Michelangelo Antonioni ( / ˌ æ n t oʊ n i ˈ oʊ n i / , italiano: [mikeˈlandʒelo antoˈnjoːni] ; 29 de septiembre de 1912 - 30 de julio de 2007) fue un director y cineasta italiano. Es mejor conocido por su "trilogía sobre la modernidad y sus descontentos" [1] — L'Avventura (1960), La Notte (1961) y L'Eclisse (1962), así como por la película en inglés Blowup (1966 ). ). Sus películas han sido descritas como "piezas de humor enigmáticas e intrincadas" [2] que presentan tramas esquivas, una composición visual sorprendente y una preocupación por los paisajes modernos. [3] Su obra influyó sustancialmente en el cine artístico posterior . [4] Antonioni recibió numerosos premios y nominaciones a lo largo de su carrera, siendo el único director que ha ganado la Palma de Oro , el León de Oro , el Oso de Oro y el Leopardo de Oro .
Antonioni nació en una próspera familia de terratenientes en Ferrara , Emilia Romagna , en el norte de Italia. Era hijo de Elisabetta (de soltera Roncagli) e Ismaele Antonioni. [5] El director explicó al crítico de cine italiano Aldo Tassone:
Mi infancia fue feliz. Mi madre... era una mujer cálida e inteligente que había sido obrera en su juventud. Mi padre también era un buen hombre. Nacido en una familia de clase trabajadora, logró conseguir un puesto cómodo gracias a cursos nocturnos y trabajo duro. Mis padres me dieron rienda suelta para hacer lo que quería: con mi hermano pasábamos la mayor parte del tiempo jugando al aire libre con amigos. Curiosamente, nuestros amigos eran invariablemente proletarios y pobres. Los pobres todavía existían en aquella época, se los reconocía por sus ropas. Pero incluso en la forma de vestir había una fantasía, una franqueza que me hacía preferirlos a los chicos de familias burguesas. Siempre sentí simpatía por las mujeres jóvenes de familias de clase trabajadora, incluso más tarde, cuando fui a la universidad: eran más auténticas y espontáneas. [6]
- Miguel Ángel Antonioni
Cuando era niño, a Antonioni le gustaba el dibujo y la música. Violinista precoz, dio su primer concierto a los nueve años. Aunque abandonó el violín con el descubrimiento del cine en su adolescencia, el dibujo seguiría siendo una pasión para toda su vida. "Nunca he dibujado, ni siquiera cuando era niño, muñecos ni siluetas, sino fachadas de casas y puertas. Uno de mis juegos favoritos consistía en organizar ciudades. Ignorante en arquitectura, construía edificios y calles repletas de figuritas. Inventaba historias. "Para ellos. Estos acontecimientos de la infancia (yo tenía once años) eran como pequeñas películas". [7]
Después de graduarse en Economía en la Universidad de Bolonia , comenzó a escribir para el periódico local de Ferrara Il Corriere Padano en 1935 como periodista cinematográfico.
