La amada (también La novia ) es una pintura al óleo sobre lienzo del artista inglés Dante Gabriel Rossetti (1828-1882), ahora en la Tate Britain , Londres. [1] Rossetti firmó sus iniciales (como un monograma ) y la fecha como "1865-6" en la parte inferior izquierda del lienzo. [2] [3] Representa a la novia, o "amada", del Cantar de los Cantares en la Biblia hebrea mientras se acerca a su novio, con sus asistentes.
La novia, sorprendida en el momento de retirarse el velo, es acompañada por cuatro damas de honor vírgenes y un paje africano, que contrasta llamativamente con el pelo rojo y la piel pálida de la novia, y los diferentes tonos de pelo castaño y tonos de piel de las cuatro damas de honor. Se ha sugerido que este contraste de color, pintado cuidadosamente como un marco para los rasgos de la novia, estuvo influenciado por la controvertida pintura Olympia de Édouard Manet , en proceso cuando Rossetti visitó el estudio de Manet a fines de 1864 mientras trabajaba en La amada , y la pintura también debe mucho a las obras de Tiziano . [4]
En muchos aspectos, la pintura encaja en la serie de "pinturas al óleo de busto de mujeres hermosas" que fueron la principal producción pictórica de Rossetti desde 1859 hasta aproximadamente 1867. Se trataba de un cambio consciente de estilo, para explorar los efectos pictóricos de (en sus palabras) "pintura de carne" y color, abandonando las escenas narrativas densamente pobladas, en medios distintos de la pintura al óleo, que había producido durante la mayor parte de la década de 1850, cuando siguió más de cerca los ideales de la Hermandad Prerrafaelita . [5] Estas se hicieron "más grandes y más lujosas" en la década siguiente, [3] e incluyeron Bocca Baciata , Venus Verticordia , Beata Beatrix , The Blue Bower , Monna Vanna , Regina Cordium y Lady Lilith . [6] Pero todas ellas eran imágenes bastante ajustadas de una sola figura, "en capas confinadas de espacio", con distintos accesorios y fondos, que reflejaban una variedad de períodos históricos. [7]
En general, se acepta que Rossetti se propuso mostrar una gama de colores de piel en las figuras, pero la identificación e interpretación de estos varía enormemente.
El cuadro fue encargado en 1863 por el mecenas habitual de Rossetti, el banquero de Birkenhead George Rae , por 300 libras. En esa etapa, la composición general parece haber sido la misma que en la obra final, pero el tema estaba destinado a ser la Beatriz de Dante , tal como se imagina en Il Purgatorio del poeta . Después de un mes o dos de trabajo en el verano de 1863, el tema se cambió para ilustrar el Cantar de los Cantares de la Biblia , aparentemente porque Rossetti encontró la tez de su modelo elegida para la figura principal en ese momento, Marie Ford, "demasiado brillante para su concepción de la Beatriz de Dante". [8]
El trabajo avanzó con bastante lentitud, tal vez porque Rossetti estaba trabajando en otras pinturas al mismo tiempo, incluida Venus Verticordia , comenzada en 1864, pero no terminada hasta 1868. [9] En una visita a París en noviembre de 1864, hizo una visita al estudio de Édouard Manet , donde bien pudo haber visto Olympia de Manet , entonces una obra en progreso, donde un desnudo femenino blanco contrasta con una doncella vestida de negro. Manet no pintó a la doncella hasta el mes siguiente, pero es posible que haya sido esbozada o discutida con Rossetti. [10]
También se ha sugerido que la composición general estuvo influenciada por la Alegoría del matrimonio de Tiziano (antes llamada Alegoría de Alfonso d'Avalos ) en el Louvre, [11] con tres copias del siglo XVII (una de ellas una acuarela) en la Colección Real . [12] Esta es una alegoría del matrimonio, con varias figuras dispuestas alrededor de un objeto central.
En marzo de 1865, Rossetti pintó un vestido "japonés" sobre la figura principal y reemplazó a la niña negra (" mulata " según los historiadores del arte) anterior por una niña varón, prefiriendo su tono de piel más oscuro. [13] En otoño, estaba lo suficientemente completo como para mostrárselo al destacado crítico de arte FG Stephens , quien lo describió con cierto detalle en la edición del 21 de octubre de 1865 de la revista Athenaeum , [10] de la que era editor de arte, señalando que: "Mientras ella se desvela, ellos [los asistentes] miran con diferentes expresiones el efecto de la revelación en el hombre que viene". [14] Stephens y Rossetti eran cercanos, y Rossetti habría visto la crítica antes de su publicación. Parece que Stephens a veces permitía a Rossetti escribir esas cosas él mismo, bajo el nombre de Stephens.
