La música antigua de Gran Bretaña e Irlanda , desde los primeros tiempos registrados hasta los inicios del Barroco en el siglo XVII, fue una cultura diversa y rica, que incluía música sacra y secular y que iba desde la popular hasta la élite. Cada una de las principales naciones de Inglaterra , Irlanda , Escocia y Gales conservó formas únicas de música e instrumentación, pero la música británica estuvo muy influenciada por los desarrollos continentales, mientras que los compositores británicos hicieron una contribución importante a muchos de los principales movimientos de la música antigua en Europa, incluida la polifonía del Ars Nova y sentó algunas de las bases de la música clásica nacional e internacional posterior. Los músicos de las Islas Británicas también desarrollaron algunas formas distintivas de música, incluido el canto celta , la Contenance Angloise , la rota , las antífonas votivas polifónicas y el villancico en la época medieval, y los madrigales ingleses , el laúd ayres y las máscaras en la época del Renacimiento, que conduciría al desarrollo de la ópera en inglés en el apogeo del Barroco en el siglo XVIII.
Las fuentes supervivientes indican que había un paisaje sonoro musical rico y variado en la Gran Bretaña medieval. [1] Los historiadores suelen distinguir entre música eclesiástica, diseñada para su uso en la iglesia o en ceremonias religiosas, y música secular para su uso en las cortes reales y baroniales, celebraciones de algunos eventos religiosos y entretenimientos públicos y privados del pueblo. [1] Nuestra comprensión de esta música está limitada por la falta de fuentes escritas para gran parte de lo que era una cultura oral. [1]
En la Alta Edad Media, la música eclesiástica estaba dominada por el canto llano monofónico . [1] El desarrollo separado del cristianismo británico de la influencia directa de Roma hasta el siglo VIII, con su floreciente cultura monástica, condujo al desarrollo de una forma distinta de canto litúrgico celta . [2] Aunque no sobrevive ninguna notación de esta música, fuentes posteriores sugieren patrones melódicos distintivos. [2] Este fue reemplazado, como en el resto de Europa, a partir del siglo XI por el canto gregoriano . [3] La versión de este canto vinculado a la liturgia tal como se usa en la Diócesis de Salisbury , el Sarum Use , registrado por primera vez en el siglo XIII, se volvió dominante en Inglaterra. Este Sarum Chant se convirtió en el modelo para los compositores ingleses hasta que fue suplantado por la Reforma a mediados del siglo XVI, influyendo en la configuración de misas , himnos y Magnificats . [4] La música escocesa estuvo muy influenciada por los desarrollos continentales, con figuras como el teórico musical del siglo XIII Simon Tailer, que estudió en París, antes de regresar a Escocia, donde introdujo varias reformas de la música religiosa. [5] Las colecciones de música escocesas como la 'Wolfenbüttel 677' del siglo XIII, que está asociada con St Andrews , contienen principalmente composiciones francesas, pero con algunos estilos locales distintivos. [5] Las primeras notaciones de música galesa que sobreviven son del siglo XIV, incluidas maitines , laudes y vísperas del día de San David . [6]
En el siglo XIV, se cree que el fraile franciscano inglés Simon Tunsted , a quien normalmente se le atribuye la autoría del Quatuor Principalia Musicae : un tratado sobre composición musical, fue uno de los teóricos que influyó en el ' ars nova ', movimiento que se desarrolló en Francia y luego Italia, reemplazando los estilos restrictivos del canto llano gregoriano por una polifonía compleja . [7] La tradición estaba bien establecida en Inglaterra en el siglo XV y fue ampliamente utilizada en establecimientos religiosos y en lo que se convirtieron en puramente educativos, incluido el Eton College y las facultades que se convirtieron en las universidades de Oxford y Cambridge . [1] El motete ' Sub Arturo