todo, originalmente era su tierra, y los Harrison lo reconocieron vigorosamente y aprendieron de ello. [70]
En 2004, el estudio Harrison se trasladó de La Jolla a Santa Cruz. Durante ese tiempo, los Harrison asumieron nuevos roles como profesores eméritos de la Universidad de California en Santa Cruz . En 2005, después de completar el trabajo de Santa Fe y hacer su última presentación de la península de Europa, comenzaron su siguiente trabajo biorregional titulado "Greenhouse Britain". Es el trabajo sobre calentamiento global más complejo y completo que el equipo de Harrison había intentado jamás. El elemento más poderoso de este trabajo es un modelo de la isla de Gran Bretaña de 2,40 m x 9 m con proyecciones sobre el modelo que mostraban el aumento del nivel del agua alrededor de la isla con las mareas de tormenta. La intención de los Harrison era democratizar la información sobre el calentamiento global de tal manera que quienes vivían y trabajaban cerca del agua pudieran tomar el control de la planificación de su propio futuro. [71] Finalmente, este trabajo ganó el premio CIWEM por hacer lo máximo para alertar a la ciudadanía de la isla de Gran Bretaña para que concientizara sobre cómo el calentamiento global iba a afectar sus vidas en el futuro cercano. [72]
Las obras de los Harrison suelen tener una historia de fondo muy compleja, que a veces se desarrolla a lo largo de largos períodos de tiempo. Por ejemplo, "El Tíbet es la Tierra Alta", encargada y exhibida por primera vez en 1993, tiene una historia complicada. Originalmente, la obra fue concebida en respuesta a la petición personal del Dalai Lama de que lo ayudaran a diseñar un Parque de la Paz en la meseta tibetana . La investigación de los Harrison descubrió que los siete ríos que fluyen desde el Tíbet y que alimentan gran parte de China y Asia estaban en peligro, en la década de 1990, por una agresiva sobreforestación. En cambio, los Harrison inventaron una obra completamente nueva que no aborda el Parque de la Paz, sino que propone que se forme un grupo transnacional para salvar estos ríos. El resultado no fue concluyente. [73]
En 2006, The Missing Peace se puso en contacto con los Harrison y les pidió que volvieran a examinar la obra para una nueva exposición sobre el Dalai Lama. Tras una compleja negociación, los Harrison realizaron una nueva obra sobre el Tíbet que se manifiesta en tres imágenes. La obra propone que la sociedad civil tendrá que cambiar considerablemente a medida que los siete grandes ríos que fluyen desde la meseta tibetana se vuelvan intermitentes en su flujo. Las razones de esto, ahora bien documentadas, son el derretimiento de los glaciares. Esto se debe a que los glaciares que crecen y se encogen solían suministrar agua de manera constante a estos ríos, pero ahora los ríos se volverán mucho más erráticos en su flujo, ya que el agua de lluvia es mucho menos predecible que el derretimiento lento y constante de los glaciares. [74]
Los tres trabajos que propusieron sobre el Tíbet buscan maneras de que toda la meseta tibetana se vuelva verde y de cambiar la naturaleza de su uso del agua. [75] Resucitando el espíritu de la fase profética de su trabajo inicial, los conceptos explorados en las tierras altas del Tíbet representaron una nueva forma de mirar el cambio climático. Planteaban la pregunta, ¿cómo podría la red de vida adaptarse para sobrevivir ya que la humanidad aparentemente no puede, o no quiere, revertir el daño? Las nociones de pensamiento pragmático hacia adelante y estrategias de adaptación informarían en gran medida la siguiente etapa importante de su trabajo. A partir de 2007, los Harrisons introdujeron este nuevo tema global como un término tomado del mundo legal, La fuerza mayor . [16]
"La palabra fuerza mayor se traduce literalmente del francés como fuerza superior. En inglés, el término se utiliza a menudo en consonancia con su significado literal en francés, pero también tiene otros usos, incluido uno que tiene sus raíces en un principio del derecho francés. En los círculos empresariales, "fuerza mayor" describe aquellos acontecimientos incontrolables (como la guerra, los paros laborales o las condiciones meteorológicas extremas) que no son culpa de ninguna de las partes y que dificultan o imposibilitan el desarrollo normal de las actividades comerciales". [76]
Los Harrisons proponen que nosotros, como raza humana, hemos inventado nuestra propia versión de este concepto. Definen la Fuerza Mayor como la transacción entre la subida de las aguas que afecta a todas las zonas terrestres tocadas por el mar, la sexta extinción, que afecta a todas las criaturas vivientes, y la ola de calor, que toca todas las superficies del planeta. Consideran que estas tres fuerzas colaboran para crear una Fuerza Mayor. Consideran que su trabajo más reciente es el de intentar descubrir fuerzas contrarias a esa escala. Unos 10 años después, este nombre se utilizaría para fundar la organización sin fines de lucro de los Harrisons, The Center for the Study of the Force Majeure.
