Extraños en un tren es una película de suspenso psicológico estadounidense de 1951 producida y dirigida por Alfred Hitchcock , basada en la novela Extraños en un tren de Patricia Highsmith de 1950. Fue filmada a fines de 1950 y estrenada por Warner Bros. el 30 de junio de 1951, protagonizada por Farley Granger , Ruth Roman y Robert Walker .
La historia trata sobre dos desconocidos que se conocen en un tren, uno de los cuales es un psicópata que les propone que "intercambien" asesinatos para que ninguno de los dos sea descubierto. La película recibió inicialmente críticas mixtas, pero desde entonces ha sido considerada mucho más favorablemente. En 2021, la película fue seleccionada para su preservación en el Registro Nacional de Cine de los Estados Unidos por la Biblioteca del Congreso por ser "cultural, histórica o estéticamente significativa". [3]
El tenista amateur Guy Haines quiere divorciarse de su promiscua esposa Miriam para casarse con Anne Morton, la hija de un senador estadounidense. En un tren, el psicópata adinerado y de lengua suave Bruno Antony reconoce a Haines y le revela su idea para un plan de asesinato: dos desconocidos se conocen e "intercambian asesinatos": Bruno sugiere que él mate a Miriam y Guy que mate al odiado padre de Bruno. Cada uno asesinará a un desconocido, sin motivo aparente, por lo que ninguno de los dos será sospechoso. Guy le hace gracia a Bruno fingiendo que su idea le parece divertida, pero está tan ansioso por alejarse de Bruno que deja atrás su encendedor grabado.
Guy se reúne con Miriam, quien está embarazada de otra persona, en su lugar de trabajo en Metcalf, su ciudad natal. Miriam le informa a Guy que ya no quiere terminar su matrimonio. Amenaza con afirmar que él es el padre, para frustrar cualquier intento de divorcio. Esa noche, Bruno sigue a Miriam a un parque de diversiones y la estrangula mientras Guy está en el tren a Washington, DC. Cuando Guy llega a casa, Bruno le informa que Miriam está muerta e insiste en que ahora debe cumplir con su trato.
Guy va a casa de los Morton, donde el padre de Anne le informa que su esposa ha sido asesinada. La hermana de Anne, Barbara, dice que la policía creerá que Guy es el asesino porque tiene un motivo. La policía interroga a Guy, pero no puede confirmar su coartada: un profesor que Guy conoció en el tren estaba tan borracho que no recuerda su encuentro. La policía le asigna una escolta para que lo vigile.
Bruno sigue a Guy por Washington, se presenta a Anne y aparece en una fiesta en la casa del senador Morton. Para divertir a otro invitado, Bruno demuestra juguetonamente cómo estrangular a una mujer. Su mirada se posa en Barbara, cuya apariencia se parece a la de Miriam. Esto desencadena un flashback ; Bruno aprieta compulsivamente el cuello de la mujer y otros invitados intervienen para evitar que la estrangule hasta la muerte. Barbara le dice a Anne que Bruno la estaba mirando mientras estrangulaba a la otra mujer, y Anne se da cuenta del parecido de Barbara con Miriam. Con sus sospechas despertadas, Anne se enfrenta a Guy, quien le cuenta la verdad sobre el plan de Bruno.
Bruno le envía a Guy un paquete que contiene una pistola, una llave de la casa y un mapa que muestra la ubicación del dormitorio de su padre. Guy se cuela en la habitación del padre de Bruno para advertirle de las intenciones asesinas de su hijo, pero en su lugar encuentra a Bruno esperándolo. Guy intenta persuadir a Bruno para que busque ayuda psiquiátrica, pero Bruno amenaza con castigar a Guy por romper el trato.
Anne visita la casa de Bruno y trata de explicarle a su desconcertada madre que su hijo es un asesino. Bruno le menciona a Anne el encendedor de Guy que falta y afirma que Guy le pidió que lo buscara en el lugar del crimen. Guy infiere que Bruno tiene la intención de colocarlo en la escena del crimen e incriminarlo. Después de ganar un partido de tenis, Guy evade la escolta policial y se dirige al parque de diversiones para detener a Bruno.
Cuando Bruno llega al parque de atracciones, un trabajador del carnaval lo reconoce de la noche del asesinato; informa a la policía, que cree que ha reconocido a Guy. Después de que Guy llega, él y Bruno pelean en el carrusel del parque. Creyendo que Guy está tratando de escapar, un oficial de policía le dispara, pero en su lugar mata al operador del carrusel, lo que hace que el carrusel gire fuera de control. Un trabajador del carnaval se arrastra debajo y aplica los frenos demasiado abruptamente, lo que hace que el carrusel se salga de su soporte, atrapando a Bruno mortalmente herido debajo. El trabajador que llamó a la policía les dice que Bruno, no Guy, es el que recuerda haber visto la noche del asesinato. Mientras Bruno muere, sus dedos se aflojan para revelar el encendedor de Guy en su mano. Al darse cuenta de que Guy no es el asesino, la policía le pide que vaya a la estación para atar cabos sueltos.
Algún tiempo después, otro desconocido en un tren intenta entablar conversación con Guy de la misma manera que lo hizo Bruno. Guy y Anne se alejan de él con frialdad.
La aparición de Alfred Hitchcock aparece a los 11 minutos de la película. Se lo ve subiendo a un tren con un contrabajo .
