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Primavera de los Apalaches

Appalachian Spring es un ballet estadounidensecreado por la coreógrafa Martha Graham y el compositor Aaron Copland , posteriormente arreglado como obra orquestal .Copland compuso la música del ballet para Graham por encargo de Elizabeth Sprague Coolidge ; la coreografía original fue de Graham, con vestuario de Edythe Gilfond y escenografía de Isamu Noguchi . El ballet tuvo una buena acogida en el estreno de 1944, lo que le valió a Copland el Premio Pulitzer de Música durante su gira de 1945 por los Estados Unidos. La suite orquestal compuesta en 1945 fue interpretada ese año por muchas orquestas sinfónicas; la suite se encuentra entre las obras más conocidas de Copland, y el ballet sigue siendo esencial en el repertorio de la Martha Graham Dance Company .

Graham era conocida por crear la " técnica Graham " de danza; en la década de 1930, comenzó a encargar partituras a varios compositores, a menudo relacionadas con la historia y la cultura estadounidenses . Casi al mismo tiempo, Copland incorporó características musicales identificables y accesibles del estilo americano para aumentar el atractivo de su música para el público en general; implementó esto por primera vez en ballets anteriores como Billy the Kid y Rodeo . El escenario inicial para Appalachian Spring ideado por Graham fue revisado muchas veces tanto por ella como por Copland; los nombres de los personajes principales se cambiaron numerosas veces y otros personajes de las primeras revisiones se cortaron en la producción final. Originalmente orquestada para una orquesta de cámara de trece piezas, la partitura fue organizada en varias suites por Copland para diferentes propósitos; el ballet original presentó ocho episodios, tres de los cuales fueron cortados en la conocida suite orquestal.

El ballet se desarrolla en un pequeño asentamiento de los Apalaches en Pensilvania en el siglo XIX . Hay cuatro personajes principales: la novia, el marido, la mujer pionera y el renovador; este último está acompañado por cuatro seguidores. [a] Appalachian Spring sigue a la novia y al marido mientras se casan y celebran con la comunidad. Los temas de guerra están presentes en toda la historia; se sugiere que el marido se va a la guerra, lo que causa preocupación y ansiedad entre la comunidad. Los temas de los Shakers también influyeron en el ballet, especialmente en la música, donde Copland incorporó un tema y variaciones de la melodía común de los Shakers " Simple Gifts ".

Historia

Fondo

A finales de la década de 1920 y principios de la de 1930, Aaron Copland pasó gran parte de su tiempo promocionando a compositores y música estadounidenses. [1] Las composiciones de Copland durante esta época se volvieron jazzísticas y disonantes, [2] [3] un estilo que interesaba a pocos. [1] Durante la Gran Depresión , sus posturas políticas de izquierda se fortalecieron, motivadas por abordar las preocupaciones de la gente común. [4] [1] [5] Esto inició la idea de una música que fuera simple y lo suficientemente accesible como para gustar al público en general, [1] [6] un concepto iniciado en su ópera para niños The Second Hurricane (1937) y su exitoso ballet El Salón México (1936). [1] [7] [8] Esta idea de "música ordinaria" está presente en Appalachian Spring ; Copland comentó en una entrevista de 1980 que la música era "simple, cantada, comparativamente sin complicaciones y ligeramente folclórica. Directa y accesible". [9] El compositor solidificó su estilo populista y americano con ballets como Billy the Kid (1938) y Rodeo (1942), [10] [11] ambos usaban canciones de vaqueros y encajaban con los estereotipos populares sobre el Salvaje Oeste . [11] [12] Además, Lincoln Portrait (1942) y Fanfare for the Common Man (1942) recibieron elogios generalizados por sus temas estadounidenses, lo que distingue la versatilidad de Copland como compositor. [13]