Mientras los Harrison trabajaban a escala global durante este período, también comenzaron a desarrollar una nueva serie de trabajos llamados "Jardines del futuro". El Jardín del futuro se propuso responder a una pregunta muy simple: dada la ola de calor extrema y sus implicaciones, ¿podemos cultivar, en el presente, lo que vivirá en el futuro? La idea es que, a medida que un ecosistema, o al menos la mayoría de las especies que lo componen, se desvanecen en una futura ola de calor, ¿podemos cultivar el reemplazo en el presente en invernaderos para que se pueda ayudar e incluso acelerar la regeneración del ecosistema? La originalidad aquí fue ayudar a la migración de especies a través del tiempo. Los Harrison encontraron interesante trabajar a la mayor y a la menor escala simultáneamente. Los "Jardines del futuro" están diseñados para ser reproducidos y reconstruidos fácilmente en diferentes entornos alrededor del mundo, de manera muy similar a las "Piezas de supervivencia". En última instancia, los jardines del futuro se proponen democratizar la información botánica y cualquier grupo pequeño con asistencia botánica experta puede dedicarse a cultivar su propio futuro.
Se podría argumentar que los primeros prototipos de Future Gardens aparecieron por primera vez en la década de 1990 como bocetos de invernaderos en Frankfurt [77] o como resultado de la instalación Endangered Meadows of Europe en Bonn, que exploraron temas similares. [57] El primer Future Garden construido en el suelo se tituló “Sagehen: A Proving Ground” [78]. Este trabajo planteó específicamente la pregunta de qué crecerá mejor en la llanura después de que los incendios arrasen el suelo en las High Sierras. La investigación fue realizada por el director de investigación del arboreto de Santa Cruz, donde se seleccionaron 21 especies por su capacidad para sobrevivir al calor y la sequía. Se realizaron 12.500 plantaciones, que se cultivaron en el arboreto y luego se replantaron después de 8 semanas de crecimiento en la estación de investigación High Sierra Berkeley University llamada Sagehen. Se eligieron 3 sitios para cada una de las 5 altitudes, de 500 a 600 pies de distancia y uno por encima del otro. Las tasas de supervivencia aún se están estudiando.
