Amos Gitai es un artista y cineasta israelí , nacido el 11 de octubre de 1950 en Haifa , Israel .
La obra de Gitai se ha presentado en varias retrospectivas importantes en el Centro Pompidou de París, el Museo de Arte Moderno (MoMA) y el Lincoln Center de Nueva York, y el Instituto de Cine Británico de Londres. Hasta la fecha, Amos Gitai ha creado más de 90 obras de arte, que incluyen una amplia variedad de formatos, como largometrajes y cortometrajes, ficción y documentales, trabajos experimentales, producciones televisivas, instalaciones y obras de teatro.
Entre 1999 y 2017, diez de sus películas participaron en el Festival de Cannes por la Palma de Oro, así como en el Festival Internacional de Cine de Venecia por el León de Oro .
Ha trabajado con Juliette Binoche , Jeanne Moreau , Natalie Portman , Yael Abecassis , Samuel Fuller , Hanna Schygulla , Annie Lennox , Barbara Hendricks , Léa Seydoux , Valeria Bruni Tedeschi , Henri Alekan , Renato Berta , Nurith Aviv , Éric Gautier y más. Desde 2000 colabora con la guionista francesa Marie-José Sanselme.
Recibió varios premios prestigiosos, en particular el Leopardo de Honor en el Festival Internacional de Cine de Locarno (2008), el Premio Roberto Rossellini (2005), el Premio Robert Bresson (2013), el Premio Paradjanov (2014) y la Legión de Honor (2017). [1] En 2018, Amos Gitai fue elegido profesor de la cátedra de creación artística del Collège de France , con una serie de 12 lecciones sobre cine. [2] En 2019 recibió la Grande Ufficiale dell'Ordine della Stella Italia.
Su película Shikun (2024), protagonizada por Irène Jacob y Bahira Ablassi, fue selección oficial en el Festival Internacional de Cine de Berlín.
Gitai nació de Munio Weinraub , [3] un arquitecto formado en la escuela de arte alemana Bauhaus de antes de la guerra , y de Efratia Margalit, una intelectual, narradora y profesora. [4] [5] [6] [7] Se graduó de la Escuela Hebrea Reali en Haifa en 1968. Tiene una licenciatura en arquitectura del Technion en Haifa y un doctorado en arquitectura de la Universidad de California, Berkeley .
En 1973, durante la Guerra de Yom Kippur , Gitai tuvo que interrumpir sus estudios de arquitectura, ya que fue llamado al servicio de reserva como parte de un equipo de rescate de helicópteros. Gitai resultó herido cuando el helicóptero en el que viajaba fue alcanzado por un misil sirio. Durante sus misiones, utilizó una cámara Super 8 para documentar la guerra. Después de la guerra, se embarcó en una carrera como cineasta y realizó su primer documental en 1980, House. [8]
Gitai comenzó su carrera dirigiendo principalmente documentales. En 1980 dirigió su primer largometraje, House , que narra la historia de una casa en Jerusalén Oeste, abandonada durante la guerra de 1948 por su propietario palestino. En la película, Gitai sigue a los diferentes inquilinos de la casa a lo largo de los años, convirtiendo la casa en el foco del conflicto sociopolítico israelí. Abre un espacio cinematográfico democrático en torno a la misma casa donde se produce una división de perspectivas sobre la situación y su historia.
Gitaï quiere que esta casa sea a la vez un símbolo y algo muy concreto; quiere que se convierta en un personaje de una película. Consigue una de las cosas más hermosas que una cámara puede registrar "en directo", por así decirlo: personas que miran lo mismo pero ven cosas diferentes, y que se conmueven ante esa visión. En ese cascarón desmoronado de una casa, empiezan a tomar forma verdaderas alucinaciones. La idea central de la película es sencilla y la fuerza de esa idea es la misma que la de la película, ni más ni menos.
— Serge Daney, Liberación, 1.3.1982
La película fue rechazada y censurada por la televisión israelí, un hecho que marcó la conflictiva relación del cineasta con las autoridades de su país. Para que esta película pudiera seguir existiendo a pesar de la censura y continuar por el camino que acababa de iniciar, afirma en ese momento: "Decidí convertirme en cineasta". Esta relación pronto se vio alimentada por la polémica en torno a su película Diario de campo , realizada antes y durante la invasión del Líbano en 1982, y que le valió un largo exilio en Francia (1983-1993).
