4′33″ [a] es unacomposición modernista [b] del compositor experimental estadounidense John Cage . Fue compuesto en 1952 para cualquier instrumento o combinación de instrumentos; la partitura indica a los intérpretes que no toquen sus instrumentos durante los tres movimientos. Se divide en tres movimientos, [c] que duran 30 segundos, dos minutos y 23 segundos, y un minuto y 40 segundos, respectivamente, [d] aunque Cage afirmó más tarde que la duración de los movimientos puede ser determinada por el músico. Como indica el título, la composición tiene una duración de cuatro minutos y 33 segundos y está marcada por un periodo de silencio , aunque los sonidos ambientales contribuyen a la interpretación.
4'33" fue concebido alrededor de 1947-1948, mientras Cage trabajaba en el ciclo de piano Sonatas and Interludes . Muchas piezas musicales anteriores estaban compuestas en gran parte por silencio, y el silencio jugó un papel notable en sus trabajos anteriores, incluidas Sonatas and Interludes . Los estudios sobre el budismo zen a finales de la década de 1940 sobre la música casual lo llevaron a reconocer el valor del silencio al brindar la oportunidad de reflexionar sobre el entorno y la psique. Los desarrollos recientes en el arte contemporáneo también reforzaron la comprensión de Cage sobre el silencio, que comenzó a percibir cada vez más como tal. imposible después de la primera exposición del Cuadro Blanco de Rauschenberg .
4'33" se estrenó en 1952 y fue recibido con sorpresa y controversia generalizada; muchos musicólogos revisaron la definición misma de música y cuestionaron si el trabajo de Cage calificaba como tal. De hecho, Cage pretendía que 4'33" fuera experimental, para probar la capacidad del público. actitud ante el silencio y demostrar que cualquier experiencia auditiva puede constituir música , ya que el silencio absoluto [e] no puede existir. Aunque frecuentemente se lo etiqueta como cuatro minutos y treinta y tres segundos de silencio, Cage sostiene que los ruidos ambientales escuchados durante la actuación contribuyen a la composición. Dado que esto contradice la implicación convencional de la armonía y la melodía en la música, muchos musicólogos consideran que 4'33" es el nacimiento de la música noise , y algunos la han comparado con el arte dadaísta . 4'33" también encarna la idea de indeterminación musical , como el silencio está sujeto a la interpretación del individuo; de este modo, se anima a uno a explorar su entorno y a sí mismo, como lo estipula el lacanianismo .
4'33" influyó enormemente en la música modernista, promoviendo los géneros de la música noise y la música silenciosa, que, aunque siguen siendo controvertidos hasta el día de hoy, reverberan entre muchos músicos contemporáneos. Cage volvió a explorar la idea de la composición silenciosa en dos interpretaciones posteriores: 0' 00" (1962) y Uno 3 (1989). En una entrevista de 1982, y en muchas otras ocasiones, afirmó que 4′33″ era su obra más importante. [8] El Diccionario de Música y Músicos de New Grove describe 4′33″ como la "creación más famosa y controvertida" de Cage. En 2013, Dale Eisinger de Complex clasificó la composición en octavo lugar en su lista de las mejores obras de arte escénico. [9]
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La primera vez que Cage mencionó la idea de una pieza compuesta enteramente de silencio fue durante una conferencia en 1947 (o 1948) en Vassar College , A Composer's Confessions . En esta época trabajaba en el ciclo Sonatas e Interludios para piano . [10] Cage le dijo a la audiencia que tenía "varios deseos nuevos", uno de los cuales era:
componer una pieza de silencio ininterrumpido y venderla a Muzak Co. Durará tres o cuatro minutos y medio (esa es la duración estándar de la música "enlatada") y su título será Silent Prayer . Se abrirá con una única idea que intentaré hacer tan seductora como el color, la forma y la fragancia de una flor. El final se acercará a la imperceptibilidad. [11]