El segundo Future Garden se titula “Future Garden for the Central Coast of California” (Jardín del futuro para la costa central de California). Siguiendo los mismos principios, se eligieron 20 especies y se propagaron en 3 invernaderos abovedados. La temperatura en estos invernaderos se mantuvo constante 5 grados más alta que lo normal y cada uno tenía un programa de riego diferente, ya que la humedad era impredecible. Un experimento científico complejo y muy rico que crea una nueva narrativa restauradora para una región que pronto sufrirá estrés térmico. Los primeros 10 años de investigación fueron financiados por la Fundación Warhol. [79] La estructura inicial de los primeros 2 Future Gardens fue financiada por Metabolism Studio. [80]
El tercer Jardín del Futuro, que todavía se encuentra en construcción, se denomina "Jardín del Futuro para Europa Central" y se ha financiado en el marco del proyecto Ciudad Cultural de Europa 2026 en Trenčín . [81]
A partir de 2015, cuando Helen empezó a retirarse debido a la demencia, Newton inventó un conjunto de trabajos que abordaban un concepto llamado "planificación preventiva". Cuando un grupo de exposición les preguntó qué harían por las bahías de San Francisco, [82] propuso planificar un aumento del nivel del océano de varios metros. Estas aguas subirían en la bahía y fluirían de regreso al Valle Central, creando finalmente una laguna estuarial de hasta 500.000 acres. Esto se basa en la teoría de que, en períodos anteriores como el Eemiense , el Valle Central era un mar interior. Esto produjo algunas imágenes aéreas muy sorprendentes. [83]
En 2016, The Harrison Studio publicó The Time of the Force Majeure: After 45 Years Counterforce is on the Horizon . [84] Este libro es un estudio exhaustivo y definitivo del trabajo conjunto de los Harrison y sus visiones para el futuro.
En 2018, Newton Harrison fundó el Centro para el Estudio de la Fuerza Mayor en la Universidad de California en Santa Cruz, y opera sobre el principio de que "Nosotros, como especie, debemos adaptarnos a un mundo muy diferente... partiendo de nuestra afirmación de que los sistemas de adaptación a gran escala y con base ecológica a los cambios extremos en un medio ambiente en constante calentamiento son necesarios para la supervivencia colectiva y, por lo tanto, deben inventarse". Vistas metafóricamente, están surgiendo dos fronteras que evolucionan exponencialmente: una es un frente de ola de agua que avanza hacia los bordes de todos los continentes que tocan los océanos; la otra es una ola de calor que cada vez cubre, toca y afecta más (aparentemente de manera lenta, pero en realidad de manera exponencial) a todo el planeta y las vidas que lo habitan. Estas son diferentes de todas las demás fronteras que han sido parte de la experiencia humana, fronteras hacia las que hemos avanzado, la mayoría de las veces conquistando o explotando para nuestro propio beneficio. Estas nuevas fronteras se mueven hacia nosotros, y nuestras respuestas habituales de explotar los recursos para la producción, el consumo y la ganancia ya no tienen sentido. comportamientos. Más bien, debemos adaptarnos para afrontar estas dos fronteras en la escala en la que operan".
Helen Harrison comenzó a mostrar signos tempranos de demencia en 2012. Poco a poco se fue alejando del trabajo durante los años siguientes. Murió en 2018. [85] Después de servir como su cuidadora principal mientras mantenía el trabajo en marcha, Newton todavía continúa honrando su legado. Newton le pidió a su hijo Josh Harrison que se uniera a sus esfuerzos en esta época. Se convirtieron en codirectores del Centro para el Estudio de la Fuerza Mayor más tarde ese año. Este centro, también sin fines de lucro, está financiado por la división de artes de la UCSC, entre otros.
Otra obra que se centró en la planificación preventiva, exhibida en todo el mundo en 2018, se titula "La profunda riqueza de esta nación, Escocia". Se realizó un elaborado conjunto de recomendaciones basadas en imágenes que ayudarían a la nación de Escocia a superar una ola de calor de 5 o 6 °C con un futuro abundante y basado en la ecología. [86] La primera instalación a gran escala de esta obra tuvo lugar en la Bienal de Taipei en 2018. [87]
Estos temas se exploran más a fondo en "Helen's Town", un monumento conmemorativo, imaginado como un proyecto de desarrollo urbano del tamaño de una ciudad con raíces en la sostenibilidad ecológica y el pensamiento pragmático hacia el futuro. Esto se propuso en respuesta a una solicitud de MOSSUTSTÄLLNINGAR [88] en Suecia . La obra tiene una historia compleja y se publicó más recientemente en el catálogo de la Bienal de Liverpool de 2021 como capítulo de un libro. [89] Helen's Town en realidad propone una comunidad de 20.000 personas y responde a la pregunta: ¿cómo vivirá esta comunidad en abundancia cuando ya han muerto tantas especies? Una parte fundamental de la propuesta es elegir una región que sea fría hoy, pero que sea lo suficientemente cálida y habitable para los humanos y otros animales salvajes después de que aumente la temperatura global, evocando una especie de futurismo rústico . Si bien es realmente masivo en su alcance, se están realizando investigaciones para hacer realidad esta visión. Otros lugares que se están considerando además de Suecia son Maine , Inglaterra , la meseta tibetana o incluso Siberia .