Hitchcock dijo que la elección correcta del reparto le ahorró "un rollo de tiempo para contar historias", ya que el público percibiría cualidades en los actores que no tenían que ser explicadas. [5] Hitchcock dijo que originalmente quería a William Holden para el papel de Guy Haines, [6] [7] pero Holden lo rechazó. "Holden habría estado totalmente equivocado: demasiado firme, demasiado desanimado por Bruno", escribió el crítico Roger Ebert . [5] "Granger es más suave y más elusivo, más convincente mientras intenta escabullirse de la red de conversaciones de Bruno en lugar de rechazarlo de plano". [5]
Warner Bros. quería que sus propias estrellas, ya bajo contrato, fueran elegidas siempre que fuera posible. En el caso de Anne Morton, Jack L. Warner obtuvo lo que quería cuando asignó a Ruth Roman al proyecto, a pesar de las objeciones de Hitchcock. [8] El director la encontró "erizada" y "falta de atractivo sexual" y dijo que se la habían "impuesto". [9] Tal vez se debieron a las circunstancias de su elección forzada, pero Roman se convirtió en el blanco del desprecio de Hitchcock durante toda la producción. [10] Granger describió la actitud de Hitchcock hacia Roman como "desinterés" en la actriz, y dijo que vio a Hitchcock tratar a Edith Evanson de la misma manera en el set de La soga (1948). "Tenía que tener una persona en cada película a la que pudiera acosar", dijo Granger. [10]
Kasey Rogers señaló que tenía una visión perfecta en el momento en que se hizo la película, pero Hitchcock insistió en que usara las gafas gruesas del personaje, incluso en tomas largas en las que las lentes de vidrio normales habrían sido indetectables. Rogers estaba prácticamente ciega con las gafas puestas y necesitaba que los otros actores la guiaran. [11]
Hitchcock se hizo con los derechos de la novela de Patricia Highsmith por tan solo 7.500 dólares, ya que se trataba de su primera novela. Como era habitual, Hitchcock mantuvo su nombre fuera de las negociaciones para mantener bajo el precio de compra. [12] Highsmith se enojó bastante cuando más tarde descubrió quién había comprado los derechos por una cantidad tan pequeña. [13]
La obtención de los derechos de la novela fue el menor de los obstáculos que Hitchcock tuvo que superar para llevar la propiedad de la página impresa a la pantalla. Recibió un tratamiento que le agradó en el segundo intento, del escritor Whitfield Cook , que tejió un subtexto homoerótico en la historia. [14] Con el tratamiento en la mano, Hitchcock buscó un guionista; quería un escritor "de renombre" para darle algo de prestigio al guion, pero fue rechazado por ocho escritores, incluidos John Steinbeck y Thornton Wilder , todos los cuales pensaron que la historia era demasiado sórdida y se sintieron desanimados por el estatus de debutante de Highsmith. [15] Las conversaciones con Dashiell Hammett llegaron más lejos, [13] pero aquí también las comunicaciones finalmente se rompieron, y Hammett nunca aceptó el encargo. [13]
Hitchcock entonces probó con Raymond Chandler , quien había obtenido una nominación al Oscar por su primer guion, Double Indemnity , en colaboración con Billy Wilder . [13] [16] Chandler aceptó el trabajo a pesar de su opinión de que era "una pequeña historia tonta". [15] Pero Chandler era un colaborador notoriamente difícil y los dos hombres no podrían haber tenido estilos de reunión más diferentes: Hitchcock disfrutaba de reuniones largas y divagantes fuera de tema en las que a menudo ni siquiera se mencionaba la película durante horas, mientras que Chandler era estrictamente de negocios y quería salir y ponerse a escribir. Llamó a las reuniones "sesiones de parloteo espantosas que parecen ser una parte inevitable aunque dolorosa del negocio del cine". [13] Chandler también sintió que la trama de la novela original era superior a la versión de Hitchcock y argumentó que debería ser restaurada. Se quejó en privado de que Hitchcock estaba demasiado dispuesto "a sacrificar la lógica dramática (en la medida en que existe) en aras de un efecto de cámara". [17] Las relaciones interpersonales se deterioraron rápidamente hasta que finalmente Chandler se volvió abiertamente combativo; en un momento dado, al ver a Hitchcock luchando por salir de su limusina, Chandler comentó al alcance del oído: "¡Miren al gordo cabrón tratando de salir de su auto!" [18] Esta sería su última colaboración. Chandler completó un primer borrador, luego escribió un segundo, sin recibir una sola palabra de respuesta de Hitchcock; cuando finalmente recibió una comunicación del director a fines de septiembre, fue su despido del proyecto. [18]
Después, Hitchcock intentó contratar a Ben Hecht , pero se enteró de que no estaba disponible. Hecht sugirió a su asistente, Czenzi Ormonde , que escribiera el guion. [18] Aunque Ormonde no figuraba en los créditos oficiales de la película, tenía dos cosas a su favor: su colección de cuentos recientemente publicada, Laughter From Downstairs , estaba atrayendo buenas críticas de los críticos, y era "una belleza rubia con el pelo largo y brillante". [19] —siempre un punto a favor con Hitchcock. Con su nueva escritora, quería empezar desde cero:
En su primera conferencia, Hitchcock hizo como que se tapaba la nariz, luego levantó el borrador de Chandler con el pulgar y el índice y lo tiró a la papelera. Le dijo al desconocido escritor que el famoso no había escrito ni una sola línea que él quisiera usar, y que tendrían que empezar de nuevo desde la primera página, usando el tratamiento de Cook como guía. El director le dijo a Ormonde que se olvidara por completo del libro, y luego le contó la historia de la película él mismo, de principio a fin. [19]