En 1940, Antonioni se trasladó a Roma, donde trabajó para Cinema , la revista oficial de cine fascista editada por Vittorio Mussolini . Sin embargo, Antonioni fue despedido unos meses después. Más tarde ese año se matriculó en el Centro Sperimentale di Cinematografia para estudiar técnica cinematográfica, pero lo abandonó después de tres meses. Posteriormente fue reclutado por el ejército. Durante la guerra Antonioni sobrevivió siendo condenado a muerte como miembro de la resistencia italiana . [8]
En 1942, Antonioni coescribió El regreso del piloto con Roberto Rossellini y trabajó como asistente de dirección en I due Foscari de Enrico Fulchignoni . En 1943 viajó a Francia para ayudar a Marcel Carné en Les visiteurs du soir e inició una serie de cortometrajes con Gente del Po (1943), una historia de pescadores pobres del valle del Po . Cuando Roma fue liberada por los aliados, la película fue transferida a la fascista " República de Salò " y no pudo recuperarse ni editarse hasta 1947. Nunca se recuperó el metraje completo. Estas películas eran de estilo neorrealista , estudios semidocumentales de la vida de la clase trabajadora. [9]
Sin embargo, el primer largometraje de Antonioni, Cronaca di un amore (1950), rompió con el neorrealismo al representar a las clases medias. Continuó haciéndolo en una serie de otras películas: I vinti ("Los vencidos", 1952), un trío de historias, cada una de ellas ambientada en un país diferente (Francia, Italia e Inglaterra), sobre la delincuencia juvenil; La signora senza camelie ( La dama sin camelias , 1953) sobre una joven estrella de cine y su caída en desgracia; y Le amiche ( Las amigas , 1955) sobre mujeres de clase media en Turín. Il grido ( El grito , 1957) supuso un retorno a las historias de la clase trabajadora, representando a un trabajador de una fábrica y su hija. Cada una de estas historias trata sobre la alienación social . [9]
En Le Amiche (1955), Antonioni experimentó con un estilo radicalmente nuevo: en lugar de una narrativa convencional, presentó una serie de acontecimientos aparentemente desconectados y utilizó tomas largas como parte de su estilo. [9] Antonioni volvió a utilizarlos en L'avventura (1960), que se convirtió en su primer éxito internacional. En el Festival de Cine de Cannes recibió una mezcla de aplausos [10] y abucheos, [11] pero fue popular en los cines artísticos de todo el mundo. A L'avventura le siguieron La notte (1961), protagonizada por Jeanne Moreau y Marcello Mastroianni , y L'Eclisse (1962), protagonizada por Alain Delon . Estas tres películas se denominan trilogía porque son estilísticamente similares y se preocupan por la alienación de las personas en el mundo moderno. [12] [13] [14] La notte ganó el Oso de Oro en el 11° Festival Internacional de Cine de Berlín , [15] Su primera película en color, Il deserto rosso ( El desierto rojo , 1964), trata temas similares, y es a veces considerada la cuarta película de la "trilogía". [1] Todas estas películas están protagonizadas por Mónica Vitti , su amante durante ese período.
Antonioni luego firmó un acuerdo con el productor Carlo Ponti que permitiría libertad artística en tres películas en inglés que MGM estrenaría . El primero, Blowup (1966), [16] ambientado en Swinging London , fue un gran éxito internacional. El guión se basó libremente en el cuento La baba del diablo (también conocido como Blow Up ) del escritor argentino Julio Cortázar . Aunque abordó el desafiante tema de la imposibilidad de estándares objetivos y la siempre dudosa verdad de la memoria, fue un éxito y un éxito popular entre el público, quizás ayudado por sus escenas de sexo, que eran explícitas para la época. Fue protagonizada por David Hemmings y Vanessa Redgrave . La segunda película fue Zabriskie Point (1970), su primera ambientada en Estados Unidos y con una temática contracultural . La banda sonora incluía música de Pink Floyd (quien escribió nueva música específicamente para la película), Grateful Dead y los Rolling Stones . Sin embargo, su lanzamiento fue un fracaso comercial y crítico. La tercera, The Passenger (1975), protagonizada por Jack Nicholson y Maria Schneider , recibió elogios de la crítica, pero tuvo malos resultados en taquilla. Estuvo fuera de circulación durante años, pero se relanzó para una presentación limitada en cines en octubre de 2005 y se lanzó en DVD.