Antes de esto, el silencio había jugado un papel importante en varias de las obras de Cage compuestas antes del 4′33″ . El Dúo para dos flautas (1934), compuesto cuando Cage tenía 22 años, comienza con silencio, y el silencio fue un elemento estructural importante en algunas de las Sonatas e Interludios (1946-1948), Música de cambios (1951) y Dos Pastorales (1951). ). El Concierto para piano preparado y orquesta (1951) cierra con un silencio prolongado, y Waiting (1952), una pieza para piano compuesta apenas unos meses antes del 4′33″ , consta de largos silencios que enmarcan un único y corto patrón de ostinato . Además, en sus canciones The Wonderful Widow of Eighteen Springs (1942) y A Flower (1950), Cage ordena al pianista que toque un instrumento cerrado, lo que puede entenderse como una metáfora del silencio. [12]
Sin embargo, en el momento de su concepción, Cage sintió que una pieza totalmente muda sería incomprensible y se mostró reacio a escribirla: "No quería que pareciera, ni siquiera a mí, como algo fácil de hacer o como una broma. Quería decirlo en serio y poder vivir con ello". [13] El pintor Alfred Leslie recuerda que Cage presentó una "charla de un minuto de silencio" frente a una ventana a finales de la década de 1940, mientras visitaba el Studio 35 de la Universidad de Nueva York . [14]
Aunque fue un pionero de la música muda, Cage no fue el primero en componerla. Otros, especialmente en la primera mitad del siglo XX, ya habían publicado trabajos relacionados , que posiblemente influyeron en Cage. Ya en 1907, Ferruccio Busoni delineó la importancia de la atonalidad y el silencio en la música:
Lo que más se acerca a su esencia original en nuestro arte musical actual son la pausa y la fermata . Los grandes artistas del performance e improvisadores saben utilizar cada vez más esta herramienta expresiva. El excitante silencio entre dos movimientos (en este entorno, en sí mismo, la música) es más sugerente que el sonido más definido, pero menos flexible. [15]
Un ejemplo es la Marcha fúnebre por las exequias de un sordo (en francés: Marche funèbre composée pour les funérailles d'un grand homme sourd ) (1897) de Alphonse Allais , compuesta por 24 compases vacíos. [16] Allais era compañero de su colega compositor Erik Satie , [17] y, dado que Cage admiraba a este último, la Marcha fúnebre puede haberlo motivado a componer 4'33" , pero más tarde escribió que no conocía a Allais. ' de la época [18] Las composiciones mudas del siglo XX anteriores a las de Cage incluyen el movimiento 'In futurum' del Fünf Pittoresken (1919) de Erwin Schulhoff —que comprende únicamente silencios— [19] y Monotone–Silence de Yves Klein. Sinfonía (1949), en la que el segundo y cuarto movimiento son apenas veinte minutos de silencio [17] .
En la literatura se habían imaginado ideas similares. Por ejemplo, la fábula en prosa Cornelian (1928) de Harold Acton menciona a un músico que dirige "actuaciones que consisten principalmente en silencio". [20] [21] En 1947, el músico de jazz Dave Tough bromeó diciendo que estaba escribiendo una obra en la que "un cuarteto de cuerdas toca la música más avanzada jamás escrita. Está compuesta enteramente de silencios... De repente, el hombre de la viola salta Se levanta furioso y agita su arco ante el primer violín, 'Lout', grita: 'Tocaste mal el último compás'". [22]
Desde finales de la década de 1940, Cage había estado estudiando el budismo zen , especialmente a través del erudito japonés Daisetz Suzuki , quien introdujo este campo en el mundo occidental. A continuación, relacionó los sonidos en silencio con las nociones de "libertad e interpenetración". [23] En una conferencia de 1951/1952, definió la libertad como "ver que en todo el espacio cada cosa y cada ser humano está en el centro", y la interpenetración como la visión "de que cada una de las [cosas y humanos en el centro" centro] se mueve en todas direcciones penetrando y siendo penetrado por todos los demás sin importar el tiempo o el espacio", concluyendo que "todas y cada cosa en todo el tiempo y el espacio están relacionadas con todas y cada una de las demás cosas en todo del tiempo y del espacio". [24]
