Love, Loss, and What I Wore es una obra escrita por Nora y Delia Ephron basada en el libro de 1995 del mismo nombre de Ilene Beckerman . Está organizada como una serie de monólogos y utiliza un elenco rotativo de cinco mujeres principales. El tema de los monólogos incluye las relaciones y los guardarropas de las mujeres y, a veces, la interacción de ambos, utilizando el guardarropa femenino como una cápsula del tiempo de la vida de una mujer.
El espectáculo se presentó inicialmente como parte de la serie de verano de 2008 en el Guild Hall de East Hampton, Nueva York , y luego como una serie benéfica en el DR2 Theatre de Nueva York a principios de 2009. Más tarde, ese mismo año, el espectáculo se produjo Off-Broadway como una producción teatral comercial en curso en el Westside Theatre de Nueva York, donde se convirtió en el segundo espectáculo de mayor duración en la historia del teatro. La producción y su elenco recibieron atención crítica positiva. La producción ganó el Premio Drama Desk 2010 a la Experiencia Teatral Única , así como el Premio del Público Broadway.com 2010 a la Obra Nueva Favorita Off-Broadway.
El espectáculo se ha producido en seis continentes y más de ocho países. Comenzó una gira nacional en Estados Unidos en septiembre de 2011 en Chicago. Tuvo una segunda presentación en París en enero de 2012.
Nora Ephron fue una escritora, directora y productora conocida por escribir guiones de películas de comedia romántica . Recibió tres nominaciones al Oscar al mejor guion original por Silkwood (1983), Cuando Harry conoció a Sally... (1989) y Sintonía de amor (1993). [1]
Escribió cinco libros superventas [1] y la obra de teatro Imaginary Friends (Amigos imaginarios) de 2002 , que ficcionalizaba la relación antagónica entre Lillian Hellman y Mary McCarthy . Ephron a veces coescribió guiones con su hermana, la escritora y productora Delia Ephron , entre ellos Tienes un e-mail (1998), Hanging Up (2000) y Bewitched (2005). [2] [3]
Nora Ephron escribió la introducción del libro homónimo de Beckerman de 1995, que inmediatamente pensó que tenía posibilidades dramáticas. [4] Se identificó con las historias de Love, Loss, and What I Wore porque el libro "no trata sobre moda; trata sobre lo que la ropa realmente es para nosotros, esos momentos en los que constantemente estamos tratando de encontrar nuestra identidad a través de ella". [4] Poco después de su publicación, Ephron le dio el libro a ocho de sus amigas para Navidad. Se interesó en escribir su propia versión del libro. [4] Una vez que decidió adaptar Love, Loss, and What I Wore para una obra de teatro, ella y su hermana enviaron un correo electrónico a 100 mujeres para pedirles historias. [4]
Los monólogos del programa se basaron en gran medida en el libro de Beckerman. [5] Los Ephron tejieron una colección de historias adaptadas del libro con recuerdos de amigos, incluida Rosie O'Donnell . [6] [7] Uno de los monólogos que se convirtió en un punto destacado de la producción original se basó en el best-seller de 2006 de Nora Ephron , I Feel Bad About My Neck . [8]
Un personaje llamado "Gingy" actúa como narradora. [7] El programa comienza con ella dibujando varias partes de su vestuario que despiertan los recuerdos más conmovedores. [6] Ella teje la historia de su vida entre los otros cuentos, describiendo sus tres matrimonios, "la maternidad y la muerte de un hijo, cada punto de inflexión marcado por una prenda de vestir en particular". [8] Su vida está representada comenzando con experiencias en un uniforme de Brownies y extendiéndose a lo largo de toda su vida. [9] Otro personaje sirve como la zorra, otro interpreta a un miembro vulnerable de una pandilla de Chicago, un tercero retrata a un valiente paciente de cáncer y el último sirve como una mujer madura atravesada por recuerdos vívidos. [6] Un personaje llamado Heather elige zapatos "de estilo" conservador en lugar de tacones altos en su juventud, pero en una etapa posterior de la vida muestra una preferencia por los tacones altos. [9] A un miembro de una pandilla le gustan las insignias que son prominentes en los suéteres y su creador. [9]