Martha Graham fue una bailarina y coreógrafa moderna mejor conocida por crear la " técnica Graham " de danza. [14] [15] La Martha Graham Dance Company originalmente estaba compuesta solo por mujeres debido al feminismo de Graham; esto jugó un papel clave en producciones como American Document (1938), que mezcló momentos importantes en la historia estadounidense con temas nativos americanos y folclore estadounidense . [16] En la década de 1930, comenzó a encargar partituras de varios compositores; los escenarios a menudo involucraban la historia y la cultura estadounidenses . [14]

Encargo y redacción

En 1941, Graham le propuso a Copland un ballet oscuro sobre la figura de la mitología griega Medea ; a pesar de ser un gran admirador de Graham, él declinó la propuesta. [17] Al año siguiente, Erick Hawkins , el bailarín principal de la compañía de baile de Graham, convenció a la mecenas musical Elizabeth Sprague Coolidge para que encargara un ballet a Copland para la compañía de Graham; Copland aceptó felizmente la oferta. [18] Graham propuso primero un escenario titulado « La hija de la Cólquida », que estaba inspirado en la historia de Medea pero ambientado en la Nueva Inglaterra del siglo XIX . Copland lo encontró «demasiado severo», y la idea fue entregada a otro comisionado de Coolidge, Carlos Chávez . [17] En mayo de 1943, Graham envió a Copland un escenario titulado «La casa de la victoria», sobre una pareja de recién casados ​​en un pequeño asentamiento del siglo XIX en Pensilvania . Copland revisó el escenario antes de componer la música, aunque su ocupación con la banda sonora de La estrella del norte provocó que el comienzo de su trabajo se retrasara. [17] [19] [20]

Según el encargo de Coolidge, la orquesta no debía tener más de doce músicos. [17] Copland originalmente planeó orquestarla para cuarteto de cuerdas doble y piano, pero luego decidió agregar un contrabajo, flauta, clarinete y fagot, una partitura similar a la obra de Chávez. [21] Durante la década de 1940, Copland pasó gran parte de su tiempo en la Costa Oeste componiendo música para películas de Hollywood ; como resultado, compuso la música de Appalachian Spring lejos del trabajo de Graham basado en la Costa Este . [22] [23] [24] Como no pudo reunirse con Graham, dependió en gran medida de los diversos escenarios que le enviaron. En total, Copland recibió tres guiones: el original de "House of Victory" y dos revisiones tituladas "Name". [21] [25] Al componer la música, se basó en los tres guiones para idear su propio escenario, que Graham planificó a medida que recibía varios borradores de la partitura. [26] Copland utilizó el título provisional "Ballet para Martha" durante el proceso de composición. [27]

El escenario original, "House of Victory", utilizó personajes basados ​​en arquetipos estadounidenses comunes y se ambientó durante la Guerra Civil , pero también se basó en la mitología griega y la poesía francesa . [b] [29] [30] Cuatro personajes principales estuvieron presentes: la Madre, que representa al estadounidense preindustrial ; la Hija, una valiente pionera; el Ciudadano, un inteligente defensor de los derechos civiles que se casa con la Hija; y el Fugitivo, que encarna al esclavo en la Guerra Civil . [a] [29] [31] [32] Graham basó parte del ballet en sus propias experiencias. Creció en una pequeña ciudad de Pensilvania y más tarde escribió que la Madre estaba basada en su propia abuela. [31] [33] Otros personajes incluyen a la Hermana Menor, Dos Niños y Vecinos. [34] [31] En las revisiones posteriores, se agregó un nuevo personaje: una niña nativa americana para representar la tierra, asociada con la historia de Pocahontas . La niña nativa americana debía actuar como un dispositivo teatral, interactuando con todos en el ballet sin ser reconocida, pero la idea fue descartada en la composición final de Copland. [19] [31] [35] Además, Graham planeó que la Madre dijera extractos del Libro del Génesis a lo largo de la obra, "no en un sentido religioso tanto como en un sentido poético"; [36] esto también fue cortado en el estreno. [37]

El escenario final contó con ocho episodios: [c]