Cage creía que los sonidos existían en un estado de libertad, ya que cada uno no se ve obstaculizado por el otro al estar aislados por el silencio, pero también que se compenetran entre sí, ya que trabajan en conjunto entre sí e 'interactúan' con el silencio. De ahí que pensara que la música es intrínsecamente una alternancia entre sonido y silencio, especialmente después de su visita a la cámara anecoica de la Universidad de Harvard . [25] Comenzó cada vez más a ver el silencio como una parte integral de la música, ya que permite que los sonidos existan en primer lugar, que se interpenetren entre sí. El predominio del silencio en una composición también brindaba la oportunidad de contemplar la psique y el entorno, lo que refleja el énfasis zen en la música de meditación como medio para calmar la mente. [26] Cuando comenzó a darse cuenta de la imposibilidad del silencio absoluto, Cage afirmó el significado psicológico de la "falta de sonido" en una composición musical:
He pensado en la música como un medio para cambiar la mente... Al ser ellos mismos, [los sonidos] abren la mente de las personas que los hicieron o los escucharon a otras posibilidades que previamente habían considerado. [27]
En 1951, Cage compuso el Concierto para piano preparado y orquesta de cámara , que puede verse como una representación del concepto de interpenetración. [25] [28] [ se necesita más explicación ]
Cage también exploró el concepto de música aleatoria : una composición sin estructura melódica ni notación regular . [26] El Concierto para piano preparado antes mencionado emplea los conceptos postulados en el texto chino antiguo I Ching . [29] [ se necesita más explicación ]
En 1951, Cage visitó la cámara anecoica de la Universidad de Harvard . Cage entró en la cámara esperando escuchar silencio, pero luego escribió: "Escuché dos sonidos, uno alto y otro bajo. Cuando se los describí al ingeniero a cargo, me informó que el alto era mi sistema nervioso en funcionamiento. la baja mi sangre en circulación ". [30] Cage había ido a un lugar donde esperaba un silencio total y, sin embargo, escuchó un sonido. "Hasta que yo muera habrá sonidos. Y continuarán después de mi muerte. No hay que temer por el futuro de la música". [31] La comprensión, tal como la veía, de la imposibilidad del silencio llevó a la composición de 4′33″ .
Otra influencia citada para esta pieza provino del campo de las artes visuales. [13] El amigo y a veces colega de Cage, Robert Rauschenberg, había producido, en 1951, una serie de pinturas blancas (llamadas colectivamente Pintura Blanca ), lienzos aparentemente "en blanco" (aunque pintados con pintura de casa blanca) que de hecho cambian según las diferentes condiciones de luz. en las habitaciones en las que fueron colgados, las sombras de las personas en la habitación, etc. Esto inspiró a Cage a utilizar una idea similar, como afirmó más tarde: "En realidad, lo que me impulsó a hacerlo no fueron las agallas sino el ejemplo de Robert Rauschenberg. Sus pinturas en blanco... cuando las vi, dije: 'Oh, sí, "De lo contrario, me estoy retrasando, de lo contrario la música se está retrasando". [32] En una introducción a un artículo "Sobre Robert Rauschenberg, artista y sus obras", John Cage escribe: "A quien corresponda: las pinturas blancas fueron primero; mi pieza silenciosa vino después". [33]
No entendieron el punto. No existe el silencio. Lo que pensaban que era silencio, porque no sabían escuchar, estaba lleno de sonidos accidentales. Se podía oír el viento agitarse afuera durante el primer movimiento. Durante el segundo, las gotas de lluvia comenzaron a golpear el techo, y durante el tercero, las personas mismas hacían todo tipo de sonidos interesantes mientras hablaban o salían.
