Alfred Stieglitz HonFRPS ( / ˈ s t iː ɡ l ɪ t s / ; 1 de enero de 1864 - 13 de julio de 1946) fue un fotógrafo y promotor de arte moderno estadounidense que fue fundamental durante su carrera de 50 años en hacer de la fotografía una forma de arte aceptada. Además de su fotografía, Stieglitz era conocido por las galerías de arte de Nueva York que dirigió a principios del siglo XX, donde presentó a muchos artistas europeos de vanguardia a los EE. UU. Estaba casado con la pintora Georgia O'Keeffe .
Stieglitz nació en Hoboken, Nueva Jersey , el primer hijo de los inmigrantes judíos alemanes Edward Stieglitz (1833-1909) y Hedwig Ann Werner (1845-1922). [1] Su padre era teniente del Ejército de la Unión y trabajaba como comerciante de lana. [2] Tuvo cinco hermanos, Flora (1865-1890), los gemelos Julius (1867-1937) y Leopold (1867-1956), Agnes (1869-1952) y Selma (1871-1957). Alfred Stieglitz, al ver la estrecha relación de los gemelos, deseó tener una alma gemela propia durante su infancia. [1]
Stieglitz asistió al Instituto Charlier, una escuela cristiana en Nueva York, en 1871. Al año siguiente, su familia comenzó a pasar los veranos en el lago George en las montañas Adirondack , una tradición que continuó hasta la edad adulta de Stieglitz. [3]
Para poder calificar para la admisión en el City College de Nueva York , Stieglitz se inscribió en una escuela pública para su tercer año de secundaria, pero encontró que la educación era inadecuada. En 1881, Edward Stieglitz vendió su empresa por US $ 400.000 y se mudó con su familia a Europa durante los siguientes años para que sus hijos recibieran una mejor educación. Alfred Stieglitz se inscribió en el Real Gymnasium en Karlsruhe . [3] Al año siguiente, Alfred Stieglitz estudió ingeniería mecánica en la Technische Hochschule de Berlín. Se inscribió en una clase de química impartida por Hermann Wilhelm Vogel , un científico e investigador, que trabajaba en los procesos químicos para revelar fotografías. En Vogel, Stieglitz encontró tanto el desafío académico que necesitaba como una salida para sus crecientes intereses artísticos y culturales. Recibía una asignación de $ 1,200 (equivalente a $ 37,887 en 2023) al año. [3] [4]
En 1884, sus padres regresaron a Estados Unidos, pero Stieglitz, que tenía 20 años, permaneció en Alemania y coleccionó libros sobre fotografía y fotógrafos en Europa y Estados Unidos. [5] Compró su primera cámara, una cámara de película de 8 × 10 pulgadas, y viajó por los Países Bajos, Italia y Alemania. Tomó fotografías de paisajes y trabajadores en el campo. La fotografía, escribió más tarde, "me fascinó, primero como un juguete, luego como una pasión, luego como una obsesión". [6]
A través de su estudio autodidacta, vio la fotografía como una forma de arte. En 1887, escribió su primer artículo, "Una palabra o dos sobre la fotografía amateur en Alemania", para la nueva revista Amateur Photographer . [7]
Ganó el primer lugar por su fotografía The Last Joke, Bellagio de Amateur Photographer en 1887. Al año siguiente ganó el primer y el segundo premio en el mismo concurso, y su reputación comenzó a extenderse, ya que varias revistas fotográficas alemanas y británicas publicaron su trabajo. [8]
En 1890, su hermana Flora murió al dar a luz y Stieglitz regresó a Nueva York. [3]
Stieglitz se consideraba un artista, pero se negaba a vender sus fotografías. Su padre le compró un pequeño negocio de fotografía para que pudiera ganarse la vida con su profesión elegida. Como exigía imágenes de alta calidad y pagaba salarios elevados a sus empleados, la empresa de grabado fotocromático rara vez obtenía beneficios. [8]