plebs ' atribuido a Johannes Alanus y fechado a mediados o finales del siglo XIV, incluye una lista de nombres latinizados de músicos de la corte inglesa que muestra el florecimiento de la música de la corte, la importancia del mecenazgo real en esta era y la creciente influencia del ars nova . [8] En la lista se incluye J. de Alto Bosco , quien ha sido identificado con el compositor y teórico John Hanboys , autor de Summa super musicam continuam et discretam , obra que analiza los orígenes de la notación y medición musical del siglo XIII. y propuso varios métodos nuevos para grabar música. [9]
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A partir de mediados del siglo XV comenzamos a tener un número relativamente grande de obras que han sobrevivido de compositores ingleses en documentos como el Old Hall Manuscript de principios del siglo XV . Probablemente el primero, y uno de los mejor representados, sea Leonel Power (c. 1380-1445), quien probablemente fue el maestro del coro de Christ Church, Canterbury y disfrutó del noble patrocinio de Tomás de Lancaster, primer duque de Clarence y Juan de Lancaster. Primer duque de Bedford (1389-1435). John Dunstaple (o Dunstable) fue el compositor más célebre de la 'Contenance Angloise' (estilo inglés), un estilo distintivo de polifonía que utilizaba armonías ricas y completas basadas en la tercera y la sexta, que fue muy influyente en la elegante corte borgoñona de Felipe el Bueno . [10] Casi toda su música manuscrita en Inglaterra se perdió durante la Disolución de los Monasterios (1536-1540), pero algunas de sus obras han sido reconstruidas a partir de copias encontradas en Europa continental, particularmente en Italia. La existencia de estas copias es testimonio de su amplia fama en Europa. Pudo haber sido el primer compositor en proporcionar música litúrgica con acompañamiento instrumental. [11] El interés real por la música se sugiere en las obras atribuidas a Roy Henry en el Old Hall Manuscript, que se sospecha que son Enrique IV o Enrique V. [12] Esta tradición fue continuada por figuras como Walter Frye (c. 1420-1475), cuyas misas fueron registradas y fueron muy influyentes en Francia y los Países Bajos. [13] De manera similar, John Hothby (c. 1410-1487), un fraile carmelita inglés , que viajó mucho y, aunque dejó poca música compuesta, escribió varios tratados teóricos, incluido La Calliopea legale , y se le atribuye la introducción de innovaciones en la música medieval. sistema de tono. [14] El rey escocés Jacobo I estuvo cautivo en Inglaterra desde 1406 hasta 1423, donde se ganó una reputación como poeta y compositor y puede haber sido responsable de llevar estilos y músicos ingleses y continentales de regreso a la corte escocesa tras su liberación. [5]
Irlanda, Escocia y Gales compartían una tradición de bardos , que actuaban como músicos, pero también como poetas, narradores, historiadores, genealogistas y abogados, basándose en una tradición oral que se remontaba a generaciones atrás. [15] A menudo acompañándose con el arpa , también se pueden ver en registros de las cortes escocesas a lo largo del período medieval. [16] También sabemos por el trabajo de Gerald de Gales que al menos desde el siglo XII, el canto en grupo era una parte importante de la vida social de la gente corriente en Gales. [6] A partir del siglo XI, particularmente importantes en la música secular inglesa fueron los juglares , a veces vinculados a una casa rica, noble o corte real, pero probablemente más a menudo moviéndose de un lugar a otro y de una ocasión a otra en busca de un pago. [1] Muchos parecen haber compuesto sus propias obras y pueden ser vistos como los primeros compositores seculares, y algunos cruzaron fronteras internacionales, transfiriendo canciones y estilos de música. [1] Debido a que la alfabetización, y la notación musical en particular, eran dominio exclusivo del clero en este período, la supervivencia de la música secular es mucho más limitada que la de la música religiosa. Sin embargo, algunos fueron notados, ocasionalmente por clérigos interesados en la música secular. Inglaterra en particular produjo tres formas musicales seculares distintivas en este período: la rota, la antífona votiva polifónica y el villancico. [10]