Sin embargo, no había mucho tiempo: faltaban menos de tres semanas para que comenzara el rodaje en exteriores en el Este. Ormonde se acurrucó con la productora asociada de Hitchcock, Barbara Keon (a la que Chandler llama despectivamente "la factótum de Hitchcock" [20]), y Alma Reville , la esposa de Hitchcock. Juntas, las tres mujeres, trabajando bajo la guía del jefe y hasta altas horas de la noche, [18] terminaron una parte suficiente del guion a tiempo para enviar a la compañía al Este. El resto estuvo completo a principios de noviembre. [20] Tres añadidos notables que había hecho el trío eran el tiovivo desbocado, el encendedor y las gafas gruesas. [21]
Hubo un punto de acuerdo entre Chandler y Hitchcock, aunque llegaría mucho más tarde, cerca del estreno de la película: ambos reconocieron que, dado que prácticamente nada del trabajo de Chandler permaneció en el guion final, su nombre debería ser eliminado de los créditos. [20] Hitchcock prefería que los autores Whitfield Cook y Czenzi Ormonde figuraran en los créditos, pero Warner Bros. quería el prestigio del nombre de Chandler e insistió en que permaneciera. [20]
Incluso mientras la tortuosa etapa de escritura avanzaba lentamente, el entusiasmo del director por el proyecto no tenía límites. "Hitchcock se adelantó a todos: el guión, el reparto, el estudio... partes de la película bailaban como descargas eléctricas en su cerebro". [22] Cuanto más se resolvía la película en su mente, más sabía que su director de fotografía desempeñaría un papel fundamental en la ejecución de las escenas. Encontró exactamente lo que necesitaba en el estudio de Warners en la persona del camarógrafo Robert Burks , que seguiría trabajando con Hitchcock, filmando todas las películas de Hitchcock hasta Marnie (1964), con la excepción de Psicosis . [23] "De perfil bajo y modales apacibles", Burks era "un versátil tomador de riesgos con una inclinación por la atmósfera melancólica. Burks fue una elección excepcionalmente acertada para lo que resultaría ser la película más germánica de Hitchcock en años: las composiciones densas, la iluminación casi surrealista, los efectos ópticos exigentes". [9] Ninguna fue más exigente que el estrangulamiento de Miriam por parte de Bruno, que se ve reflejado en el lente de sus gafas: "Era el tipo de toma con la que Hitchcock había estado jugando durante veinte años, y Robert Burks la capturó magníficamente". [24]
Burks consideró que sus catorce años con Hitchcock fueron los mejores de su carrera: "Nunca tienes ningún problema con él mientras conozcas tu trabajo y lo hagas. Hitchcock insiste en la perfección. No tiene paciencia con la mediocridad en el plató o en la mesa. No puede haber concesiones en su trabajo, su comida o sus vinos". [23] Robert Burks recibió la única nominación al Oscar de la película por su fotografía en blanco y negro. [24]
Con el reparto definido, un guion en la mano y un director de fotografía en sintonía con la visión de Hitchcock a bordo, la compañía estaba lista para comenzar a filmar. Hitchcock tenía un equipo que filmaba imágenes de fondo de las finales de la Copa Davis de 1950 celebradas del 25 al 27 de agosto de 1950 en el West Side Tennis Club en Forest Hills, Nueva York . Mientras estaban allí, el equipo había hecho otras exploraciones de locaciones . [25] Los exteriores se filmarían en ambas costas y los interiores en los estudios de sonido de Warner Brothers.
Hitchcock y su elenco y equipo se trasladaron a la Costa Este el 17 de octubre de 1950. [8] Durante seis días, filmaron en Penn Station en la ciudad de Nueva York, en la estación de tren de Danbury, Connecticut (que se convirtió en la ciudad natal de Guy, Metcalf) y en lugares alrededor de Washington, DC. [8]
A finales de mes, estaban de vuelta en California. Hitchcock había escrito especificaciones exigentes para un parque de atracciones, que se construyó en el rancho del director Rowland Lee en Chatsworth, California . [10] Los exteriores del parque de atracciones se rodaron allí y en un Túnel del Amor real en un recinto ferial en Canoga Park, California . [10] Hitchcock ya había rodado los planos generales del partido de tenis en Forest Hills y añadiría planos más cercanos con Granger y Jack Cushingham, el entrenador de tenis de Granger fuera de la pantalla y el oponente de tenis de Guy, Fred Reynolds, en pantalla en un club de tenis en South Gate, California . [23] El resto del rodaje se llevaría a cabo en los estudios de sonido de Warner, incluidas muchas tomas aparentemente exteriores y en el lugar que en realidad se hicieron en el interior frente a pantallas de retroproyección.
Extraños en un tren marcó una especie de renacimiento para Hitchcock, después de varios años de poco entusiasmo por su producción de finales de los años cuarenta, [26] y se dedicó a la microgestión de parte de su producción. El propio Hitchcock diseñó la corbata de langosta de Bruno, que en un primer plano se revela con pinzas de langosta que la estrangulaban, [27] y "seleccionó personalmente una cáscara de naranja, un envoltorio de chicle, hojas mojadas y un poco de papel arrugado que se usaban para los desechos de la alcantarilla" [23] en la escena en la que Bruno deja caer inadvertidamente el encendedor de Guy por el desagüe pluvial.
También mostró un intenso interés en un detalle poco considerado en la caracterización de los personajes: la comida.
