La arquitectura posmoderna es un estilo o movimiento que surgió en la década de 1960 como una reacción contra la austeridad, la formalidad y la falta de variedad de la arquitectura moderna , particularmente en el estilo internacional defendido por Philip Johnson y Henry-Russell Hitchcock . [1] El movimiento fue introducido formalmente por la arquitecta y urbanista Denise Scott Brown y el teórico de la arquitectura Robert Venturi en su libro de 1972 Learning from Las Vegas . El estilo floreció desde la década de 1980 hasta la de 1990, particularmente en el trabajo de Scott Brown & Venturi, Philip Johnson , Charles Moore y Michael Graves . A fines de la década de 1990, se dividió en una multitud de nuevas tendencias, incluida la arquitectura de alta tecnología , el neofuturismo , la nueva arquitectura clásica y el deconstructivismo . [2] Sin embargo, algunos edificios construidos después de este período todavía se consideran posmodernos. [3]
La arquitectura posmoderna surgió a finales de los años 1960 como una reacción contra las deficiencias percibidas de la arquitectura moderna , en particular sus doctrinas rígidas, su uniformidad, su falta de ornamentación y su hábito de ignorar la historia y la cultura de las ciudades donde apareció. En 1966, Venturi formalizó el movimiento en su libro, Complexity and Contradiction in Architecture . Venturi resumió el tipo de arquitectura que quería ver reemplazar al modernismo:
Hablo de una arquitectura compleja y contradictoria basada en la riqueza y ambigüedad de la experiencia moderna, incluida la experiencia que es inherente al arte. ... Acepto los problemas y exploto las incertidumbres. ... Me gustan los elementos híbridos en lugar de "puros", que comprometen en lugar de "limpios"... que acomodan en lugar de excluir. ... Estoy a favor de la vitalidad desordenada en lugar de la unidad obvia. ... Prefiero "ambos-y" a "o-o", blanco y negro, y a veces gris, a blanco o negro. ... Una arquitectura de complejidad y contradicción debe encarnar la difícil unidad de la inclusión en lugar de la fácil unidad de la exclusión. [4]
En lugar de las doctrinas funcionales del modernismo, Venturi propuso dar énfasis primario a la fachada, incorporando elementos históricos, un uso sutil de materiales inusuales y alusiones históricas, y el uso de fragmentación y modulaciones para hacer que el edificio sea interesante. [5] La consumada arquitecta y planificadora urbana Denise Scott Brown , quien era la esposa de Venturi, y Venturi escribieron Learning from Las Vegas (1972), en coautoría con Steven Izenour , en el que desarrollaron aún más su argumento conjunto contra el modernismo. Instaron a los arquitectos a tomar en consideración y celebrar la arquitectura existente en un lugar, en lugar de tratar de imponer una utopía visionaria a partir de sus propias fantasías. Esto estaba en línea con la creencia de Scott Brown de que los edificios deben construirse para las personas y que la arquitectura debe escucharlas. Scott Brown y Venturi argumentaron que los elementos ornamentales y decorativos "se adaptan a las necesidades existentes de variedad y comunicación". El libro fue fundamental para abrir los ojos de los lectores a nuevas formas de pensar sobre los edificios, ya que se basó en toda la historia de la arquitectura, tanto de alto estilo como vernácula, tanto histórica como moderna, y en respuesta a la famosa máxima de Mies van der Rohe "Menos es más", Venturi respondió: "Menos es un aburrimiento". Venturi citó el ejemplo de uno de los edificios de su esposa y de él mismo, Guild House , en Filadelfia, como ejemplos de un nuevo estilo que daba la bienvenida a la variedad y las referencias históricas, sin volver al renacimiento académico de los viejos estilos. [6]
En Italia, casi al mismo tiempo, el arquitecto Aldo Rossi lanzó una revuelta similar contra el modernismo estricto , criticando la reconstrucción de las ciudades y los edificios italianos destruidos durante la guerra en el estilo modernista, que no tenía relación con la historia arquitectónica, los planos originales de las calles o la cultura de las ciudades. Rossi insistió en que las ciudades se reconstruyeran de manera que preservaran su tejido histórico y sus tradiciones locales. En la Bienal de Venecia de 1980 se presentaron ideas y proyectos similares. Al llamado a un estilo posmoderno se sumaron Christian de Portzamparc en Francia y Ricardo Bofill en España, y en Japón Arata Isozaki . [7]
Robert Venturi (1925-2018) fue un destacado teórico del posmodernismo y un arquitecto cuyos edificios ilustraban sus ideas. Tras estudiar en la Academia Americana de Roma, trabajó en las oficinas de los modernistas Eero Saarinen y Louis Kahn hasta 1958, y luego se convirtió en profesor de arquitectura en la Universidad de Yale. Uno de sus primeros edificios fue la Guild House en Filadelfia, construida entre 1960 y 1963, y una casa para su madre en Chestnut Hill , en Filadelfia. Estas dos casas se convirtieron en símbolos del movimiento posmoderno. En los años 1960 y 1970 diseñó una serie de edificios que tenían en cuenta tanto los precedentes históricos como las ideas y formas existentes en la vida real de las ciudades que los rodeaban. [8]