John Cage , en el estreno de 4'33" [3]
El estreno de los tres movimientos 4′33″ fue realizado por David Tudor el 29 de agosto de 1952, en el Maverick Concert Hall , Woodstock, Nueva York , como parte de un recital de música de piano contemporánea. El público lo vio sentarse al piano y, para marcar el comienzo de la pieza, cerrar la tapa del teclado. Algún tiempo después lo abrió brevemente, para marcar el final del primer movimiento. Este proceso se repitió para el segundo y tercer movimiento. [f] Aunque el público estaba entusiasmado con el arte contemporáneo, el estreno fue recibido con controversia y escándalo generalizados, [34] de modo que Calvin Tomkins señala: "El público de Woodstock consideró la pieza como una broma o una afrenta, y esta ha sido la reacción general de la mayoría de las personas que lo han escuchado, o han oído hablar de él, desde entonces. Algunos oyentes no han sido conscientes de que lo estaban escuchando". [35]
El crítico musical Kyle Gann calificó la pieza como "una de las piezas musicales más incomprendidas jamás escritas y, sin embargo, en ocasiones, también una de las mejor entendidas de la vanguardia". Descartó la idea de que 4′33″ fuera una broma o un engaño, escribió que la teoría dadaísta y el teatro tienen cierta justificación y dijo que para él la composición es un "experimento mental". Concluyó que la idea de que 4′33″ es una "práctica zen" "puede ser la sugerencia más directamente fértil". [36]
La composición es una contribución indispensable al movimiento modernista [37] [38] y formalizó la música de ruido como género. [39] [40] La música de ruido se considera un anatema para la visión tradicional de la armonía en la música, que explota patrones de sonido aleatorios "ruido" en el proceso de hacer música: los "detritos del proceso musical". [41] Paul Hegarty señala que: "El silencio del pianista en 4'33" puede entenderse como el silencio tradicional del público para que pueda apreciar la música que se está tocando. La música misma es sacrificada, sacrificada a la musicalidad del mundo". [42] Para Hegarty, 4′33″ , está compuesta de sonidos incidentales que representan perfectamente la tensión entre el sonido "deseable" (notas musicales correctamente tocadas) y el "indeseable". ruido" que componen toda la música de ruido. [42] Se compone de tres movimientos. [37] [38] [ se necesita más explicación ]
4′33″ desafía, o más bien explota hasta un punto radical, los regimientos sociales de la etiqueta moderna de la vida en los conciertos, experimentando con asistentes desprevenidos al concierto para demostrar un punto importante. En primer lugar, la elección de un lugar prestigioso y el estatus social del compositor y de los intérpretes aumentan automáticamente las expectativas del público sobre la pieza. Como resultado, el oyente está más concentrado, prestando al 4′33″ de Cage la misma cantidad de atención (o quizás incluso más) que si fuera la Novena Sinfonía de Beethoven . [43] Así, incluso antes de la representación, la recepción de la obra ya está predeterminada por el entorno social del concierto. Además, el comportamiento del público está limitado por las normas y reglamentos de la sala de conciertos; Se sentarán en silencio y escucharán 4′33″ de ruido ambiental. No es fácil lograr que un grupo grande de personas escuche el ruido ambiental durante casi cinco minutos, a menos que estén regulados por la etiqueta de la sala de conciertos.
