The Fairy-Queen (1692; número de catálogo de Purcell Z.629) es una semiópera de Henry Purcell ; un « espectáculo de la Restauración ». [1] El libreto es una adaptación anónima dela comedia de William Shakespeare El sueño de una noche de verano . [2] Interpretada por primera vez en 1692, The Fairy-Queen fue compuesta tres años antes de la muerte de Purcell a la edad de 35 años. Después de su muerte, la partitura se perdió y solo se redescubrió a principios del siglo XX.
Purcell no musicalizó ningún texto de Shakespeare, sino que compuso música para mascaradas breves en todos los actos, excepto el primero. La obra en sí también fue ligeramente modernizada de acuerdo con las convenciones dramáticas del siglo XVII, pero en general el texto hablado es tal como lo escribió Shakespeare. Las mascaradas están relacionadas con la obra metafóricamente, más que literalmente. Muchos críticos han afirmado que no guardan relación con la obra. Estudios recientes han demostrado que la ópera, que termina con una mascarada en la que aparece Himeneo, el dios del matrimonio, fue compuesta para el decimoquinto aniversario de bodas de Guillermo III y María II . [3]
El creciente interés por la música barroca y el auge del contratenor contribuyeron a que la obra volviera a formar parte del repertorio. La ópera recibió varias grabaciones completas a finales del siglo XX y varias de sus arias, incluida "The Plaint" ("Oh, déjame llorar"), se han convertido en piezas populares para recitar.
En julio de 2009, para celebrar el 350 aniversario del nacimiento de Purcell, la Ópera del Festival de Glyndebourne interpretó The Fairy-Queen utilizando una nueva edición de la partitura, preparada para la Sociedad Purcell por Bruce Wood y Andrew Pinnock.
La reina de las hadas se estrenó el 2 de mayo de 1692 en el Queen's Theatre, Dorset Garden, en Londres, a cargo de la United Company . El autor o al menos coautor del libreto fue presumiblemente Thomas Betterton , el director del Dorset Garden Theatre, con quien Purcell trabajaba regularmente. Esta creencia se basa en un análisis de las instrucciones escénicas de Betterton. [3] También es posible que haya habido una colaboración entre varios dramaturgos. [4] La coreografía de las distintas danzas estuvo a cargo de Josias Priest , que también trabajó en Dioclesiano y El rey Arturo , y que estuvo asociado con Dido y Eneas .
Una carta que describe la representación original muestra que los papeles de Titania y Oberón fueron interpretados por niños de ocho o nueve años. [5] Es de suponer que otras hadas también fueron interpretadas por niños; esto afecta nuestra perspectiva sobre la puesta en escena.
Tras el enorme éxito de sus óperas Dioclesiano (1690) y El rey Arturo (1691), Purcell compuso La reina de las hadas en 1692. La "Primera" y la "Segunda música" de Purcell se interpretaron mientras el público ocupaba sus asientos. Las "melodías de los actos" se interpretan entre los actos, ya que normalmente el telón se levantaba al principio de la representación y no se bajaba hasta el final. Después del primer acto, cada acto comienza con una sinfonía corta (3-5 minutos).
La tradición inglesa de la semiópera, a la que pertenece La reina de las hadas , exigía que la mayor parte de la música de la obra se introdujera a través de la intervención de seres sobrenaturales, con la excepción de los personajes pastorales o borrachos. Todas las mascaradas de La reina de las hadas son presentadas por Titania u Oberón. Originalmente, el acto 1 no contenía música, pero debido al enorme éxito de la obra se recuperó en 1693, cuando Purcell añadió la escena del poeta borracho y dos canciones más adelante en la obra: "Vosotros, gentiles espíritus del aire" y "La queja". [6] Como se señaló anteriormente, cada mascarada está sutilmente relacionada con la acción de la obra durante ese acto en particular de una manera metafórica. De esta manera, tenemos Noche y sueño en el acto 2, que es adecuado ya que ese acto de la obra consiste en los planes de Oberón de utilizar el poder de la flor del " amor en la ociosidad " para confundir varios amores, y por lo tanto es apropiado para las figuras alegóricas del secreto, el misterio, etc. para dar paso a una noche de encantamiento. La mascarada de Bottom en el acto 3 incluye metamorfosis, canciones de amor real y fingido, y seres que no son lo que parecen. La mascarada de la Reconciliación entre Oberón y Titania al final del acto 4 prefigura la mascarada final. La escena cambia a un Jardín de Fuentes, que denota el pasatiempo del Rey Guillermo, justo después de que Oberón diga "bendice el Día Nupcial de estos Amantes". Las cuatro estaciones nos dicen que el matrimonio que aquí se celebra es bueno durante todo el año y "Todos saludan al sol naciente"/... El cumpleaños del rey Oberón". Los reyes de Inglaterra eran tradicionalmente comparados con el sol (Oberon = Guillermo. Significativamente, Guillermo y María se casaron el día de su cumpleaños, el 4 de noviembre). La escena china en la mascarada final es un homenaje a la famosa colección de porcelana de la reina María. El jardín que se muestra encima y los animales exóticos traen al rey Guillermo de vuelta a la escena y la canción de Hymen en alabanza de su matrimonio, más la dirección de escena que lleva los jarrones de porcelana (de María) que contienen los naranjos (de Guillermo) al frente del escenario completan el simbolismo. [3]
