Edvard Munch ( / m ʊ ŋ k / MUUNK , [1] noruego: [ˈɛ̀dvɑɖ ˈmʊŋk] ; 12 de diciembre de 1863 – 23 de enero de 1944) fue un pintor noruego. Su obraEl gritose ha convertido en una de las imágenes más aclamadas del arte occidental.
Su infancia estuvo marcada por la enfermedad, el duelo y el temor a heredar una enfermedad mental hereditaria. Estudió en la Escuela Real de Arte y Diseño de Kristiania (actual Oslo), y comenzó a llevar una vida bohemia bajo la influencia del nihilista Hans Jæger , que lo instó a pintar su propio estado emocional y psicológico (« pintura del alma »); de ahí surgió su estilo distintivo.
Los viajes le aportaron nuevas influencias y salidas. En París , aprendió mucho de Paul Gauguin , Vincent van Gogh y Henri de Toulouse-Lautrec , especialmente su uso del color. En Berlín , conoció al dramaturgo sueco August Strindberg , a quien pintó, mientras se embarcaba en una importante serie de pinturas que más tarde llamaría El friso de la vida , que representa una serie de temas profundamente sentidos como el amor, la ansiedad, los celos y la traición, impregnados de atmósfera.
El grito fue concebido en Cristianía. Según Munch, estaba paseando al atardecer cuando "escuchó el enorme e infinito grito de la naturaleza". El rostro agonizante del cuadro se identifica ampliamente con la angustia de la persona moderna. Entre 1893 y 1910, realizó dos versiones pintadas y dos al pastel, así como una serie de grabados. Uno de los pasteles alcanzaría el cuarto precio nominal más alto pagado por una pintura en una subasta. [ cita requerida ]
A medida que su fama y su riqueza crecían, su estado emocional seguía siendo inseguro. Consideró brevemente la posibilidad de casarse, pero no pudo comprometerse. Una crisis nerviosa en 1908 lo obligó a dejar de beber en exceso, y se alegró por su creciente aceptación por parte de la gente de Cristianía y su exposición en los museos de la ciudad. Sus últimos años los pasó trabajando en paz y en privacidad. Aunque sus obras fueron prohibidas en la Europa ocupada por los nazis, la mayoría de ellas sobrevivieron a la Segunda Guerra Mundial , lo que le aseguró un legado.
Edvard Munch nació en una granja en el pueblo de Ådalsbruk en Løten , Noruega , hijo de Laura Catherine Bjølstad y Christian Munch, hijo de un sacerdote. Christian era un médico y oficial médico que se casó con Laura, una mujer con la mitad de su edad, en 1861. Edvard tenía una hermana mayor, Johanne Sophie, y tres hermanos menores: Peter Andreas, Laura Catherine e Inger Marie. Laura tenía talento artístico y pudo haber alentado a Edvard y Sophie. Edvard estaba emparentado con el pintor Jacob Munch y el historiador Peter Andreas Munch . [2]
La familia se trasladó a Oslo (entonces llamada Christiania y rebautizada como Kristiania en 1877) en 1864, cuando Christian Munch fue nombrado oficial médico en la fortaleza de Akershus . La madre de Edvard murió de tuberculosis en 1868, al igual que la hermana favorita de Munch, Johanne Sophie, en 1877. [3] Después de la muerte de su madre, los hermanos Munch fueron criados por su padre y por su tía Karen. A menudo enfermo durante gran parte de los inviernos y alejado de la escuela, Edvard dibujaba para mantenerse ocupado. Fue instruido por sus compañeros de escuela y su tía. Christian Munch también instruyó a su hijo en historia y literatura, y entretuvo a los niños con vívidas historias de fantasmas y los cuentos del escritor estadounidense Edgar Allan Poe . [4]
Según Edvard, el comportamiento positivo de Christian hacia sus hijos se vio ensombrecido por su pietismo morboso . Munch escribió: «Mi padre era temperamentalmente nervioso y obsesivamente religioso, hasta el punto de la psiconeurosis . De él heredé las semillas de la locura. Los ángeles del miedo, la tristeza y la muerte estuvieron a mi lado desde el día en que nací». [5] Christian reprendió a sus hijos diciéndoles que su madre los estaba mirando desde el cielo y que estaba afligida por su mal comportamiento. El ambiente religioso opresivo, la mala salud de Edvard y las vívidas historias de fantasmas ayudaron a inspirar sus macabras visiones y pesadillas; sentía que la muerte se acercaba constantemente. [6] A una de las hermanas menores de Munch, Laura, le diagnosticaron una enfermedad mental a una edad temprana. De los cinco hermanos, solo Andreas se casó, pero murió unos meses después de la boda. Munch escribiría más tarde: «Heredé dos de los enemigos más temibles de la humanidad: la herencia del consumo y la locura ». [7]
La paga militar de Christian Munch era muy baja y sus intentos de desarrollar una actividad privada fracasaron, lo que mantuvo a su familia en una pobreza refinada pero perenne. [3] Se mudaban con frecuencia de un piso barato a otro. Los primeros dibujos y acuarelas de Munch representaban estos interiores y los objetos individuales, como frascos de medicinas e instrumentos de dibujo, además de algunos paisajes. En su adolescencia, el arte dominaba los intereses de Munch. [8] A los 13 años, Munch tuvo su primer contacto con otros artistas en la recién formada Asociación de Arte, donde admiró el trabajo de la escuela noruega de paisajes. Regresó para copiar las pinturas y pronto comenzó a pintar al óleo. [9]
Debido en parte a los problemas de salud mental y al encarcelamiento en una institución de su hermana, Laura Catherine, y en parte a las creencias prevalecientes en ese momento sobre la locura hereditaria, Edvard Munch a menudo expresó su miedo a volverse loco. [10] Los críticos de su arte también lo acusaron de locura, utilizando este término en un sentido puramente abusivo. Cuando su pintura El niño enfermo se exhibió por primera vez en Oslo en 1886, Gustav Wentzel y otros jóvenes realistas rodearon a Munch y lo acusaron de ser un "loco"; otro crítico, Johan Scharffenberg, afirmó que debido a que Munch provenía de una "familia de locos", su arte también era "demente". [11] Algunos afirman que tenía un trastorno límite de la personalidad , un trastorno de salud mental caracterizado por miedo al abandono , sentimientos crónicos de vacío, comportamiento impulsivo y varios otros síntomas. [12] [13] Munch también mostró alcoholismo , un rasgo a menudo asociado con la impulsividad en el TLP. [a]
