Jean-Baptiste-Camille Corot ( Reino Unido : /ˈkɒroʊ/KORR-oh, [1] EE. UU.: /kəˈroʊ, kɔːˈroʊ / kə - ROH , kor - OH , [ 2 ] [ 3 ] [ 4 ] Francés : [ ʒɑ̃batist kamij kɔʁo ] ; 16 de julio de 1796 [ 5 ] - 22 de febrero de 1875), o simplemente Camille Corot , fue un pintor de paisajes y retratos francés, así como un grabador al aguafuerte . Una figura fundamental en la pintura de paisajes, su vasta producción hizo referencia simultáneamente a la tradición neoclásica y anticipó las innovaciones al aire libre del impresionismo .
Jean-Baptiste-Camille Corot nació en París el 16 de julio de 1796 en una casa en el número 125 de la Rue du Bac , hoy demolida. Su familia era burguesa (su padre era peluquero y su madre, Marie-Françoise Corot , modista de sombreros) y, a diferencia de la experiencia de algunos de sus colegas artistas, a lo largo de su vida nunca sintió la falta de dinero, ya que sus padres hicieron buenas inversiones y dirigieron bien sus negocios. [6] Después de que sus padres se casaran, compraron la tienda de sombreros donde había trabajado su madre y su padre abandonó su carrera como peluquero para dirigir la parte comercial de la tienda. La tienda era un destino famoso para los parisinos de moda y le reportó a la familia unos ingresos excelentes. Corot fue el segundo de los tres hijos de la familia, que vivió encima de su tienda durante esos años. [7]
Corot recibió una beca para estudiar en el Liceo Pierre-Corneille de Ruán, [8] pero abandonó sus estudios tras tener dificultades escolares y entró en un internado. «No fue un estudiante brillante y durante toda su carrera escolar no obtuvo una sola nominación a un premio, ni siquiera en las clases de dibujo». [7] A diferencia de muchos maestros que demostraron tempranamente talento e inclinaciones hacia el arte, antes de 1815 Corot no mostró tal interés. Durante esos años vivió con la familia Sennegon, cuyo patriarca era amigo del padre de Corot y que pasaba mucho tiempo con el joven Corot en paseos por la naturaleza. Fue en esta región donde Corot realizó sus primeros cuadros al natural. [9] A los diecinueve años, Corot era un "niño grande, tímido y torpe. Se ruborizaba cuando le hablaban. Delante de las bellas damas que frecuentaban el salón de su madre, se avergonzaba y huía como un animal salvaje... Emocionalmente, era un hijo cariñoso y de buen comportamiento, que adoraba a su madre y temblaba cuando su padre hablaba". [10] Cuando los padres de Corot se mudaron a una nueva residencia en 1817, Corot, de 21 años, se mudó a la habitación con ventanas abuhardilladas del tercer piso, que también se convirtió en su primer estudio. [11]
Con la ayuda de su padre, Corot se convirtió en aprendiz de pañero, pero odiaba la vida comercial y despreciaba lo que él llamaba "trucos comerciales", pero permaneció fiel al oficio hasta los 26 años, cuando su padre consintió en que adoptara la profesión de artista. Más tarde, Corot declaró: "Le dije a mi padre que los negocios y yo éramos simplemente incompatibles y que me iba a divorciar". [12] Sin embargo, la experiencia comercial resultó beneficiosa al ayudarlo a desarrollar un sentido estético a través de su exposición a los colores y texturas de las telas. Tal vez por aburrimiento, se dedicó a la pintura al óleo alrededor de 1821 y comenzó inmediatamente con los paisajes. [11] A partir de 1822, después de la muerte de su hermana, Corot comenzó a recibir una asignación anual de 1500 francos que financió adecuadamente su nueva carrera, estudio, materiales y viajes por el resto de su vida. Inmediatamente alquiló un estudio en el Quai Voltaire. [13]
Durante el período en que Corot adquirió los medios para dedicarse al arte, la pintura de paisajes estaba en auge y generalmente se dividía en dos grupos: uno, el paisaje histórico de los neoclásicos en el sur de Europa que representaba vistas idealizadas de sitios reales e imaginarios poblados de figuras antiguas, mitológicas y bíblicas; y dos, el paisaje realista, más común en el norte de Europa, que era en gran medida fiel a la topografía, la arquitectura y la flora reales, y que a menudo mostraba figuras de campesinos. En ambos enfoques, los paisajistas solían comenzar con bocetos al aire libre y pinturas preliminares, y el trabajo de acabado se hacía en interiores. Muy influyente en los paisajistas franceses de principios del siglo XIX fue el trabajo de los ingleses John Constable y JMW Turner , quienes reforzaron la tendencia a favor del realismo y se alejaron del neoclasicismo. [14]