“Las preferencias en cuanto a la comida caracterizan a las personas”, dijo Hitchcock. “Siempre he tenido esto en cuenta, para que mis personajes nunca coman fuera de lo que les corresponde. Bruno pide con gusto y con interés en lo que va a comer: chuletas de cordero, patatas fritas y helado de chocolate. Una muy buena opción para la comida del tren. Y el helado de chocolate es probablemente lo primero en lo que pensó. Bruno es más bien un niño. También es algo así como un hedonista. Guy, por otro lado, muestra poco interés en comer el almuerzo, aparentemente sin haberlo pensado de antemano, a diferencia de Bruno, y simplemente pide lo que parece su elección de rutina, una hamburguesa y café”. [28]
Una de las tomas individuales más memorables del canon de Hitchcock —"se estudia en las clases de cine", dice Kasey Rogers , que interpretó a Miriam [29] — es el estrangulamiento de su personaje por Bruno en la Isla Mágica. "En uno de los momentos más inesperados y estéticamente justificados del cine", [30] el asesinato lento, casi elegante, se muestra como un reflejo en las gafas de la víctima, que se le han soltado de la cabeza y han caído al suelo. El ángulo inusual era una propuesta más compleja de lo que parece. Primero Hitchcock consiguió las tomas exteriores en Canoga Park, utilizando a los dos actores, luego más tarde hizo que Rogers se presentara sola en un estudio de sonido donde había un gran reflector cóncavo colocado en el suelo. La cámara estaba en un lado del reflector, Rogers estaba en el otro, y Hitchcock le indicó a Rogers que le diera la espalda al reflector y "flotara hacia atrás, hasta el suelo... como si estuviera haciendo el limbo". [31] Las primeras seis tomas salieron mal (Rogers cayó al suelo con un ruido sordo y aún le quedaban varios metros por recorrer) [24] , pero en la séptima toma, flotó suavemente hasta el final. La respuesta tranquila de Hitchcock: "Corten. Siguiente toma". [31] Hitchcock hizo que los dos elementos se imprimieran "ingeniosamente" dos veces, [32] dando como resultado una toma de "originalidad extrañamente atractiva [con] una fusión cruda de lo grotesco y lo bello... La estetización del horror de alguna manera permite al público contemplar más plenamente su realidad". [30]
Hitchcock fue, sobre todo, el maestro de las grandes escenas visuales [33] y "quizás la secuencia más memorable de Extraños en un tren sea la pelea culminante en un tiovivo enloquecido". [23] Mientras Guy y Bruno pelean, el juego se sale de control hasta que se hace pedazos, arrojando caballos de madera a la multitud de madres que gritan y niños que chillan. "La explosión culminante del tiovivo fue una maravilla de miniaturas y proyecciones de fondo, primeros planos de actores y otras inserciones, todo ello perfectamente combinado y mezclado bajo la mirada del editor de cine William H. Ziegler ". [9]
Hitchcock tomó un tiovivo de juguete y lo fotografió haciendo estallar una pequeña carga de explosivos. Luego amplió el trozo de película y lo proyectó en una pantalla gigante, colocando a los actores alrededor y delante de él de modo que el efecto fuera el de una multitud de espectadores a la que se lanzan caballos de yeso y pasajeros en un caos mortal. Es uno de los momentos en la obra de Hitchcock que sigue provocando exclamaciones de asombro en todos los espectadores y aplausos de los estudiantes de cine. [34]
La explosión se desencadena por los intentos de un hombre de feria de detener la atracción después de arrastrarse debajo de la plataforma giratoria del tiovivo para llegar a los controles en el centro. Aunque Hitchcock admitió haber acortado la toma (acelerando artificialmente la acción), [35] no fue un truco: el hombre en realidad tuvo que arrastrarse debajo de la atracción giratoria, a solo unos centímetros de una posible lesión. "Hitchcock me dijo que esta escena fue el momento más aterrador para él personalmente en cualquiera de sus películas", escribe la biógrafa Charlotte Chandler . "El hombre que se arrastró debajo del tiovivo fuera de control no era un actor ni un especialista, sino un operador de tiovivo que se ofreció voluntario para el trabajo. "Si el hombre hubiera levantado la cabeza aunque sea un poco", dijo Hitchcock, "habría pasado de ser una película de suspenso a una película de terror". [36]
En la última escena de la llamada versión americana de la película, Barbara y Anne Morton esperan a que Guy llame por teléfono. Hitchcock quería que el teléfono en primer plano dominara la toma, enfatizando la importancia de la llamada, pero la limitada profundidad de campo de las lentes cinematográficas contemporáneas dificultaba que tanto el teléfono como las mujeres estuvieran enfocados. Por eso, Hitchcock hizo construir un teléfono de gran tamaño y lo colocó en primer plano. [29] Anne alcanza el teléfono grande, pero en realidad responde a uno normal: "Lo hice en una toma", explicó Hitchcock, "acercándome a Anne de modo que el teléfono grande saliera del cuadro cuando ella lo alcanzó. Luego, con un agarre, coloqué un teléfono de tamaño normal sobre la mesa, donde ella lo cogió". [29]
La fotografía principal terminó justo antes de Navidad, y Hitchcock y Alma se fueron de vacaciones a Santa Cruz, [27] luego, a fines de marzo de 1951, a St. Moritz, para una excursión europea por el 25.° aniversario. [37]
El compositor Dimitri Tiomkin fue el elegido por Jack Warner para componer la banda sonora de Extraños en un tren . Si bien ya tenía experiencia previa con Hitchcock en La sombra de una duda (1943), y luego componería dos películas consecutivas de Hitchcock, el director y el compositor "simplemente nunca desarrollaron una gran afinidad" [9] y "las películas de Hitchcock no son las mejores de Tiomkin". [9]
Sin embargo, la partitura retoma el tema omnipresente de los dobles —a menudo dobles contrastantes— desde la secuencia del título de apertura: "La primera toma —dos pares de zapatos masculinos, ruidosos versus conservadores, moviéndose hacia un tren— lleva un motivo de bajo áspero contra riffs al estilo de Gershwin, un popurrí de dos partes llamado "Strangers" y "Walking" que nunca se vuelve a escuchar". [38] La poderosa música subraya con precisión las imágenes de esa secuencia del título —el enorme edificio de granito de la Estación Pennsylvania de Nueva York, que reemplaza a la Estación Union de Washington— porque fue compuesta para una orquesta inusualmente grande, que incluía saxofones alto, tenor y barítono, tres clarinetes, cuatro trompas, tres pianos y un novocardio. [39]