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En 1879, Munch se matriculó en una escuela técnica para estudiar ingeniería, donde destacó en física , química y matemáticas . Aprendió dibujo a escala y en perspectiva, pero frecuentes enfermedades interrumpieron sus estudios. [14] Al año siguiente, para gran decepción de su padre, Munch dejó la escuela decidido a convertirse en pintor. Su padre veía el arte como un "oficio profano", y sus vecinos reaccionaron con amargura y le enviaron cartas anónimas. [15] En contraste con el pietismo rabioso de su padre, Munch adoptó una postura no dogmática hacia el arte. Escribió su objetivo en su diario: "En mi arte intento explicarme la vida y su significado". [14]
En 1881, Munch se matriculó en la Real Escuela de Arte y Diseño de Cristianía, uno de cuyos fundadores fue su pariente lejano Jacob Munch . Sus profesores fueron el escultor Julius Middelthun y el pintor naturalista Christian Krohg . [16] Ese año, Munch demostró su rápida absorción de su formación figurativa en la academia en sus primeros retratos, incluido uno de su padre y su primer autorretrato. En 1883, Munch participó en su primera exposición pública y compartió un estudio con otros estudiantes. [17] Su retrato de cuerpo entero de Karl Jensen-Hjell, un notorio bohemio de la ciudad, se ganó la respuesta despectiva de un crítico: "Es impresionismo llevado al extremo. Es una parodia del arte". [18] Las pinturas de desnudos de Munch de este período sobreviven solo en bocetos, a excepción de Desnudo de pie (1887). Es posible que hayan sido confiscadas por su padre. [19]
El impresionismo inspiró a Munch desde muy joven. [20] Durante estos primeros años, experimentó con muchos estilos, incluidos el naturalismo y el impresionismo. Algunas de sus primeras obras recuerdan a Manet. Muchos de estos intentos le valieron críticas desfavorables de la prensa y constantes reprimendas de su padre, quien, no obstante, le proporcionó pequeñas sumas para sus gastos de manutención. [18] Sin embargo, en un momento dado, el padre de Munch, tal vez influenciado por la opinión negativa del primo de Munch, Edvard Diriks (un pintor tradicional establecido), destruyó al menos una pintura (probablemente un desnudo) y se negó a adelantar más dinero para materiales de arte. [21]
Munch también recibió la ira de su padre por su relación con Hans Jæger , el nihilista local que vivía según el código "una pasión por destruir es también una pasión creativa" y que defendía el suicidio como la vía definitiva hacia la libertad. [22] Munch cayó bajo su hechizo malévolo y antisistema. "Mis ideas se desarrollaron bajo la influencia de los bohemios o más bien bajo Hans Jæger. Mucha gente ha afirmado erróneamente que mis ideas se formaron bajo la influencia de Strindberg y los alemanes... pero eso es un error. Ya se habían formado en ese momento". [23] En ese momento, al contrario de muchos de los otros bohemios, Munch todavía era respetuoso con las mujeres, además de reservado y educado, pero comenzó a ceder a la bebida compulsiva y las peleas de su círculo. Estaba inquieto por la revolución sexual que estaba ocurriendo en ese momento y por las mujeres independientes que lo rodeaban. Más tarde se volvió cínico en lo que respecta a cuestiones sexuales, lo que se expresó no sólo en su comportamiento y su arte, sino también en sus escritos, siendo un ejemplo un largo poema llamado La ciudad del amor libre . [24]
Tras numerosos experimentos, Munch llegó a la conclusión de que el lenguaje impresionista no permitía una expresión suficiente, pues lo consideraba superficial y demasiado cercano a la experimentación científica. Sentía la necesidad de profundizar y explorar situaciones llenas de contenido emocional y energía expresiva. Bajo el mandato de Jæger de que Munch debía «escribir su vida», es decir, que debía explorar su propio estado emocional y psicológico, el joven artista inició un período de reflexión y autoexamen, registrando sus pensamientos en su «diario del alma». [25] Esta perspectiva más profunda le ayudó a adoptar una nueva visión de su arte. Escribió que su cuadro El niño enfermo (1886), basado en la muerte de su hermana, fue su primer «cuadro del alma», su primera ruptura con el impresionismo. El cuadro recibió una respuesta negativa de los críticos y de su familia, y provocó otro «estallido violento de indignación moral» por parte de la comunidad. [26]
Sólo su amigo Christian Krohg lo defendió:
Pinta, o mejor dicho, contempla, las cosas de un modo distinto al de otros artistas. Sólo ve lo esencial y, naturalmente, eso es todo lo que pinta. Por eso, los cuadros de Munch, por regla general, no están «completos», como la gente se alegra de comprobar por sí misma. Ah, sí, están completos. Su obra completa. El arte está completo cuando el artista ha dicho realmente todo lo que tenía en la mente, y precisamente en esto es en lo que Munch se destaca sobre los pintores de la otra generación: en que sabe mostrarnos realmente lo que ha sentido y lo que le ha cautivado, y a eso subordina todo lo demás. [27]