A finales de 1892, Stieglitz compró su primera cámara de mano, una cámara de película de placa Folmer and Schwing 4×5. [8] Stieglitz se ganó una reputación por su fotografía y sus artículos de revistas sobre cómo la fotografía es una forma de arte. En la primavera de 1893, se convirtió en coeditor de The American Amateur Photographer . Para evitar la apariencia de parcialidad en sus opiniones y debido a que Photochrome estaba imprimiendo los fotograbados para la revista, Stieglitz se negó a cobrar un salario. [1]
El 16 de noviembre de 1893, Stieglitz, de 29 años, se casó con Emmeline Obermeyer, de 20 años, hermana de su amigo íntimo y socio comercial Joe Obermeyer y nieta del cervecero Samuel Liebmann . Se casaron en la ciudad de Nueva York. Stieglitz escribió más tarde que no amaba a Emmy, como se la conocía comúnmente, cuando se casaron y que su matrimonio no se consumó hasta al menos un año después. [4] Hija de un rico propietario de una cervecería, había heredado dinero de su padre. [1] Stieglitz llegó a lamentar su decisión de casarse con Emmy, ya que ella no compartía sus intereses artísticos y culturales. El biógrafo de Stieglitz, Richard Whelan, resumió su relación diciendo que Stieglitz "estaba resentido con ella amargamente por no convertirse en su gemela". A lo largo de su vida, Stieglitz mantuvo el deseo de mujeres más jóvenes. [8]
Stieglitz fue elegido por unanimidad como uno de los dos primeros miembros estadounidenses de la sociedad fotográfica británica The Linked Ring . Stieglitz vio este reconocimiento como el impulso que necesitaba para intensificar su causa de promover la fotografía artística en los Estados Unidos. [4]
En mayo de 1896, las dos organizaciones se unieron para formar el Camera Club de Nueva York . Aunque se le ofreció la presidencia de la organización, se convirtió en vicepresidente. Desarrolló programas para el club y participó en todos los aspectos de la organización. Le dijo al periodista Theodore Dreiser que quería "hacer que el club fuera tan grande, sus labores tan distinguidas y su autoridad tan definitiva que [pueda] usar satisfactoriamente su gran prestigio para obligar al reconocimiento de los artistas individuales fuera y dentro de sus muros". [9]
Stieglitz convirtió el boletín actual del Camera Club en una revista, Camera Notes , y obtuvo el control total sobre la nueva publicación. Su primer número se publicó en julio de 1897. Pronto se la consideró la mejor revista fotográfica del mundo. [10] Durante los siguientes cuatro años, Stieglitz utilizó Camera Notes para defender su creencia en la fotografía como forma de arte al incluir artículos sobre arte y estética junto a impresiones de algunos de los principales fotógrafos estadounidenses y europeos. El crítico Sadakichi Hartmann escribió: "Me parecía que la fotografía artística, el Camera Club y Alfred Stieglitz eran solo tres nombres para una misma cosa". [11]
También continuó tomando sus propias fotografías. A finales de 1896, sacó a mano los fotograbados para un primer portafolio de su propio trabajo, Picturesque Bits of New York and Other Studies . [12] Continuó exponiendo en muestras en Europa y los EE. UU., y en 1898 se había ganado una sólida reputación como fotógrafo. Le pagaron $75 (equivalente a $2,747 en 2023) por su impresión favorita, Winter – Fifth Avenue . [5]
El 27 de septiembre de 1898 nació la hija de Stieglitz, Katherine "Kitty" . Con la herencia de Emmy, la pareja contrató a una institutriz, una cocinera y una camarera. Stieglitz trabajaba al mismo ritmo que antes del nacimiento de su hija y, como resultado, la pareja vivió predominantemente vidas separadas bajo el mismo techo. [4]