Michael Graves (1934-2015) diseñó dos de los edificios más destacados del estilo posmoderno, el Portland Building y la Biblioteca Pública de Denver . Más tarde, continuó con sus edificios emblemáticos diseñando grandes tiendas minoristas de bajo costo para cadenas como Target y JC Penney en los Estados Unidos, lo que tuvo una gran influencia en el diseño de tiendas minoristas en centros urbanos y centros comerciales. En su carrera temprana, él, junto con Peter Eisenman , Charles Gwathmey , John Hejduk y Richard Meier , fue considerado uno de los Cinco de Nueva York , un grupo de defensores de la arquitectura moderna pura , pero en 1982 se inclinó hacia el posmodernismo con el Portland Building , una de las primeras estructuras importantes en el estilo. Desde entonces, el edificio ha sido agregado al Registro Nacional de Lugares Históricos . [8]
La obra más famosa del arquitecto Charles Moore (1925-1993) es la Piazza d'Italia en Nueva Orleans (1978), una plaza pública compuesta por una exuberante colección de piezas de la famosa arquitectura renacentista italiana. Inspirándose en la arquitectura de estilo neoespañol del ayuntamiento, Moore diseñó el Beverly Hills Civic Center con una mezcla de estilos neoespañol, art déco y posmoderno. Incluye patios, columnatas, paseos y edificios, con espacios abiertos y semicerrados, escaleras y balcones. [9]
La Escuela de Negocios Haas de la Universidad de California en Berkeley se combina tanto con la arquitectura neorrenacentista del campus de Berkeley como con la pintoresca arquitectura residencial de madera de principios del siglo XX en las vecinas Berkeley Hills.
Philip Johnson (1906-2005) comenzó su carrera como un modernista puro. En 1935, fue coautor del famoso catálogo de la exposición del Museo de Arte Moderno sobre el Estilo Internacional y estudió con Walter Gropius y Marcel Breuer en Harvard. Su Casa de Cristal en New Canaan, Connecticut (1949), inspirada en una casa similar de Ludwig Mies van der Rohe, se convirtió en un icono del movimiento modernista. Trabajó con Mies en otro proyecto modernista icónico, el Edificio Seagrams en la ciudad de Nueva York. Sin embargo, en la década de 1950, comenzó a incluir ciertas formas lúdicas y manieristas en sus edificios, como la Sinagoga de Port Chester (1954-1956), con un techo abovedado de yeso y estrechas ventanas de colores, y la Galería de Arte de la Universidad de Nebraska (1963). Sin embargo, sus edificios más importantes de la década de 1970, como el IDS Center en Minneapolis (1973) y el Pennzoil Place en Houston (1970-1976), eran enormes, sobrios y completamente modernistas. [10]
Con el edificio AT&T (ahora llamado 550 Madison Avenue ) (1978-1982), Johnson giró drásticamente hacia el posmodernismo. La característica más destacada del edificio es una parte superior puramente decorativa modelada a partir de una pieza de mobiliario Chippendale , y tiene otras referencias más sutiles a la arquitectura histórica. Su intención era hacer que el edificio se destacara como un símbolo corporativo entre los rascacielos modernistas que lo rodeaban en Manhattan, y lo logró; se convirtió en el más conocido de todos los edificios posmodernos. Poco después completó otro proyecto posmoderno, PPG Place en Pittsburgh, Pensilvania (1979-1984), un complejo de seis edificios de vidrio para la Pittsburgh Plate Glass Company. Estos edificios tienen características neogóticas, incluidas 231 agujas de vidrio, la más grande de las cuales tiene 82 pies (25 m) de altura. [11]
En 1995, construyó un pabellón posmoderno para su residencia, Glass House . La caseta de entrada, llamada "Da Monstra", tiene 23 pies de alto, está hecha de hormigón proyectado con una manguera, de color gris y rojo. Es una pieza de arquitectura escultórica sin ángulos rectos y con muy pocas líneas rectas, un predecesor de la arquitectura escultórica contemporánea del siglo XXI. [11]
Frank Gehry (nacido en 1929) fue una figura importante en la arquitectura posmodernista, y es una de las figuras más prominentes de la arquitectura contemporánea . Después de estudiar en la Universidad del Sur de California en Los Ángeles y luego en la Escuela de Diseño de la Universidad de Harvard , abrió su propia oficina en Los Ángeles en 1962. A partir de la década de 1970, comenzó a utilizar materiales industriales prefabricados para construir formas inusuales en casas privadas en Los Ángeles, incluida, en 1978, su propia casa en Santa Mónica. Rompió su diseño tradicional dándoles un aspecto inacabado e inestable. Su Casa Schnabel en Los Ángeles (1986-1989) se dividió en estructuras individuales, con una estructura diferente para cada habitación. Su Residencia Norton en Venice, California (1983) construida para un escritor y ex salvavidas, tenía un taller modelado a partir de una torre de salvavidas con vista a la playa de Santa Mónica. En sus primeros edificios, las diferentes partes de los edificios a menudo eran de diferentes colores brillantes. En la década de 1980 comenzó a recibir encargos importantes, entre ellos la Facultad de Derecho de Loyola (1978-1984) y el Museo Aeroespacial de California (1982-1984), y luego encargos internacionales en los Países Bajos y la República Checa. Su "Casa Danzante" en Praga (1996), construida con una fachada ondulada de placas de hormigón; partes de las paredes estaban compuestas de vidrio, lo que dejaba al descubierto los pilares de hormigón debajo. Su proyecto más destacado fue el museo Guggenheim Bilbao (1991-1997), revestido de pieles onduladas de titanio, un material que hasta entonces se utilizaba principalmente en la construcción de aviones, que cambiaban de color dependiendo de la luz. Gehry fue descrito a menudo como un defensor del deconstructivismo , pero se negó a aceptar esa o cualquier otra etiqueta para su trabajo. [12]