Munch continuó empleando una variedad de técnicas de pincelada y paletas de colores a lo largo de la década de 1880 y principios de la de 1890, mientras luchaba por definir su estilo. [28] Su idioma continuó oscilando entre el naturalista , como se ve en Retrato de Hans Jæger , y el impresionista , como en Rue Lafayette . Su Inger en la playa (1889), que causó otra tormenta de confusión y controversia, insinúa las formas simplificadas, los contornos pesados, los contrastes marcados y el contenido emocional de su estilo maduro por venir. [29] Comenzó a calcular cuidadosamente sus composiciones para crear tensión y emoción. Si bien estilísticamente influenciado por los postimpresionistas , lo que evolucionó fue un tema que era simbolista en contenido, representando un estado mental en lugar de una realidad externa. En 1889, Munch presentó su primera exposición individual de casi todas sus obras hasta la fecha. El reconocimiento que recibió lo llevó a una beca estatal de dos años para estudiar en París con el pintor francés Léon Bonnat . [30]
Munch parece haber sido uno de los primeros críticos de la fotografía como forma de arte, y comentó que "nunca competirá con el pincel y la paleta, hasta que se puedan tomar fotografías en el cielo o el infierno". [31]
La hermana menor de Munch, Laura, fue el tema de su interior Melancolía: Laura de 1899. Amanda O'Neill dice de la obra: "En esta acalorada escena claustrofóbica, Munch no solo retrata la tragedia de Laura, sino también su propio miedo a la locura que podría haber heredado". [32]
Munch llegó a París durante las festividades de la Exposición Universal (1889) y compartió habitación con dos compañeros artistas noruegos. Su cuadro La mañana (1884) se exhibió en el pabellón noruego. [33] Pasaba las mañanas en el ajetreado estudio de Bonnat (que incluía modelos femeninas) y las tardes en la exposición, galerías y museos (donde se esperaba que los estudiantes hicieran copias como una forma de aprender la técnica y la observación). [34] Munch registró poco entusiasmo por las lecciones de dibujo de Bonnat ("Me cansan y me aburren, son adormecedoras"), pero disfrutaba de los comentarios del maestro durante las visitas a los museos. [35] [36]
Munch quedó fascinado por la vasta exhibición de arte europeo moderno, incluidas las obras de tres artistas que resultarían influyentes: Paul Gauguin , Vincent van Gogh y Henri de Toulouse-Lautrec , todos notables por cómo usaban el color para transmitir emociones. [36] Munch se inspiró particularmente en la "reacción contra el realismo" de Gauguin y su credo de que "el arte era obra humana y no una imitación de la naturaleza", una creencia declarada anteriormente por Whistler . [37] Como dijo más tarde uno de sus amigos de Berlín sobre Munch, "no necesita viajar a Tahití para ver y experimentar lo primitivo en la naturaleza humana. Lleva su propio Tahití dentro de él". [38] Influenciado por Gauguin, así como por los grabados del artista alemán Max Klinger , Munch experimentó con grabados como medio para crear versiones gráficas de sus obras. En 1896 creó sus primeros grabados en madera, un medio que resultó ideal para la imaginería simbólica de Munch. [39] Junto con su contemporáneo Nikolai Astrup , Munch es considerado un innovador del medio del grabado en madera en Noruega. [40]
En diciembre de 1889 murió su padre, dejando a la familia de Munch en la indigencia. Regresó a casa y consiguió un gran préstamo de un rico coleccionista noruego cuando sus parientes ricos no pudieron ayudarle, y asumió la responsabilidad financiera de su familia a partir de entonces. [41] La muerte de Christian lo deprimió y lo acosaron pensamientos suicidas: "Vivo con los muertos: mi madre, mi hermana, mi abuelo, mi padre... Mátate y luego se acabó. ¿Para qué vivir?" [42] Las pinturas de Munch del año siguiente incluyeron escenas de taberna esbozadas y una serie de paisajes urbanos brillantes en los que experimentó con el estilo puntillista de Georges Seurat . [43]
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En 1892, Munch formuló su característico y original estilo sintetista , como se ve en Melancolía (1891), en la que el color es el elemento cargado de símbolos. Considerada por el artista y periodista Christian Krohg como la primera pintura simbolista de un artista noruego, Melancolía se exhibió en 1891 en la Exposición de Otoño de Oslo. [44] En 1892, Adelsteen Normann , en nombre de la Unión de Artistas de Berlín, invitó a Munch a exponer en su exposición de noviembre, [45] la primera exposición individual de la sociedad. Sin embargo, sus pinturas provocaron una amarga controversia (apodada "El caso Munch"), y después de una semana la exposición cerró. [45] Munch estaba satisfecho con la "gran conmoción", y escribió en una carta: "Nunca he tenido un momento tan divertido; es increíble que algo tan inocente como la pintura haya creado tanto revuelo". [46]
En Berlín, Munch se involucró en un círculo internacional de escritores, artistas y críticos, incluido el dramaturgo sueco e intelectual destacado August Strindberg , a quien pintó en 1892. [47] También conoció al escritor y pintor danés Holger Drachmann , a quien pintó en 1898. Drachmann era 17 años mayor que Munch y compañero de copas en Zum schwarzen Ferkel (En el cerdito negro) en 1893-94. [48] En 1894 Drachmann escribió sobre Munch: "Lucha mucho. Buena suerte en tus luchas, noruego solitario". [49]
Durante sus cuatro años en Berlín, Munch esbozó la mayoría de las ideas que se incluirían en su obra principal, El friso de la vida , diseñada primero para la ilustración de libros pero luego expresada en pinturas. [50] Vendió poco, pero obtuvo algunos ingresos cobrando entradas para ver sus controvertidas pinturas. [51] Munch comenzó a permitir la aparición de goteos en sus pinturas, como se vio sutilmente por primera vez en la versión pintada de "En el lecho de muerte" (1895). Este efecto fue el resultado del uso de pintura altamente diluida y la inclusión deliberada de goteos. [52] Inicialmente, este efecto era visible en los bordes de su obra, pero más tarde, los goteos se volvieron más centrales, como se ve en "Junto al lecho de muerte" (1915). El efecto de la pintura corrida fue adoptado más tarde por muchos artistas.