En mayo de 1899, Stieglitz participó en una exposición individual, compuesta por ochenta y siete grabados, en el Camera Club. La tensión de la preparación de esta muestra, sumada a los continuos esfuerzos por publicar Camera Notes , afectó la salud de Stieglitz. Para aliviar su carga, contrató a sus amigos Joseph Keiley y Dallet Fugeut, ninguno de los cuales era miembro del Camera Club, como editores asociados de Camera Notes . Molestos por esta intrusión de personas ajenas al club, por no mencionar su propia presencia cada vez menor en la publicación del club, muchos de los miembros más antiguos del club comenzaron a hacer campaña activamente contra la autoridad editorial de Stieglitz. Stieglitz pasó la mayor parte de 1900 buscando formas de burlar estos esfuerzos, enredándose en prolongadas batallas administrativas. [8]
Debido a la tensión constante que suponía gestionar el Camera Club, al año siguiente sufrió el primero de varios colapsos mentales. [8] Pasó gran parte del verano en la casa de la familia en Lake George, Oaklawn, recuperándose. Cuando regresó a Nueva York, anunció su dimisión como editor de Camera Notes . [1]
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La fotógrafa Eva Watson-Schütze le instó a organizar una exposición en la que Stieglitz fuera juzgado únicamente por fotógrafos [13] que, a diferencia de los pintores y otros artistas, conocían la fotografía y sus características técnicas. En diciembre de 1901, Charles DeKay , del National Arts Club, le invitó a organizar una exposición en la que Stieglitz tuviera "pleno poder para seguir sus propias inclinaciones". [14] En dos meses, Stieglitz había reunido una colección de grabados de un círculo cercano de sus amigos, a la que, en homenaje a los fotógrafos de Múnich, llamó Photo-Secession . Stieglitz no sólo estaba declarando una secesión de las restricciones artísticas generales de la época, sino específicamente de la supervisión oficial del Camera Club. [15]
Comenzó a formular un plan para publicar una revista completamente independiente de fotografía pictórica para llevar adelante los estándares artísticos del Photo-Secessionist. En julio, había renunciado por completo como editor de Camera Notes , y un mes después publicó un prospecto para una nueva revista que llamó Camera Work . Estaba decidido a que sería "la mejor y más suntuosa de las publicaciones fotográficas". [1] El primer número se imprimió cuatro meses después, en diciembre de 1902, y como todos los números posteriores, contenía fotograbados hechos a mano, escritos críticos sobre fotografía, estética y arte, y reseñas y comentarios sobre fotógrafos y exposiciones. Camera Work fue "la primera revista fotográfica con un enfoque visual". [16]
Stieglitz era un perfeccionista y eso se notaba en cada aspecto de Camera Work . Impulsó el arte de la impresión en fotograbado al exigir estándares de calidad sin precedentes para las copias de Camera Work . La calidad visual de los fotograbados era tan alta que cuando no llegó un conjunto de copias para una exposición de Photo-Secession en Bruselas, se colgó en su lugar una selección de fotograbados de la revista. La mayoría de los espectadores asumieron que estaban viendo las fotografías originales. [1]
A lo largo de 1903, Stieglitz publicó Camera Work y trabajó para exhibir su propio trabajo y el de los foto-secesionistas [8] mientras lidiaba con el estrés de su vida familiar. El fotógrafo estadounidense de origen luxemburgués , Edward Steichen , quien más tarde curaría la histórica exhibición The Family of Man , fue el fotógrafo que apareció con más frecuencia en la revista. Fuguet, Keiley y Strauss, los tres editores asociados de Stieglitz en Camera Notes , fueron llevados consigo a Camera Work . Más tarde, dijo que él solo envolvió y envió por correo unas 35.000 copias de Camera Work a lo largo de su publicación. [8]