Los temas musicales contrastantes de Tiomkin continuaron a lo largo de la película, delineando dos personajes con diferencias sustanciales: "Para 'Guy's Theme', Tiomkin creó una idea vacilante y pasiva, una música hecha a medida para la actuación de Farley Granger". [38] Bruno, quien le dice a Guy en el tren que admira a la gente "que hace cosas", recibe un tratamiento musical más vigoroso de Tiomkin: "La complejidad armónica define los motivos asociados con Bruno: bajos retumbantes, grupos de notas impactantes y armónicos de cuerdas vidriosos. Estos sonidos perturbadores, que se escuchan con un efecto magnífico en pistas como 'The Meeting', 'Senator's Office' y 'Jefferson Memorial', no solo tienen que ver con Bruno, sino con cómo lo perciben aquellos con cuyas vidas se cruza, primero Guy, luego todos los que lo rodean". [38]
Pero quizá la música más memorable de Strangers sea la música de calíope, [9] que se escucha primero en el recinto ferial y de nuevo, más tarde, cuando Bruno está estrangulando a la señora Cunningham en la velada del senador Morton, y experimenta su desafortunado flashback y el consiguiente desmayo. Fue Hitchcock, no Tiomkin, quien tuvo la idea de incorporar los cuatro números evocadores [9] —" The Band Played On ", " Carolina in the Morning ", " Oh, You Beautiful Doll " y " Baby Face "— a la banda sonora:
En uno de los gestos operísticos más explícitos de Hitchcock, los personajes del fatídico carnaval cantan la partitura, dándole una dimensión completa como parte del drama. En una película convencional, la melodía sonaría de fondo como un inteligente telón de fondo irónico. Pero Hitchcock lleva la música a otro nivel. Miriam y los dos novios en su extraño ménage à trois dan vida a "The Band Played On" cantándola en el tiovivo, con fuerza y vigor... Sonriendo siniestramente en el caballo detrás de ellos, Bruno la canta él mismo, convirtiéndola en su lema. La banda sigue tocando mientras Bruno acecha a su víctima y durante el asesinato mismo, sonando a todo volumen desde el frente de la pantalla, para luego retroceder hacia la oscuridad como un inquietante obbligato cuando la condenada Miriam entra en el Túnel del Amor. [40]
"The Band Played On" hace su última repetición durante la pelea de Guy y Bruno en el tiovivo, incluso cambia a un ritmo más rápido y un tono más alto cuando la bala del policía alcanza al operador del paseo y envía el carrusel a su frenético hipervelocidad.
El crítico Jack Sullivan tuvo palabras más amables para la banda sonora de Tiomkin para Strangers que el biógrafo Spoto : "Se ajusta tan perfecta e inevitablemente al diseño de la película que parece un elemento de los guiones gráficos de Hitchcock", escribe. [41] Es una banda sonora que "pasa en gran medida desapercibida". [41]
Con un estreno programado para principios del verano, los agentes de prensa del estudio se pusieron a trabajar a toda máquina a principios de 1951. Hitchcock, fotografiado promocionalmente muchas veces a lo largo de los años estrangulando a varias actrices y otras mujeres (algunas con una mano, otras con dos), se encontró frente a una cámara con los dedos alrededor del cuello de un busto de su hija Patricia; [27] la foto llegó a los periódicos de todo el país. [42] También fue fotografiado añadiendo la letra L a Strangers en el cartel oficial del estudio para la película, [27] cambiando así la palabra a Stranglers .
Un comunicado de prensa de un estudio dio origen a un mito que todavía perdura hoy en día. [43] Tanto Hitchcock como Patricia tenían miedo a las alturas, y el padre le ofreció a su hija cien dólares para que subiera a la noria , pero ordenó que cortaran la electricidad y la dejaran a oscuras en lo más alto de la atracción. El comunicado de prensa embelleció la historia, afirmando que la dejó "colgando en total oscuridad durante una hora", [37] y que luego permitió que su "hija temblorosa" bajara y la liberaran. [37] Aunque ese relato sigue publicándose en libros hasta el día de hoy, "simplemente no era cierto", según Patricia Hitchcock O'Connell. [44] En primer lugar, ella no estaba sola allí arriba: a su lado estaban los actores que interpretaban a los dos novios de Miriam, "y tengo una foto de nosotros saludando". [44] "Esto era algo bueno para los agentes de prensa pagados para provocar emociones y se ha repetido en otros libros para reforzar la idea del sadismo de Hitchcock", [37] pero "[sólo] estuvimos allí dos o tres minutos como máximo... Mi padre nunca fue sádico. La única parte sádica fue que nunca recibí los cien dólares". [44]
Strangers on a Train se estrenó el 5 de marzo de 1951 en el Huntington Park Theatre, con Alma, Jack Warner, Whitfield Cook y Barbara Keon en la fiesta de Hitchcock [27] y ganó un premio del Screen Directors Guild . [45] Se estrenó en Nueva York el 3 de julio, marcando la reapertura del ampliamente remodelado Strand Theatre como Warner Theatre, y en una docena de ciudades de todo el país. [45] Hitchcock hizo apariciones personales en la mayoría de ellas, y a menudo estaba acompañado por su hija.
Algunos comentarios de la audiencia que llegaron a la oficina de Jack Warner condenaron la película por su sórdida historia, mientras que otros fueron favorables. [45] De mayor interés para Warner fue la recaudación en taquilla, y los "ingresos pronto contaron la verdadera historia: Extraños en un tren fue un éxito, y Hitchcock fue declarado en la cima de su forma como maestro del thriller de suspenso oscuro y melodramático". [45]
La película incluye una serie de juegos de palabras y metáforas visuales que demuestran un motivo recurrente de entrecruzamiento, doble traición y cruce del propio doble. Al hablar sobre la estructura de la película, Hitchcock le dijo a Truffaut: "¿No es un diseño fascinante? Uno podría estudiarlo eternamente". [6]
Los dos personajes, Guy y Bruno, pueden ser vistos como doppelgängers . Al igual que en La sombra de una duda , Extraños en un tren es una de las muchas películas de Hitchcock que exploran el tema del doppelgänger . La pareja tiene lo que el escritor Peter Dellolio llama una "simbiosis oscura". [46] Bruno encarna el oscuro deseo de Guy de matar a Miriam, una "encarnación en la vida real de la fantasía de cumplimiento de deseos de Guy". [46]
El tema de los dobles es "el elemento clave en la estructura de la película" [47], y Hitchcock comienza desde el principio de la secuencia del título señalando este punto: hay dos taxis, dos gorras rojas, dos pares de pies, dos pares de raíles de tren que se cruzan dos veces. Una vez en el tren, Bruno pide un par de bebidas dobles: "El único tipo de bebidas dobles que toco", dice con encanto. En el cameo de Hitchcock lleva un contrabajo .