Sus otras pinturas, incluidas las escenas de casinos, muestran una simplificación de la forma y el detalle que marcó su estilo maduro temprano. [53] Munch también comenzó a favorecer un espacio pictórico poco profundo y un fondo mínimo para sus figuras frontales. Dado que las poses se elegían para producir las imágenes más convincentes de estados mentales y condiciones psicológicas, como en Cenizas , las figuras imparten una calidad monumental y estática. Las figuras de Munch parecen desempeñar papeles en un escenario de teatro ( Muerte en la habitación del enfermo ), cuya pantomima de posturas fijas significan varias emociones; dado que cada personaje encarna una única dimensión psicológica, como en El grito , los hombres y mujeres de Munch comenzaron a parecer más simbólicos que realistas. Escribió: "Ya no deberían pintarse interiores, gente leyendo y mujeres tejiendo: habría gente viva, respirando y sintiendo, sufriendo y amando". [54]
El grito existe en cuatro versiones: dos pasteles (1893 y 1895) y dos pinturas (1893 y 1910). También existen varias litografías de El grito (1895 y posteriores). [55]
El pastel de 1895 se vendió en subasta el 2 de mayo de 2012 por 119.922.500 dólares estadounidenses , incluida la comisión. Es la versión más colorida de las pinturas [56] y se distingue por la postura de una de las figuras del fondo que mira hacia abajo. También es la única versión que no se conserva en un museo noruego. [57]
La versión de 1893 fue robada de la Galería Nacional de Oslo en 1994 y fue recuperada. La pintura de 1910 fue robada en 2004 del Museo Munch de Oslo, pero fue recuperada en 2006 con daños limitados. [58]
El grito es la obra más famosa de Munch y una de las pinturas más reconocibles de todo el arte. Se ha interpretado ampliamente como la representación de la ansiedad universal del hombre moderno. [54] Pintada con amplias franjas de colores chillones y formas sumamente simplificadas, y empleando un punto de vista elevado, reduce la figura agonizante a una calavera vestida en medio de una crisis emocional. [ cita requerida ]
Con esta pintura, Munch alcanzó su objetivo declarado de "estudio del alma, es decir, el estudio de mi propio ser". [59] Munch escribió sobre cómo surgió la pintura: "Estaba caminando por la calle con dos amigos cuando se puso el sol; de repente, el cielo se volvió tan rojo como la sangre. Me detuve y me apoyé en la valla, sintiéndome indescriptiblemente cansado. Lenguas de fuego y sangre se extendían sobre el fiordo negro azulado. Mis amigos siguieron caminando, mientras yo me quedaba atrás, temblando de miedo. Entonces escuché el enorme, infinito grito de la naturaleza". [60] Más tarde describió la angustia personal detrás de la pintura: "Durante varios años estuve casi loco... ¿Conoces mi cuadro, 'El grito?' Estaba al límite: la naturaleza gritaba en mi sangre... Después de eso, perdí la esperanza de poder amar de nuevo". [61]
En 2003, comparando la pintura con otras grandes obras, la historiadora del arte Martha Tedeschi escribió:
La madre de Whistler , American Gothic de Wood, La Mona Lisa de Leonardo da Vinci y El grito de Edvard Munchhan logrado algo que la mayoría de las pinturas, independientemente de su importancia histórica, belleza o valor monetario, no han logrado: comunicar un significado específico casi de inmediato a casi todos los espectadores. Estas pocas obras han logrado realizar con éxito la transición del ámbito de élite del visitante del museo al enorme ámbito de la cultura popular. [62]
En diciembre de 1893, Unter den Linden en Berlín fue el lugar de una exposición de la obra de Munch, mostrando, entre otras piezas, seis pinturas tituladas Estudio para una serie: Amor. Esto inició un ciclo que más tarde llamó el Friso de la vida: un poema sobre la vida, el amor y la muerte . Los motivos del Friso de la vida , como La tormenta y La luz de la luna , están impregnados de atmósfera. Otros motivos iluminan el lado nocturno del amor, como Rosa y Amelie y Amor y dolor . En Muerte en la enfermería , el tema es la muerte de su hermana Sophie, que reelaboró en muchas variaciones futuras. El foco dramático de la pintura, que retrata a toda su familia, se dispersa en las figuras separadas y desconectadas del dolor. En 1894, amplió el espectro de motivos agregando Ansiedad , Cenizas , Madonna y Mujeres en tres etapas (desde la inocencia hasta la vejez). [65]
A principios del siglo XX, Munch trabajó en la terminación del "Friso". Pintó varios cuadros, varios de ellos en formato más grande y en cierta medida con la estética Art Nouveau de la época. Hizo un marco de madera con relieves tallados para el gran cuadro Metabolismo (1898), inicialmente llamado Adán y Eva . Esta obra revela la preocupación de Munch por la "caída del hombre" y su filosofía pesimista del amor. Motivos como La cruz vacía y el Gólgota (ambos de alrededor de 1900 ) reflejan una orientación metafísica y también reflejan la educación pietista de Munch. El Friso completo se mostró por primera vez en la exposición secesionista de Berlín en 1902. [66]