Una rota es una forma de ronda, que se sabe que se utilizó desde el siglo XIII en Inglaterra. [10] La pieza musical compuesta más antigua que se conserva en las Islas Británicas, y quizás la canción popular grabada más antigua de Europa, es una rota: una composición de ' Sumer Is Icumen In ' ('El verano está llegando') del mediados del siglo XIII, posiblemente escrito por W. de Wycombe , chantre del priorato de Leominster en Herefordshire, y compuesto de seis partes. [17] Aunque se han registrado pocos, el uso de rotas parece haber estado muy extendido en Inglaterra y se ha sugerido que el talento inglés para la polifonía puede tener su origen en esta forma de música. [10]
Las antífonas votivas polifónicas surgieron en Inglaterra en el siglo XIV como escenario de un texto en honor a la Virgen María , pero separadas de la misa y el oficio , a menudo después de completas . [10] Hacia finales del siglo XV comenzaron a ser escritos por compositores ingleses como configuraciones ampliadas para hasta nueve partes con complejidad y rango vocal crecientes. [10] La colección más grande de este tipo de antífonas se encuentra en el libro del coro de Eton de finales del siglo XV . [18]
Los villancicos se desarrollaron en el siglo XIV como canciones sencillas con estructura de verso y estribillo. Los villancicos solían estar relacionados con una fiesta religiosa, especialmente la Navidad. Se derivaron de una forma de danza circular acompañada por cantantes, que fue popular desde mediados del siglo XII. [19] A partir del siglo XIV se utilizaron como cantos procesionales, particularmente en Adviento, Semana Santa y Navidad, y para acompañar obras de misterio religioso . [20] Debido a que la tradición de los villancicos continuó en la era moderna, sabemos más de su estructura y variedad que la mayoría de las otras formas seculares de música medieval. [1]
El impacto del humanismo renacentista en la música se puede ver en la Inglaterra de finales del siglo XV bajo Eduardo IV (r. 1461-1483) y Enrique VII (r. 1485-1509). Aunque la influencia de la música inglesa en el continente disminuyó a partir de mediados del siglo XV cuando la Escuela de Borgoña se convirtió en la fuerza dominante en Occidente, la música inglesa continuó floreciendo y los primeros compositores obtuvieron doctorados en Oxford y Cambridge, incluido Thomas Santriste, quien Fue rector del King's College, Cambridge , y Henry Abyngdon , quien fue Maestro de Música en la Catedral de Worcester y de 1465 a 1483 Maestro de Música del Rey . [21] Eduardo IV fundó y patrocinó el primer gremio de músicos en Londres en 1472, un patrón copiado en otras ciudades importantes cuando los músicos formaron gremios o camareros , creando monopolios locales con mayor organización, pero posiblemente poniendo fin al papel del juglar itinerante. [22] Había un número cada vez mayor de músicos extranjeros, particularmente de Francia y los Países Bajos, en la corte, convirtiéndose en la mayoría de los que se sabía que habían sido empleados tras la muerte de Enrique VII. [14] Su madre, Lady Margaret Beaufort , fue la principal patrocinadora de la música durante su reinado, encargando varios escenarios para las nuevas fiestas litúrgicas y el ordinario de la misa. [23] El resultado fue un estilo muy elaborado que equilibraba muchas partes del entorno y prefiguraba los desarrollos renacentistas en otros lugares. [24] En Escocia se pueden observar acontecimientos similares. A finales del siglo XV, una serie de músicos escoceses se formaron en los Países Bajos antes de regresar a casa, entre ellos John Broune, Thomas Inglis y John