La amada (también La novia ) es una pintura al óleo sobre lienzo del artista inglés Dante Gabriel Rossetti (1828-1882), ahora en la Tate Britain de Londres. [1] Rossetti firmó sus iniciales (como monograma ) y la fecha como "1865-6" en la parte inferior izquierda del lienzo. [2] [3] Representa a la novia, o "amada", del Cantar de los Cantares de la Biblia hebrea mientras se acerca a su novio, con sus asistentes.
La novia, sorprendida en el momento de quitarse el velo, es atendida por cuatro vírgenes damas de honor y un paje africano, que contrasta sorprendentemente con el cabello rojo y la piel pálida de la novia, y los distintos tonos de cabello moreno y tonos de piel de la novia. cuatro damas de honor. Se ha sugerido que este contraste de color, cuidadosamente pintado como un marco para los rasgos de la novia, fue influenciado por la controvertida pintura Olimpia de Édouard Manet , en progreso cuando Rossetti visitó el estudio de Manet a finales de 1864 mientras trabajaba en La amada , y la pintura también Debe mucho a las obras de Tiziano . [4]
En muchos aspectos, la pintura encaja en la serie de "pinturas al óleo de mujeres hermosas hasta el busto" que fueron la principal producción pintada de Rossetti desde 1859 hasta aproximadamente 1867. Se trataba de un cambio consciente de estilo, para explorar los efectos pictóricos de (en sus palabras). ) "pintura de carne" y color, abandonando las densas escenas narrativas, en medios distintos de la pintura al óleo, que había producido durante la mayor parte de la década de 1850, cuando seguía más de cerca los ideales de la Hermandad Prerrafaelita . [5] Estos crecieron "más grandes y más lujosos" en la siguiente década, [3] e incluyeron a Bocca Baciata , Venus Verticordia , Beata Beatrix , The Blue Bower , Monna Vanna , Regina Cordium y Lady Lilith . [6] Pero todas estas eran fotografías bastante enmarcadas de una sola figura, "en capas confinadas de espacio", con diferentes accesorios y antecedentes, que reflejaban una variedad de períodos históricos. [7]
En general, se acepta que Rossetti se propuso mostrar una gama de colores de piel dentro de las figuras, pero la identificación e interpretación de estos varía mucho.
La pintura fue encargada en 1863 por el mecenas habitual de Rossetti, el banquero de Birkenhead, George Rae , por 300 libras esterlinas. En esa etapa, la composición general parece haber sido la misma que en la obra final, pero el tema debía ser la Beatriz de Dante , como se imagina en Il Purgatorio del poeta . Después de uno o dos meses de trabajo en el verano de 1863, se cambió el tema para ilustrar el Cantar de los Cantares de la Biblia , aparentemente porque Rossetti encontró la tez de su modelo elegida para la figura principal en ese momento, Marie Ford, "demasiado brillante". por su concepción de la Beatriz de Dante". [8]
El trabajo avanzó bastante lentamente, tal vez porque Rossetti estaba trabajando en otras pinturas al mismo tiempo, incluida Venus Verticordia , iniciada en 1864, pero no terminada hasta 1868. [9] En una visita a París en noviembre de 1864, hizo una visita al estudio de Édouard Manet , donde bien pudo haber visto la Olimpia de Manet , entonces una obra en construcción, donde un desnudo femenino blanco contrasta con una doncella vestida de negro. Manet no pintó a la doncella hasta el mes siguiente, pero es posible que la hayan esbozado o discutido con Rossetti. [10]
También se ha sugerido que la composición general estuvo influenciada por la Alegoría del matrimonio de Tiziano (anteriormente llamada Alegoría de Alfonso d'Avalos ) en el Louvre, [11] con tres copias del siglo XVII (una de ellas en acuarela) en el Colección Real . [12] Se trata de una alegoría del matrimonio, con una serie de figuras dispuestas alrededor de un objeto central.
En marzo de 1865, Rossetti pintó un vestido "japonés" sobre la figura principal y reemplazó la anterior niña negra (" mulata ", según los historiadores del arte) por uno masculino, prefiriendo su tono de piel más oscuro. [13] En otoño estaba lo suficientemente completo como para mostrárselo al destacado crítico de arte FG Stephens , quien lo describió con cierto detalle en el número del 21 de octubre de 1865 de la revista Athenaeum , [10] de la que era editor de arte. señalando que: "Mientras ella se revela, ellos [los asistentes] buscan con diferentes expresiones el efecto de la revelación en el hombre que viene". [14] Stephens y Rossetti eran cercanos, y Rossetti habría visto la crítica antes de su publicación. Parece que Stephens a veces permitía que Rossetti escribiera esas cosas él mismo, bajo el nombre de Stephens.