César Pelli (12 de octubre de 1926 - 19 de julio de 2019) fue un arquitecto argentino que diseñó algunos de los edificios más altos del mundo y otros hitos urbanos importantes. [13] Dos de sus proyectos más notables son las Torres Petronas en Kuala Lumpur [14] y el Centro Financiero Mundial en la ciudad de Nueva York. [15] El Instituto Americano de Arquitectos lo nombró uno de los diez arquitectos estadounidenses vivos más influyentes en 1991 y le otorgó la Medalla de Oro del AIA en 1995. [13] [16] En 2008, el Consejo de Edificios Altos y Hábitat Urbano le otorgó el Premio a la Trayectoria Lynn S. Beedle . [17] [18] [a] En 1977, Pelli fue seleccionado para ser el decano de la Escuela de Arquitectura de Yale en New Haven, Connecticut , y sirvió en ese puesto hasta 1984. [23] Poco después de que Pelli llegara a Yale, ganó el encargo para diseñar la expansión y renovación del Museo de Arte Moderno de Nueva York, lo que resultó en el establecimiento de su propia firma, Cesar Pelli & Associates. [24] [23] [25] La expansión/renovación del museo y la Torre Residencial del Museo de Arte Moderno se completaron en 1984; el Centro Financiero Mundial en Nueva York, que incluye el gran espacio público del Jardín de Invierno, se completó en 1988. [15] Entre otros proyectos significativos durante este período se encuentran el Edificio de la Clínica Crile en Cleveland, Ohio, completado en 1984; Herring Hall en la Universidad Rice en Houston, Texas (también completado en 1984); la finalización en 1988 del Edificio Verde en el Centro de Diseño del Pacífico en West Hollywood, California; y la construcción del Wells Fargo Center en Minneapolis, Minnesota, en 1989. [26]
Pelli fue nombrado uno de los diez arquitectos estadounidenses vivos más influyentes por el Instituto Americano de Arquitectos en 1991. En 1995, recibió la Medalla de Oro del Instituto Americano de Arquitectos. [13] [16] En mayo de 2004, Pelli recibió el título honorario de Doctor en Letras Humanitarias de la Universidad de Minnesota Duluth , donde diseñó el Weber Music Hall. [27] En 2005, Pelli fue honrado con el Premio al Liderazgo Distinguido de la Fundación de Arquitectura de Connecticut. [28]
Los edificios diseñados por Pelli durante este período se caracterizan por una mayor experimentación con una variedad de materiales (el más destacado es el acero inoxidable ) y su evolución del rascacielos. One Canada Square en Canary Wharf en Londres (inaugurado en 1991); Plaza Tower en Costa Mesa, California (terminada en 1991); y la sede de NTT en Tokio (terminada en 1995) fueron preludios de un proyecto emblemático que Pelli diseñó para Kuala Lumpur, Malasia. [26] Las Torres Petronas se completaron en 1997, revestidas de acero inoxidable y reflejando motivos de diseño islámico. [29] Las torres duales fueron los edificios más altos del mundo hasta 2004. [30] Ese año, Pelli recibió el Premio Aga Khan de Arquitectura por el diseño de las Torres Petronas . [31] El diseño de Pelli para el Museo Nacional de Arte en Osaka , Japón, se completó en 2005, el mismo año en que la firma de Pelli cambió su nombre a Pelli Clarke Pelli Architects para reflejar los roles crecientes de los directores senior Fred W. Clarke y el hijo de Pelli, Rafael. [29]
Aunque el posmodernismo era más conocido como un estilo estadounidense, también aparecieron ejemplos notables en Europa. En 1991, Robert Venturi completó el ala Sainsbury de la National Gallery de Londres, que era moderna pero armonizaba con la arquitectura neoclásica de Trafalgar Square y sus alrededores . El arquitecto alemán Helmut Jahn (1940-2021) construyó el rascacielos Messeturm en Frankfurt, Alemania, un rascacielos adornado con la aguja puntiaguda de una torre medieval. [34]
Uno de los primeros arquitectos posmodernistas en Europa fue James Stirling (1926-1992). Fue uno de los primeros críticos de la arquitectura modernista, culpando al modernismo de la destrucción de las ciudades británicas en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Diseñó coloridos proyectos de vivienda pública en estilo posmoderno, así como la Neue Staatsgalerie en Stuttgart , Alemania (1977-1983) y el Kammertheater en Stuttgart (1977-1982), así como el Museo Arthur M. Sackler en la Universidad de Harvard en los Estados Unidos. [35]
Uno de los ejemplos más visibles del estilo posmoderno en Europa es el edificio SIS de Terry Farrell (1994) en Londres . El edificio, situado junto al Támesis, es la sede del Servicio Secreto de Inteligencia británico . En 1992, Deyan Sudjic lo describió en The Guardian como un «epitafio para la arquitectura de los años ochenta... Es un diseño que combina una gran seriedad en su composición clásica con un posible sentido del humor involuntario. El edificio podría interpretarse con la misma verosimilitud como un templo maya o como una pieza de maquinaria art déco que hace ruido». [36]