Fety, el último de los cuales se convirtió en maestro de la escuela de canto de Aberdeen y luego de Edimburgo, introduciendo el nuevo instrumento de cinco dedos. Técnica de interpretación del órgano. [25] En 1501 Jaime IV refundó la Capilla Real dentro del Castillo de Stirling , con un coro nuevo y ampliado, se convirtió en el foco de la música litúrgica escocesa. Las influencias borgoñonas e inglesas llegaron al norte con la hija de Enrique VII, Margarita Tudor , que se casó con Jaime IV en 1503. [26] En Gales, como en otros lugares, la nobleza local estaba cada vez más anglicizada y la tradición bárdica comenzó a declinar, lo que dio lugar a la celebración de los primeros Eisteddfods. desde 1527, en un intento de preservar la tradición. [6]En este período parece que la mayoría de los compositores galeses tendían a cruzar la frontera y buscar empleo en las casas reales y nobles inglesas, incluido John Lloyd (c. 1475-1523), que trabajaba en la casa de Edward Stafford, tercer duque de Buckingham. y se convirtió en Caballero de la Capilla Real desde 1509 y Robert Jones (fl.c.1520-1535), quien también se convirtió en caballero de la Capilla Real. [27]
Enrique VIII y Jaime V fueron ambos mecenas entusiastas de la música. Henry (1491-1547) tocaba varios instrumentos, de los cuales tenía una gran colección, incluidas, a su muerte, setenta y ocho flautas dulces . A veces se le atribuyen composiciones, incluida la canción parcial ' Pastime with Good Company '. [28] En la primera parte de su reinado y su matrimonio con Catalina de Aragón, la música de la corte secular centrada en un énfasis en el amor cortés , probablemente adquirida de la corte de Borgoña, dio como resultado composiciones como 'Yow' de William Cornysh (1465-1515). y yo y Amyas. [24] Entre los músicos más eminentes del reinado de Enrique VIII se encontraba John Taverner (1490-1545), organista del College fundado en Oxford por Thomas Wolsey entre 1526 y 1530. Sus principales obras incluyen misas, magnificats y motetes, de los cuales el más famoso es 'Dum Transisset Sabbatum'. [18] Thomas Tallis (c. 1505-1585) llevó la composición polifónica a nuevas alturas con obras como su ' Spem in alium ', un motete para cuarenta voces independientes. [29] En Escocia, James V (1512-1542) tenía un interés similar por la música. Un talentoso laudista, introdujo canciones francesas y consortes de violas en su corte y fue mecenas de compositores como David Peebles (¿c. 1510-1579?). [30]
Naturalmente, la Reforma tuvo un profundo impacto en la música religiosa de Gran Bretaña. La pérdida de muchas abadías, colegiatas y órdenes religiosas intensificó un proceso mediante el cual el humanismo había hecho que las carreras de compositores de música sacra perdieran importancia en comparación con el empleo en las casas reales y nobles. [24] Muchos compositores también respondieron a los cambios litúrgicos provocados por la Reforma. Desde la década de 1540, durante la Reforma en Inglaterra, la música sacra se adaptaba a textos en inglés junto con el latín. [24] El legado de Tallis incluye las versiones armonizadas de las respuestas en canto llano del servicio religioso inglés que todavía utilizan la Iglesia de Inglaterra . [31] El luteranismo que influyó en la temprana Reforma escocesa intentó acomodar las tradiciones musicales católicas en el culto, basándose en himnos latinos y canciones vernáculas. El producto más importante de esta tradición en Escocia fue The Gude and Godlie Ballatis , que eran sátiras espirituales sobre baladas populares compuestas por los hermanos James , John y Robert Wedderburn . Aunque nunca fueron adoptados por la Iglesia, siguieron siendo populares y se reimprimieron entre la década de 1540 y la de 1620. Posteriormente el calvinismo que llegó a dominar la Reforma escocesa fue mucho más hostil a la tradición musical católica y a la música popular, poniendo énfasis en lo bíblico, es decir, los Salmos . El