House fue la primera parte de una trilogía que incluía las películas A House in Jerusalem (1998) y News from Home / News from House (2005). Fue la primera de muchas otras trilogías, un concepto con el que Gitai trabajó constantemente durante su carrera, ofreciendo una visión compleja y en capas de la realidad geopolítica israelí.
A sus elementos biográficos (sus orígenes familiares, la generación a la que pertenece, sus estudios de arquitectura, la realización de la Casa y sus efectos) hay que añadir la experiencia de la Guerra del Yom Kippur, en la que estuvo a punto de morir a los 23 años, una experiencia que influirá en toda su obra futura. El propio acontecimiento traumático fue el foco de una serie de cortometrajes experimentales y documentales, antes de dirigir la película Yom Kippur en 2000, que consagró definitivamente su estatura tras su positiva acogida en el Festival de Cine de Cannes. La evocación de esta experiencia íntima y común, servida por un impresionante sentido plástico, es ejemplar del arte de Amos Gitai. La película marca también el inicio de la colaboración del director con la guionista Marie-José Sanselme, que se remonta a la actualidad.
Continúa con la creación de los tres Wadi ( Wadi 1981, Wadi Ten Years After 1991, Wadi Grand Canyon 2001) que, al igual que House , aborda un lugar específico y examina las complejas relaciones entre los habitantes de la antigua cantera de piedra: inmigrantes de Europa del Este, supervivientes de los campos y árabes que también han sido expulsados de sus hogares debido a las guerras en Israel. Gitai convierte el valle en un símbolo de una posible coexistencia. [9]
Su tercera trilogía trata de las prácticas político-militares israelíes ( Diario de campo , 1982; Dar una oportunidad a la paz , 1994; La arena del asesinato , 1996). Yann Lardeau escribió sobre Diario de campo:
"(...) Nunca entramos en la realidad de la guerra, sino que siempre nos quedamos al margen de la escena, en su tangente. La cámara se desliza constantemente sobre el sujeto sin penetrarlo nunca, atacándolo, como nuestro ojo en la superficie de la pantalla, reproduciendo en la película nuestra situación real de espectadores. (...) Diario de campo ofrece una imagen civil de la guerra, […] diferenciándose del resto de la producción audiovisual tanto por su contenido como por su modo de funcionamiento, por la solución que ofrece a un problema que pertenece tanto a la ética del cineasta como a la estética del cine"
— Yann Lardeau, Cahiers du cinéma, n° 344, febrero de 1983
Continúa con la realización de la trilogía sobre los procedimientos del capitalismo mundial ( Pineapple , 1984; Bangkok-Bahrain/Labour for Sale , 1984; Orange , 1998) y la trilogía sobre el resurgimiento de la extrema derecha europea ( In the Wupper Valley , 1993; In the Name of the Duce/Nápoles-Roma , 1994; Queen Mary '87 , 1995). Pero también trilogías de ficción, trilogías del exilio ( Ester , 1985; Berlín-Jerusalén , 1989; Golem, el espíritu del exilio , 1991), trilogías de ciudades ( Devarim , 1995; Yom Yom , 1998; Kadosh , 1999), trilogía de acontecimientos históricos decisivos para Israel ( Yom Kippur , 2000; Edén , 2001; Kedma , 2002 y trilogía de fronteras ( Tierra Prometida , 2004; Zona Libre , 2005; Desconexión , 2007).
A continuación dedica un díptico a sus padres, con la primera película Carmel (2009), que es una reflexión íntima sobre la correspondencia de su madre Efratia (Gallimard, 2010). La segunda película Lullaby to My Father (2012) traza el viaje de su padre Munio Gitai Weinraub desde
su infancia en Silesia, sus estudios en la Bauhaus con Mies van der Rohe y Hannes Meyer en la época del ascenso al poder y la conquista del poder por los nazis.
Es como un rompecabezas, y más aún como un caleidoscopio, las voces se mezclan, los rostros, Jeanne Moreau, Hanna Schygulla, fotos dañadas, recuerdos, vestigios, la búsqueda es toda personal, es precisamente así como se vuelve universal, asociando la relación con la propia tierra y su historia (el viaje de la familia Gitai es inseparable de la fundación del Estado de Israel), el arraigo y la vagancia, la atracción y la repulsión.