El estudio de arquitectura belga Atelier d'architecture de Genval es reconocido por su trabajo pionero en arquitectura posmoderna en Bélgica, particularmente en Bruselas con importantes realizaciones como el complejo Espace Leopold que incluye el Parlamento Europeo , y otras como el Edificio Euroclear , recordando en su mayoría al estilo posmodernista americano. [37]
El arquitecto italiano Aldo Rossi (1931-1997) fue conocido por sus obras posmodernas en Europa, el Museo Bonnefanten en Maastricht , Países Bajos , terminado en 1995. Rossi fue el primer italiano en ganar el premio más prestigioso de arquitectura, el Premio Pritzker , en 1990. Se destacó por combinar formas rigurosas y puras con elementos evocadores y simbólicos tomados de la arquitectura clásica. [38]
El arquitecto español Ricardo Bofill (nacido en 1939) también es conocido por sus primeras obras posmodernas, incluido un complejo residencial en forma de castillo con murallas rojas en Calp, en la costa de España (1973) y el complejo de viviendas sociales Les Espaces d'Abraxas (1983) en Noisy-le-Grand , Francia .
Las obras del arquitecto austríaco Friedensreich Hundertwasser (1928-2000) se consideran en ocasiones una expresión especial de la arquitectura posmoderna.
Los arquitectos japoneses Tadao Ando (nacido en 1941) e Isozaki Arata (1931-2022) introdujeron las ideas del movimiento posmoderno en Japón. Antes de abrir su estudio en Osaka en 1969, Ando viajó mucho por América del Norte, África y Europa, absorbiendo los estilos europeos y estadounidenses, y no tuvo una educación formal en arquitectura, aunque enseñó más tarde en la Universidad de Yale (1987), la Universidad de Columbia (1988) y la Universidad de Harvard (1990). La mayoría de sus edificios fueron construidos con hormigón en bruto en formas cúbicas, pero tenían amplias aberturas que dejaban entrar la luz y las vistas de la naturaleza exterior. A partir de la década de 1990, comenzó a utilizar la madera como material de construcción e introdujo elementos de la arquitectura tradicional japonesa, en particular en su diseño del Museo de la Cultura de la Madera (1995). Su Casa Bennesse en Naoshima, Kagama, tiene elementos de la arquitectura clásica japonesa y un plan que integra sutilmente la casa en el paisaje natural. Ganó el Premio Pritzker , el premio más prestigioso en arquitectura, en 1995. [39]
Isozaki Arata trabajó dos años en el estudio de Kenzo Tange (1913-2005), antes de abrir su propia firma en Tokio en 1963. Su Museo de Arte Contemporáneo en Nagi combinó ingeniosamente madera, piedra y metal, y unió tres formas geométricas, un cilindro, un medio cilindro y un bloque extendido, para presentar a tres artistas diferentes en diferentes entornos. Su Torre de Arte en Mito , Japón (1986-1990) presentó una torre posmoderna de titanio y acero inoxidable que giraba sobre su propio eje. Además de museos y centros culturales en Japón, diseñó el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles (MOCA), (1981-1986), y el museo de ciencias y centro de investigación COSI Columbus en Columbus, Ohio. [40]
La Ópera de Sídney , en Sídney (Australia ), obra del arquitecto danés Jørn Utzon (1918-2008), es una de las obras arquitectónicas de posguerra más reconocibles y abarca la transición del modernismo al posmodernismo. La construcción comenzó en 1957, pero no se completó hasta 1973 debido a problemas de ingeniería difíciles y a los crecientes costos. Las gigantescas carcasas de hormigón se elevan sobre las plataformas que forman el techo de la sala. El arquitecto renunció antes de que se completara la estructura y el interior se diseñó en gran parte después de que él abandonara el proyecto. La influencia de la Ópera de Sídney se puede ver en salas de conciertos posteriores con techos altos hechos de acero inoxidable ondulado. [41]
Uno de los edificios más influyentes del período posmoderno fue la Filarmónica de Berlín , diseñada por Hans Scharoun (1893-1972) y terminada en 1963. El exterior, con sus tejados inclinados y su fachada deslizante, supuso una clara ruptura con las anteriores salas de conciertos modernistas, más austeras. La verdadera revolución se produjo en el interior, donde Scharoun situó la orquesta en el centro, con el público sentado en terrazas a su alrededor. Lo describió así: "La forma que se le ha dado a la sala está inspirada en un paisaje; en el centro hay un valle, en cuyo fondo se encuentra la orquesta. A su alrededor, por todos lados, se elevan las terrazas, como viñedos. En correspondencia con un paisaje terrenal, el techo de encima parece un cielo". Siguiendo su descripción, futuras salas de conciertos, como el Walt Disney Concert Hall de Frank Gehry en Los Ángeles, y la Filarmónica de París de Jean Nouvel (2015) utilizaron el término “estilo viñedo” y situaron la orquesta en el centro, en lugar de en un escenario al final de la sala. [42]
![Citas (usos de elementos y ornamentos tomados de estilos premodernistas, a menudo simplificados) – Dolphin Hotel, Orlando, Florida, EE.UU., con tapas que recuerdan a urnas que decoran esquinas, y barandillas de edificios y muebles clásicos, por Michael Graves (1989)[46]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/1d/Downtown_Disney_05.JPG/1280px-Downtown_Disney_05.JPG)