El 25 de noviembre de 1905, las "Pequeñas Galerías de la Secesión Fotográfica " abrieron en el 291 de la Quinta Avenida con cien copias de treinta y nueve fotógrafos. Steichen había recomendado y alentado a Stieglitz, a su regreso de Europa, a alquilar tres habitaciones frente al apartamento de Steichen que la pareja consideró que serían perfectas para exponer fotografías. La galería se convirtió en un éxito instantáneo, con casi quince mil visitantes durante su primera temporada y, lo que es más importante, ventas de copias que totalizaron casi $2,800, [17] más de la mitad de esas ventas de la obra de Steichen. [1]
Stieglitz siguió centrando sus esfuerzos en la fotografía, a expensas de su familia. Emmy, que esperaba ganarse algún día el amor de Stieglitz, siguió dándole una asignación de su herencia. [8]
En el número de octubre de 1906 de Camera Work , su amigo Joseph Keiley dijo: "Hoy en Estados Unidos se ha logrado la verdadera batalla por la que se estableció la Photo-Secession: el reconocimiento serio de la fotografía como un medio adicional de expresión pictórica". [18]
Dos meses después, Stieglitz, de 42 años, conoció a la artista Pamela Colman Smith , de 28 años , que deseaba que sus dibujos y acuarelas se exhibieran en su galería. Decidió mostrar su trabajo porque pensó que sería "muy instructivo comparar dibujos y fotografías para juzgar las posibilidades y limitaciones de la fotografía". [17] Su muestra se inauguró en enero de 1907, con muchos más visitantes en la galería que cualquiera de las muestras de fotografía anteriores, y pronto se vendieron todas sus obras expuestas. Stieglitz, con la esperanza de capitalizar la popularidad de la muestra, tomó fotografías de su trabajo artístico y publicó una carpeta separada de sus impresiones en platino de su trabajo. [1]
A finales de la primavera de 1907, Stieglitz colaboró en una serie de experimentos fotográficos con su amigo Clarence H. White . Tomaron varias docenas de fotografías de dos modelos vestidas y desnudas e imprimieron una selección utilizando técnicas inusuales, que incluían virado, encerado y dibujo sobre impresiones de platino. Según Stieglitz, esto superó "la imposibilidad de la cámara de hacer ciertas cosas". [1]
Ganó menos de 400 dólares por año debido a la disminución de las suscripciones a Camera Work y al bajo margen de ganancias de la galería. [8]
Durante su camino a Europa, Stieglitz tomó lo que se reconoce no sólo como su imagen característica sino también como una de las fotografías más importantes del siglo XX. [19]
Stieglitz intercaló deliberadamente exposiciones de lo que sabía que sería arte controvertido, como los dibujos sexualmente explícitos de Rodin, con lo que Steichen llamó "arte comprensible" y con fotografías. La intención era "establecer un diálogo que permitiera a 291 visitantes ver, discutir y reflexionar sobre las diferencias y similitudes entre artistas de todos los rangos y tipos: entre pintores, dibujantes, escultores y fotógrafos; entre artistas europeos y estadounidenses; entre figuras más antiguas o establecidas y practicantes más jóvenes y nuevos". [20] Durante este mismo período, el National Arts Club montó una "Exposición especial de arte contemporáneo" que incluía fotografías de Stieglitz, Steichen, Käsebier y White junto con pinturas de Mary Cassatt , William Glackens , Robert Henri , James McNeill Whistler y otros. Se cree que esta fue la primera gran muestra en los EE. UU. en la que se les dio a los fotógrafos el mismo rango que a los pintores. [20]
Durante la mayor parte de 1908 y 1909, Stieglitz dedicó su tiempo a crear exposiciones en 291 y a publicar Camera Work . No hubo fotografías tomadas durante este período que aparezcan en el catálogo definitivo de su obra, Alfred Stieglitz: The Key Set . [20]