En 1966, Antonioni redactó un borrador titulado "Technically Sweet", que más tarde desarrolló en un guión con Mark Peploe , Niccolo Tucci y Tonino Guerra , con planes de comenzar a filmar a principios de los años 70 con Jack Nicholson y Maria Schneider. Al borde de la producción en la selva amazónica, el productor Carlo Ponti retiró repentinamente su apoyo y el proyecto fue abandonado, pasando Nicholson y Schneider a protagonizar El pasajero . [17] En 2008, "Technically Sweet" se convirtió en una exposición colectiva internacional comisariada por las artistas radicadas en Copenhague Yvette Brackman y Maria Finn, en la que se exhibieron en Nueva York las creaciones de artistas, trabajando en múltiples medios y basadas en el manuscrito de Antonioni. . [18] Uno de ellos fue el cortometraje "Dulce Ruina", dirigido por Elisabeth Subrin y protagonizado por Gaby Hoffmann . [19] La viuda de Antonioni, Enrica , y el director André Ristum anunciaron planes para producir una película basada en el guión, cuyo rodaje comenzará en Brasil y Cerdeña en 2023. [20] [ necesita actualización ]
En 1972, Antonioni fue invitado por el gobierno Mao de China a visitar el país para filmar los logros de la Revolución Cultural . [21] : 13 Hizo el documental Chung Kuo, China , pero fue fuertemente condenado por las autoridades chinas como "antichino" y "anticomunista". [22] El documental se proyectó por primera vez en China el 25 de noviembre de 2004, en Beijing, con un festival de cine organizado por la Academia de Cine de Beijing para honrar las obras de Antonioni. La película ahora es bien considerada por el público chino, particularmente por las personas que vivieron durante la Revolución Cultural, por sus representaciones de una vida más sencilla. [21] : 14
En 1980, Antonioni dirigió Il mistero di Oberwald ( El misterio de Oberwald ), basada en la obra de Jean Cocteau , L'Aigle à deux têtes ( El águila de dos cabezas ). Con Monica Vitti a la cabeza, la película profundiza en un enfoque experimental para la mejora del color mediante tratamiento electrónico. El proceso implica inicialmente capturar el metraje en video y transferirlo a una película de 35 mm durante la posproducción.
Identificazione di una donna ("Identificación de una mujer"), una película de 1982 rodada en Italia, explora los temas recurrentes que se encuentran en su trilogía italiana. En 1985, Antonioni sufrió un derrame cerebral que lo dejó afásico y parcialmente paralizado. A pesar de su incapacidad para hablar o escribir, Antonioni continuó dirigiendo películas como Más allá de las nubes (1995), para la que Wim Wenders fue contratado como director suplente para rodar varias escenas. Como ha explicado Wenders, "sin alguien más, ninguna película suya encontraría aseguradoras". Sin embargo, durante el montaje Antonioni rechazó casi todo el material filmado por Wenders, salvo algunos breves interludios. [23] Compartieron el Premio FIPRESCI en el Festival de Cine de Venecia con Cyclo .
En 1994, recibió el Premio Honorífico de la Academia "en reconocimiento a su lugar como uno de los maestros estilistas visuales del cine". La estatuilla, que le regaló Jack Nicholson, fue posteriormente robada por ladrones y tuvo que ser reemplazada. Anteriormente, Antonioni había recibido nominaciones al Premio de la Academia como Mejor Director y Mejor Guión por Blowup (1967).
La última película de Antonioni, dirigida cuando tenía más de 90 años, fue un segmento de la película antológica Eros (2004), titulada Il filo pericoloso delle cose ( El hilo peligroso de las cosas ). Los episodios del cortometraje se enmarcan utilizando una serie de pinturas enigmáticas de Antonioni, un automóvil deportivo de lujo que tiene dificultades para sortear los carriles estrechos y los arcaicos puentes de piedra del entorno de una ciudad de provincias, una mujer en bikini que realiza una coreografía críptica en una playa y la canción "Michelangelo Antonioni", compuesta y cantada por Caetano Veloso . [24] La película no fue bien recibida internacionalmente. En Estados Unidos, Roger Ebert afirmó que no se trataba ni de erotismo ni de erotismo. [25] El lanzamiento en DVD de la película en Estados Unidos incluye otro cortometraje de 2004 de Antonioni, Lo sguardo di Michelangelo ( La mirada de Miguel Ángel ).