La arquitectura posmoderna surgió como una reacción contra las doctrinas de la arquitectura moderna , expresadas por arquitectos modernistas como Le Corbusier y Ludwig Mies van der Rohe . En lugar de las doctrinas modernistas de simplicidad expresadas por Mies en su famoso "menos es más" y funcionalidad, "la forma sigue a la función" y la doctrina de Le Corbusier de que "una casa es una máquina para vivir", el posmodernismo, en palabras de Robert Venturi, ofrecía complejidad y contradicción . Los edificios posmodernos tenían formas curvas, elementos decorativos, asimetría, colores brillantes y características a menudo tomadas prestadas de períodos anteriores. Los colores y las texturas no estaban relacionados con la estructura o la función del edificio. Rechazando el "puritanismo" del modernismo, exigía un retorno al ornamento y una acumulación de citas y collages tomados de estilos pasados. Tomó prestado libremente de la arquitectura clásica, el rococó , la arquitectura neoclásica , la Secesión vienesa , el movimiento británico Arts and Crafts y el Jugendstil alemán . [50]
Los edificios posmodernos solían combinar formas y características sorprendentes con elementos aparentemente contradictorios del clasicismo. James Stirling, el arquitecto de la Neue Staatsgalerie de Stuttgart, Alemania (1984), describió el estilo como "representación y abstracción, monumental e informal, tradicional y de alta tecnología". [51]
La arquitectura posmoderna suele dividir los grandes edificios en varias estructuras y formas diferentes, que a veces representan distintas funciones de esas partes del edificio. Con el uso de diferentes materiales y estilos, un solo edificio puede parecer una pequeña ciudad o aldea. Un ejemplo es el Museo Abteiberg de Hans Hollein en Mönchengladbach (1972-1974). [52]
Asymmetric forms are one of the trademarks of postmodernism. In 1968, the French architect Claude Parent and philosopher Paul Virilio designed the church Saint-Bernadette-du-Banlay in Nevers, France, in the form of a massive block of concrete leaning to one side. Describing the form, they wrote: "a diagonal line on a white page can be a hill, or a mountain, or slope, an ascent, or a descent." Parent's buildings were inspired in part by concrete German blockhouses he discovered on the French coast which had slid down the cliffs, but were perfectly intact, with leaning walls and sloping floors. Postmodernist compositions are rarely symmetric, balanced and orderly. Oblique buildings which tilt, lean, and seem about to fall over are common.[53]
Color is an important element in many postmodern buildings; to give the façades variety and personality, colored glass is sometimes used, or ceramic tiles, or stone. The buildings of Mexican architect Luis Barragán offer bright sunlight color that give life to the forms.
Humor is a particular feature of many postmodern buildings, particularly in the United States. An example is the Binoculars Building in the Venice neighborhood of Los Angeles, designed by Frank Gehry in collaboration with the sculptor Claes Oldenburg (1991–2001). The gateway of the building is in the form of an enormous pair of binoculars; cars enter the garage passing under the binoculars. "Camp" humor was popular during the postmodern period; it was an ironic humor based on the premise that something could appear so bad (such as a building that appeared about to collapse) that it was good. In 1964, American critic Susan Sontag defined camp as a style which put its accent on the texture, the surface, and style to the detriment of the content, which adored exaggeration, and things which were not what they seemed. Postmodern architecture sometimes used the same sense of theatricality, sense of the absurd and exaggeration of forms.[54]
The aims of postmodernism, which include solving the problems of Modernism, communicating meanings with ambiguity, and sensitivity for the building's context, are surprisingly unified for a period of buildings designed by architects who largely never collaborated with each other. These aims do, however, leave room for diverse implementations as can be illustrated by the variety of buildings created during the movement.
The characteristics of postmodernism allow its aim to be expressed in diverse ways. These characteristics include the use of sculptural forms, ornaments, anthropomorphism and materials which perform trompe-l'œil. These physical characteristics are combined with conceptual characteristics of meaning. These characteristics of meaning include pluralism, double coding, flying buttresses and high ceilings, irony and paradox, and contextualism.
The sculptural forms, not necessarily organic, were created with much ardor. These can be seen in Hans Hollein's Abteiberg Museum (1972–1982). The building is made up of several building units, all very different. Each building's forms are nothing like the conforming rigid ones of Modernism. These forms are sculptural and are somewhat playful. These forms are not reduced to an absolute minimum; they are built and shaped for their own sake. The building units all fit together in a very organic way, which enhances the effect of the forms.