En 1910, el director de la Albright Art Gallery invitó a Stieglitz a organizar una importante exposición de lo mejor de la fotografía contemporánea. Aunque en Camera Work se publicó un anuncio de un concurso abierto para la exposición , el hecho de que Stieglitz fuera el encargado de la misma generó una nueva ronda de ataques contra él. Un editorial de la revista American Photography afirmaba que Stieglitz ya no podía "percibir el valor de una obra fotográfica de mérito artístico que no se ajuste a un estilo particular que es tan característico de todas las exposiciones bajo sus auspicios. Hace media generación, esta escuela [la Photo-Secession] era progresista y estaba muy adelantada a su tiempo. Hoy no está progresando, sino que es una fuerza reaccionaria del tipo más peligroso". [21]
Stieglitz le escribió a su colega fotógrafo George Seeley: "La reputación, no sólo de la Photo-Secession, sino de la fotografía está en juego, y tengo la intención de reunir todas las fuerzas disponibles para ganar por nosotros". [1]
A lo largo de 1911 y principios de 1912, Stieglitz organizó exposiciones de arte moderno innovadoras en 291 y promovió el arte nuevo junto con la fotografía en las páginas de Camera Work . En el verano de 1912, estaba tan fascinado con el arte no fotográfico que publicó un número de Camera Work (agosto de 1912) dedicado exclusivamente a Matisse y Picasso. [16]
A finales de 1912, los pintores Walter Pach , Arthur B. Davies y Walt Kuhn organizaron una muestra de arte moderno, y Stieglitz prestó algunas piezas de arte moderno de 291 para la muestra. También aceptó ser incluido como vicepresidente honorario de la exposición junto con Claude Monet , Odilon Redon , Mabel Dodge e Isabella Stewart Gardner . En febrero de 1913, se inauguró en Nueva York la histórica Armory Show , y pronto el arte moderno se convirtió en un importante tema de discusión en toda la ciudad. Vio la popularidad de la muestra como una reivindicación del trabajo que había estado patrocinando en 291 durante los últimos cinco años. [22] Montó una exposición de sus propias fotografías en 291 para que se realizara al mismo tiempo que la Armory Show. Más tarde escribió que permitir que la gente viera fotografías y pinturas modernas al mismo tiempo "ofrecía la mejor oportunidad para que los estudiantes y el público comprendieran mejor el lugar y el propósito de los dos medios". [23]
En enero de 1916, la sufragista Anita Pollitzer le mostró a Stieglitz una serie de dibujos al carboncillo de Georgia O'Keeffe . Stieglitz quedó tan fascinado por su arte que, sin conocer a O'Keeffe ni siquiera obtener su permiso para mostrar sus obras, hizo planes para exponer su trabajo en la galería 291. La primera vez que O'Keeffe se enteró de esto fue por otra amiga que vio sus dibujos en la galería a fines de mayo de ese año. Finalmente conoció a Stieglitz después de ir a la galería 291 y reprenderlo por mostrar su trabajo sin su permiso. [1]
Poco después, O'Keeffe conoció a Paul Strand y durante varios meses ambos intercambiaron cartas cada vez más románticas. Cuando Strand le contó a su amigo Stieglitz sobre su nuevo anhelo, Stieglitz respondió contándole a Strand sobre su propio encaprichamiento por O'Keeffe. Poco a poco, el interés de Strand disminuyó y el de Stieglitz se intensificó. En el verano de 1917, él y O'Keeffe se escribían mutuamente "sus pensamientos más privados y complicados". [24]