Escrita cuando se acercaba el final de su breve carrera, The Fairy-Queen contiene algunas de las mejores piezas teatrales de Purcell, [6] como han coincidido los musicólogos durante generaciones. En particular, Constant Lambert era un gran admirador; a partir de ella compuso una suite y, en colaboración con Edward Dent, arregló la obra para formar la primera producción de posguerra de la entonces nueva compañía de ópera de Covent Garden. [7] Muestra con excelentes resultados el dominio completo de Purcell del punzante estilo inglés del contrapunto barroco, así como su absorción de influencias italianas. Varias arias como "The Plaint", "Thrice happy lovers" y "Hark! the echoing air" han entrado en el repertorio discográfico de muchos cantantes fuera de su contexto original.
La orquesta de La reina de las hadas está formada por dos flautas dulces , dos oboes , dos trompetas, timbales, instrumentos de cuerda y clavecín continuo .
Tras la prematura muerte de Purcell, su ópera Dioclesiano siguió siendo popular hasta bien entrado el siglo XVIII, [8] pero la partitura de La reina de las hadas se perdió y solo se redescubrió a principios del siglo XX. [9] Otras obras similares cayeron en el olvido. Los gustos cambiantes no fueron la única razón de esto; las voces empleadas también se habían vuelto difíciles de encontrar. La lista de cantantes a continuación muestra el empleo frecuente del alto masculino, o contratenor , en la semiópera, una voz que, después de Purcell, esencialmente desapareció del escenario, probablemente debido al auge de la ópera italiana y los castrati acompañantes . Después de eso surgió la ópera romántica, con el predominio acompañante del tenor . Hasta el renacimiento de la música temprana, el alto masculino sobrevivió principalmente en la tradición eclesiástica de los coros de iglesia exclusivamente masculinos y los cuartetos vocales estadounidenses del siglo XX.
Sin embargo, la música de Purcell (y con ella The Fairy-Queen ) fue resucitada por dos movimientos relacionados: un creciente interés en la música barroca y el auge del contratenor, liderado por pioneros como Alfred Deller y Russell Oberlin . El primer movimiento llevó a interpretaciones de compositores largamente olvidados como Purcell, John Dowland , John Blow e incluso George Frideric Handel , mientras que el segundo lo complementó al proporcionar una forma de hacer que tales interpretaciones fueran lo más auténticas posible en lo que respecta a la música original y las intenciones del compositor (menos cierto para Handel, donde los contratenores aparecen como reemplazos de castrati). [10] Esto ha llevado a la creciente popularidad de The Fairy-Queen , y se han realizado numerosas grabaciones, a menudo utilizando instrumentos de la época. El formato de la obra presenta problemas a los directores modernos, que deben decidir si presentan o no la música de Purcell como parte de la obra original, que sin cortes es bastante larga. Savage calculó una duración de cuatro horas. [11] La decisión de acortar la obra suele tomarse junto con la resolución de modernizarla hasta tal punto que se pierde por completo la cohesión entre música, texto y acción esbozada anteriormente, una crítica dirigida a la producción de 1995 de la Ópera Nacional Inglesa dirigida por David Pountney . [12] La producción se estrenó en vídeo el mismo año y la compañía la reactivó en 2002. En la puesta en escena de 2000 de la Compañía de Ópera Brasileña, Luiz Päetow , se adoptó un enfoque audaz , con el libreto despegando en el tiempo. [13]
En julio de 2009, dos meses antes del 350 aniversario del nacimiento de Purcell, The Fairy-Queen se representó en una nueva edición, preparada para The Purcell Society por Bruce Wood y Andrew Pinnock, que restauró todo el entretenimiento teatral, así como el tono original utilizado por Purcell. La interpretación de la Ópera del Festival de Glyndebourne con la Orquesta de la Era de las Luces dirigida por William Christie se repitió más tarde ese mes en el Royal Albert Hall como parte de los BBC Proms . [14]
En junio de 2016, la ópera fue interpretada por la Ópera Estatal de Hungría , en una nueva producción neo-noir dirigida por András Almási-Tóth
El papel de Mopsa fue interpretado originalmente por una soprano; sin embargo, una revisión posterior de Purcell declaró que debía ser interpretado por "Mr. Pate en hábito de mujer", presumiblemente para tener un efecto grotesco y resaltar el estribillo "No, no, no, no, no; no besarse en absoluto" en el diálogo entre Corydon y Mopsa. [6] Además, no está del todo claro qué significa la palabra " contratenor " en este contexto. El registro es ambivalente en cuanto a si Purcell (él mismo un contratenor) utilizó un tenor con un rango particularmente alto (aunque más ligero en la parte superior) y tesitura (conocido a veces como haute-contre , los descendientes de los contratenores alti de la polifonía medieval ) o un falsetista . Parece que a lo largo de su carrera utilizó ambos. [15] Sin embargo, por puras razones de verosimilitud dramática, es más probable que el papel de parodia de Mopsa fuera interpretado por un falsetista, y la presencia de un dúo para dos altos masculinos ("Que suenen los pífanos y los clarines") hace parecer más probable que para esta obra se emplearan falsetistas.