Recientemente, también se le pidió a Harrison que realizara un trabajo sobre la DMZ en la frontera entre Corea del Norte y Corea del Sur. La propuesta determina en última instancia que la DMZ en su estado actual se ha convertido en la reserva natural más rica de toda la región. La propuesta de Harrison propone ampliar la DMZ de un corredor de 160 millas a 2 millas de ancho para incluir regiones montañosas deshabitadas asociadas. [90]
Harrison está trabajando actualmente con el Getty Research Institute en una retrospectiva de su obra en cinco sedes de California, comenzando con las "Survival Pieces" (Piezas de supervivencia) de unos 50 años antes, y completando finalmente un estudio completo de la carrera de medio siglo de Harrison en el mundo del arte ecológico. Se abrirá al público como parte de Pacific Standard Time en 2024. [91] La curadora de la exposición es Tatiana Sizonenko. [92]
En 2023, la artista y curadora Janeil Engelstad produjo una sección especial de Leonardo (MIT Press) titulada “Desrecordando a los Harrisons”, donde Engelstad escribió un ensayo e invitó a artistas y escritores de todo el mundo a contribuir con piezas sobre el impacto internacional del trabajo y el pensamiento de Helen y Newton en el arte y la ciencia.
El trabajo actual más crítico de Newton Harrison se titula “Un sensorio para el océano mundial”. Este trabajo propone un entorno inmersivo complejo con el océano mundial personificado por una voz generada por IA . Habría un mapa del océano mundial en el suelo e información científica en las paredes que rodean a la audiencia. El concepto en él es complejo, performativo e inmersivo. Harrison propone que la resolución de problemas impulsada por el deseo está determinada en parte por el deseo de que las organizaciones caritativas no puedan tener éxito en salvar al mundo de la autosimplificación debido a las tensiones de explotación que enfrenta actualmente. [93]
La lista de temas propuestos incluye acidez, muestras de núcleos, zonas muertas, viveros, humedales, entre muchos otros. La presentación inicial se propone dar voz al océano y resulta que ninguna parte de nuestro océano mundial está intacta. Muchas otras formas de vida están en juego si el océano mundial se simplifica y se vuelve mínimamente productivo. Las soluciones que Harrison produce se basan en el arte, son perceptivas y bastante sorprendentes. El prototipo de Sensorium se está desarrollando actualmente en colaboración con JoAnn Kuchera-Morin , creadora de Allosphere en UCSB .
Los Harrisons están representados por Various Small Fires en Los Ángeles, California y Ronald Feldman Gallery en la ciudad de Nueva York, Nueva York.
Harrison, Helen Meyer; Harrison, Newton (2016). El tiempo de la fuerza mayor . Nueva York, NY: Prestel Publishing. ISBN 978-3-7913-5549-8.
Kester, Grant (2013). Conversation Pieces: Community and Communication in Modern Art [Piezas de conversación: comunidad y comunicación en el arte moderno] . Berkeley, CA: University of California Press. ISBN 978-0-520-27594-2.
Harrison, Helen Meyer; Harrison, Newton (1999). Gruen Landschaften . Frankfurt, Alemania: Campus Verlag GmbH. ISBN 3-593-36037-3.
Capra, Fritjof (1996). La red de la vida . Nueva York, NY: Anchor Books, Random House Inc. ISBN 0-385-47676-0.
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