Durante un breve periodo, entre 1821 y 1822, Corot estudió con Achille Etna Michallon , un pintor de paisajes de la misma edad que Corot, protegido del pintor Jacques-Louis David y que ya era un profesor muy respetado. Michallon ejerció una gran influencia en la carrera de Corot. Las lecciones de dibujo de Corot incluían trazar litografías , copiar formas tridimensionales y realizar bocetos y pinturas de paisajes al aire libre, especialmente en los bosques de Fontainebleau , los puertos marítimos a lo largo de Normandía y los pueblos al oeste de París, como Ville-d'Avray (donde sus padres tenían una casa de campo). [15] Michallon también lo expuso a los principios de la tradición neoclásica francesa, tal como se expone en el famoso tratado del teórico Pierre-Henri de Valenciennes , y se ejemplifica en las obras de los neoclásicos franceses Claude Lorrain y Nicolas Poussin , cuyo principal objetivo era la representación de la Belleza ideal en la naturaleza, vinculada con eventos de la antigüedad.
Aunque esta escuela estaba en decadencia, todavía tenía influencia en el Salón , la exposición de arte más importante de Francia, a la que asistían miles de personas en cada evento. Corot declaró más tarde: "Hice mi primer paisaje de la naturaleza... bajo la mirada de este pintor, cuyo único consejo fue reproducir con la mayor escrupulosidad todo lo que veía ante mí. La lección funcionó; desde entonces siempre he valorado la precisión". [16] Después de la temprana muerte de Michallon en 1822, Corot estudió con el maestro de Michallon, Jean-Victor Bertin , uno de los pintores de paisajes neoclásicos más conocidos de Francia, quien le pidió a Corot que dibujara copias de litografías de temas botánicos para aprender formas orgánicas precisas. Aunque tenía a los neoclásicos en la más alta estima, Corot no limitó su formación a su tradición de alegorías ambientadas en la naturaleza imaginada. Sus cuadernos revelan representaciones precisas de troncos de árboles, rocas y plantas que muestran la influencia del realismo nórdico. A lo largo de su carrera, Corot demostró una inclinación a aplicar ambas tradiciones en su trabajo, a veces combinándolas. [17]
Con el apoyo de sus padres, Corot siguió el patrón establecido de los pintores franceses que iban a Italia para estudiar a los maestros del Renacimiento italiano y dibujar los monumentos desmoronados de la antigüedad romana. Una condición de sus padres antes de partir fue que pintara un autorretrato para ellos, su primero. La estancia de Corot en Italia de 1825 a 1828 fue muy formativa y productiva, durante la cual completó más de 200 dibujos y 150 pinturas. [18] Trabajó y viajó con varios jóvenes pintores franceses que también estudiaban en el extranjero, con los que pintaban juntos y socializaban por la noche en los cafés, criticándose mutuamente y chismorreando. Corot aprendió poco de los maestros del Renacimiento (aunque más tarde citó a Leonardo da Vinci como su pintor favorito) y pasó la mayor parte de su tiempo en Roma y en la campiña italiana. [19] Los jardines Farnese con sus espléndidas vistas de las antiguas ruinas eran un destino frecuente, y los pintó en tres momentos diferentes del día. [20] La formación fue particularmente valiosa para comprender los desafíos de la perspectiva de rango medio y panorámica, y para ubicar de manera efectiva las estructuras hechas por el hombre en un entorno natural. [21] También aprendió cómo dar a los edificios y las rocas el efecto de volumen y solidez con la luz y la sombra adecuadas, mientras usaba una técnica suave y fina. Además, colocar figuras adecuadas en un entorno secular era una necesidad de una buena pintura de paisajes, para agregar contexto y escala humanos, y era aún más importante en los paisajes alegóricos. Con ese fin, Corot trabajó en estudios de figuras con atuendos nativos y desnudos. [22] Durante el invierno, pasaba tiempo en un estudio, pero regresaba a trabajar al aire libre tan pronto como el clima lo permitía. [23] La intensa luz de Italia planteó desafíos considerables: "Este sol emite una luz que me desespera. Me hace sentir la absoluta impotencia de mi paleta". [24] Aprendió a dominar la luz y a pintar las piedras y el cielo en variaciones sutiles y dramáticas.