A principios de junio de 1918, O'Keeffe se mudó de Texas a Nueva York después de que Stieglitz le prometiera que le proporcionaría un estudio tranquilo donde pudiera pintar. En menos de un mes, tomó la primera de muchas fotografías de ella desnuda en el apartamento de su familia mientras su esposa Emmy estaba fuera, pero ella regresó mientras la sesión aún estaba en curso. Ella había sospechado que algo estaba pasando entre los dos durante un tiempo y le dijo que dejara de verla o se fuera. [8] Stieglitz se fue e inmediatamente encontró un lugar en la ciudad donde él y O'Keeffe pudieran vivir juntos. Durmieron separados durante más de dos semanas. A fines de julio estaban juntos en la misma cama y, a mediados de agosto, cuando visitaron Oaklawn, "eran como dos adolescentes enamorados. Varias veces al día subían corriendo las escaleras hacia su dormitorio, tan ansiosos por hacer el amor que comenzaban a quitarse la ropa mientras corrían". [1]
O'Keeffe era la musa que Stieglitz siempre había deseado. Fotografió a O'Keeffe obsesivamente entre 1918 y 1925, en lo que fue el período más prolífico de toda su vida. Durante este período produjo más de 350 copias montadas de O'Keeffe que retrataban una amplia gama de su carácter, estados de ánimo y belleza. Tomó muchos estudios en primer plano de partes de su cuerpo, especialmente sus manos, ya sea aisladas o cerca de su rostro o cabello. La biógrafa de O'Keeffe, Roxanna Robinson, afirma que su "personalidad fue crucial para estas fotografías; era esto, tanto como su cuerpo, lo que Stieglitz estaba registrando". [24]
En 1920, Mitchell Kennerly, de las Galerías Anderson de Nueva York, invitó a Stieglitz a montar una gran exposición de sus fotografías. A principios de 1921, montó la primera exposición individual de sus fotografías desde 1913. De las 146 fotografías que expuso, solo 17 se habían visto antes. Cuarenta y seis eran de O'Keeffe, incluidas muchas desnudas, pero no se la identificaba como modelo en ninguna de las fotografías. [1] Fue en el catálogo de esta exposición donde Stieglitz hizo su famosa declaración: "Nací en Hoboken. Soy estadounidense. La fotografía es mi pasión. La búsqueda de la verdad, mi obsesión". Lo que es menos conocido es que condicionó esta declaración con estas palabras:
NOTA: En la DECLARACIÓN anterior no aparecen los siguientes términos, que se están volviendo rápidamente "obsoletos": ARTE, CIENCIA, BELLEZA, RELIGIÓN, TODO ISMO, ABSTRACCIÓN, FORMA, PLASTICIDAD, OBJETIVIDAD, SUBJETIVIDAD, VIEJOS MAESTROS, ARTE MODERNO, PSICOANÁLISIS, ESTÉTICA, FOTOGRAFÍA PICTÓRICA, DEMOCRACIA, CÉZANNE, "291", PROHIBICIÓN. El término VERDAD se coló, pero cualquiera puede echarlo a patadas. [25]
En 1922, Stieglitz organizó una gran muestra de pinturas y grabados de John Marin en las Galerías Anderson, seguida de una enorme subasta de casi doscientas pinturas de más de cuarenta artistas estadounidenses, entre ellos O'Keeffe. Estimulado por esta actividad, comenzó una de sus empresas más creativas e inusuales: fotografiar una serie de estudios de nubes simplemente por su forma y belleza. Dijo:
Quería fotografiar las nubes para descubrir lo que había aprendido en cuarenta años sobre fotografía. A través de las nubes quería plasmar mi filosofía de vida, mostrar que (el éxito de) mis fotografías no se debía a los temas, ni a árboles o rostros especiales, ni a interiores, ni a privilegios especiales, las nubes estaban ahí para todos… [26]
La madre de Stieglitz, Hedwig, murió en noviembre de 1922 y, al igual que hizo con su padre, enterró su dolor en su trabajo. Pasó tiempo con Paul Strand y su esposa, la pintora Rebecca Salsbury , revisó el trabajo de otro recién llegado llamado Edward Weston y comenzó a organizar una nueva exposición de la obra de O'Keeffe. Su exposición se inauguró a principios de 1923 y Stieglitz pasó gran parte de la primavera promocionando su trabajo. Finalmente, veinte de sus pinturas se vendieron por más de 3.000 dólares. En verano, O'Keeffe se fue una vez más a la reclusión del suroeste y, durante un tiempo, Stieglitz estuvo solo con Salsbury en el lago George. Le tomó una serie de fotos desnuda y pronto se enamoró de ella. Tuvieron una breve aventura física antes de que O'Keeffe regresara en otoño. O'Keeffe podía decir lo que había sucedido, pero como no veía al nuevo amante de Stieglitz como una amenaza seria para su relación, dejó pasar las cosas. Seis años más tarde tendría su propio romance con Beck Strand en Nuevo México. [27]