  1. Prólogo: Graham no quería que este episodio de apertura fuera largo; quería que tuviera "una sensación de celebración sencilla". Mientras se encendían las luces, la Madre observaba su tierra. [36]
  2. Valle del Edén: La hija y el ciudadano bailan juntos en un "dúo de cortejo". [36]
  3. El día de la boda: Graham dividió este episodio en dos partes. La primera comienza con un baile entre la hermana menor y los dos niños. El ciudadano exhibe su fuerza antes de llevar a la hija al nuevo hogar de la pareja. En la segunda parte, la hija y el ciudadano bailan una escena de amor en la casa, mientras los que están afuera celebran en una " charivari a la antigua usanza ". [36]
  4. Interludio: Este episodio describe la vida cotidiana en la ciudad durante la siembra de primavera. [36]
  5. Miedo en la noche: El conflicto central del ballet comienza en este episodio. El Fugitivo entra con un solo “incómodo” y “trágico”, que evoca el miedo y el sufrimiento de la Guerra Civil. [36] [38]
  6. Día de la Ira: Este episodio pretendía representar las tragedias de la guerra, acompañadas de música que recordaba a la Guerra Civil. El Ciudadano baila un solo violento "que recuerda a Harper's Ferry y John Brown " mientras los Dos Niños juegan a un juego de guerra. [39] [40]
  7. Momento de crisis: Las mujeres del pueblo se reúnen y su comportamiento sugiere "una histeria apenas reprimida". [41]
  8. El día del Señor: La escena final pretendía representar el « sábado en un pequeño pueblo». La hija y el ciudadano interpretan un dueto de amor fuera de la casa, y el resto de la comunidad asiste a una reunión de avivamiento . [41] [42]

El guion de "La casa de la victoria" incluía un episodio extra después del "Interludio" que presentaba escenas de La cabaña del tío Tom , lo que reforzaba la conexión del ballet con la Guerra Civil; pero, tras la persuasión de Copland, Graham eliminó el episodio de las revisiones. [34] [41] Además, el guion original utilizaba una escena final diferente, donde la hija y el ciudadano se reencuentran en la casa. El segundo guion terminaba con "la ciudad preparándose para pasar la noche" y la hija parada en la valla justo antes de que cayera el telón. El tercer guion presentaba "El día del Señor" tal como aparecería en el escenario final. [41]

Graham recibió la mitad de la partitura en enero de 1944 y comenzó a trabajar en la coreografía. [43] Copland completó la partitura condensada en junio de 1944, y la orquestación se terminó en agosto. [21] El estreno estaba previsto originalmente para el 30 de octubre de 1943 en la Biblioteca del Congreso , que era el cumpleaños de Coolidge. En mayo de 1943, Copland aún no había comenzado a componer el ballet, y dados los problemas adicionales introducidos por la Segunda Guerra Mundial, el estreno se pospuso hasta principios de 1944. [17] A pesar de que se había fijado una nueva fecha límite para la música en diciembre de 1943, todavía no se tenía a la vista una partitura completa, y el estreno se pospuso hasta finales de 1944. [21]

Producción

Un escenario. Hay gente sentada bajo el contorno de una casa a la izquierda; una figura con una capa negra está de pie sobre un tocón.
El conjunto de Isamu Noguchi

Poco antes del estreno, Graham decidió que el título sería "Primavera de los Apalaches". [d] Fue tomado del ciclo de poemas The Bridge [e] de Hart Crane , un poeta estadounidense que también buscaba crear arte estadounidense único; [42] [45] uno de los poemas, titulado Powhatan's Daughter , contenía el verso "¡Oh, primavera de los Apalaches!" [42] [46] El trabajo de Crane fue una gran inspiración para Graham mientras escribía los diversos guiones. [45] [47]