No sólo la arquitectura y la luz italianas atrajeron la atención de Corot. El tardío Corot también se sintió fascinado por las mujeres italianas: "Siguen siendo las mujeres más hermosas del mundo que he conocido... sus ojos, sus hombros, sus manos son espectaculares. En eso superan a nuestras mujeres, pero por otro lado, no son sus iguales en gracia y amabilidad... Yo, como pintor, prefiero a la mujer italiana, pero me inclino por la mujer francesa cuando se trata de emoción". [24] A pesar de su fuerte atracción por las mujeres, escribió sobre su compromiso con la pintura: "Tengo un solo objetivo en la vida que quiero perseguir fielmente: hacer paisajes. Esta firme resolución me aleja de un compromiso serio. Es decir, el matrimonio... pero mi naturaleza independiente y mi gran necesidad de estudio serio me hacen tomar el asunto a la ligera". [24]
Durante el período de seis años que siguió a su primera visita a Italia y a su segunda, Corot se centró en preparar grandes paisajes para su presentación en el Salón . Varias de sus pinturas de salón fueron adaptaciones de sus bocetos al óleo italianos reelaborados en el estudio añadiendo elementos formales imaginarios coherentes con los principios neoclásicos. [25] Un ejemplo de esto fue su primera participación en el Salón, Vista de Narni (1827), donde tomó su estudio rápido y natural de una ruina de un acueducto romano bajo un sol brillante y polvoriento y lo transformó en un entorno pastoral falsamente idílico con árboles de sombra gigantes y césped verde, una conversión destinada a atraer a los jurados neoclásicos. [26] Muchos críticos han valorado mucho sus pinturas italianas al aire libre por su "germen del impresionismo", su fidelidad a la luz natural y su evitación de los valores académicos, a pesar de que estaban concebidas como estudios. [27] Varias décadas después, el impresionismo revolucionó el arte al adoptar un enfoque similar: pintura rápida y espontánea realizada al aire libre; Sin embargo, mientras que los impresionistas utilizaban colores aplicados rápidamente y sin mezclar para capturar la luz y el estado de ánimo, Corot usualmente mezclaba y combinaba sus colores para obtener sus efectos de ensueño.
Cuando no estaba en el estudio, Corot viajó por toda Francia, imitando sus métodos italianos, y se concentró en paisajes rústicos. Regresó a la costa de Normandía y a Rouen, la ciudad en la que vivió durante su juventud. [28] Corot también hizo algunos retratos de amigos y familiares, y recibió sus primeros encargos. Su sensible retrato de su sobrina, Laure Sennegon, vestida de azul pálido, fue uno de los más exitosos y más tarde fue donado al Louvre . [29] Por lo general, pintaba dos copias de cada retrato familiar, una para el sujeto y otra para la familia, y a menudo también hacía copias de sus paisajes. [30]
En la primavera de 1829, Corot llegó a Barbizon para pintar en el bosque de Fontainebleau ; había pintado por primera vez en el bosque de Chailly en 1822. Regresó a Barbizon en el otoño de 1830 y en el verano de 1831, donde realizó dibujos y estudios al óleo, a partir de los cuales realizó una pintura destinada al Salón de 1830; su Vista del bosque de Fontainebleau (ahora en la National Gallery de Washington) y, para el Salón de 1831, otra Vista del bosque de Fontainebleau . Mientras estuvo allí conoció a los miembros de la escuela de Barbizon : Théodore Rousseau , Paul Huet , Constant Troyon , Jean-François Millet y el joven Charles-François Daubigny . [31] Corot expuso un retrato y varios paisajes en el Salón de 1831 y 1833. [32] Su recepción por parte de los críticos en el Salón fue fría y Corot decidió regresar a Italia, al no haber logrado satisfacerlos con sus temas neoclásicos.