— Pascal Mérigeau, CinéObs, 17 de enero de 2013
Gitai lleva a cabo una incansable investigación sobre los medios estéticos, que se ancla en los usos experimentales de la cámara desde la adolescencia, y pasa por la estilización asertiva de la ficción temprana bajo la supuesta influencia de Bertolt Brecht y el expresionismo, así como por la búsqueda de dispositivos de filmación adaptados a proyectos particulares. Una de las figuras estilísticas que Amos Gitai emplea con más gusto es el plano secuencia, la larga duración de la grabación utilizada para múltiples propósitos nunca limitados a la seducción visual, sino siempre en busca de efectos significativos. Artista comprometido, Gitai es también el inventor de estructuras dramáticas inesperadas, como la duplicación asimétrica de Berlín-Jerusalén , los bloques espaciales de Alila o los bloques temporales de Un día entenderás (2008), la fluidez desestabilizadora de La Tierra Prometida , las superposiciones críticas de La Arena del Asesinato y Zona Libre , hasta la narrativa abruptamente partida en dos de Disengagement (2007) o el plano secuencia único de 81 minutos de Ana Arabia (2013), que retrata un momento en la vida de una pequeña comunidad de forasteros judíos y árabes en las afueras de Jaffa.
Rodada el 6 de marzo, entre las 16 y las 17.30 horas, Ana Arabia, el 21º largometraje de ficción de Amos Gitai, es mucho más concisa que las demás películas... El primer día de rodaje estaba previsto para el domingo 3 de marzo. Pero lo que se rodó ese día no era en absoluto la película que Gitaï presentó finalmente en Venecia. Entre el domingo por la tarde y el miércoles, el personaje principal desapareció: la actriz que interpretaba al personaje abandonó el plató y el guión fue profundamente reelaborado. Es la culminación de una sucesión de metamorfosis que dieron forma a la película, una ilustración del método Gitai. [...] Al descubrir la película terminada, realizada a partir de los restos de la que casi sucedió un domingo y de los esfuerzos de todo un equipo durante los tres días siguientes, una frase del director volvió a mí. Hablaba de la situación en Oriente Medio: "No tenemos otra opción, debemos seguir siendo optimistas a pesar de lo que sabemos. Debemos inyectar esperanza en la realidad". Un buen resumen del plan de rodaje de esta toma única.
— Thomas Sotinel, Le Monde, 19 de septiembre de 2013
En 2015, su película El último día de Yitzhak Rabin se presentó en competición en la Mostra de Venecia y luego en el Festival Internacional de Cine de Toronto . Veinte años después del asesinato del primer ministro israelí a manos de un estudiante religioso de derechas el 4 de noviembre de 1995 en Tel Aviv, Gitai recuerda este suceso traumático. Ubicando el asesinato en su contexto político y social, El último día de Yitzhak Rabin mezcla reconstrucciones ficticias y material de archivo en este thriller político que también trata sobre la creciente crisis de la sociedad israelí contemporánea.
"Mi querido país, al que amo mucho, no está muy bien. Le falta, sobre todo, una figura política que tenga el coraje, diría incluso el optimismo, a pesar de todo lo que está pasando en Oriente Medio, de avanzar, de tender la mano, de crear un diálogo en este mundo imposible. Esta ausencia de una figura visionaria es dramática. En este contexto, ¿qué puedo hacer? No soy un político. Me formé como arquitecto y soy cineasta. Entonces recordé lo que una vez me dijo Jeanne Moreau: "Cada nuevo proyecto es para mí una oportunidad de aprender ciertas cosas que aún no sé". Así que decidí hacer esta película. Era una oportunidad de plantearle una pregunta a la sociedad israelí".
— Amos Gitai, Le Monde, 9 de septiembre de 2015
En 2016, Gitai continuó el trabajo que había iniciado con su película El último día de Yitzhak Rabin en una instalación presentada primero en el Museo Maxxi de Roma, bajo el título Crónica de un asesinato anunciado, luego en el Museo BOZAR de Bruselas y en la Fundación Lambert de Avignon (primavera/verano 2016). Cerámicas, fotografías, instalaciones de vídeo y documentos de archivo ocupan el espacio para ofrecer una nueva lectura de los acontecimientos que condujeron al asesinato de Yitzhak Rabin.