Para una lista de personajes que no cantan, véase El sueño de una noche de verano , con la excepción de Hipólita, que fue eliminada por el libretista de Purcell.
Para conocer la trama de la obra, véase El sueño de una noche de verano . Aquí sólo se ofrece una sinopsis de las escenas acompañadas de música.
La primera escena musicalizada ocurre después de que Titania haya abandonado Oberón, tras una discusión sobre la propiedad de un niño indio. Dos de sus hadas cantan sobre las delicias del campo ("Venid, venid, venid, venid, dejemos la ciudad"). Entra un poeta borracho y tartamudo que canta "Llenad el cuenco". El tartamudeo ha llevado a muchos a creer que la escena está basada en los hábitos de Thomas d'Urfey . Sin embargo, también puede estar burlándose de Elkanah Settle , que también tartamudeaba y durante mucho tiempo se creyó que era el libretista, debido a un error en su biografía de 1910. [6] Las hadas se burlan del poeta borracho y lo ahuyentan. Con su rápida réplica y su representación ampliamente "realista" de la pobre víctima, La máscara del poeta borracho es el episodio más cercano en las obras teatrales londinenses de Purcell a la ópera en toda regla tal como la conocían los italianos. [18]
Comienza después de que Oberón le ordena a Puck que unja los ojos de Demetrio con el jugo del amor. Titania y sus hadas se divierten alegremente ("Venid todos los cantores del cielo"), y la Noche ("Mirad, incluso la Noche"), el Misterio ("La canción del Misterio"), el Secreto ("Una noche encantadora") y el Sueño ("Callad, no más, callad todos") las arrullan y las dejan con sueños placenteros.
Titania se ha enamorado de Bottom (ahora equipado con la cabeza de su asno), para gran satisfacción de Oberón. Una ninfa canta sobre los placeres y tormentos del amor ("Si el amor es una dulce pasión") y después de varios bailes, Titania y Bottom se entretienen con las bromas tontas y amorosas de dos destructores, Corydon y Mopsa.
Comienza después de que Titania ha sido liberada de su encantamiento, comenzando con una breve diversión para celebrar el cumpleaños de Oberón ("Ahora la noche", y el mencionado "Que suenen los pífanos y los clarines"), pero en su mayor parte es una mascarada del dios Febo ("Cuando el cruel invierno") y las Cuatro Estaciones (Primavera; "Así, la siempre agradecida primavera", Verano; "Aquí está el verano", Otoño; "Mira mis campos de muchos colores", e Invierno; "Ahora el invierno llega lentamente").
Después de que a Teseo le hayan contado las aventuras de los amantes en el bosque, comienza con la diosa Juno cantando un epitalamio , "Amantes tres veces felices", seguida por una mujer que canta el conocido "Lamento" ("Oh, déjame llorar"). Un hombre y una mujer chinos entran cantando varias canciones sobre las alegrías de su mundo. ("Así, el mundo sombrío", "Así feliz y libre" y "Sí, Xansi"). Otras dos mujeres chinas convocan a Hymen, quien canta en alabanza de la felicidad conyugal, uniendo así el tema de la boda de El sueño de una noche de verano , con la celebración del aniversario de Guillermo y María. [3]
Audio
Video
Notas
Fuentes