Hay dos padres respetables e influyentes, dos mujeres con gafas y dos mujeres en una fiesta que se deleitan ideando formas de cometer el crimen perfecto. Hay dos grupos de dos detectives en dos ciudades, dos niños pequeños en los dos viajes a la feria, dos ancianos en el tiovivo, dos novios que acompañan a la mujer que está a punto de ser asesinada y dos Hitchcocks en la película. [47]
Hitchcock lleva el tema a su montaje, alternando entre Guy y Bruno con palabras y gestos: uno pregunta la hora y el otro, a kilómetros de distancia, mira su reloj; uno dice con rabia "¡Podría estrangularla!" y el otro, muy distante, hace un gesto de estrangulamiento. [47]
Esta duplicación tiene algún precedente en la novela, pero Hitchcock añadió deliberadamente más detalles, "dictados con profusión rápida e inspirada a Czenzi Ormonde y Barbara Keon durante los últimos días de preparación del guión". [47] Es el sustento de toda la película porque finalmente sirve para asociar el mundo de la luz, el orden y la vitalidad con el mundo de la oscuridad, el caos, la locura y la muerte". [48]
Guy y Bruno son, en cierto modo, dobles, pero en muchos otros aspectos son opuestos . Los dos pares de pies de la secuencia del título coinciden en movimiento y en el corte, pero inmediatamente establecen el contraste entre los dos hombres: el primero lleva unos "vistosos y vulgares zapatos de charol marrón y blanco; el segundo, unos zapatos sencillos y sin adornos para caminar". [49] También demuestran el don de Hitchcock para la hábil narración visual: durante la mayor parte de la película, Bruno es el actor, Guy el reactor, y Hitchcock siempre muestra primero los pies de Bruno, luego los de Guy. Y como es el pie de Guy el que toca el de Bruno por debajo de la mesa, sabemos que Bruno no ha planeado el encuentro. [49]
Roger Ebert escribió que "es esta sensación de dos personajes defectuosos -uno malvado, uno débil, con una tensión sexual no declarada- lo que hace que la película sea intrigante y medianamente plausible, y explica cómo Bruno pudo llegar tan cerca de llevar a cabo su plan". [5]
Son esos defectos los que establecen los verdaderos temas de Strangers. A Hitchcock no le bastaba con construir un mundo de dobles (incluso de dobles contrastantes) en una estructura estrictamente opuesta; para Hitchcock, los polos del bien y el mal, la oscuridad y la luz "no tenían por qué ser mutuamente excluyentes". [5] Difuminar las líneas pone a Guy y a Bruno en un continuo del bien y el mal, y los infinitos matices de gris que hay entre ellos se convirtieron en el lienzo de Hitchcock para contar la historia y pintar a sus personajes.
A primera vista, Guy representa la vida ordenada en la que la gente se atiene a las reglas, mientras que Bruno proviene del mundo del caos, [50] donde son expulsados de varias universidades por beber y jugar. Sin embargo, ambos hombres, como muchos de los protagonistas de Hitchcock, son inseguros e inseguros de su identidad. Guy está suspendido entre el tenis y la política, entre su esposa vagabunda y la hija de su senador, y Bruno busca desesperadamente establecer una identidad a través de acciones violentas y extravagantes (zapatos, corbata con estampado de langosta, nombre proclamado al mundo en su alfiler de corbata). " [51]
Bruno le dice a Guy desde el principio que lo admira: "Ciertamente admiro a la gente que hace cosas", dice. "Yo nunca hago nada importante". Sin embargo, cuando Bruno describe sus "teorías" durante el almuerzo, "Guy responde a Bruno; lo vemos en su rostro, a la vez divertido y tenso. Para el hombre comprometido con una carrera en política, Bruno representa una tentadora liberación de toda responsabilidad". [49] Y en este punto la confusión entre el bien y el mal se acelera: Guy no logra repudiar la sugerente declaración de Bruno sobre el asesinato de Miriam ("¿Qué son una vida o dos, Guy? Algunas personas están mejor muertas") con ninguna fuerza o convicción. "Cuando Bruno sugiere abiertamente que le gustaría matar a su esposa, simplemente sonríe y dice 'Es un pensamiento morboso', pero percibimos la tensión que subyace". [49] La situación se intensifica cuando Guy sale del compartimiento de Bruno y "olvida" su encendedor. "Deja en manos de Bruno su vínculo con Anne, su posibilidad de ascender a la existencia ordenada a la que aspira... Guy, entonces, en cierto sentido, participa en el asesinato de su esposa, y el enigmático vínculo entre él y Bruno se hace evidente." [52]
Después de haber dado a sus personajes cualidades superpuestas de bien y mal, Hitchcock los representó en la pantalla siguiendo un patrón muy estricto, al que se apegó en un grado notable. Ebert escribió:
Hitchcock era un técnico clásico en cuanto al control de sus efectos visuales, y su uso del espacio en pantalla subrayaba la tensión de maneras de las que el público no siempre es consciente. Siempre utilizó la convención de que el lado izquierdo de la pantalla es para los personajes malvados y/o más débiles, mientras que el lado derecho es para los personajes que son buenos o temporalmente dominantes. [53]