Los temas de "El friso de la vida" se repiten en toda la obra de Munch, pero se centró especialmente en ellos a mediados de la década de 1890. En bocetos, pinturas, pasteles y grabados, abordó las profundidades de sus sentimientos para examinar sus motivos principales: las etapas de la vida, la mujer fatal, la desesperanza del amor, la ansiedad, la infidelidad, los celos, la humillación sexual y la separación en la vida y la muerte. [67] Estos temas se expresan en pinturas como El niño enfermo (1885), Amor y dolor (retitulada Vampiro ; 1893-94), Cenizas (1894) y El puente . Este último muestra figuras inertes con rostros sin rasgos u ocultos, sobre los que se ciernen las formas amenazantes de árboles pesados y casas melancólicas. Munch retrató a las mujeres como frágiles e inocentes sufrientes (ver Pubertad y Amor y dolor ) o como causa de gran anhelo, celos y desesperación (ver Separación , Celos y Cenizas ).
Munch a menudo utiliza sombras y anillos de color alrededor de sus figuras para enfatizar un aura de miedo, amenaza, ansiedad o intensidad sexual. [68] Estas pinturas han sido interpretadas como reflejos de las ansiedades sexuales del artista, aunque también se podría argumentar que representan su turbulenta relación con el amor mismo y su pesimismo general con respecto a la existencia humana. [69] Muchos de estos bocetos y pinturas se realizaron en varias versiones, como Madonna , Manos y Pubertad , y también se transcribieron como grabados en madera y litografías. Munch odiaba desprenderse de sus pinturas porque pensaba en su trabajo como un solo cuerpo de expresión. Entonces, para capitalizar su producción y obtener algunos ingresos, recurrió a las artes gráficas para reproducir muchas de sus pinturas, incluidas las de esta serie. [70] Munch admitió los objetivos personales de su trabajo, pero también ofreció su arte a un propósito más amplio: "Mi arte es realmente una confesión voluntaria y un intento de explicarme a mí mismo mi relación con la vida; es, por lo tanto, en realidad una especie de egoísmo, pero espero constantemente que a través de esto pueda ayudar a otros a lograr claridad". [71]
Aunque atrajo reacciones fuertemente negativas, en la década de 1890 Munch comenzó a recibir cierta comprensión de sus objetivos artísticos, como escribió un crítico: "Con despiadado desprecio por la forma, la claridad, la elegancia, la totalidad y el realismo, pinta con la fuerza intuitiva del talento las visiones más sutiles del alma". [72] Uno de sus grandes partidarios en Berlín fue Walther Rathenau , más tarde ministro de Asuntos Exteriores alemán , quien contribuyó en gran medida a su éxito.
A pesar de que más de la mitad de sus obras pintadas son paisajes, rara vez se considera a Munch como paisajista. Sin embargo, Munch tenía una fijación con varios elementos de la naturaleza que dieron lugar a motivos recurrentes en toda su obra. La costa y el bosque son dos escenarios importantes de la obra de Munch. El enfoque en el uso que hace Munch de la naturaleza para transmitir emociones es el tema de Edvard Munch: Trembling Earth en el Clark Art Institute .
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En 1896, Munch se trasladó a París, donde se centró en las representaciones gráficas de los temas de su Friso de la vida . Desarrolló aún más su técnica de xilografía y litografía. El Autorretrato con brazo de esqueleto (1895) de Munch está hecho con un método de aguafuerte con aguja y tinta también utilizado por Paul Klee . [73] Munch también produjo versiones multicolores de El niño enfermo , sobre la tuberculosis , que se vendió bien, así como varios desnudos y múltiples versiones de El beso (1892). [73] En mayo de 1896, Siegfried Bing realizó una exposición de la obra de Munch dentro de la Maison de l'Art Nouveau de Bing . La exposición mostró 60 obras, entre ellas El beso, El grito, Madonna, El niño enfermo, La cámara de la muerte y El día después. La exposición de Bing ayudó a presentar a Munch al público francés. [74] Aun así, muchos críticos parisinos seguían considerando la obra de Munch «violenta y brutal», aunque sus exposiciones recibían una atención seria y una buena asistencia. [75] Su situación financiera mejoró considerablemente y, en 1897, Munch se compró una casa de verano frente a los fiordos de Kristiania, una pequeña cabaña de pescadores construida a finales del siglo XVIII, en la pequeña ciudad de Åsgårdstrand , en Noruega. A esta casa la bautizó como «la casa feliz» y volvió allí casi todos los veranos durante los siguientes 20 años. [76] Era este lugar el que echaba de menos cuando estaba en el extranjero y cuando se sentía deprimido y agotado. «Caminar por Åsgårdstrand es como caminar entre mis cuadros: me siento muy inspirado para pintar cuando estoy aquí».