Esta última exposición se hace eco de una representación teatral realizada en la Cour d'Honneur del Palais des Papes el 10 de julio de 2016 con motivo del Festival de Avignon . A partir de los recuerdos de Leah Rabin, la esposa de Yitzhak Rabin, Amos Gitai imagina una "canción" con cuatro protagonistas femeninas, dos actrices, Hiam Abbass y Sarah Adler , y dos músicos, Edna Stern (piano) y Sonia Wieder-Atherton (violonchelo), cuatro voces asociadas en modo recitativo, entre lamento y nana, que retroceden en el tiempo.
En 2016, la galería Enrico Navarra y la editorial Sébastien Moreu publicaron un libro de 540 páginas dedicado a Amos Gitai. El libro incluye más de 250 reproducciones de películas, localizaciones y rodajes, así como archivos familiares, creaciones de Amos Gitai y entrevistas con Hans-Ulrich Obrist, Arthur Miller, Hou Hanru, Guy Amsellem, Annette Michelson, Richard Ingersoll, Élisabeth Lebovici y Stephan Levine.
35 años después de Diario de campo (1982), Gitai vuelve a Cisjordania con Al oeste del río Jordán (2017), que describe la relación entre israelíes y palestinos en la actualidad. Homenaje a aquellos, "civiles o militares, conocidos o anónimos, que en Israel no han renunciado a la reconciliación con los palestinos", la película se presenta en la Quincena de Realizadores13 del Festival de Cannes.
2018 es un año de intensa actividad para el director, invitado por la Mostra de Venecia para presentar dos películas en la competición del Festival de Cine de Venecia. Un tranvía en Jerusalén (2019) es una comedia temática que observa con humor momentos de la vida cotidiana en el tranvía de Jerusalén. La película está protagonizada por 36 actores israelíes: Yaël Abecassis , Hanna Laszlo , la cantante Noa Achinoam Nini, los palestinos y europeos Mathieu Amalric y Pippo Delbono. En esta línea de tranvía que conecta varios barrios de Jerusalén, de este a oeste, registrando su variedad y diferencias, esta comedia mira con humor momentos de la vida cotidiana de algunos pasajeros, breves encuentros que revelan todo un mosaico de seres humanos. Son estos fragmentos de historias y recuerdos los que conforman la realidad contemporánea de Israel.
La película está precedida por Carta a un amigo en Gaza (2018, 34 min, en hebreo y árabe), de Amos Gitai, que responde a la crisis actual entre Israel y Gaza. Palestinos taoístas y dos israelíes leen textos inspirados en Mahmoud Darwish , Yizhar Smilansky , Emile Habibi y Amira Hass , como homenaje a una famosa carta escrita por Albert Camus en 1943, que da título a la película.
La obra del cineasta Amos Gitai cuenta con cerca de 90 títulos, realizados a lo largo de aproximadamente 40 años. A ellos hay que añadir instalaciones de vídeo, producciones teatrales y libros. Su obra es, en efecto, variada, pero esta diversidad es extremadamente coherente. A lo largo de los años, de los viajes, de las luchas, del exilio, de los encuentros, Amos Gitaï articula y re-articular obras que, en su resplandor, no dejan de responderse y de hacerse eco unas a otras. Actualmente, es uno de los cineastas más respetados de la escena internacional y sigue explorando nuevas vías narrativas y estilísticas, siempre en relación con la realidad contemporánea, incluso cuando la narración se desvía hacia el pasado histórico o mitológico.
Gitai creó varias adaptaciones de novelas. Devarim es una adaptación de Past Continuous de Yaakov Shabtai . Un día lo entenderás ("Plus tard tu comprendras", 2008) está basada en un libro autobiográfico de Jérôme Clément, presidente del canal de televisión Arte y una de las figuras más importantes de la cultura francesa, y cuenta la historia de un escritor francés que rastrea la historia de su madre judía ( Jeanne Moreau ) y su familia durante la Segunda Guerra Mundial. [10] [ referencia circular ] [11] Roses à crédit (2010) es una adaptación de la novela de Elsa Triolet y analiza el mundo materialista de posguerra de la clase media baja francesa. [12] La película se rodó íntegramente en Francia.