En 1924, el divorcio de Stieglitz fue finalmente aprobado por un juez y, en cuatro meses, él y O'Keeffe se casaron en una pequeña ceremonia privada en la casa de Marin. Se fueron a casa sin recepción ni luna de miel. O'Keeffe dijo más tarde que se casaron para ayudar a aliviar los problemas de la hija de Stieglitz, Kitty, que en ese momento estaba siendo tratada en un sanatorio por depresión y alucinaciones. [24] Durante el resto de sus vidas juntos, su relación fue, como la caracterizó la biógrafa Benita Eisler , "una colusión... un sistema de acuerdos y compensaciones, acordados tácitamente y llevados a cabo, en su mayor parte, sin el intercambio de una palabra. O'Keeffe, que prefería la evasión a la confrontación en la mayoría de los temas, fue el principal agente de la colusión en su unión". [27]
En los años siguientes, O'Keeffe pasaría gran parte de su tiempo pintando en Nuevo México , mientras que Stieglitz rara vez salía de Nueva York, salvo durante los veranos en la finca familiar de su padre en Lake George , en los Adirondacks , su lugar de vacaciones favorito. O'Keeffe dijo más tarde que "Stieglitz era hipocondríaco y no podía estar a más de 50 millas de un médico". [28]
A finales de 1924, Stieglitz donó 27 fotografías al Museo de Bellas Artes de Boston . Fue la primera vez que un museo importante incluyó fotografías en su colección permanente. Ese mismo año, recibió la Medalla del Progreso de la Royal Photographic Society por el avance de la fotografía y recibió una beca honoraria de la Sociedad. [29]
En 1925, las Galerías Anderson invitaron a Stieglitz a organizar una de las mayores exposiciones de arte estadounidense, titulada Alfred Stieglitz Presents Seven Americans: 159 Paintings, Photographs, and Things, Recent and Never Before Publicly Shown by Arthur G. Dove, Marsden Hartley, John Marin, Charles Demuth, Paul Strand, Georgia O'Keeffe y Alfred Stieglitz. Durante las tres semanas que duró la exposición, solo se vendió un pequeño cuadro de O'Keeffe. [17]
O'Keeffe aceptó una oferta de Mabel Dodge para ir a Nuevo México durante el verano. Stieglitz aprovechó su tiempo fuera para empezar a fotografiar a Dorothy Norman y también comenzó a enseñarle los aspectos técnicos de la impresión. Cuando Norman tuvo un segundo hijo, estuvo ausente de la galería durante unos dos meses antes de regresar de forma regular. [8]
A principios de 1929, le dijeron a Stieglitz que el edificio que albergaba la Sala sería demolido más adelante ese mismo año. Después de una última exposición de la obra de Demuth en mayo, se retiró a Lake George para pasar el verano, exhausto y deprimido. Los Strands recaudaron casi dieciséis mil dólares para una nueva galería para Stieglitz, quien reaccionó con dureza, diciendo que era hora de que los "jóvenes" hicieran parte del trabajo que él había estado cargando durante tantos años. [17]
A finales de otoño, Stieglitz regresó a Nueva York. El 15 de diciembre, dos semanas antes de su sexagésimo quinto cumpleaños, abrió "An American Place", la galería más grande que había dirigido nunca. Tenía el primer cuarto oscuro que había tenido en la ciudad. Anteriormente, había tomado prestados otros cuartos oscuros o había trabajado sólo cuando estaba en Lake George. Continuó mostrando muestras grupales o individuales de sus amigos Marin, Demuth, Hartley, Dove y Strand durante los siguientes dieciséis años. O'Keeffe recibió al menos una exposición importante cada año. Controló ferozmente el acceso a sus obras y la promocionó incesantemente incluso cuando los críticos le dieron reseñas poco favorables. A menudo, durante esta época, sólo se veían durante el verano, cuando hacía demasiado calor en su casa de Nuevo México, pero se escribían casi semanalmente con el fervor de almas gemelas. [27]