After many years of neglect, ornament returned. Frank Gehry's Venice Beach house, built in 1986, is littered with small ornamental details that would have been considered excessive and needless in Modernism. The Venice Beach House has an assembly of circular logs which exist mostly for decoration. The logs on top do have a minor purpose of holding up the window covers. However, the mere fact that they could have been replaced with a practically invisible nail, makes their exaggerated existence largely ornamental. The ornament in Michael Graves' Portland Municipal Services Building ("Portland Building") (1980) is even more prominent. The two obtruding triangular forms are largely ornamental. They exist for aesthetic or their own purpose.[citation needed]
Postmodernism, with its sensitivity to the building's context, did not exclude the needs of humans from the building. Carlo Scarpa's Brion Cemetery (1970–1972) exemplifies this. The human requirements of a cemetery is that it possesses a solemn nature, yet it must not cause the visitor to become depressed. Scarpa's cemetery achieves the solemn mood with the dull gray colors of the walls and neatly defined forms, but the bright green grass prevents this from being too overwhelming.[citation needed]
Postmodern buildings sometimes utilize trompe-l'œil, creating the illusion of space or depths where none actually exist, as has been done by painters since the Romans. The Portland Building (1980) has pillars represented on the side of the building that to some extent appear to be real, yet they are not.[citation needed]
The Hood Museum of Art (1981–1983) has a typical asymmetrical façade which was at the time prevalent throughout postmodern buildings.[citation needed]
Robert Venturi's Vanna Venturi House (1962–1964) illustrates the postmodernist aim of communicating a meaning and the characteristic of symbolism. The façade is, according to Venturi, a symbolic picture of a house, looking back to the 18th century. This is partly achieved through the use of symmetry and the arch over the entrance.[citation needed]
Perhaps the best example of irony in postmodern buildings is Charles Moore's Piazza d'Italia (1978). Moore quotes (architecturally) elements of Italian Renaissance and Roman Antiquity. However, he does so with a twist. The irony comes when it is noted that the pillars are covered with steel. It is also paradoxical in the way he quotes Italian antiquity far away from the original in New Orleans.[55]
Double coding meant the buildings convey many meanings simultaneously. The Sony Building in New York provides one example. The building is a tall skyscraper which brings with it connotations of very modern technology. However, the top contradicts this. The top section conveys elements of classical antiquity. This double coding is a prevalent trait of postmodernism.[citation needed]
The characteristics of postmodernism were rather unified given their diverse appearances. The most notable among their characteristics is their playfully extravagant forms and the humour of the meanings the buildings conveyed.[citation needed]
Postmodern architecture as an international style – the first examples of which are generally cited as being from the 1950s – but did not become a movement until the late 1970s[56] and continues to influence present-day architecture. Postmodernity in architecture is said to be heralded by the return of "wit, ornament and reference" to architecture in response to the formalism of the International Style of modernism. As with many cultural movements, some of postmodernism's most pronounced and visible ideas can be seen in architecture. The functional and formalized shapes and spaces of the modernist style are replaced by diverse aesthetics: styles collide, form is adopted for its own sake, and new ways of viewing familiar styles and space abound. Perhaps most obviously, architects rediscovered past architectural ornament and forms which had been abstracted by the Modernist architects.
Postmodern architecture has also been described as neo-eclectic, where reference and ornament have returned to the façade, replacing the aggressively unornamented modern styles. This eclecticism is often combined with the use of non-orthogonal angles and unusual surfaces, most famously in the State Gallery of Stuttgart by James Stirling and the Piazza d'Italia by Charles Moore. The Scottish Parliament Building in Edinburgh has also been cited as being of postmodern vogue.[citation needed]
Modernist architects may regard postmodern buildings as vulgar, associated with a populist ethic, and sharing the design elements of shopping malls, cluttered with "gew-gaws". Postmodern architects may regard many modern buildings as soulless and bland, overly simplistic and abstract. This contrast was exemplified in the juxtaposition of the "whites" against the "grays," in which the "whites" were seeking to continue (or revive) the modernist tradition of purism and clarity, while the "grays" were embracing a more multifaceted cultural vision, seen in Robert Venturi's statement rejecting the "black or white" world view of modernism in favor of "black and white and sometimes gray." The divergence in opinions comes down to a difference in goals: modernism is rooted in minimal and true use of material as well as absence of ornament, while postmodernism is a rejection of strict rules set by the early modernists and seeks meaning and expression in the use of building techniques, forms, and stylistic references.
One building form that typifies the explorations of postmodernism is the traditional gable roof, in place of the iconic flat roof of modernism. Shedding water away from the center of the building, such a roof form always served a functional purpose in climates with rain and snow, and was a logical way to achieve larger spans with shorter structural members, but it was nevertheless relatively rare in Modernist buildings.[b] However, postmodernism's own modernist roots appear in some of the noteworthy examples of "reclaimed" roofs. For instance, Robert Venturi's Vanna Venturi House breaks the gable in the middle, denying the functionality of the form, and Philip Johnson's 1001 Fifth Avenue building in Manhattan[c] advertises a mansard roof form as an obviously flat, false front. Another alternative to the flat roofs of modernism would exaggerate a traditional roof to call even more attention to it, as when Kallmann McKinnell & Wood's American Academy of Arts and Sciences in Cambridge, Massachusetts, layers three tiers of low hipped roof forms one above another for an emphatic statement of shelter.