Entre las 28 historias, otros relatos notables giran en torno a la influencia de Madonna ("cualquier mujer estadounidense menor de 40 años que diga que nunca se ha vestido como Madonna está mintiendo o es Amish "), la ansiedad en el probador ("Soy un 8. Siempre he sido un 8") y el gusto de las madres por la ropa ("No entiendo, podrías lucir tan bien si lo intentaras"). [7] [9] Tres de los personajes a veces funcionan como un trío y todos los personajes tienen monólogos. [10]
El diario Los Angeles Times dedicó un párrafo entero a una viñeta sobre dos vestidos de fiesta de instituto . El vestido de fiesta de la primera infancia era un vestido azul pálido conservador para llevar con una cita nerd. El vestido de fiesta de último curso era un minivestido negro sexy que iba bien con su cita más deseable. Los vestidos plantearon una crisis de identidad a un personaje: "La cuestión es la siguiente: nunca he sabido con certeza cuál de esas dos personas soy: la chica a la que casi nunca invitan al baile de graduación o la chica que consigue salir con el chico realmente guapo. Cada vez que pensaba que sabía cuál era, resultaba ser la otra. Esa es una de las razones por las que creo que me casé, para, por así decirlo, acabar con la confusión". [7]
El New York Times presentó tres historias que le parecieron particularmente emotivas: la primera sobre una mujer que se quitó las minifaldas de su vestuario universitario después de ser violada, pero siguió usando sus botas favoritas; otra sobre las ansiedades por el atuendo de la boda; y la tercera sobre la elección de adornar un pecho recién reconstruido con un tatuaje. [8] El mismo artículo también destacó una oda humorística al negro como parte de un vestuario o, de hecho, como un vestuario, como señala un personaje: "A veces compro algo que no es negro, me lo pongo y lo siento mucho". [8]
Otras historias incluyen recuerdos sobre el vestido comprado para la cita con un chico que luego se casó con otra; las debilidades de los sujetadores de spandex que dan como resultado un look conocido como monoboob; problemas relacionados con el escote de los dedos del pie; el chándal Juicy Couture que es un elemento básico destacado de los guardarropas de California; la elección de vestuario en el día equivocado del mes; y la historia sobre un amante encarcelado y el agujero estratégico en un determinado par de pantalones. [7]
Love, Loss, and What I Wore se presentó por primera vez el 2 de agosto de 2008 en Bridgehampton Community House como un beneficio para la renovación del John Drew Theatre/Guild Hall en East Hampton, Nueva York. [11] [12] La producción, dirigida por Karen Lynn Carpenter, estuvo protagonizada por Linda Lavin , Karyn Quackenbush, Leslie Kritzer , Kathy Najimy y Sara Chase . Luego, Daryl Roth produjo la obra en una serie de funciones benéficas los lunes por la noche para 'Dress for Success', una organización benéfica que ayuda a mujeres de bajos ingresos permitiéndoles comprar ropa de trabajo y brindándoles apoyo laboral, [5] nuevamente bajo la dirección de Karen Lynn Carpenter. [13] [14] El conjunto de siete lecturas de los lunes por la noche se presentó del 2 de febrero al 9 de marzo de 2009 en el Off-off-Broadway DR2 Theatre. [15] Las primeras siete funciones tuvieron siete elencos diferentes. [16] El primer elenco en el Teatro DR2 fue Marian Seldes , Joy Behar , Katie Finneran , Heather Burns y Lucy DeVito . [17] [18] [19] Otros participantes en las lecturas originales incluyeron a Tyne Daly (quien creó el personaje narrador, Gingy, para la producción de Nueva York), [8] Rosie O'Donnell , Samantha Bee , Rondi Reed , America Ferrera , Debi Mazar , Marlo Thomas , Blythe Danner , Christine Lahti , Parker Posey , Julie White , Kelly Bishop , Sarah Jones , Veanne Cox y Kristen Wiig . [13]
La obra se representó luego Off-Broadway, a partir del 21 de septiembre de 2009, con 3 funciones consecutivas de 4 semanas de duración cada una y con un elenco completamente nuevo de 5 personas. [13]