En 1932, Stieglitz montó una retrospectiva de cuarenta años de 127 de sus obras en The Place. Incluyó todas sus fotografías más famosas, pero también eligió deliberadamente incluir fotos recientes de O'Keeffe, quien, debido a los años que había pasado bajo el sol del suroeste, parecía mayor de sus cuarenta y cinco años, en comparación con los retratos que Stieglitz hizo de su joven amante Norman. Fue una de las pocas veces que actuó con rencor hacia O'Keeffe en público, y podría haber sido como resultado de sus discusiones cada vez más intensas en privado sobre el control que él tenía sobre su arte. [27]
Más tarde, ese mismo año, montó una exposición de las obras de O'Keeffe junto a algunas pinturas amateurs sobre vidrio de Rebecca Salsbury. No publicó un catálogo de la exposición, lo que los Strand tomaron como un insulto. Paul Strand nunca perdonó a Stieglitz por eso. Dijo: "El día que entré en la Photo-Secession 291 [sic] en 1907 fue un gran momento en mi vida... pero el día que salí de An American Place en 1932 no fue menos bueno. Fue aire fresco y liberación personal de algo que se había vuelto, al menos para mí, de segunda categoría, corrupto y sin sentido". [27]
En 1936, Stieglitz volvió brevemente a sus raíces fotográficas al montar una de las primeras exposiciones de fotografías de Ansel Adams en la ciudad de Nueva York. La muestra tuvo éxito y David McAlpin compró ocho fotografías de Adams. [30] También organizó una de las primeras exposiciones de la obra de Eliot Porter dos años más tarde. Stieglitz, considerado el "padrino de la fotografía moderna", animó a Todd Webb a desarrollar su propio estilo y sumergirse en el medio. [31]
En el verano de 1946, Stieglitz sufrió un derrame cerebral fatal y entró en coma. O'Keeffe regresó a Nueva York y encontró a Dorothy Norman en su habitación del hospital. Ella se fue y O'Keeffe estuvo con él cuando murió. [27] Según sus deseos, un funeral sencillo al que asistieron veinte de sus amigos y familiares más cercanos. Stieglitz fue incinerado y, con su sobrina Elizabeth Davidson, O'Keeffe llevó sus cenizas al lago George y "lo puso donde pudiera escuchar el agua". [27] El día después del funeral, O'Keeffe tomó el control de An American Place. [1]
Stieglitz produjo más de 2.500 fotografías montadas a lo largo de su carrera. Después de su muerte, O'Keeffe reunió un conjunto de lo que ella consideraba las mejores fotografías de él que él mismo había montado. En algunos casos, incluyó versiones ligeramente diferentes de la misma imagen, y estas series son invaluables por sus ideas sobre la composición estética de Stieglitz. En 1949, donó la primera parte de lo que llamó el "conjunto clave" de 1.317 fotografías de Stieglitz a la Galería Nacional de Arte en Washington, DC. En 1980, agregó al conjunto otras 325 fotografías tomadas por Stieglitz de ella, incluidos muchos desnudos. Hoy en día, con 1.642 fotografías, es la colección más grande y completa de la obra de Stieglitz. En 2002, la Galería Nacional publicó un catálogo de dos volúmenes, de 1.012 páginas, que reproducía el conjunto clave completo junto con anotaciones detalladas sobre cada fotografía. [20]
En 2019, la National Gallery publicó una edición en línea actualizada del conjunto de claves de Alfred Stieglitz . [32]
Webb pronto desarrolló su propio estilo único de fotografía y fue alentado aún más por Alfred Stieglitz, el a menudo considerado "el padrino de la fotografía moderna", para sumergirse en el medio.
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