Stephens elogió a Rossetti por su uso del color, pero señaló algunos errores técnicos. Por ejemplo, Stephens afirmó que las manos del niño negro parecen poco naturales teniendo en cuenta el jarrón que sostiene el niño. Además, Stephens señaló que el collar del niño no parece reposar plano sobre su pecho, sino que el adorno está colocado de forma que los espectadores de la pieza puedan ver sus patrones y detalles. [15]
Rossetti siguió trabajando durante el invierno, de ahí la fecha de "1865-6" que aparece en el lienzo. La pintura se expuso por primera vez, durante un solo día, en el Arundel Club el 21 de febrero de 1866. Rossetti recuperó la pintura en 1873, cuando fue "considerablemente alterada", cambiando el tono y haciendo "más ideales" las cabezas de la novia y la mujer a su derecha, y las manos de la novia. Existe una fotografía de la pintura antes de estos cambios. [16]
En la Encyclopædia Britannica de 1911 , cuyas entradas de arte fueron supervisadas por el hermano de Rossetti, William Michael Rossetti , la biografía de Rossetti fue escrita por FG Stephens y otro amigo cercano, Theodore Watts-Dunton . En la biografía, la pintura es altamente elogiada:
Los mismos elementos, energía, un esquema de color simpático y poético y una composición de gran calidad se combinan con mucha mayor fuerza y originalidad en "La novia" o "La amada", esa magnífica ilustración de El Cantar de los Cantares. La última mencionada es un grupo de tamaño natural de doncellas de colores intensos y de diversa belleza que acompañan a su amante con música y canciones en su camino hacia el novio. Este cuadro, en cuanto a su brillantez, acabado, los encantos de cuatro rostros encantadores y el esplendor de su iluminación, ocupa un gran lugar en el más alto grado del arte moderno de todo el mundo. Es asimismo, en lo que respecta a las cualidades mencionadas, la obra cumbre del arte de Rossetti, y representa para él tanto como el "Amor sagrado y profano" de Tiziano representa a ese maestro.
La pintura se exhibió en la Royal Academy of Art en 1883 y 1906 (pero luego no hasta 1973), y en grandes exposiciones de préstamos en Liverpool en 1886 y Manchester en 1887. [17] La pintura fue comprada por la Tate en 1916, "comprada con la ayuda de Sir Arthur Du Cros Bt y Sir Otto Beit KCMG a través del Art Fund ". [18] Habían sido los copropietarios de esta y Monna Vanna , que llegó al mismo tiempo. [19]
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El regreso al estudio de Rossetti en 1873 fue probablemente cuando se colocó el marco; [10] Rossetti a menudo diseñaba sus propios marcos e inscripciones en ellos.
Entre pequeñas molduras convencionales, la zona más ancha del marco de madera dorada tiene un rollo vegetal de "frondas onduladas" sobre un fondo punteado, con cuatro redondeles en relieve con un diseño geométrico, cada uno a mitad de camino a lo largo de un lado. Una pequeña placa de madera se encuentra en el centro del miembro inferior, con inscripciones pintadas: "El Amado" grande en el centro, y dos series de versículos de la Biblia a los lados, corridos juntos y ligeramente editados. A la izquierda, los versículos son del Cantar de los Cantares, y a la derecha, del Salmo 45 : [20]
Aunque la pintura se considera principalmente una celebración de la belleza femenina en general, se ha interpretado como una celebración de un tipo específico de belleza. La mayoría de los historiadores del arte afirman que todas las mujeres están destinadas a ser hermosas, [22] "damiselas de diversa belleza" con "los encantos de cuatro rostros encantadores", como lo expresó la Encyclopædia Britannica de 1911. [23]
Sin embargo, recientemente algunos historiadores del arte han sugerido que la posición de las modelos en la pintura representa a la mujer central como más hermosa. Tiene un rostro ovalado y simétrico con ojos azul verdoso y labios en forma de arco de Cupido . Su piel más pálida puede acentuar su belleza en comparación con las demás. Se sugiere que estas características significan que esta pieza defiende la blancura como un estándar de belleza . [24] Pero otro historiador del arte reciente afirma (debido a su cabello rojo) que la novia es presentada como una "Otra exótica irlandesa", afirmando también que Rossetti "demostró una fijación fetichista en el color de la piel y la raza", [25] y que su posición como novia "puede verse como una representación de la ansiedad por la creciente presencia de inmigrantes extranjeros [irlandeses] en Gran Bretaña". [26] Pero la modelo Alexa Wilding tenía el cabello rojo, que a Rossetti le gustaba pintar a lo largo de su carrera. En sus dos primeras pinturas importantes, The Girlhood of Mary Virgin (1848) y Ecce Ancilla Domini! (1850), había utilizado a su hermana Christina Rossetti como modelo para la Virgen María , y la pintó con cabello rojo, que no era su color de cabello real, ni tampoco era en absoluto habitual en las representaciones de María.