En 2014 dirige la película Tsili , inspirada en la novela de Aharon Appelfeld , y cuenta la historia del deambular de su heroína sumergida en la pesadilla de la Segunda Guerra Mundial. Tsili, una joven judía, reúne todas las fuerzas de la intuición y la vitalidad para sobrevivir en este universo desesperado. Protagonizada por Sarah Adler , Meshi Olinski y Lea Koenig . Adaptada de una novela de Aharon Appelfeld, vuelve a la Segunda Guerra Mundial y al Holocausto:
"Aharon Appelfeld es un autor que respeto infinitamente, en primer lugar porque no instrumentaliza la Shoah. No utiliza cosas ajenas a su experiencia, hay un minimalismo en su escritura que encuentro esencial, profundamente preciso y conmovedor. Adaptar este texto para mí me permitió crear cierta distancia, no ser ilustrativo. Quería hacer una película de ternura en medio de este infierno. Ese es el contraste que me interesaba. Appelfeld teje sus historias con pequeños detalles. Es una ficción, pero se basa en parte en su experiencia autobiográfica: su personaje, Tsili, reacciona a los sonidos amenazantes o al canto de los pájaros, huele, contempla el paisaje... Es toda esta yuxtaposición de detalles delicados lo que nos hace sentir el entorno claustrofóbico en el que vive. El bosque en el que se ha refugiado la protege de la crueldad y la aprisiona al mismo tiempo. Con Tsili, cierro un ciclo de cuatro películas muy intimistas: Carmel, basada en la correspondencia de mi madre; Canción de cuna para mi padre, dedicada a mi padre, arquitecto de la Bauhaus expulsado de Europa por los nazis; Ana Arabia, que evoca una comunidad de judíos y árabes en Jaffa. Después de Kadosh y Yom Kippur, necesitaba avanzar hacia un lenguaje cinematográfico más radical, para huir de las convenciones del cine."
— Amos Gitaï (comentarios recogidos por Alexandra Schwarzbrod), Libération, 12 de agosto de 2015
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Las instalaciones cinematográficas, las exposiciones y las publicaciones de libros son parte integral de la obra de Gitai. Ha expuesto y publicado en instituciones líderes en Israel y en todo el mundo, como el Museo de Israel en Jerusalén, el Museo de Tel Aviv , el Centro Pompidou en París, el MoMa en Nueva York, el Museo Reina Sofía en Madrid y más. Muchas de sus exposiciones estuvieron dedicadas a sus padres Munio y Efratia, como la retrospectiva de 1996 iniciada en el Centro Pompidou , que trata sobre la obra de su padre (la única retrospectiva dedicada a un arquitecto israelí en el Museo de París) o la publicación de las cartas de su madre: las cartas de Efratia Gitai en 1994.
En 2011, presenta la exposición Traces en el Palacio de Tokio en París, el Museo Bauhaus en Dessau, Alemania y el Museo de Arte del Kibbutz Ein Harod en Israel. En Traces , Gitai crea un paseo audiovisual de gran intimidad a través de imágenes extraídas de catorce de sus películas. Imágenes y sonidos, uno al lado del otro, de muros destruidos en la Segunda Guerra Mundial, en ellos bienes robados de los judíos que vivían allí, o de una multitud que grita "Mussolini" durante la campaña electoral de la nieta de Mussolini en un video grabado en Auschwitz. Desde la realidad violenta de Medio Oriente hasta el suave vals de una pareja de veteranos la noche de su arresto. El viaje que Gitai ofrece es desafiante y tembloroso, evocando la violencia de su historia y sus ecos, y creando una reflexión personal sobre la xenofobia que puede cambiar los destinos. Al hacerlo, Gitai construye las condiciones sensibles para compartir la memoria de los lugares y los eventos.
Ese mismo año, Gitai inauguró el Museo de Arquitectura Munio Gitai Weinrov en las antiguas oficinas de su padre en Haifa.
Tras dirigir su película Rabin, The Last Day en 2015, Gitai continúa investigando el asesinato de Rabin con la presentación de la exposición Yitzhak Rabin: Chronicle of an Assassination , que se presenta en el Museo MAXXI de Roma (Italia), en el Museo BOZAR de Bruselas (Bélgica) y en la Fundación Lambert de Avignon (Francia). A través del trabajo con cerámicas, fotografías e instalaciones de vídeo, Gitai permite una nueva lectura de los acontecimientos que condujeron al asesinato.