En 1897, Munch regresó a Cristianía, donde también recibió una aceptación a regañadientes: un crítico escribió: "Un buen número de estos cuadros ya se habían exhibido antes. En mi opinión, estos mejoran el conocimiento". [76] En 1899, Munch inició una relación íntima con Tulla Larsen, una mujer de clase alta "liberada". Viajaron juntos a Italia y, al regresar, Munch comenzó otro período fértil en su arte, que incluyó paisajes y su última pintura en la serie "El friso de la vida", La danza de la vida (1899). [78] Larsen estaba ansiosa por casarse, pero Munch no. Su bebida y su mala salud reforzaron sus temores, como escribió en tercera persona: "Desde que era un niño había odiado el matrimonio. Su hogar enfermo y nervioso le había dado la sensación de que no tenía derecho a casarse". [79] Munch casi cedió ante Tulla, pero huyó de ella en 1900, alejándose también de su considerable fortuna, y se mudó a Berlín. [79] Sus Chicas en el embarcadero [ aclaración necesaria ] , creadas en 18 versiones diferentes, demostraron el tema de la juventud femenina sin connotaciones negativas. [70] En 1902, exhibió sus obras temáticamente en el salón de la Secesión de Berlín, produciendo "un efecto sinfónico, causó un gran revuelo, mucho antagonismo y mucha aprobación". [80] Los críticos de Berlín estaban comenzando a apreciar el trabajo de Munch a pesar de que el público todavía encontraba su trabajo extraño y ajeno.
La buena cobertura de la prensa le valió a Munch la atención de influyentes mecenas como Albert Kollman y Max Linde . Describió el giro de los acontecimientos en su diario: «Después de 20 años de lucha y miseria, las fuerzas del bien finalmente vinieron en mi ayuda en Alemania, y se abrió para mí una puerta brillante». [81] Sin embargo, a pesar de este cambio positivo, el comportamiento autodestructivo y errático de Munch lo llevó primero a una violenta pelea con otro artista, luego a un tiroteo accidental en presencia de Tulla Larsen, que había regresado para una breve reconciliación, lo que le hirió dos dedos. Munch más tarde cortó por la mitad un autorretrato que lo representaba a él y a Larsen como consecuencia del tiroteo y los eventos posteriores. [82] Finalmente, ella lo dejó y se casó con un colega más joven de Munch. Munch tomó esto como una traición y se detuvo en la humillación durante algún tiempo, canalizando parte de la amargura en nuevas pinturas. [83] Sus pinturas Naturaleza muerta (La asesina) y La muerte de Marat I , realizadas en 1906-07, hacen clara referencia al incidente del tiroteo y sus efectos emocionales posteriores. [84]
En 1903-04, Munch expuso en París, donde los futuros fauvistas , famosos por sus colores atrevidamente falsos, probablemente vieron sus obras y pudieron haber encontrado inspiración en ellas. Cuando los fauvistas realizaron su propia exposición en 1906, Munch fue invitado y exhibió sus obras junto con las de ellos. [85] Después de estudiar la escultura de Rodin , Munch puede haber experimentado con plastilina como ayuda para el diseño, pero produjo poca escultura. [86] Durante este tiempo, Munch recibió muchos encargos de retratos y grabados que mejoraron su situación financiera habitualmente precaria. [87] En 1906, pintó la pantalla para una obra de Ibsen en el pequeño Teatro Kammerspiele ubicado en el Deutsches Theater de Berlín , en la que se colgó el Friso de la Vida . El director del teatro, Max Reinhardt , lo vendió más tarde; ahora está en la Nationalgalerie de Berlín . [88] Después de un período anterior de paisajes, en 1907 volvió su atención nuevamente a las figuras y situaciones humanas. [89]
En el otoño de 1908, la ansiedad de Munch, agravada por el consumo excesivo de alcohol y las peleas, se había agudizado. Como escribió más tarde, "mi estado estaba al borde de la locura, estaba al borde de la muerte". [90] Sufrió alucinaciones y sentimientos de persecución, por lo que ingresó en la clínica de Daniel Jacobson. La terapia que recibió Munch durante los siguientes ocho meses incluyó dieta y "electrificación" (un tratamiento que estaba de moda entonces para los trastornos nerviosos, que no debe confundirse con la terapia electroconvulsiva ). [91] La estancia de Munch en el hospital estabilizó su personalidad y, tras regresar a Noruega en 1909, su obra se volvió más colorida y menos pesimista. Su estado de ánimo mejoró aún más, el público en general de Cristianía finalmente se entusiasmó con su obra y los museos comenzaron a comprar sus pinturas. Fue nombrado Caballero de la Real Orden de San Olav "por sus servicios en el arte". [92] Su primera exposición estadounidense fue en 1912 en Nueva York. [93]