Una variedad de interpretaciones del estándar de belleza y del niño negro ha provocado debates sobre Rossetti y la relación de esta pintura con el racismo. Con la figura central siendo una mujer blanca, algunos historiadores del arte afirman que esta pieza idealiza la blancura. [24] Por otro lado, otros argumentan que la pieza celebra la diversidad racial . El adorno para el cabello de la novia está basado en un trabajo de plumas chino . La túnica verde que lleva es un kimono japonés (aunque se sujeta firmemente en la muñeca con una pulsera de una manera muy poco japonesa). El colgante que lleva el niño negro es norteafricano . Para algunos académicos, estos detalles indican que Rossetti rinde homenaje a la variedad de culturas en todo el mundo. [2]
El niño negro es otro elemento que hace que esta pieza sea inusual en las pinturas de Rossetti de la época. Antes de la década de 1990, no se le prestaba mucha atención al niño negro más allá de como contraste de color para lograr un efecto estético . Pero desde el año 2000, el niño se ha convertido en el foco principal de la discusión académica. La curadora y escritora Jan Marsh afirmó que el niño "debe su presencia en The Beloved a... la campaña abolicionista actual" que tuvo lugar en los Estados Unidos durante la Guerra Civil . [27] El historiador de arte Matthew Francis Rarey ha cuestionado la idea de que Rossetti pretendiera hacer una declaración política, argumentando en cambio que el pintor incluyó al niño específicamente en un esfuerzo por trascender la política, intentando una "figuración de la negritud independiente de la implicación política o el valor moral". [28]
Rossetti utilizó principalmente un pequeño grupo de modelos y a menudo cambiaba de modelo durante el desarrollo de una obra, como hizo con Venus Verticordia , [29] e incluso repintó el rostro con uno diferente algunos años después de la finalización inicial, como con Lady Lilith un poco más tarde. En ambos casos, la modelo final fue la pelirroja Alexa Wilding . Hay cierto desacuerdo en cuanto a quién fue el rostro final utilizado para la figura central. Parece haber comenzado con Marie Ford, [30] pero puede haber cambiado a Alexa Wilding; [31] el color del cabello lo sugiere. El hermano de Rossetti dijo que era una "Miss MacKenzie" (por lo demás desconocida). [32]
Los modelos conocidos de las seis figuras incluyen:
Mientras que los demás modelos miran directamente al espectador, es decir, al novio, [33] Gray es la única que tiene la cabeza girada hacia un lado. Ella era romaní (gitana). Se ha afirmado que tiene la cara girada hacia otro lado para simbolizar la resistencia a los estereotipos a los que se enfrentaba el pueblo romaní durante esta época, y que también muestra las incertidumbres de Rossetti sobre la sexualidad de los gitanos y su interés más amplio por la cultura romaní. [34]
Fanny Eaton fue la modelo del rostro entrevisto en la parte posterior entre la novia central y Keomi Gray a la derecha. Nació en Jamaica , probablemente de una madre esclava recientemente emancipada y un padre que era un soldado británico. Fue utilizada como modelo por varios artistas, cuyas representaciones de sus llamativos rasgos variaban sus tonos de piel para adaptarse a sus sujetos; fue pintada como la madre de Moisés y como una esclava africana. Se casó con un taxista en 1859 y, cuando no estaba modelando, trabajaba como cocinera y limpiadora.
Para los estudios iniciales del niño asistente se utilizaron como modelos tanto niños como niñas. Gabriel es el nombre de uno de los niños que sirvieron de modelo para esta figura. [35]