salterio escocés de 1564 fue un encargo de la Asamblea de la Iglesia . Se basó en la obra del músico francés Clément Marot , las contribuciones de Calvino al salterio de Estrasburgo de 1539 y escritores ingleses, en particular la edición de 1561 del salterio producida por William Whittingham para la congregación inglesa en Ginebra. La intención era producir melodías individuales para cada salmo, pero de 150 salmos, 105 tenían melodías adecuadas y, en el siglo XVII, las melodías comunes, que podían usarse para salmos con la misma métrica, se volvieron más comunes. La necesidad de simplicidad para congregaciones enteras que ahora cantarían estos salmos, a diferencia de los coros entrenados que habían cantado las muchas partes de himnos polifónicos, [32] requería simplicidad y la mayoría de las composiciones de la iglesia se limitaban a entornos homofónicos . [33] Hay alguna evidencia de que la polifonía sobrevivió y se incorporó a las ediciones del salterio de 1625, pero generalmente con la congregación cantando la melodía y cantantes entrenados las partes de contratenor, agudos y bajos. [32]
Durante este período, la impresión de música (técnicamente más compleja que la impresión de texto escrito) fue adoptada de la práctica continental. [24] Alrededor de 1520, John Rastell inició el método de impresión única para imprimir música, en el que las líneas del pentagrama, las palabras y las notas formaban parte de una sola pieza tipográfica, lo que la hacía mucho más fácil de producir, aunque no necesariamente más clara. [34] Isabel I otorgó el monopolio de la publicación musical a Tallis y su alumno William Byrd, lo que aseguró que sus obras se distribuyeran ampliamente y hubieran sobrevivido en varias ediciones, pero podría decirse que limitó el potencial de la publicación musical en Gran Bretaña. [35]
La hija de Jacobo V, María, reina de Escocia , también tocaba el laúd virginal y (a diferencia de su padre) era una excelente cantante. [36] Se crió en la corte francesa y trajo muchas influencias de allí cuando regresó para gobernar Escocia a partir de 1561, empleando laudistas y violas en su casa. [37] La posición de María como católica dio una nueva vida al coro de la Capilla Real de Escocia durante su reinado, pero la destrucción de los órganos de la iglesia escocesa significó que la instrumentación para acompañar la misa tuvo que emplear bandas de músicos con trompetas, tambores , pífanos, gaitas y tamboriles. [36] En Inglaterra su prima Isabel I también se formó en música. Tocaba el laúd, virginales, cantaba, bailaba e incluso afirmó haber compuesto música de baile. Fue la principal mecenas de los músicos y compositores ingleses (particularmente en la Capilla Real ), mientras que en su casa real empleó a numerosos músicos extranjeros en sus conjuntos de violas, flautas, flautas dulces, sacabuches y chirimías. [38] [39] Byrd surgió como el principal compositor de la corte isabelina, escribiendo polifonía sagrada y secular, viola , teclado y música de consorte , lo que refleja el crecimiento en la gama de instrumentos y formas de música disponibles en la Gran Bretaña de los Tudor y los Estuardo . [40] [41] El compositor escocés más destacado de la época fue Robert Carver (c.1485-c.1570), cuyas obras incluyeron el motete de diecinueve partes 'O Bone Jesu'. [26]
La Escuela Inglesa de Madrigal fue el breve pero intenso florecimiento del madrigal musical en Inglaterra, principalmente de 1588 a 1627. Basada en la forma musical italiana y patrocinada por Isabel I después de la muy popular Musica transalpina de Nicholas Yonge en 1588. [42] Los madrigales eran a capella , de estilo predominantemente ligero y generalmente comenzaban como copias o traducciones directas de modelos italianos , en su mayoría de tres a seis versos. [35] Los compositores de madrigales más influyentes en Inglaterra cuyo trabajo ha sobrevivido fueron Thomas Morley , Thomas Weelkes y John Wilbye . [35] Una de las compilaciones más notables de madrigales ingleses fue Los triunfos de Oriana , una colección de madrigales compilada por Thomas Morley y dedicada a Isabel I. [43] Se continuaron componiendo madrigales en Inglaterra durante la década de 1620, pero cesaron en la década de 1620. principios de la década de 1630, cuando empezaron a parecer obsoletos a medida que nuevas formas de música comenzaron a surgir del continente. [44]