Stephens elogió a Rossetti por su uso del color. Sin embargo, señaló algunos errores técnicos. Por ejemplo, Stephens afirmó que las manos del niño negro no parecen naturales considerando el jarrón que sostiene. Además, Stephens señaló que el collar del niño no parece quedar plano sobre su pecho. Más bien, el adorno está colocado de manera que los espectadores de la pieza puedan ver sus patrones y detalles. [15]
Rossetti siguió trabajando durante el invierno, de ahí la fecha "1865-6" en el lienzo. El cuadro se exhibió por primera vez, durante un solo día, en el Arundel Club el 21 de febrero de 1866. Rossetti recuperó el cuadro en 1873, cuando fue "considerablemente alterado", cambiando el tono y haciendo "más ideales" las cabezas de las novias. y la mujer a su derecha, y las manos de la novia. Existe una fotografía de la pintura antes de estos cambios. [dieciséis]
En la Encyclopædia Britannica de 1911 , cuyas entradas artísticas fueron supervisadas por el hermano de Rossetti, William Michael Rossetti , la biografía de Rossetti fue escrita por FG Stephens y otro amigo cercano, Theodore Watts-Dunton . En la biografía el cuadro es muy elogiado:
Los mismos elementos, energía, una combinación de colores simpática y poética y una composición de excelente orden, combinados con mucha mayor fuerza y originalidad en "La Novia" o "La Amada", esa magnífica ilustración de El Cantar de los Cantares. La última es un grupo de tamaño natural de damiselas de colores poderosos y belleza diversa que acompañan a su amante con música y canciones en su camino hacia el novio. Este cuadro, en cuanto a su brillo, acabado, los encantos de cuatro bellos rostros y el esplendor de su iluminación, ocupa un gran lugar en el más alto grado del arte moderno de todo el mundo. Es también, en lo que respecta a las cualidades mencionadas, la obra cumbre del arte de Rossetti, y representa a él de la misma manera que el “Amor sagrado y profano” de Tiziano representa a ese maestro.
La pintura se exhibió en la Real Academia de Arte en 1883 y 1906 (pero no hasta 1973), y en grandes exposiciones en préstamo en Liverpool en 1886 y Manchester en 1887. [17] La pintura fue comprada por la Tate en 1916, " Adquirido con la ayuda de Sir Arthur Du Cros Bt y Sir Otto Beit KCMG a través del Art Fund ". [18] Habían sido copropietarios de este y de Monna Vanna , que llegó al mismo tiempo. [19]
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El regreso al estudio de Rossetti en 1873 fue probablemente cuando se colocó el marco; [10] Rossetti a menudo diseñaba sus propios marcos e inscripciones en ellos.
Entre pequeñas molduras convencionales, la zona más ancha del marco de madera dorada presenta una voluta vegetal de "hojas onduladas" sobre fondo punteado, con cuatro círculos elevados con diseño geométrico, cada uno a medio camino de un lado. En el centro del miembro inferior hay una pequeña placa de madera, con inscripciones pintadas: "El Amado" grande en el centro y dos conjuntos de versículos de la Biblia a los lados, juntos y ligeramente editados. A la izquierda los versos son del Cantar de los Cantares, y a la derecha del Salmo 45 : [20]
Si bien la pintura se considera principalmente una celebración de la belleza femenina en general, se ha interpretado como una celebración de un tipo específico de belleza. La mayoría de los historiadores del arte afirman que todas las mujeres están destinadas a ser hermosas, [22] "damiselas diversamente hermosas" con "los encantos de cuatro caras hermosas", como lo expresó la Encyclopædia Britannica de 1911. [23]
El niño negro es otro elemento que hace que esta pieza sea inusual en las pinturas de Rossetti de la época. Antes de la década de 1990, no se prestaba mucha atención al niño negro, salvo como contraste de color para lograr un efecto estético . Pero desde el año 2000 el niño se ha convertido en el foco principal del debate académico. El curador y escritor Jan Marsh afirmó que el niño "debe su presencia en The Beloved a... la actual campaña abolicionista" que tuvo lugar en los Estados Unidos durante la Guerra Civil . [24] El historiador de arte Matthew Francis Rarey ha cuestionado la idea de que Rossetti pretendía hacer una declaración política, argumentando en cambio que el pintor incluyó al niño específicamente en un esfuerzo por trascender la política, intentando una "figuración de la negritud independiente de implicaciones políticas o morales". valor." [25]
Rossetti utilizó principalmente un pequeño grupo de modelos, y a menudo cambiaba el modelo durante el desarrollo de una obra, como hizo con Venus Verticordia , [26] e incluso repintó el rostro con uno diferente algunos años después de su finalización inicial, como con Lady Lilith. un poco más tarde. En ambos casos la modelo final fue la pelirroja Alexa Wilding . Existe cierto desacuerdo sobre quién fue el rostro final utilizado para la figura central. Parece haber comenzado con Marie Ford, [27] pero puede haber cambiado a Alexa Wilding; [28] el color del cabello sugiere esto. El hermano de Rossetti dijo que se trataba de una "Señorita MacKenzie" (por lo demás desconocida). [29]
Los modelos conocidos para las seis figuras incluyen:
Mientras que las otras modelos miran directamente al espectador, es decir al novio, [30] Gray es la única que tiene la cabeza vuelta hacia un lado. Ella era romaní (gitana). Se ha afirmado que tiene el rostro vuelto para simbolizar la resistencia de los estereotipos que enfrentaron los romaníes durante este tiempo, y que también muestra las incertidumbres de Rossetti sobre la sexualidad de los gitanos y su interés más amplio en la cultura romaní. [31]
Fanny Eaton fue la modelo para el rostro medio visto en la parte de atrás entre la novia central y Keomi Gray a la derecha. Nació en Jamaica , probablemente de una madre esclava recientemente emancipada y de un padre que era un soldado británico. Fue utilizada como modelo por varios artistas, cuyas representaciones de sus rasgos llamativos variaban los tonos de su piel para adaptarse a sus sujetos; fue pintada como la madre de Moisés y como una esclava africana. Se casó con un taxista en 1859 y, cuando no modelaba, trabajaba como cocinera y limpiadora.
Se utilizaron niños y niñas como modelos para los estudios iniciales del cuidador infantil. Gabriel es el nombre de uno de los niños que modeló para esta figura. [32]