La producción se inauguró oficialmente el 1 de octubre de 2009 en el Westside Theatre . [8] El elenco originalmente incluía a Daly, O'Donnell, Bee, Katie Finneran y Natasha Lyonne . El elenco rotativo también incluía a Mary Birdsong , Kristin Chenoweth , Lucy DeVito, Jane Lynch , Rhea Perlman , Mary Louise Wilson y Rita Wilson . [6] Chenoweth fue reemplazada en la última de las tres funciones iniciales de 4 semanas por Finneran. [20] La producción benefició a 'Dress for Success'. Karen Lynn Carpenter dirigió, con diseño escénico de Jo Winiarski, diseño de vestuario de Jessica Jahn, diseño de iluminación de Jeff Croiter, diseño de sonido de Walter Trarbach y diseño de maquillaje de Maria Verel. [14] Daryl Roth fue el productor y Alexander Fraser fue el coproductor. [8] La producción se puso en escena con las cinco mujeres sentadas, todas vestidas de negro, en el borde del escenario, consultando guiones en atriles según fuera necesario. [7] [8] Los dibujos originales de Ilene Beckerman fueron presentados en carteles colgados en perchas en un perchero, a la derecha del escenario de la actriz Gingy.
La producción continuó en el Westside Theatre con una temporada comercial abierta con la estrategia de casting de elencos rotativos de 4 semanas porque le permitió a la producción buscar actores de mayor calibre. Nora Ephron declaró en una sesión de preguntas y respuestas: "Seguimos rehaciendo el reparto para que podamos conseguir actrices realmente geniales para que vengan durante cuatro semanas. Es realmente difícil conseguir gente realmente buena para trabajar fuera de Broadway durante seis meses porque no paga mucho, pero puedes conseguirlas durante cuatro semanas". [4] Otras actrices conocidas que han actuado en la producción fuera de Broadway incluyen las siguientes: Carol Kane , Debra Monk , Janeane Garofalo , Fran Drescher , Melissa Joan Hart , Brooke Shields , Victoria Clark , Alison Fraser , Tovah Feldshuh , Loretta Swit , Mary Testa , Nikki Blonsky , Donna McKechnie , B. Smith y Marla Maples . [21] En octubre de 2011 [actualizar], fue el segundo espectáculo de mayor duración en la historia del Westside Theatre. [22]
El espectáculo ganó el premio Drama Desk Award 2010 por Experiencia Teatral Única , así como el premio del público Broadway.com 2010 por Obra Nueva Favorita Off-Broadway. Daly y O'Donnell fueron nominados a los premios Drama League Awards 2010 por Actuación Distinguida. [23] Tara Rubin, Merri Sugarman, Eric Woodall y Lauran Schtuzel fueron nominados a los premios Artios Awards 2010 de la Casting Society of America por Excelencia en el Casting en Comedia/Musical Off-Broadway de Nueva York. [23]
La función número 1000 del espectáculo se realizó el 15 de marzo de 2012. [24] La producción cerró el 25 de marzo de 2012 después de 1013 funciones. Treinta y dos elencos rotativos y 120 actrices participaron en la producción durante toda su duración. El elenco final estuvo formado por Sierra Boggess , Joyce Van Patten , Karyn Quackenbush, Erica Watson y Ally Walker . [25]
Carpenter dirigió una gira nacional en Estados Unidos que comenzó en Chicago en septiembre de 2011 con un compromiso en el Broadway Playhouse en Water Tower Place . [26]
Roth produjo la producción de Chicago. [26] El elenco de Chicago incluía a Nora Dunn , Felicia Fields, Roni Geva, Katie O'Brien y Barbara Robertson como Gingy. [27] [28] Aunque el espectáculo estaba originalmente programado para durar hasta el 23 de octubre de 2011, [26] se extendió hasta el 4 de diciembre antes del estreno [29] y luego se extendió nuevamente hasta el 1 de enero de 2012. [30] Las presentaciones de la gira nacional posterior a Chicago estaban programadas para ser encabezadas por el elenco Off-Broadway del 7 al 30 de diciembre que incluía a Daisy Eagan , Sonia Manzano y Loretta Swit . [30] [31]
La obra se representó a continuación en el Geffen Playhouse de Los Ángeles. [7] La producción de Geffen se realizó del 12 de mayo al 19 de noviembre de 2010, [32] [33] batiendo récords de taquilla. [22] Los elencos de Geffen también rotaron.