También presenta la exposición Before and After , que incluye dos películas experimentales que filmó con su cámara Super 8 durante la Guerra del Yom Kippur de 1973. La película Before and After y Black and White se exhiben junto con fotografías fijas. En Before and after , Gitai regresa a su lesión traumática durante un accidente de helicóptero del que logró escapar. La cámara Super 8 muestra la chaqueta militar que llevaba en el momento del accidente. Se convierte en la figura central de la película. Junto a la serie de fotografías presentadas, Gitai continúa su trabajo de decodificación post mortem del momento en que la experiencia se convierte en un recuerdo personal. Es un proceso en el que el sujeto desaparece; lo que aparece en su lugar es una compresión extrema de material grueso y granulado, que se traduce en el estigma de la época y hace aparecer una sensación pintoresca. ¿Qué situaciones artísticas pueden dar una descripción adecuada de ese evento, de ese trauma? ¿Qué huellas permanecen en la memoria -unas semanas después, o cuarenta años después? El viaje del artista se alimenta mutua y simultáneamente tanto del cine como de la fotografía fija.
En julio de 2016, la Galerie Enrico Navarra y Sébastien Moreu publicaron un libro de 540 páginas sobre Amos Gitai. El libro incluye más de 250 reproducciones de películas e investigaciones, pero también archivos familiares y creaciones de Amos Gitai y 7 conversaciones entre Gitai y: Hans-Ulrich Obrist , Guy Amsellem, Arthur Miller , Hou Hanru , Annette Michelson , Richard Ingersoll, Elisabeth Lebovici y Stephan Levine), dos poemas (Monte Carmelo y Canción de cuna a mi padre) y un ensayo poético sobre el Golem. [13] [ referencia circular ]
Para conmemorar el 50 aniversario de la Guerra de Yom Kippur, Amos Gitai presenta una exposición multimedia titulada Kippur, War Requiem en el Museo de Arte de Tel Aviv (septiembre de 2023-febrero de 2024). [14]
En la obra de Gitai también se pueden encontrar obras escénicas. Al igual que su interés cinematográfico, también en sus piezas teatrales Gitai se centra en la tensión entre lo personal y lo histórico, entre lo local y lo universal. Muchas de sus obras se han presentado en instituciones de primera línea de todo el mundo, como el Festival de Avignon en Francia, la Filarmónica de París y el Lincoln Center de Nueva York. Entre sus obras, Metamorfosis de una melodía que inauguró la Bienal de Venecia en 1993 y La guerra de los hijos de la luz contra los hijos de las tinieblas con Jeanne Moreau que se presentó en el Festival de Avignon en 2009 y en el Teatro Odeon de París en 2010.
Ese mismo año creó la pieza Efratia Gitai: Cartas , que se estrenó en el Teatro Odeón de París en 2010. Similar a La guerra de los hijos de la luz contra los hijos de las tinieblas , Gitai trabajó con Jeanne Moreau, quien leía las cartas de su madre.
"Ephratia Monchik-Margalit nació en Haifa en 1909 y murió en 2003 a la edad de 93 años. Su correspondencia revela, desde las primeras cartas de 1928, en las que se dirigía a su padre y hermanas, su espíritu independiente, su curiosidad por el mundo y por la vida política, hasta las cartas de los años 90, poco antes de su muerte. Intelectual y viajera, Ephratia nos cautiva por su gusto por la vida y la energía que aporta a las diferentes experiencias que en ella se dan. (...) Su visión política e histórica, su placer por la vida, su amor por los paisajes, el Monte Carmelo donde vive con su marido Munio, pero también el de las frías calles de Londres, o un lago en Finlandia... estas experiencias como mujer, la sabiduría y su fuerte deseo de aprender y comprender el mundo nos pasan a través de estas cartas."