Como parte de su recuperación, Jacobson le aconsejó a Munch que solo socializara con buenos amigos y evitara beber en público . Munch siguió este consejo y en el proceso produjo varios retratos de cuerpo entero de alta calidad de amigos y mecenas: retratos honestos sin halagos. [94] También creó paisajes y escenas de personas trabajando y jugando, utilizando un nuevo estilo optimista: pinceladas amplias y sueltas de color vibrante con uso frecuente de espacios en blanco y uso raro de negro, con solo referencias ocasionales a sus temas mórbidos. Con más ingresos, Munch pudo comprar varias propiedades que le dieron nuevas perspectivas para su arte y finalmente pudo mantener a su familia. [95]
El estallido de la Primera Guerra Mundial encontró a Munch con lealtades divididas, como él mismo afirmó: "Todos mis amigos son alemanes, pero es Francia a quien amo". [96] En la década de 1930, sus mecenas alemanes, muchos judíos, perdieron sus fortunas y algunos sus vidas durante el ascenso del movimiento nazi. [97] Munch encontró impresores noruegos para sustituir a los alemanes que habían estado imprimiendo su obra gráfica. [98] Dado su mal historial de salud, durante 1918 Munch se sintió afortunado de haber sobrevivido a un brote de gripe española , la pandemia mundial de ese año. [99]
Munch pasó la mayor parte de sus últimas dos décadas en soledad en su finca casi autosuficiente en Ekely, en Skøyen , Oslo. [100] Muchas de sus últimas pinturas celebran la vida en la granja, incluyendo varias en las que utilizó a su caballo de trabajo "Rousseau" como modelo. [101] Sin ningún esfuerzo, Munch atrajo un flujo constante de modelos femeninas, a las que pintó como sujetos de numerosas pinturas de desnudos. Es probable que tuviera relaciones sexuales con algunas de ellas. [102] Munch ocasionalmente salía de su casa para pintar murales por encargo, incluyendo los que hizo para la fábrica de chocolate Freia . [103]
Hasta el final de su vida, Munch siguió pintando autorretratos implacables, que se sumaron al ciclo de introspección de su vida y a su serie de inquebrantables interpretaciones de sus estados emocionales y físicos. En las décadas de 1930 y 1940, los nazis etiquetaron la obra de Munch como " arte degenerado " (junto con la de Picasso , Klee , Matisse , Gauguin y muchos otros artistas modernos) y retiraron sus 82 obras de los museos alemanes. [104] Adolf Hitler anunció en 1937: "Por lo que a nosotros respecta, esos bárbaros de la cultura de la Edad de Piedra prehistórica y los tartamudos del arte pueden regresar a las cuevas de sus antepasados y allí pueden aplicar su primitivo rasguño internacional". [105]
En 1940, los alemanes invadieron Noruega y el partido nazi tomó el control del gobierno. Munch tenía 76 años. Con casi toda su colección de arte en el segundo piso de su casa, Munch vivió con el temor de una confiscación nazi. Setenta y una de las pinturas previamente tomadas por los nazis habían sido devueltas a Noruega a través de compras por coleccionistas (las otras 11 nunca fueron recuperadas), incluyendo El grito y El niño enfermo , y también fueron ocultadas a los nazis. [106]
Munch murió en su casa de Ekely, cerca de Oslo, el 23 de enero de 1944, aproximadamente un mes después de cumplir 80 años. Su funeral, orquestado por los nazis, hizo pensar a los noruegos que era un simpatizante nazi, una especie de apropiación del artista independiente. [107] La ciudad de Oslo compró la finca de Ekely a los herederos de Munch en 1946; su casa fue demolida en mayo de 1960. [108]
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De mi cuerpo podrido
crecerán flores
y yo estoy en ellas
y eso es la eternidad.
Edvard Munch [109]
Cuando Munch murió, sus obras restantes fueron legadas a la ciudad de Oslo, que construyó el Museo Munch en Tøyen (inaugurado en 1963). El museo alberga una colección de aproximadamente 1.100 pinturas, 4.500 dibujos y 18.000 grabados, la colección más amplia de sus obras en el mundo. [110] El Museo Munch sirve como patrimonio oficial de Munch; [110] ha estado activo en la respuesta a las infracciones de derechos de autor, así como en la obtención de derechos de autor para la obra, como la aparición de El grito de Munch en una campaña publicitaria de M&M's en 2006. [111] El representante de derechos de autor en Estados Unidos para el Museo Munch y el patrimonio de Edvard Munch es la Artists Rights Society . [112]
El arte de Munch era muy personalizado y apenas impartió docencia. Su simbolismo "privado" era mucho más personal que el de otros pintores simbolistas como Gustave Moreau y James Ensor . Munch seguía siendo muy influyente, en particular entre los expresionistas alemanes , que seguían su filosofía: "No creo en el arte que no sea el resultado compulsivo del impulso del hombre de abrir su corazón". [54] Muchas de sus pinturas, incluida El grito , tienen un atractivo universal además de su significado altamente personal.
Las obras de Munch se encuentran hoy en día en numerosos museos y galerías importantes de Noruega y del extranjero. Su cabaña, "la Casa Feliz", fue donada al municipio de Åsgårdstrand en 1944 y hoy funciona como un pequeño museo de Munch. El inventario se ha conservado exactamente como lo dejó.