El segundo punto planteado por 4′33″ se refiere a la duración. Según Cage, la duración es el componente esencial de toda la música. Esta distinción está motivada por el hecho de que la duración es el único elemento que comparten tanto el silencio como el sonido. Como resultado, la estructura subyacente de cualquier pieza musical consiste en una secuencia organizada de "cubos de tiempo". [44] Podrían estar llenos de sonidos, silencio o ruido; donde ninguno de estos elementos es absolutamente necesario para su integridad. Siguiendo el espíritu de su maestro Schoenberg , Cage logró emancipar el silencio y el ruido para convertirlo en una parte aceptable o, tal vez, incluso integral de su composición musical. 4′33″ sirve como una ilustración radical y extrema de este concepto, preguntando que si los cubos de tiempo son las únicas partes necesarias de la composición musical, ¿qué impide al compositor llenarlos con sonidos no intencionales? [45]
El tercer punto es que la obra musical se define no sólo por su contenido sino también por el comportamiento que suscita en el público. [43] En el caso de La consagración de la primavera de Igor Stravinsky , esto consistiría en una insatisfacción generalizada que conduciría a disturbios violentos. [46] En 4′33″ de Cage , el público se sintió engañado al tener que escuchar ningún sonido compuesto por el intérprete. Sin embargo, en 4′33″ el público aportó la mayor parte del material musical de la pieza. Dado que la pieza se compone exclusivamente de ruido ambiental, el comportamiento del público, sus susurros y movimientos, son elementos esenciales que llenan los cubos de tiempo antes mencionados. [47]
Sobre todo, 4'33" —de hecho, más un experimento que una composición— pretende cuestionar la noción misma de música. Cage creía que "el silencio es una nota real" y "designará en adelante todos los sonidos no deseados por el compositor". [48] Tenía la ambición de ir más allá de lo que se puede lograr en una hoja de papel dejando el proceso musical al azar, invitando al público a seguir de cerca los ruidos ambientales que caracterizan la pieza. [48] El musicólogo francés Daniel Charles propone una teoría relacionada; 4′33″ es, como resultado de la falta de interferencia del compositor en la pieza, un ' acontecimiento ', ya que, durante la interpretación, el músico es más un actor que un 'músico', per se . 49] [50] También señala que se asemeja a un objeto encontrado al estilo Duchamp , debido al hecho de que crea arte a partir de objetos que no cumplen una función artística, ya que el silencio a menudo se asocia con lo opuesto a la música [50] . [51] De hecho, la composición de Cage establece paralelismos con el movimiento dadaísta debido a la participación de objetos 'anti-arte' en el arte (música), su aparente naturaleza sin sentido y su flagrante desafío al status quo. [52] [53]
De hecho, el silencio percibido que caracteriza la composición de Cage no es en realidad "silencio", sino la interferencia de los sonidos ambientales producidos por la audiencia y el entorno. [8] Para él, cualquier experiencia auditiva que contenga algún grado de sonido y, por tanto, pueda considerarse música, [54] contrarrestando su frecuente etiqueta como "cuatro minutos treinta y tres segundos de silencio". [55] [56]
El enfoque lacaniano implica una profunda conexión psicológica con 4'33" , ya que se invita al individuo a reflexionar sobre su entorno y su psique. [57] En una charla TED de 2013 , el psicólogo Paul Bloom presentó 4'33" como un ejemplo para mostrar que conocer el origen de algo influye en cómo se formula una opinión sobre ello. En este caso, se pueden considerar los cinco minutos de silencio en la composición de Cage como diferentes a los cinco minutos de silencio ordinario, como en una biblioteca, ya que se sabe dónde está ese silencio. origina; por lo tanto, pueden sentirse motivados a pagar para escuchar 4'33" , aunque inherentemente no sea diferente a cinco minutos de silencio ordinario. [58] [59]
Algunos musicólogos han sostenido que 4′33″ es un ejemplo de automatismo surrealista . Desde la época romántica, los compositores se han esforzado por producir música que pudiera separarse de cualquier conexión social, trascendiendo los límites del tiempo y el espacio. En el automatismo, los compositores y artistas se esfuerzan por eliminar su papel en la creación de la obra, motivados por la creencia de que la autoexpresión siempre incluye la infiltración de los estándares sociales –a los que el individuo (incluido el músico) está sujeto desde su nacimiento– en el ámbito artístico. verdad (el mensaje que el músico desea transmitir). [45] [60]
Por tanto, el único método mediante el cual el oyente puede realizar la verdad artística pasa por la separación del músico de su trabajo. En 4'33" , el compositor no tiene impacto en su obra, ya que Cage no puede controlar los sonidos ambientales detectados por el público. Por tanto, la composición es automática ya que el músico no tiene implicación en cómo la interpreta el oyente. [45]
Pionero de la indeterminación musical , Cage la definió como "la capacidad de una pieza de interpretarse de maneras sustancialmente diferentes". [61]
Existen varias versiones de la partitura; [34] las cuatro siguientes son las principales muestras que se pudieron identificar. Su cualidad compartida es la duración de la composición de cuatro minutos y treinta y tres segundos, reflejada en el título ' 4'33" '— [62] pero hay cierta discrepancia entre la duración de los movimientos individuales, especificada en diferentes versiones de la partitura. [g] [h] Actualmente no se comprenden las causas de esta discrepancia.