También surgieron de la corte isabelina los ayres , canciones solistas, ocasionalmente con más (generalmente tres) partes, acompañadas con un laúd . [44] Su popularidad comenzó con la publicación del Primer Libro de Canciones o Ayres (1597) de John Dowland (1563-1626 ). Dowland había viajado extensamente por Europa y probablemente basó sus ayres en la monodia italiana y el air de cour francés . [44] Sus ayres más famosos incluyen " Vuelve ", " Fluyen, mis lágrimas ", " Vi llorar a mi Señora " y " En la oscuridad déjame habitar ". [44] El género fue desarrollado aún más por Thomas Campion (1567-1620), cuyos Books of Airs (1601) (coescrito con Philip Rosseter) contienen más de cien canciones para laúd y que se reimprimieron cuatro veces en la década de 1610. [45] Aunque este auge de la imprenta se extinguió en la década de 1620, los ayres continuaron escribiéndose y representándose y, a menudo, se incorporaron a las máscaras de la corte . [44]
Los consortes de instrumentos se desarrollaron en el período Tudor en Inglaterra como consortes "completos", es decir, todos los instrumentos de la misma familia (por ejemplo, un conjunto de violas tocadas juntas) y como consortes "mixtos" o "rotos" , que consisten en instrumentos de diversas familias (por ejemplo violas y laúd ). [46] Las principales formas de música compuestas para consortes incluyeron: fantasías , In Nomines , variaciones , danzas y fantasías-suites. [47] Muchos de los principales compositores de los siglos XVI y XVII produjeron obras para consortes, incluidos William Byrd, Giovanni Coperario , Orlando Gibbons , John Jenkins y Henry Purcell .
Campion también fue compositor de máscaras de la corte , una actuación elaborada que incluía música y baile, canto y actuación, dentro de un complejo diseño escénico , en el que el marco arquitectónico y el vestuario podrían ser diseñados por un arquitecto de renombre, como Inigo Jones , para presentar una Alegoría deferente que halaga a un patrón noble o real. [44] Estos se desarrollaron a partir de la tradición medieval de disfrazarse a principios del período Tudor y se volvieron cada vez más complejos bajo Isabel I, Jaime VI y I y Carlos I. Se contrataron actores y músicos profesionales para las partes de habla y canto. Shakespeare incluyó secciones parecidas a máscaras en muchas de sus obras y se sabe que Ben Jonson las escribió. [48] A menudo, los enmascarados que no hablaban ni cantaban eran cortesanos: la reina consorte de Jaime I, Ana de Dinamarca , bailaba frecuentemente con sus damas en máscaras entre 1603 y 1611, y Carlos I actuaba con las máscaras en su corte. [49] La mascarada terminó en gran medida con el cierre de los teatros y el exilio de la corte bajo la Commonwealth . [44]
Las representaciones de obras isabelinas y jacobeas incluían con frecuencia el uso de música, con actuaciones de órganos, laúdes, violas y flautas hasta una hora antes de la representación real, y los textos indican que se utilizaron durante las obras. [43] Las obras de teatro, quizás particularmente las historias y tragedias más pesadas, se interrumpían frecuentemente con una obra musical breve, tal vez derivada del intermezzo italiano , con música, bromas y baile, conocido como 'jigg' y del cual deriva la danza jig . su nombre. [43] Después del cierre de los teatros de Londres en 1642, estas tendencias se convirtieron en obras cantadas que son reconocibles como ópera inglesa; la primera suele considerarse como The Siege of Rhodes (1656 ), de William Davenant (1606-68 ), originalmente dado en una actuación privada. [44] El desarrollo de la ópera inglesa nativa tuvo que esperar a la Restauración de la monarquía en 1660 y al mecenazgo de Carlos II . [44]