Durante sus dos viajes de regreso a Italia, visitó el norte de Italia, Venecia y nuevamente la campiña romana. En 1835, Corot causó sensación en el Salón con su pintura bíblica Agar dans le desert (Agar en el desierto), que mostraba a Agar, la sierva de Sara, y al niño Ismael, muriendo de sed en el desierto hasta que fueron salvados por un ángel. El fondo probablemente se derivó de un estudio italiano. [33] Esta vez, la declaración audaz y fresca e inesperada de Corot del ideal neoclásico tuvo éxito entre los críticos al demostrar "la armonía entre el escenario y la pasión o el sufrimiento que el pintor elige representar en él". [33] A esto le siguió con otros temas bíblicos y mitológicos, pero esas pinturas no tuvieron tanto éxito, ya que los críticos del Salón lo encontraron deficiente en comparación con Poussin. [34] En 1837, pintó su desnudo más antiguo que sobrevive, La ninfa del Sena . Más tarde, aconsejó a sus alumnos: "El estudio del desnudo, ya veis, es la mejor lección que puede tener un pintor de paisajes. Si alguien sabe cómo, sin trucos, plasmar una figura, es capaz de hacer un paisaje; de lo contrario, nunca podrá hacerlo". [35]
.jpg/1280px-Venise,_La_Piazetta_(Camille_Corot).jpg)
Durante la década de 1840, Corot siguió teniendo problemas con los críticos (muchas de sus obras fueron rechazadas de plano para la exposición en el Salón), y el público no compró muchas de sus obras. Aunque el reconocimiento y la aceptación por parte del establishment llegaron lentamente, en 1845 Baudelaire encabezó una campaña que declaró a Corot líder de la "escuela moderna de pintura de paisajes". Mientras que algunos críticos encontraron los colores de Corot "pálidos" y su obra tenía una "ingenua torpeza", Baudelaire respondió astutamente: "M. Corot es más un armonista que un colorista, y sus composiciones, que siempre están completamente libres de pedantería, son seductoras simplemente por su simplicidad de color". [36] En 1846, el gobierno francés lo condecoró con la cruz de la Legión de Honor y en 1848 recibió una medalla de segunda clase en el Salón, pero recibió poco patrocinio estatal como resultado. [37] Su único encargo fue una pintura religiosa para una capilla bautismal pintada en 1847, al estilo de los maestros del Renacimiento. [38] Aunque el establishment siguió reprimiendo la idea, otros pintores reconocieron la creciente estatura de Corot. En 1847, Delacroix anotó en su diario: «Corot es un verdadero artista. Hay que ver a un pintor en su propio lugar para hacerse una idea de su valor... Corot profundiza en un tema: las ideas le vienen a la mente y las añade mientras trabaja; es el enfoque correcto». [39] Por recomendación de Delacroix, el pintor Constant Dutilleux compró un cuadro de Corot y comenzó una larga y gratificante relación con el artista, que le trajo amistad y mecenas. [39] El trato público a Corot mejoró drásticamente después de la Revolución de 1848, cuando fue admitido como miembro del jurado del Salón. [40] Fue ascendido a oficial del Salón en 1867.