El manuscrito original de Woodstock (agosto de 1952) está escrito en notación convencional y dedicado a David Tudor, el primero en interpretar la pieza. Actualmente está perdido, pero Tudor intentó recrear la partitura original, reproducida en el libro de William Fetterman John Cage's Theatre Pieces: Notations and Performances . [66] La reproducción señala que 4'33" se puede interpretar para cualquier instrumento o combinación de instrumentos. En cuanto al tempo, incluye un pentagrama de clave de sol con un compás de 4/4 , y el comienzo de cada frase está identificado con números romanos. y una indicación de escala : '60 [cuarto] = 1/2 pulgada'. Al final de cada frase, hay información sobre la duración de cada movimiento en minutos y segundos, estos son: 'I = 30 segundos', 'II =; 2 minutos 23 segundos' y 'III = 1 minuto 40 segundos'. [67] Tudor comentó: "Es importante que leas la partitura mientras la interpretas, por eso existen estas páginas que utilizas. Así que espera y luego pasa la página. Sé que suena muy claro, pero al final marca la diferencia". [68]
El manuscrito de Kremen (1953) está escrito en notación gráfica espacio-temporal, que Cage denominó "notación proporcional", y está dedicado al artista estadounidense Irwin Kremen . Los movimientos de la pieza se representan como espacios entre largas líneas verticales; se proporciona una indicación de tempo (60), y al final de cada movimiento se indica el tiempo en minutos y segundos. En la página 4, se incluye la nota '1 PÁGINA = 7 PULGADAS = 56''. Se implementan las mismas instrucciones, tiempos e indicaciones que el manuscrito de Woodstock reproducido. [69] [70]
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La llamada Primera Edición Tacet (o Edición Tacet Mecanografiada ) (1960) es una partitura mecanografiada, impresa originalmente en Edition Peters como EP No. 6777. [62] Enumera los tres movimientos utilizando números romanos, con la palabra ' tacet ' debajo de cada uno. Una nota de Cage describe la primera interpretación y menciona que "la obra puede ser interpretada por cualquier instrumentista o combinación de instrumentistas y durar cualquier período de tiempo". Al hacerlo, Cage no sólo regula la lectura de la partitura, sino que también determina la identidad de la composición. [71] [72] A diferencia de los dos manuscritos iniciales, Cage señala que el estreno organizó los movimientos en las siguientes duraciones: 33", 2'40" y 1'20", y añade que su duración "debe encontrarse por interpretación "oportunidad". [73] [71] La primera edición de Tacet se describe en el libro de Michael Nyman Experimental Music: Cage and Beyond , pero no se reproduce. [74]
La llamada Segunda Edición Tacet (o Edición Calligraphic Tacet ) (1986) es la misma que la Primera, excepto que está impresa con la caligrafía de Cage y la nota explicativa menciona el manuscrito de Kremen. [75] También está clasificado como EP No. 6777 (es decir, lleva el mismo número de catálogo que la primera edición Tacet ). [62] Además, en julio de 1967 apareció un facsímil, de tamaño reducido, del manuscrito de Kremen en Fuente 1, núm. 2:46–54.