En ninguna parte es esto más evidente que en la escena en la que Guy llega a su apartamento de Washington DC y encuentra a Bruno acechando al otro lado de la calle; Bruno mató a Miriam esa noche en Metcalf y tiene sus gafas para dárselas a Guy casi como un "recibo" de que ha cumplido su parte del "trato". "A un lado de la calle, [hay] casas señoriales y respetables; al fondo, a la derecha de la pantalla, se alza la cúpula iluminada del Capitolio de los Estados Unidos, la vida a la que aspira Guy, el mundo de luz y orden". [54] Bruno le cuenta a Guy lo que ha hecho y le da las gafas. "Ahora eres un hombre libre", dice, justo cuando aparece un coche de policía buscando al marido de cierta víctima de asesinato reciente. Guy se esconde nerviosamente entre las sombras con Bruno, literalmente detrás de los barrotes de una valla de hierro; "Me has hecho actuar como si fuera un criminal", dice. "La escena da una expresión simbólica hermosamente exacta de la relación de Guy con Bruno y lo que él representa". [54]
Hitchcock continúa el juego de luz y oscuridad a lo largo de la película: el brillante y claro atuendo de tenis de Guy, versus "la melancolía gótica de la mansión de [Bruno] en Arlington"; [47] el corte transversal entre su juego bajo el sol en Forest Hills mientras el brazo de Bruno se estira en la oscuridad y los escombros del desagüe pluvial tratando de sacar el encendedor; [55] incluso una sola imagen donde "Walker es fotografiado en una toma visualmente impactante como una mancha maligna en la pureza del monumento de mármol blanco de Jefferson, como una mancha en el orden de las cosas". [56]
Aunque sus primeros rumores llegaron en 1947 con el juicio y la condena de los "Diez de Hollywood", el llamado Pánico Rojo estaba ganando fuerza en 1950, con los arrestos relacionados con el espionaje de Julius y Ethel Rosenberg y el juicio de Alger Hiss . Estos eventos fueron el trasfondo de su trabajo, mientras Hitchcock, Cook, Ormonde y Keon preparaban el guion de Strangers , y el estudioso de cine Robert L. Carringer ha escrito sobre un subtexto político en la película. [14] El guionista de Treatment, Cook, utilizó a Guy para hacer de la película "una parábola que desafía silenciosamente la histeria de la Guerra Fría que arrasa Estados Unidos". [14]
Esa histeria apuntaba a los homosexuales junto con los comunistas como enemigos del estado... El Senado de los Estados Unidos estaba ocupado investigando la sospecha de que los "pervertidos morales" en el gobierno también estaban socavando la seguridad nacional, llegando tan lejos como para encargar un estudio, Empleo de homosexuales y otros pervertidos sexuales en el gobierno . [22]
Carringer ha sostenido que la película fue influenciada decisivamente por las investigaciones del Congreso, que convirtieron a Guy en el sustituto de las víctimas del clima homofóbico . [22] "En apariencia, Guy es el estereotipo típico de los estadounidenses, un atleta modesto a pesar de su fama, vestido de manera conservadora", escribió Carringer; es "un hombre de identidad sexual indeterminada que se encuentra en circunstancias que lo hacen vulnerable a ser comprometido". [22] Hitchcock, que había dibujado personajes homosexuales de manera tan nítida pero sutil en La soga en 1948, "seleccionó al izquierdista Cook... expresamente porque se sentía cómodo con personajes sexualmente ambiguos". [14]
Incluso antes de conseguir los derechos de la novela, la mente de Hitchcock estaba llena de ideas sobre cómo adaptarla para la gran pantalla. Limitó el ámbito geográfico al corredor del noreste , entre Washington, DC y Nueva York; la novela se extendía por el suroeste y Florida, entre otros lugares. [22] El equipo de guionistas agregó el partido de tenis (y el montaje cruzado con los problemas de Bruno en el desagüe pluvial de Metcalf), agregó el encendedor, el Túnel del Amor, las gafas de Miriam; de hecho, el parque de atracciones es solo un breve escenario en la novela. [22]
Los mayores cambios de Hitchcock estuvieron en sus dos personajes principales:
El personaje llamado Bruno Antony en la película se llama Charles Anthony Bruno en el libro. [57] En el libro, Bruno muere en un accidente de barco [57] muy lejos de un tiovivo.
En la novela, Guy Haines no es un jugador de tenis, sino un arquitecto prometedor, y efectivamente lleva a cabo el asesinato del padre de Bruno. [57] En la película, "Guy se convirtió en un tipo decente que se niega a cumplir su parte del loco trato..." escribe Patrick McGilligan, "para evitar a los censores". [14] En la novela, Guy es perseguido y atrapado por un detective tenaz. [18]
La escena del tiovivo no está en el libro, pero está tomada del clímax de la novela de Edmund Crispin de 1946 , The Moving Toyshop . [58] Todos los elementos principales de la escena (los dos hombres luchando, el encargado baleado accidentalmente, el tiovivo fuera de control, el gateo debajo del tiovivo en movimiento para desactivarlo) están presentes en el relato de Crispin, [59] aunque no recibió ningún crédito en pantalla por ello.