Entre las actrices que actuaron allí se encontraban Daly, Kane, DeVito, Perlman, Nancy Travis , [34] Bonnie Franklin , Meredith Baxter , Florence Henderson , Marissa Jaret Winokur , [35] María Conchita Alonso , Christine Lahti , [36] Jenny O'Hara , Lauren Hutton , [37] Harriet Harris , Teri Garr , Mimi Rogers y Sally Struthers . [37] La mayoría del elenco inicial de Geffen había actuado en la obra Off-Broadway. [9] En el Geffen Playhouse, el espectáculo fue dirigido por Jenny Sullivan . Kane interpretó a "Gingy" cuando debutó en Los Ángeles. [7]
A finales de 2010, la obra se había representado en Nueva York, Los Ángeles, Toronto y Buenos Aires, y desde entonces se han realizado numerosas otras producciones en todo el mundo. [14] [22] Carpenter dirigió la producción internacional que se ha presentado en muchos países. [14] La producción de Toronto se realizó del 16 de julio al 2 de octubre de 2010 en el Teatro Panasonic. [38] La obra se presentó en Sídney del 3 al 30 de enero de 2011 en la Ópera de Sídney con un elenco de apertura de Natalie Bassingthwaighte , Judi Farr , Amanda Muggleton , Magda Szubanski y Mirrah Foulkes , bajo la dirección de Wayne Harrison , con algunas modificaciones menores para localizar algunos de los americanismos. [39] En Sudáfrica, el espectáculo se representó del 8 de abril al 12 de junio de 2011 en el Studio Theatre, Montecasino cerca de Johannesburgo y en el Theatre on the Bay en Ciudad del Cabo del 15 de junio al 2 de julio bajo la dirección de Moira Blumenthal. [40] [41] Hizo su estreno asiático en Manila del 14 al 17 de julio de 2011 en RCBC Plaza con un elenco que incluía a Bituin Escalante ; la producción fue dirigida por Michael Williams y Azanza-Dy. [42]
El espectáculo, con una duración de unos 90 minutos, [6] consta de 28 historias diferentes que buscan iluminar la identidad femenina. [9] Generalmente consiste en incidentes humorísticos, el espectáculo a menudo aborda temas tristes, amargos o sentimentales. [8] [43] Las memorias de Beckerman toman como punto de partida la ropa que usó en momentos cruciales de su vida y sirven como punto de partida de la obra. Los Ephrons aumentaron esto con una colección de historias de temática similar presentadas por cuatro personajes adicionales. [6] [7]
El espectáculo está presentado de una manera "sin complejos de baja tecnología", [7] utilizando la ropa como metáfora de las experiencias de las mujeres. [6] Además de la ropa, los accesorios como un bolso son importantes, y Charles Isherwood de The New York Times señaló que cuando Nora Ephron vio un bolso: "En el caos de su interior ve un símbolo de sí misma, como en un espejo oscuro manchado con lápiz labial viejo y con olor a perfume derramado". [8] El espectáculo consta de cinco monólogos de mujeres sobre fallas de vestuario , la relación de la pubertad con el vestuario personal, atuendos para la primera cita, ropa interior de la suerte, vestidos de graduación , botas favoritas, camisas irremplazables, el bolso detestado y desorganizado y experiencias en el probador. Los recuerdos sobre la ropa incitan a las mujeres a recordar a sus madres, novios, esposos, exmaridos, hermanas y nietos. [6] [7]