Habiendo abandonado cualquier relación a largo plazo con mujeres, Corot permaneció muy unido a sus padres incluso a sus cincuenta años. Un contemporáneo dijo de él: "Corot es un hombre de principios, inconscientemente cristiano; entrega toda su libertad a su madre... tiene que rogarle repetidamente que le dé permiso para salir... a cenar cada dos viernes". [41] Aparte de sus frecuentes viajes, Corot permaneció muy unido a su familia hasta que sus padres murieron, cuando finalmente obtuvo la libertad de ir cuando quisiera. [42] Esa libertad le permitió aceptar estudiantes para sesiones informales, incluidos los artistas judíos Édouard Brandon y el futuro impresionista Camille Pissarro , que estuvo brevemente entre ellos. [39] El vigor de Corot y sus consejos perceptivos impresionaron a sus estudiantes. Charles Daubigny afirmó: "Es un perfecto Viejo Alegría, este Padre Corot. Es en conjunto un hombre maravilloso, que mezcla bromas con sus muy buenos consejos". [43] Otro estudiante dijo de Corot: "los periódicos habían distorsionado tanto a Corot, poniendo a Teócrito y Virgilio en sus manos, que me sorprendió bastante encontrarlo sin saber ni griego ni latín... Su bienvenida es muy abierta, muy libre, muy divertida: habla o te escucha mientras salta en un pie o en dos; canta fragmentos de ópera con una voz muy verdadera", pero tiene un "lado astuto y mordaz cuidadosamente escondido detrás de su buena naturaleza". [44]
A mediados de la década de 1850, el estilo cada vez más impresionista de Corot comenzó a obtener el reconocimiento que le aseguró un lugar en el arte francés. "M. Corot se destaca... en la reproducción de la vegetación en sus comienzos; representa maravillosamente las primicias del nuevo mundo". [45] A partir de la década de 1850, Corot pintó muchos paisajes de recuerdo y paysages , pinturas imaginativas de ensueño de lugares recordados de visitas anteriores pintadas con pinceladas ligeras y sueltas. [46]
En la década de 1860, Corot todavía mezclaba figuras campesinas con mitológicas, mezclando neoclasicismo con realismo, lo que provocó que un crítico lamentara: "Si M. Corot matara, de una vez por todas, a las ninfas de sus bosques y las reemplazara con campesinos, me gustaría más allá de toda medida". [47] En realidad, en etapas posteriores de su vida sus figuras humanas aumentaron y las ninfas disminuyeron, pero incluso las figuras humanas a menudo se encontraban en ensoñaciones idílicas.
En etapas posteriores de su vida, el estudio de Corot se llenó de estudiantes, modelos, amigos, coleccionistas y comerciantes que iban y venían bajo la mirada tolerante del maestro, lo que le hizo bromear: "¿Por qué hay diez de ustedes a mi alrededor y ninguno de ustedes piensa en volver a encender mi pipa?" [48] Los comerciantes se apoderaron de sus obras y sus precios a menudo superaban los 4.000 francos por cuadro. [43] Con su éxito asegurado, Corot dio generosamente su dinero y su tiempo. Se convirtió en un anciano de la comunidad de artistas y usaría su influencia para obtener encargos para otros artistas. En 1871 donó £ 2000 para los pobres de París, asediados por los prusianos. (ver: Guerra franco-prusiana ) Durante la Comuna de París , estuvo en Arras con Alfred Robaut. En 1872 compró una casa en Auvers como regalo para Honoré Daumier , que para entonces era ciego, sin recursos y sin hogar. En 1875, donó 10.000 francos a la viuda de Millet para ayudar a sus hijos. Su caridad era casi proverbial. También apoyó económicamente el mantenimiento de un centro de día para niños en la rue Vandrezanne de París. En su vida posterior, siguió siendo un hombre humilde y modesto, apolítico y feliz con su suerte en la vida, y mantuvo firme la creencia de que "los hombres no deben enorgullecerse, ya sean emperadores que añaden esta o aquella provincia a sus imperios o pintores que ganan reputación". [49]
A pesar del gran éxito y aprecio entre los artistas, coleccionistas y los críticos más generosos, sus numerosos amigos consideraron, sin embargo, que estaba oficialmente olvidado, y en 1874, poco tiempo antes de su muerte, le entregaron una medalla de oro. [50] Murió en París de un trastorno estomacal a los 78 años y fue enterrado en el cementerio de Père Lachaise .
Varios seguidores se autodenominaron alumnos de Corot. Los más conocidos son Camille Pissarro , Eugène Boudin , Berthe Morisot , Stanislas Lépine , Antoine Chintreuil , François-Louis Français , Charles Le Roux y Alexandre Defaux .
Corot es una figura fundamental en la pintura de paisajes. Su obra hace referencia simultáneamente a la tradición neoclásica y anticipa las innovaciones al aire libre del impresionismo . Claude Monet exclamó sobre él en 1897: "Aquí sólo hay un maestro: Corot. No somos nada comparados con él, nada". [51] Sus contribuciones a la pintura de figuras no son menos importantes; Degas prefería sus figuras a sus paisajes , y las figuras clásicas de Picasso rinden homenaje abierto a la influencia de Corot.