Antonioni murió en Roma, a los 94 años, el 30 de julio de 2007, el mismo día que el renombrado director sueco Ingmar Bergman . Antonioni yacía en el Ayuntamiento de Roma, donde una gran pantalla mostraba imágenes en blanco y negro de él entre sus sets de filmación y detrás de escena. Fue enterrado en su ciudad natal de Ferrara el 2 de agosto de 2007.
Es demasiado simplista decir -como lo han hecho muchas personas- que estoy condenando el mundo industrial inhumano que oprime a los individuos y los lleva a la neurosis. Mi intención... era traducir la poesía del mundo, en el que incluso las fábricas pueden ser hermosas. Las líneas y curvas de las fábricas y sus chimeneas pueden ser más bellas que los contornos de los árboles, a los que ya estamos demasiado acostumbrados a ver. Es un mundo rico, vivo y útil... Hay personas que se adaptan y otras que no pueden, tal vez porque están demasiado atadas a modos de vida que ya están obsoletos.
—Antonioni, entrevistado sobre Desierto Rojo (1964). [26]
El crítico Richard Brody describió a Antonioni como "el modernista ejemplar del cine " y uno de sus "grandes pictorialistas; sus imágenes reflejan, con una fría seducción, las abstracciones que lo fascinaban". [27] AllMovie declaró que "sus películas, un cuerpo fundamental de piezas de humor enigmáticas e intrincadas, rechazaron la acción en favor de la contemplación, defendiendo la imagen y el diseño sobre los personajes y la historia. Atormentado por una sensación de inestabilidad e impermanencia, su trabajo definió un cine. de posibilidades." [2] Stephen Dalton, del British Film Institute, describió las influyentes características visuales de Antonioni como " tomas extremadamente largas , sorprendente arquitectura moderna, uso pictórico del color [y] pequeñas figuras humanas a la deriva en paisajes vacíos", señalando similitudes con los "paisajes oníricos urbanos vacíos". "del pintor surrealista Giorgio de Chirico . [3] La historiadora de cine Virginia Wright Wexman señala la lentitud de su cámara y la ausencia de cortes frecuentes, afirmando que "obliga toda nuestra atención al continuar la toma mucho después de que otros la cortaran". [28] Antonioni también se destaca por explotar el color como elemento expresivo significativo en sus obras posteriores, especialmente en Il deserto rosso , su primera película en color. [29]
Las tramas de Antonioni eran experimentales, ambiguas y esquivas, y a menudo presentaban personajes de clase media que sufren tedio, desesperación o sexo sin alegría. [3] El historiador de cine David Bordwell escribe que en las películas de Antonioni, "Las vacaciones, las fiestas y las actividades artísticas son vanos esfuerzos por ocultar la falta de propósito y emoción de los personajes. La sexualidad se reduce a la seducción casual, la empresa a la búsqueda de riqueza a cualquier precio. ". [4] The New Yorker escribió que "Antonioni capturó una nueva sociedad burguesa que pasó de la creación física a la intelectual, de la materia a la abstracción, de las cosas a las imágenes, y la crisis de identidad personal y de autorreconocimiento que resultó", calificando su década de 1960 como colaboraciones con Monica Vitti "un momento crucial en la creación del modernismo cinematográfico ". [30] Richard Brody afirmó que sus películas exploran "la forma en que los nuevos métodos de comunicación -principalmente los medios de comunicación, pero también las abstracciones de la industria de alta tecnología, la arquitectura, la música, la política e incluso la moda- tienen un efecto de retroalimentación en la pensadores educados y de cuello blanco que los crean", pero señaló que "no sentía nostalgia por lo premoderno". [27]
Wexman describe la perspectiva de Antonioni sobre el mundo como la de un " intelectual existencialista y marxista posreligioso ". [28] En un discurso en Cannes sobre L'Avventura , Antonioni dijo que en la era moderna de la razón y la ciencia, la humanidad todavía vive de
"una moral rígida y estereotipada que todos reconocemos como tal y que, sin embargo, sostenemos por cobardía y pura pereza [...] Hemos examinado muy detenidamente esas actitudes morales, las hemos diseccionado y analizado hasta el cansancio. "Hemos sido capaces de todo esto, pero no hemos sido capaces de encontrar otros nuevos".