En 1994, una versión de El grito fue robada de la National Gallery. En 2004, otra versión de El grito , junto con una de Madonna , fue robada del Museo Munch en un atrevido robo a plena luz del día. Todas ellas fueron finalmente recuperadas, pero las pinturas robadas en el robo de 2004 sufrieron graves daños. Han sido restauradas meticulosamente y están nuevamente en exhibición. Tres obras de Munch fueron robadas del Hotel Refsnes Gods en 2005; fueron recuperadas poco después, aunque una de las obras resultó dañada durante el robo. [113]
En octubre de 2006, el grabado en madera en color Dos personas. La soledad ( To mennesker. De ensomme ) estableció un nuevo récord para sus grabados cuando se vendió en una subasta en Oslo por 8,1 millones de coronas (1,27 millones de dólares estadounidenses equivalentes a 1.900.000 dólares en 2023). También estableció un récord para el precio más alto pagado en una subasta en Noruega. [114] El 3 de noviembre de 2008, el cuadro Vampiro estableció un nuevo récord para sus pinturas cuando se vendió por 38.162.000 dólares estadounidenses (equivalentes a 54.000.000 dólares en 2023) en Sotheby's Nueva York.
La imagen de Munch apareció en el billete de 1.000 coronas noruegas (Serie VII; válido de 2001 a 2020), junto con imágenes inspiradas en su obra de arte. [115]
En febrero de 2012 se inauguró en la Schirn Kunsthalle de Frankfurt una importante exposición de Munch, Edvard Munch. La mirada moderna ; la exposición fue inaugurada por Mette-Marit, princesa heredera de Noruega . [116] [117]
En mayo de 2012, El grito se vendió por 119,9 millones de dólares (equivalentes a 159.100.000 dólares en 2023), y es la segunda obra de arte más cara jamás vendida en una subasta abierta. (Fue superada en noviembre de 2013 por Tres estudios de Lucian Freud , que se vendió por 142,4 millones de dólares). [118]
En 2013, cuatro de las pinturas de Munch fueron representadas en una serie de sellos del servicio postal noruego , para conmemorar en 2014 el 150 aniversario de su nacimiento. [119]
El 14 de noviembre de 2016, una versión de Las muchachas en el puente de Munch se vendió por 54,5 millones de dólares (equivalentes a 69.200.000 dólares en 2023) en Sotheby's de Nueva York, lo que lo convierte en el segundo precio más alto alcanzado por una de sus pinturas. [120]
En abril de 2019, el Museo Británico acogió la exposición Edvard Munch: amor y angustia , compuesta por 83 obras de arte e incluyendo una rara impresión original de El grito . [121]
En mayo de 2022, la Courtauld Gallery acogió la exposición Edvard Munch. Obras maestras de Bergen , que exhibió 18 pinturas de la colección del industrial noruego Rasmus Meyer . [122]
En junio de 2023, el Clark Art Institute acogió la exposición Edvard Munch: Trembling Earth . Fue la primera exposición en los Estados Unidos que se centró en cómo Munch utilizó la naturaleza para transmitir un significado más profundo en su pintura. Trembling Earth presentó más de 75 obras, muchas de la colección del Munchmuseet , y más de 40 pinturas y grabados de colecciones privadas que rara vez se ven. [123]
En septiembre de 2023, el Museo de Arte Moderno de la Berlinesche Galerie acogió la exposición Edvard Munch. La magia del norte en colaboración con el Museo Munch de Oslo. La exposición incluía alrededor de 80 obras de Edvard Munch, complementadas con obras de otros artistas que dieron forma a la idea del norte y a la escena del arte moderno en el Spree de Berlín a finales del siglo XIX. [124]
En noviembre de 2023, el Museo Barberini de Potsdam también acogió la exposición Edvard Munch: Trembling Earth en colaboración con el Museo Munch de Oslo. La exposición se superpuso ocho semanas con la exposición de la Berlinische Galerie; ambas exposiciones estuvieron bajo el patrocinio conjunto del presidente alemán Frank-Walter Steinmeier y Su Majestad el Rey Harald V de Noruega. La exposición incluyó más de 110 préstamos de otras instituciones. [125]
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En 1911 se celebró el concurso final para la decoración de los grandes muros del Aula (salón de actos) de la Universidad de Oslo entre Munch y Emanuel Vigeland . El episodio se conoce como la «polémica del Aula». En 1914, Munch recibió finalmente el encargo de decorar el Aula y la obra se completó en 1916. Esta obra capital de la pintura monumental noruega incluye 11 pinturas que cubren 223 m2 ( 2.400 pies cuadrados). El sol , la historia y el alma mater son las obras clave de esta secuencia. Munch declaró: «Quería que las decoraciones formaran un mundo de ideas completo e independiente, y que su expresión visual fuera a la vez distintivamente noruega y universalmente humana». En 2014 se sugirió que las pinturas del Aula tienen un valor de al menos 500 millones de coronas. [126] [127]
En 2007, la Noche de verano en la playa de Munch fue devuelta a la nieta de Alma Mahler, quien se vio obligada a huir de los nazis con su esposo judío en marzo de 1938, después de la anexión de Austria por parte de Hitler. [128] [129] En 2008, el Museo de Bellas Artes de Basilea rechazó una reclamación por la Madonna de Munch, una litografía de un desnudo en negro, rojo y azul , de los herederos del coleccionista judío Curt Glaser. [130] En 2012, el Kupferstichkabinett de Berlín restituyó tres dibujos de Munch a los herederos de Curt Glaser , un coleccionista judío obligado al exilio por los nazis. [131] En 2012, una reclamación por El grito de los herederos de Hugo Simon fue rechazada cuando fue a subasta. [132] En 2023, La danza en la playa de Munch fue objeto de un acuerdo entre los herederos de Glaser y los herederos de Thomas Olsen, un armador noruego y vecino y coleccionista de Munch. [133]
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