.jpg/1280px-Jean-Baptiste-Camille_Corot_-_Prairie_avec_des_saules,_Montlh%C3%A9ry_(1860s).jpg)
Los historiadores han dividido su obra en períodos, pero los puntos de división son a menudo vagos, ya que a menudo terminaba un cuadro años después de haberlo comenzado. En su período inicial, pintaba de forma tradicional y "apretada": con minuciosa exactitud, contornos claros, pinceladas finas y con una definición absoluta de los objetos en todo momento, con una capa de pintura monocromática o ébauche . [52] Después de cumplir los 50 años, sus métodos cambiaron para centrarse en la amplitud de tono y un enfoque del poder poético [53] transmitido con una aplicación más espesa de pintura; y unos 20 años después, a partir de 1865 en adelante, su manera de pintar se volvió más lírica, afectada por un toque más impresionista, con pinceladas que se volvían más evidentes junto con un mayor enfoque en el tono. En parte, esta evolución en la expresión puede verse como una transición de las pinturas al aire libre de su juventud, atravesadas por una cálida luz natural, a los paisajes creados en el estudio de su madurez tardía, envueltos en tonos uniformes de plata. En sus últimos 10 años se convirtió en el "Père (Padre) Corot" de los círculos artísticos parisinos, donde fue considerado con afecto personal y reconocido como uno de los cinco o seis más grandes pintores de paisajes que el mundo había visto, junto con Meindert Hobbema , Claude Lorrain , JMW Turner y John Constable . [53] En su larga y productiva vida, pintó más de 3.000 cuadros. [54]
Aunque a menudo se le considera un precursor de la práctica impresionista, Corot abordó sus paisajes de una manera más tradicional de lo que se suele creer. En comparación con los impresionistas que vinieron después, la paleta de Corot es sobria, dominada por marrones y negros ("colores prohibidos" entre los impresionistas), junto con verdes oscuros y plateados. Aunque a veces parece rápido y espontáneo, por lo general sus pinceladas son controladas y cuidadosas, y sus composiciones están bien pensadas y generalmente representadas de la manera más simple y concisa posible, lo que realza el efecto poético de las imágenes. Como afirmó, "me di cuenta de que todo lo que se hizo correctamente en el primer intento era más fiel y las formas más hermosas". [55]
El enfoque de Corot para sus temas era igualmente tradicional. Aunque era un gran defensor de los estudios al aire libre, era esencialmente un pintor de estudio y pocos de sus paisajes terminados fueron completados antes del motivo. Durante la mayor parte de su vida, Corot pasaría los veranos viajando y coleccionando estudios y bocetos, y los inviernos terminando obras más pulidas y listas para el mercado. [56] Por ejemplo, el título de sus Bañistas de las islas Borromeas (1865-1870) hace referencia al lago Mayor en Italia, a pesar del hecho de que Corot no había estado en Italia en 20 años. [57] Su énfasis en dibujar imágenes de la imaginación y la memoria en lugar de la observación directa estaba en línea con los gustos de los jurados del Salón, del que era miembro. [58]
En la década de 1860, Corot se interesó por la fotografía, tomó fotografías él mismo y se familiarizó con muchos de los primeros fotógrafos, lo que tuvo el efecto de suprimir aún más su paleta de pintura en simpatía con los tonos monocromáticos de las fotografías. Esto tuvo el resultado de hacer que sus pinturas fueran aún menos dramáticas pero algo más poéticas, un resultado que llevó a algunos críticos a citar una monotonía en su obra posterior. Théophile Thoré escribió que Corot "tiene solo una octava, extremadamente limitada y en una tonalidad menor; diría un músico. Apenas conoce más que una sola hora del día, la mañana, y un solo color, gris pálido". [59] Corot respondió:
Lo que hay que ver en la pintura, o mejor dicho lo que yo busco, es la forma, el conjunto, el valor de los tonos... Por eso para mí el color viene después, porque me gusta más que nada el efecto de conjunto, la armonía de los tonos, mientras que el color da una especie de choque que no me gusta. Quizá sea el exceso de este principio lo que hace que digan que tengo tonos plomizos. [47]
En su aversión a los colores impactantes, Corot se apartó marcadamente de los impresionistas emergentes, que abrazaron la experimentación con tonos vivos.