Jaime VI, rey de Escocia desde 1567, fue un importante mecenas de las artes en general. Hizo disposiciones estatutarias para reformar y promover la enseñanza de la música. [50] Reconstruyó la Capilla Real en Stirling en 1594 y el coro se utilizó para ocasiones estatales como el bautismo de su hijo Enrique. [51] Siguió la tradición de emplear laudistas para su entretenimiento privado, al igual que otros miembros de su familia. [52] Cuando viajó al sur para tomar el trono de Inglaterra en 1603 como Jaime I, eliminó una de las principales fuentes de patrocinio en Escocia. La Capilla Real de Escocia ahora se usaba sólo para visitas de estado ocasionales, comenzando a deteriorarse, y de ahora en adelante la corte de Westminster sería la única fuente importante de patrocinio musical real. [51] Cuando Carlos I regresó en 1633 para ser coronado, trajo muchos músicos de la Capilla Real inglesa para el servicio. [51] Tanto James como su hijo Carlos I, rey desde 1625, continuaron el patrocinio isabelino de la música religiosa , donde la atención se mantuvo en los escenarios de los servicios e himnos anglicanos, empleando al longevo Bryd y luego siguiendo sus pasos a compositores como Orlando. Gibbons (1583–1625) y Thomas Tomkins (1572–1656). [52] El énfasis en el contenido litúrgico de los servicios bajo Carlos I, asociado con el arzobispo William Laud , significó la necesidad de un acompañamiento musical más completo. [53] En 1626, el establecimiento musical de la casa real fue suficiente para necesitar la creación de un nuevo cargo de 'Maestro de Música del Rey' y probablemente el compositor más importante del reinado fue William Lawes (1602-1645), quien produjo suites de fantasía, música de consorte para arpa, violas y órgano y música para instrumentos individuales, incluidos laúdes. [35] Este establecimiento fue interrumpido por el estallido de la Guerra Civil Inglesa en 1642, pero un establecimiento musical más pequeño se mantuvo en la capital alternativa del Rey en Oxford durante el conflicto. [54]
El período comprendido entre el ascenso del Parlamento en Londres en 1642 y la Restauración de la monarquía en 1660 cambió radicalmente el patrón de la música británica. La pérdida de la corte eliminó la principal fuente de patrocinio: los teatros de Londres se cerraron en 1642 y ciertas formas de música, particularmente aquellas asociadas con eventos tradicionales o el calendario litúrgico (como danzas morris y villancicos), y ciertas formas de música religiosa. , incluidos coros y órganos colegiados , fueron desalentados o abolidos cuando el parlamento pudo hacer cumplir su autoridad. [55] Sin embargo, no hubo ninguna prohibición puritana sobre la música secular y Cromwell hizo instalar el órgano del Magdalen College de Oxford en el Palacio de Hampton Court y empleó a un organista y otros músicos. [56] Se proporcionó entretenimiento musical en las recepciones oficiales y en la boda de la hija de Cromwell. [57] Dado que las oportunidades para la composición a gran escala y la interpretación pública eran limitadas, la música bajo el Protectorado se convirtió en un asunto en gran medida privado y floreció en entornos domésticos, particularmente en las casas privadas más grandes. [55] La consorte de violas disfrutó de un resurgimiento en popularidad y los principales compositores de nuevas piezas fueron John Jenkins y Matthew Locke . [58] La obra de Christopher Simpson , The Division Violist , publicada por primera vez en 1659, fue durante muchos años el principal manual sobre cómo tocar la viola y sobre el arte de improvisar "divisiones en un terreno ", en Gran Bretaña y Europa continental y todavía es utilizado como referencia por los revivalistas de la música antigua . [13]