Broadway.com describió la serie benéfica original como "íntima y estelar". [44] El crítico del New York Times, Isherwood, describió la obra Off-Broadway como un "espectáculo sobre asuntos del corazón y asuntos del armario". [8] En Variety , Marilyn Stasio lo llamó "una meditación agridulce sobre las alegrías y tribulaciones de la vida de las mujeres, reflejada a través del prisma de su ropa". [6] En Bloomberg News , los críticos comentaron que los dramaturgos eran "alquimistas literarios expertos en mezclar lo sentimental y lo satírico y producir algo conmovedor" y notaron que la ropa y los accesorios dominaban los recuerdos mientras que los "hombres son extras". [45] El Los Angeles Times describió el espectáculo como un cruce entre Los monólogos de la vagina y Qué no vestir . [7] Helen Shaw, escribiendo para Time Out , también describió el estilo de los Ephron como similar al de Eve Ensler de Los monólogos de la vagina . [43] Jay Reiner de The Hollywood Reporter señaló que de la obra "surge un tapiz de la psique femenina colectiva que es tierno y perspicaz sin ser sentimental". [9]
Un punto destacado del libro de Ephron que fue constantemente elogiado fue la interpretación de O'Donnell del bolso en la escena "¡Odio mi bolso!". [8] [9] Mientras Reiner dijo, "Hay un segmento divertido de 'Odio mi bolso'", [9] Isherwood señaló que la "pieza de escritura más inteligente y con más forma del espectáculo es ese mordaz ensayo de Nora Ephron sobre su problemática relación con los bolsos... Confiado a la Sra. O'Donnell, que lo hace con orgullo, el ensayo es una denuncia desafiante de la tiranía del bolso, un 'j'accuse' para la era del bolso "de moda". [8] Shaw describió la interpretación del bolso de O'Donnell como un aria , [43] y Jerry Tallmer de The Villager lo llamó "uno de los pilares del espectáculo". [16] Esta escena a veces se realiza sola fuera del teatro. [46]
Isherwood ha señalado que esto sirve a un público femenino. "Si hay películas para chicas y literatura para chicas (por más despectivos que puedan parecer estos términos a algunos), Love, Loss, and What I Wore debería clasificarse claramente como legítima para chicas... para las mujeres que pueden compartir profundamente los detalles de la experiencia diseccionada y discutida". [8] El Los Angeles Times destaca la naturaleza ligera del tema: "... no pretende recuperar la sexualidad femenina de siglos de opresión; celebra ingeniosamente los fallos de vestuario..." [7] Según Reiner, el espectáculo señala que "... si hay algo que las mujeres de la especie tienen en común, es una profunda y duradera relación de amor/odio con su vestuario... este espectáculo maravillosamente ingenioso ilustra que lo que uno se pone para la fiesta a veces es más memorable que la fiesta en sí". También señala que toda la actuación tiene significado, ya que está "repleta y resonante" de principio a fin. [9] Shaw señala que "el humor acogedor golpea con fuerza el sentido del humor de muchas mujeres, tal vez porque reafirma perfectamente sus propias preocupaciones". [43]
Según un crítico de Los Angeles Times, ciertos monólogos sobre temas como el peso, los bolsos de estatus y los tacones altos no alcanzaron su máximo potencial . [7] La revista Time Out calificó ciertas líneas de exageradas, pero es perdonable. [43]
La producción original Off-Broadway obtuvo varios reconocimientos:
En los premios Artios de la Casting Society of America de noviembre de 2009, los Ephron ganaron el premio Big Apple de Nueva York. [49]