Además de sus paisajes (tan popular fue el estilo tardío que existen numerosas falsificaciones), Corot produjo una serie de preciados cuadros de figuras. Si bien los sujetos a veces se ubicaban en entornos pastorales , se trataban en su mayoría de piezas de estudio, extraídas del modelo vivo con tanto especificidad como sutileza. Al igual que sus paisajes, se caracterizan por un lirismo contemplativo, siendo sus últimas pinturas L'Algérienne (La argelina) y La Jeune Grecque (La joven griega) buenos ejemplos. [60] Corot pintó unos cincuenta retratos, en su mayoría de familiares y amigos. [61] También pintó trece desnudos reclinados, con su Les Repos (1860) sorprendentemente similar en pose a la famosa Le Grande Odalisque (1814) de Ingres , pero la mujer de Corot es en cambio una bacante rústica. En quizás su última pintura de figuras, La dama de azul (1874), Corot logra un efecto que recuerda a Degas , suave pero expresivo. En todos los casos de sus pinturas de figuras, el color es sobrio y destaca por su fuerza y pureza. Corot también realizó muchos grabados al aguafuerte y bocetos a lápiz. Algunos de los bocetos utilizaban un sistema de símbolos visuales: círculos que representaban áreas de luz y cuadrados que representaban sombras. También experimentó con el proceso del cliché verre , un híbrido de fotografía y grabado. [62] A partir de la década de 1830, Corot también pintó paneles decorativos y paredes en las casas de amigos, con la ayuda de sus estudiantes. [63]
Corot resumió su aproximación al arte alrededor de 1860: "Interpreto con mi arte tanto como con mi ojo". [64]
Las obras de Corot se conservan en museos de Francia y los Países Bajos, Gran Bretaña, América del Norte [65] y Rusia.
_detail_01.jpg/1280px-Jean-Baptiste-Camille_Corot_-_The_Little_Bird_Nesters_(1873-1874)_detail_01.jpg)
El fuerte mercado de las obras de Corot y su estilo pictórico tardío, relativamente fácil de imitar, dieron lugar a una enorme producción de falsificaciones de Corot entre 1870 y 1939. René Huyghe bromeó diciendo que "Corot pintó tres mil lienzos, diez mil de los cuales se han vendido en América". Aunque se trata de una exageración humorística, se han acumulado miles de falsificaciones, y solo la colección Jousseaume contiene 2.414 obras de este tipo. [66] Al problema se sumó la actitud laxa de Corot, que fomentaba la copia y la falsificación. [67] Permitía a sus estudiantes copiar sus obras e incluso tomarlas prestadas para devolverlas más tarde, retocaba y firmaba copias de estudiantes y coleccionistas, y prestaba obras a fotocopiadores profesionales y agencias de alquiler. [68] Según el catalogador de Corot, Etienne Moreau-Nélaton, en un estudio de copias «el pincel complaciente del maestro autentificó estas réplicas con unos pocos retoques personales y decisivos. Cuando ya no estaba allí para terminar sus «dobles», continuaron produciéndolos sin él». [69] La catalogación de las obras de Corot en un intento de separar las copias de los originales fracasó cuando los falsificadores utilizaron las publicaciones como guías para ampliar y refinar sus pinturas falsas. [70]
Dos de las obras de Corot aparecen y desempeñan un papel importante en la trama de la película francesa de 2008 L'Heure d'été (título en inglés Summer Hour ). La película fue producida por el Museo de Orsay y las dos obras fueron prestadas por el museo para la realización de la película.
Hay una calle llamada Rue Corot en Île des Sœurs , Quebec , que lleva el nombre del artista.
En la novela de Arthur Conan Doyle de 1890, El signo de los cuatro, Thaddeus Sholto exhibe una obra desconocida de Corot.
![Mañana en Venecia [ru]. 1834, Museo Pushkin](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/28/Corot_-_Morning_in_Venice_-_Pushkin.jpeg/1280px-Corot_-_Morning_in_Venice_-_Pushkin.jpeg)
![Reposo. Galería Nacional de Arte, Galería Nacional de Arte[65]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/91/Repose_by_Jean-Baptiste-Camille_Corot,_1860,_reworked_c._1865-1870_-_Corcoran_Gallery_of_Art_-_DSC01293.JPG/1280px-Repose_by_Jean-Baptiste-Camille_Corot,_1860,_reworked_c._1865-1870_-_Corcoran_Gallery_of_Art_-_DSC01293.JPG)