Tras su estreno en 1951, Strangers on a Train recibió críticas mixtas. Variety la elogió y escribió: "En cuanto a la interpretación, el reparto se destaca. Granger es excelente como el joven acosado que inocentemente está involucrado en un asesinato. El papel de Roman como una chica agradable y comprensiva es un cambio para ella, y lo hace cálidamente efectivo. El papel de Walker tiene un color extremo, y lo proyecta hábilmente". [60]
Por el contrario, Bosley Crowther, del New York Times, criticó la película: "Hitchcock vuelve a lanzar al aire una disparatada historia de asesinato y trata de engañarnos para que pensemos que se sostendrá sin ningún tipo de apoyo... Tal vez haya algunos en la audiencia que también se sientan aterrorizados por las oscuras y amenazantes advertencias del villano y por los elegantes trucos melodramáticos de Hitchcock... Pero, a pesar de todo, su premisa básica de miedo provocado por la amenaza es tan débil y tan absolutamente poco convincente que la historia simplemente no se sostiene". [61] Leslie Halliwell consideró que Hitchcock estaba "en su mejor momento" y que la película "ofrece un entretenimiento de suspenso superior", pero calificó la historia de "insatisfactoria". [62]
En cambio, las críticas modernas han sido abrumadoramente positivas. En Rotten Tomatoes, la película tiene un índice de aprobación del 98% basado en las críticas de 52 críticos, con una calificación promedio de 8,80/10. El consenso del sitio web dice: "Una premisa provocativa y un diseño de escenario inventivo iluminan el camino para la obra maestra diabólicamente entretenida de Hitchcock". [63] Roger Ebert ha llamado a Strangers on a Train un "thriller de primera clase" que considera una de las cinco mejores películas de Hitchcock. [7] Añadió la película en su lista de Grandes Películas . [7] En 2012, The Guardian elogió la película escribiendo "El estudio de Hitchcock sobre la culpa que mancha la condición humana es simplemente una obra maestra cinematográfica tras otra". [64]
David Keyes, que escribió en Cinemaphile en 2002, consideró que la película era una entrada fundamental en su género: "Aparte de su enfoque muy evidente como una película de palomitas de maíz para complacer al público, la película es uno de los ejemplos originales de los thrillers de misterio inspirados en la identidad, en los que el comportamiento humano natural es la fuerza impulsora detrás de lo verdaderamente macabro en lugar de los elementos sobrenaturales. Incluso los esfuerzos clásicos como Fargo y Un plan sencillo parecen impulsados directamente por este concepto..." [65]
En 2001, Almar Haflidason se mostró efusivo con respecto a Extraños en un tren en el sitio web de la BBC : "El recurso favorito de Hitchcock, un hombre corriente atrapado en una red de miedo cada vez más estrecha, sumerge a Guy en una de las películas más diabólicamente efectivas del director. Los lugares comunes de Washington se convierten en siniestros terrenos de caza que reflejan perfectamente el terror progresivo que lentamente consume a Guy, mientras el letalmente suave Bruno lo persigue implacablemente hasta un clímax frenético. Rápido, emocionante y tejido con un estilo perverso, este es uno de los thrillers más eficientes y despiadadamente deliciosos de Hitchcock". [66]
La opinión de Patricia Highsmith sobre la película varió con el tiempo. Al principio la elogió y escribió: "Estoy satisfecha en general. Especialmente con Bruno, que mantuvo unida la película como lo hizo con el libro". Más adelante, aunque todavía elogió la actuación de Robert Walker como Bruno, criticó la elección de Ruth Roman para el papel de Anne, la decisión de Hitchcock de convertir a Guy de arquitecto en jugador de tenis y el hecho de que Guy no asesinara al padre de Bruno como lo hace en la novela. [67] [68]
Según los registros de Warner Bros, la película recaudó $1,788,000 a nivel nacional y $1,144,000 en territorios extranjeros. [1] [69]
El American Film Institute clasificó la película en el puesto número 32 en la lista 100 años... 100 emociones del AFI .
Una primera vista previa de la película, a veces etiquetada como la versión "británica" aunque nunca se estrenó en Gran Bretaña ni en ningún otro lugar, incluye algunas escenas que no están en la película tal como se estrenó o que son diferentes a la misma. [71] Según la biógrafa Charlotte Chandler (Lyn Erhard), al propio Hitchcock no le gustó ni la versión "británica" ni la "estadounidense":
Hitchcock le dijo a Chandler que la película debería haber terminado con Guy en el parque de atracciones después de que lo absolvieran del asesinato de su esposa. Quería que la última línea de la película fuera Guy describiendo a Bruno como "un tipo muy inteligente". Este final, sin embargo, no fue aceptable para Warner Bros. [29]
En 1997, Warner lanzó la película en DVD como un disco de doble cara, con la versión "británica" en un lado y la versión "hollywoodense" en el reverso. Entre las dos versiones de la película, la versión "británica" omite de manera más prominente la escena final en el tren. [71] En 2004 se lanzó una edición en DVD de dos discos que contenía ambas versiones de la película, esta vez con la versión "británica" titulada "Preview Version" (102:49 de duración) y la versión "hollywoodense" titulada "Final Release Version" (100:40 de duración). La película luego estuvo disponible en Blu-ray en 2012 con el mismo contenido que la edición en DVD de 2004. [72]
Strangers on a Train fue adaptada para el programa de radio Lux Radio Theatre en dos ocasiones: el 3 de diciembre de 1951, con Ruth Roman , Frank Lovejoy y Ray Milland , y el 12 de abril de 1954, con Virginia Mayo , Dana Andrews y Robert Cummings . [45]
La obra de la tarde de BBC Radio 4 transmitida el 29 de septiembre de 2011 fue Strangers on a Film de Stephen Wyatt , que da un relato imaginario de una serie de reuniones entre Hitchcock ( Clive Swift ) y Raymond Chandler ( Patrick Stewart ), mientras intentan sin éxito crear el guión de Strangers on a Train .
La película Throw Momma from the Train de 1987 de Danny DeVito se inspiró en Strangers on a Train , que también es vista por el personaje de DeVito en la película. [73] [74]
Una nueva versión cinematográfica para televisión , Once You Meet a Stranger , fue escrita y dirigida por Tommy Lee Wallace , y se emitió en CBS el 25 de septiembre de 1996. La película cambia los géneros de los personajes principales de masculino a femenino, y está protagonizada por Jacqueline Bisset y Theresa Russell . [75]
La trama de la serie original de Netflix de 2022, Do Revenge, está inspirada en Strangers on a Train . En la película, dos compañeros de clase conspiran para acabar con el enemigo del otro como venganza. [76]
En 2021, la película fue seleccionada para su preservación en el Registro Nacional de Cine de los Estados Unidos por la Biblioteca del Congreso por ser "cultural, histórica o estéticamente significativa". [3] En 2022, Time Out clasificó la película en el puesto número 75 en su lista de "Las 100 mejores películas de suspenso de todos los tiempos". [77]