— Blendin Mason, Cultura de Francia
Otra pieza es Yitzhak Rabin: Chronicle of an Assassination , creada a raíz de la película Rabin, The Last Day (2015) y estrenada en el Festival de Aviñón de 2016. En esta obra, Gitai se basa en los recuerdos de Leah Rabin, la esposa del primer ministro, y produce como una parábola liberada de todo formalismo. Cuatro heroínas femeninas, cuatro voces que recitan el texto que se convierte en un texto entre el lamento y la nana, recrean el curso inédito de la historia y la violencia en la que las fuerzas nacionalistas se opusieron al proyecto de paz liderado por Yitzhak Rabin, por deserción e incitación. Cuatro voces tomadas, como si estuvieran "en una cámara de eco", entre imágenes documentales y extractos de la literatura clásica: el mismo recuerdo vívido que siempre acompañó al cineasta y director en su comprensión del Estado y la sociedad israelíes.
En 2019, la versión teatral de Una carta a un amigo en Gaza se estrenó en el Festival de Spoleto en los Estados Unidos. La pieza es de un multimedia cautivador, exigente, desafiante y lírico. En un momento en el que el arte y el entretenimiento a menudo son sinónimos, la obra restaura la confianza en la capacidad del teatro para plantear difíciles preguntas políticas y culturales. El público no puede permanecer pasivo y asume la difícil tarea de comprender la experiencia teatral frente a sus pensamientos, percepciones y opiniones sobre el conflicto israelí-palestino. En lugar de proponer teoría o solución, la obra sirve como un poderoso detonante para la muy necesaria imaginación política. Una carta a un amigo en Gaza fue originalmente una película de 34 minutos proyectada en 2018 en el Festival de Venecia. Fue Nigel Redon, el director del Festival de Spoleto, quien sugirió a Gitai trabajar en una versión teatral para el festival. Su obra cinematográfica y teatral comparte textos y actores, pero, paradójicamente, la estructura y la sensación de la película parecen más teatrales, mientras que el horizonte abierto y la composición estratificada de la versión teatral de media hora dan la impresión de cine.
En la primavera de 2023, Amos Gitai creó una adaptación teatral de su trilogía documental House en el Théâtre de la Colline de París . En el escenario, la historia de la Casa se convierte en una metáfora y en el lugar de un diálogo artístico entre actores y músicos de todo Oriente Medio, con diferentes idiomas, orígenes y tradiciones musicales, unidos en un intento de contar juntos la memoria del pasado y la posibilidad de reconciliación. "Un mosaico de narrativas individuales, todas ellas relacionadas con la idea del hogar, perdido o encontrado". [15] El reparto incluye a Irène Jacob , Micha Lescot, Menashe Noy, Bahira Ablassi, Kioomars Musayyebi y Alexey Kochetkov, con contribuciones musicales del director del coro Richard Wilberforce, la soprano Dima Bawab y la iluminación de Jean Kalman.
Amos Gitai enseña y asiste a menudo a conferencias en todo el mundo. En 2017, fue profesor invitado en la Universidad de California, Berkeley , donde estudió en su juventud. Sus conferencias se centraron en su trabajo documental y de ficción. A través de la proyección de varias películas, el público pudo sumergirse en los problemas políticos y sociales de Israel. Como arquitecto experto, Gitai tiene una forma única de entender y representar una experiencia humana a través del tiempo y el espacio, y a través de las películas House , City y Border , Gitai logró presentar una narrativa compleja y una imagen de Israel en el contexto de un discurso global más amplio. [16]
En 2018, tras ser elegido catedrático de Creación Artística en el Collége de France de París, Gitai fue invitado a impartir una serie de 12 lecciones y conferencias sobre su obra cinematográfica desde una perspectiva ética, política y artística, llamada 'Cruzando las fronteras'. Sus lecciones fueron: El documental como metáfora; "No politizo mis películas, ellas me han politizado a mí"; Representar la guerra; Espacio y estructura, cine y arquitectura; Cine e historia; ¿Es el cine más autoritario que la literatura?; Mitologías colectivas y memorias; Crónica de un asesinato. [17]
En 2019, fue profesor invitado en la Universidad de Columbia en Nueva York.
En 2022, Gitai participó en la encuesta cinematográfica Sight & Sound de ese año. Se lleva a cabo cada diez años para seleccionar las mejores películas de todos los tiempos, pidiendo a directores contemporáneos que seleccionen diez películas de su elección. [18]
Las selecciones de Gitai fueron:
Collège de France, Cátedra de Creación Artística 2018-2019: Cruzar fronteras , nueve conferencias seguidas de un coloquio: El proceso de creación: contradicciones, ética, (re)interpretaciones.