En 1962, Cage escribió 0′00″ , que también se conoce como 4′33″ No. 2 . Las instrucciones originalmente consistían en una frase: "En una situación provista de la máxima amplificación, realice una acción disciplinada". [76] En la primera actuación, Cage tuvo que escribir esa frase. La segunda actuación añadió cuatro nuevas calificaciones a las instrucciones: "el ejecutante debe permitir cualquier interrupción de la acción, la acción debe cumplir una obligación para con los demás, la misma acción no debe utilizarse en más de una actuación y no debe ser la actuación de una composición musical". [77]
A finales de 1989, tres años antes de su muerte, Cage revisó la idea de 4′33″ por última vez. Compuso One 3 , cuyo título completo es One 3 = 4′33″ (0′00″) + [G Clef] . Como en todas las piezas numéricas , 'Uno' se refiere al número de artistas necesarios. La partitura indica al intérprete que construya un sistema de sonido en la sala de conciertos, de modo que "toda la sala esté al borde de la retroalimentación , sin realmente retroalimentarla". El contenido de la pieza es el sonido amplificado electrónicamente de la sala y del público. [78]
En julio de 2002, los herederos de Cage demandaron al cantautor británico Mike Batt por plagio de la 'canción' "A One Minute Silence": literalmente, un minuto de silencio. Para apoyar su conjunto cruzado The Planets , insertó una pausa de un minuto en su álbum de febrero de 2002 "Classical Graffiti" bajo la autoría 'Batt/Cage', [79] supuestamente para honrar al compositor. Luego fue demandado por la Mechanical Copyright Protection Society por "plagiar el silencio de Cage [ 4'33" ]. [79]
Inicialmente, Batt dijo que se defendería de estas acusaciones, afirmando que "A One Minute Silence" era "una pieza silenciosa mucho mejor" y que era "capaz de decir en un minuto lo que Cage sólo podía decir en cuatro minutos y 33 segundos". ". [80] Finalmente llegó a un acuerdo extrajudicial con los herederos del compositor en septiembre de 2002 y pagó una compensación no revelada de seis cifras. [60] [81] Sin embargo, en diciembre de 2010, Batt admitió que la supuesta disputa legal era un truco publicitario y que en realidad solo había hecho una donación de £ 1,000 a la Fundación John Cage . [81]
En la semana previa a la Navidad de 2010, se creó una página de Facebook para animar a los residentes del Reino Unido a comprar una nueva interpretación de 4′33″ , [82] con la esperanza de evitar que el ganador de la séptima temporada de The X Factor , Matt Cradle , de encabezar la lista de singles del Reino Unido y convertirse en el número uno de Navidad . [83] La página se inspiró en una campaña similar del año anterior, en la que una página de Facebook creada por el DJ de radio inglés Jon Morter y su entonces esposa Tracey, incitaba a la gente a comprar " Killing in the Name " de Rage Against the Machine. " en la semana anterior a Navidad de 2009 para convertirlo en el número uno de Navidad. [84] Por lo tanto, la campaña 4'33" fue denominada 'Cage Against the Machine'. [85] [86] Los creadores de la página de Facebook esperaban que alcanzar el número uno promocionaría la composición de Cage y "haría del 25 de diciembre 'una noche silenciosa'. '." [87]
La campaña recibió el apoyo de varias celebridades. Saltó a la fama por primera vez después de que el escritor científico Ben Goldacre lo mencionara en su perfil de Twitter. [88] A pesar de muchas campañas similares que tuvieron lugar ese año, el periodista de The Guardian Tom Ewing consideró 'Cage Against the Machine' "el único esfuerzo de este año con la esperanza de [alcanzar el número uno]". [89] El DJ de XFM Eddy Temple-Morris y el periodista de The Guardian Luke Bainbridge también expresaron su apoyo. [90] [91] Al final, la interpretación de 4'33" no logró alcanzar el número uno, solo alcanzó el puesto 21 en las listas; la canción ganadora de X Factor se convirtió en el número uno de Navidad de 2010. [92] [93]
Debido a su singular estilo vanguardista, numerosos músicos y formaciones han interpretado 4'33" , figurando en diversos trabajos como álbumes.
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