Nueve años más tarde expresó una actitud similar en una entrevista, diciendo que detestaba la palabra "moralidad": "Cuando el hombre se reconcilie con la naturaleza, cuando el espacio se convierta en su verdadero fondo, estas palabras y conceptos habrán perdido su significado y Ya no tengo que usarlos." [31] El crítico Roland Barthes afirmó que el enfoque de Antonioni "no es el de un historiador, un político o un moralista, sino más bien el de un utópico cuya percepción busca señalar el nuevo mundo, porque está ansioso por este mundo y ya quiere ser parte de ello." [32] Añadió que su arte "consiste en dejar siempre abierto y como indeciso el camino del significado ". [32]
Bordwell explica que Antonioni fue extremadamente influyente en el cine artístico : "Más que cualquier otro director, animó a los cineastas a explorar narrativas elípticas y abiertas". [4] The Guardian lo describió como, "en esencia, un director de secuencias extraordinarias" y aconsejó a los espectadores que "olviden la trama, los personajes o el diálogo; su importancia se transmite en términos absolutamente formales ". [33]
El director de cine Akira Kurosawa consideraba a Antonioni uno de los cineastas más interesantes. [34] Stanley Kubrick incluyó a La Notte como una de sus diez películas favoritas en una encuesta de 1963. [35] Andrei Tarkovsky estuvo profundamente influenciado por Antonioni, especialmente para el desarrollo de su película Nostalghia . En una entrevista con Serge Kaganski en 2004, Jean-Luc Godard considera que Antonioni es el cineasta que más ha influido en el cine contemporáneo. Wim Wenders consideraba a Antonioni un maestro y ambos colaboraron como directores de la película Más allá de las nubes . Miklós Jancsó considera a Antonioni su maestro. El director estadounidense Martin Scorsese rindió homenaje a Antonioni tras su muerte en 2007, afirmando que sus películas "plantean misterios, o más bien el misterio de quiénes somos, qué somos, unos para otros, para nosotros mismos, para el tiempo. Se podría decir que Antonioni miraba directamente a los misterios del alma." [3] Los directores estadounidenses Francis Ford Coppola y Brian De Palma rindieron homenaje a Antonioni en sus propias películas. [3]
Sin embargo, el estilo sobrio y los personajes sin propósito de Antonioni no han recibido elogios universales. Ingmar Bergman declaró en 2002 que, si bien consideraba las películas de Antonioni Blowup y La notte obras maestras, las otras películas le parecían aburridas y señaló que nunca había entendido por qué Antonioni era tenido en tanta estima. Orson Welles lamentó el uso del plano largo por parte del director italiano : "No me gusta detenerme en las cosas. Es una de las razones por las que estoy tan aburrido con Antonioni: la creencia de que, porque una toma es buena, va a conseguir mejor si sigues mirándolo. Te da una imagen completa de alguien caminando por una carretera. Y piensas: 'Bueno, no va a cargar a esa mujer hasta ese camino'. Pero él lo hace ... Y luego ella se va y tú sigues mirando el camino después de que ella se haya ido". [36]
El actor estadounidense Peter Weller , a quien Antonioni dirigió en Más allá de las nubes , explicó en una entrevista de 1996: "No hay ningún director vivo, excepto tal vez Kurosawa , Bergman o Antonioni, por quien me caería y haría cualquier cosa. Conocí a Antonioni hace tres años en Taormina en un festival de cine ... Me presenté y le dije que adoraba sus películas, sus contribuciones al cine, porque él fue el primer tipo que realmente empezó a hacer películas sobre la realidad del vacío entre las personas, la dificultad de atravesar este espacio entre ellos. amantes en la actualidad... y él nunca te da una respuesta, Antonioni, eso es lo hermoso". [37]