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A new trend became evident in the last quarter of the 20th century as some architects started to turn away from modern functionalism which they viewed as boring, and which some of the public considered unwelcoming and even unpleasant. These architects turned toward the past, quoting past aspects of various buildings and melding them together (even sometimes in an inharmonious manner) to create a new means of designing buildings. A vivid example of this new approach was that postmodernism saw the comeback of columns and other elements of premodern designs, sometimes adapting classical Greek and Roman examples.[d] In Modernism, the traditional column (as a design feature) was treated as a cylindrical pipe form, replaced by other technological means such as cantilevers, or masked completely by curtain wall façades. The revival of the column was an aesthetic, rather than a technological necessity. Modernist high-rise buildings had become in most instances monolithic, rejecting the concept of a stack of varied design elements for a single vocabulary from ground level to the top, in the most extreme cases even using a constant "footprint" (with no tapering or "wedding cake" design), with the building sometimes even suggesting the possibility of a single metallic extrusion directly from the ground, mostly by eliminating visual horizontal elements—this was seen most strictly in Minoru Yamasaki's World Trade Center buildings.
Another return was that of the "wit, ornament and reference" seen in older buildings in terra cotta decorative façades and bronze or stainless steel embellishments of the Beaux-Arts and Art Deco periods. In postmodern structures this was often achieved by placing contradictory quotes of previous building styles alongside each other, and even incorporating furniture stylistic references at a huge scale.
Contextualism, a trend in thinking in the later parts of 20th century, influences the ideologies of the postmodern movement in general. Contextualism is centered on the belief that all knowledge is "context-sensitive". This idea was even taken further to say that knowledge cannot be understood without considering its context. While noteworthy examples of modern architecture responded both subtly and directly to their physical context,[e] postmodern architecture often addressed the context in terms of the materials, forms and details of the buildings around it—the cultural context.
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The postmodernist movement is often seen (especially in the US) as an American movement, starting in America around the 1960s–1970s and then spreading to Europe and the rest of the world, to remain right through to the present. In 1966, however, the architectural historian Sir Nikolaus Pevsner spoke of a revived Expressionism as being "a new style, successor to my International Modern of the 1930s, a post-modern style", and included as examples Le Corbusier's work at Ronchamp and Chandigarh, Denys Lasdun at the Royal College of Physicians in London, Richard Sheppard at Churchill College, Cambridge, and James Stirling's and James Gowan's Leicester Engineering Building, as well as Philip Johnson's own guest house at New Canaan, Connecticut. Pevsner disapproved of these buildings for their self-expression and irrationalism, but he acknowledged them as "the legitimate style of the 1950s and 1960s" and defined their characteristics. The job of defining postmodernism was subsequently taken over by a younger generation who welcomed rather than rejected what they saw happening and, in the case of Robert Venturi, contributed to it.
The aims of postmodernism or late-modernism begin with its reaction to modernism; it tries to address the limitations of its predecessor. The list of aims is extended to include communicating ideas with the public often in a then humorous or witty way. Often, the communication is done by quoting extensively from past architectural styles, often many at once. In breaking away from modernism, it also strives to produce buildings that are sensitive to the context within which they are built.
Postmodernism has its origins in the perceived failure of modern architecture.[58] Its preoccupation with functionalism and economical building meant that ornaments were done away with and the buildings were cloaked in a stark rational appearance. Many felt the buildings failed to meet the human need for comfort both for body and for the eye, that modernism did not account for the desire for beauty. The problem worsened when some already monotonous apartment blocks degenerated into slums. In response, architects sought to reintroduce ornament, color, decoration and human scale to buildings. Form was no longer to be defined solely by its functional requirements or minimal appearance.
Critics of the reductionism of modernism often noted the abandonment of the teaching of architectural history as a causal factor. The fact that a number of the major players in the shift away from modernism were trained at Princeton University's School of Architecture, where recourse to history continued to be a part of design training in the 1940s and 1950s, was significant. The increasing rise of interest in history had a profound impact on architectural education. History courses became more typical and regularized. With the demand for professors knowledgeable in the history of architecture, program were developed including the Advanced Masters-Level Course in the History and Theory of Architecture offered by Dalibor Vesely and Joseph Rykwert at the University of Essex in England between 1968 and 1978. It was the first of its kind.
Other programs followed suit, including several PhD programs in schools of architecture that arose to differentiate themselves from art history PhD programs, where architectural historians had previously trained. In the US, MIT and Cornell were the first, created in the mid-1970s, followed by Columbia, Berkeley, and Princeton. Among the founders of new architectural history programs were Bruno Zevi at the Institute for the History of Architecture in Venice, Stanford Anderson and Henry Millon at MIT, Alexander Tzonis at the Architectural Association, Anthony Vidler at Princeton, Manfredo Tafuri at the University of Venice, Kenneth Frampton at Columbia University, and Werner Oechslin and Kurt Forster at ETH Zürich.[59]
The creation of these programs was paralleled by the hiring, in the 1970s, of professionally trained historians by schools of architecture: Margaret Crawford (with a PhD from UCLA) at SCI-Arc; Elisabeth Grossman (PhD, Brown University) at Rhode Island School of Design; Christian Otto[60] (PhD, Columbia University) at Cornell University; Richard Chafee (PhD, Courtauld Institute) at Roger Williams University; and Howard Burns (MA Kings College) at Harvard, to name just a few examples. A second generation of scholars then emerged that began to extend these efforts in the direction of what is now called "theory": K. Michael Hays (PhD, MIT) at Harvard, Mark Wigley (PhD, Auckland University) at Princeton (now at Columbia University), and Beatriz Colomina (PhD, School of Architecture, Barcelona) at Princeton; Mark Jarzombek (PhD MIT) at Cornell (now at MIT), Jennifer Bloomer (PhD, Georgia Tech) at Iowa State and Catherine Ingraham (PhD, Johns Hopkins) now at Pratt Institute.
Postmodernism with its diversity possesses sensitivity to the building's context and history, and the client's requirements. The postmodernist architects often considered the general requirements of the urban buildings and their surroundings during the building's design. For example, in Frank Gehry's Venice Beach House, the neighboring houses have a similar bright flat color. This vernacular sensitivity is often evident, but other times the designs respond to more high-style neighbors. James Stirling's Arthur M. Sackler Museum at Harvard University features a rounded corner and striped brick patterning that relate to the form and decoration of the polychromatic Victorian Memorial Hall across the street, although in neither case is the element imitative or historicist.
Following the postmodern riposte against modernism, various trends in architecture established, though not necessarily following principles of postmodernism. Concurrently, the recent movements of New Urbanism and New Classical Architecture promote a sustainable approach toward construction, that appreciates and develops smart growth, architectural tradition and classical design.[61][62] This in contrast to modernist and globally uniform architecture, as well as leaning against solitary housing estates and suburban sprawl.[63] Both trends started in the 1980s. The Driehaus Architecture Prize is an award that recognizes efforts in New Urbanism and New Classical Architecture, and is endowed with a prize money twice as high as that of the modernist Pritzker Prize.[64] Some postmodern architects, such as Robert A. M. Stern and Albert, Righter, & Tittman, have moved from postmodern design to new interpretations of traditional architecture.[58]
The Neo-Andean style takes a similar approach to ornamentation as broader postmodernism. First brought to attention in 1996, the style is notable for being designed and championed by indigenous Peruvians and Bolivians, and takes inspiration from ancient Inca and Andean designs.[65][66]
Some of the best-known and influential architects in the postmodern style are:
Together, the $200,000 Driehaus Prize and the $50,000 Reed Award represent the most significant recognition for classicism in the contemporary built environment
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![Schouwburgplein en Rotterdam, Países Bajos, de Adriaan Geuze (1996). Revitalización de una plaza que antes estaba vacía y dominada por el hormigón.[32]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/b4/Rotterdam_-_Schouwburgplein.jpg/1280px-Rotterdam_-_Schouwburgplein.jpg)
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![Catedral de la Santísima Trinidad y Centro Espiritual y Cultural Ortodoxo Ruso, París (2016) de Jean-Michel Wilmotte[33]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/9/95/Paris_Neue_Russisch-Orthodoxe_Kathedrale_2.jpg/1280px-Paris_Neue_Russisch-Orthodoxe_Kathedrale_2.jpg)
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!['Campamento' – Piazza d'Italia, Nueva Orleans, EE. UU., de Charles Moore (1978-1979)[43]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/21/PiazzaDItalia1990.jpg/1280px-PiazzaDItalia1990.jpg)
![Contradicción (en este caso, la mezcla entre columnas monumentales, almohadillados y otros elementos clásicos, y formas curvas con vidriado de alta tecnología y colores altamente saturados) – Neue Staatsgalerie, Stuttgart, Alemania, por James Stirling (1984)[44]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/bb/Stuttgart_-_Neue_Staatsgalerie_(35736927202).jpg/1280px-Stuttgart_-_Neue_Staatsgalerie_(35736927202).jpg)
![Rayas en fachadas – No 1 Poultry, Londres, por James Stirling (diseñado en 1988 pero construido en 1997)[45]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/21/No_1_Poultry_(1398376326)_(cropped).jpg/1280px-No_1_Poultry_(1398376326)_(cropped).jpg)
![Estructura compleja/ambigua – Museo Groninger, Groningen, Países Bajos, por Alessandro Mendini con Michele de Lucci, Philippe Starck y Coop Himmelb(l)au (1994)[47]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/64/20151009_Groninger_Museum.jpg/1280px-20151009_Groninger_Museum.jpg)
![Policromía y colores muy saturados – Sala principal de la Judge Business School, Universidad de Cambridge, Inglaterra, por John Outram (1995)[48]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/81/Cambridge_University_Judge_Business_School_interior.jpg/1280px-Cambridge_University_Judge_Business_School_interior.jpg)
![Ironía – Sede de The Longaberger Company, Newark, Ohio, EE. UU., por NBBJ (1997)[49]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/b2/Newark-ohio-longaberger-headquarters-front.jpg/1280px-Newark-ohio-longaberger-headquarters-front.jpg)
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