Para construir el decorado, Graham contrató a Isamu Noguchi , escultor y colaborador habitual de la compañía. Mientras planeaba, llevó a Noguchi al Museo de Arte Moderno y le mostró la escultura de Alberto Giacometti El palacio a las 4 am [f] como referencia de lo que quería: [48] algo que representara el interior y el exterior de una casa sin dividirla realmente, una especie de mezcla borrosa. El uso que hizo Noguchi de un contorno de una casa sirvió como metáfora de la idea general de que la obra trataba sobre "la estructura ósea de la vida de un pueblo". [49] [50] El decorado presentaba el contorno de una casa, parte de un porche con una cornisa, una mecedora, una pequeña valla y un tocón de árbol (que servía como púlpito del Revivalista ). [30] [51] Edythe Gilfond creó el vestuario y Jean Rosenthal diseñó la iluminación. [52] [53] [54]

Se realizaron muchos cambios en el escenario después de que se terminó la partitura. La hermana menor, los dos niños y los vecinos fueron eliminados, y el resto del elenco fue renombrado: la hija a la novia; el ciudadano al labrador; la madre a la mujer pionera; y el fugitivo al revivalista . [g] [19] [55] Se agregaron cuatro seguidores del revivalista al elenco para un total de nueve bailarines en el ballet. [55] La coreografía a menudo se desvió tanto del escenario final como de las anotaciones de Copland en la partitura; por ejemplo, el dúo de amor final entre la novia y el labrador se convirtió en un baile entre el revivalista y sus cuatro seguidores. [56] De todos modos, Copland no se irritó por esto, y luego comentó: "Ese tipo de decisión es del coreógrafo, y no me molesta en absoluto, especialmente cuando funciona". [57] El elenco en el estreno estuvo protagonizado por Graham como la Novia, Hawkins como el Marido, May O'Donnell como la Mujer Pionera y Merce Cunningham como el Revivalista. [58] Yuriko , Pearl Lang , Nina Fonaroff y Marjorie Mazia bailaron como los seguidores del Revivalista. [59] [60]

La actuación de Graham fue joven y vivaz, lo que los críticos elogiaron. [61] [62] Por el contrario, Hawkins era más rígido y exhibía la masculinidad del papel, pero los intérpretes posteriores fueron más flexibles con los movimientos. Cunningham, quien coreografió su propio solo durante "Fear of the Night", recibió instrucciones de mostrar una gran ira; Graham luego describió el papel a un nuevo bailarín como "noventa y nueve por ciento sexo y uno por ciento religión: un verdadero hechicero popular, un hombre magnético que tenía poder sobre las mujeres". [61] La visión de Graham para los cuatro Seguidores era la espontaneidad; permanecerían perfectamente quietos hasta que llegara su momento, y cuando bailaran, lo harían con energía y concentración. Agnes de Mille , colega coreógrafa y amiga cercana de Graham, señaló que muchas producciones posteriores presentaban Seguidores lindos y alegres, pero que esta no era la intención original de Graham. [63] Gran parte del contraste entre personajes femeninos y masculinos era intencional. Mientras que los personajes femeninos se mantuvieron vivaces y ligeros, los personajes masculinos eran rígidos y ocupaban mucho espacio. [64]

La prensa describió la coreografía como simple y precisa. [65] [66] [67] A pesar de estar ambientada en un escenario de este tipo, la coreografía no representa explícitamente una boda; más bien, la danza expresa las emociones de personajes individuales. [52] Esta trama no literal permitió una interpretación emocional libre por parte del público. [68] Los movimientos de la Novia presentaban patrones rápidos que se mantenían dentro de una caja imaginaria a su alrededor. Esto contrastaba con la postura estricta del Revivalista y los movimientos fluidos de la Mujer Pionera. [69] Un crítico señaló la soledad de los personajes y su manifestación en sus movimientos, escribiendo: "La separación de las figuras inmóviles... que sus poses enfatizan, sugiere que las personas que viven en estas colinas están acostumbradas a pasar gran parte de su tiempo solas". [70]

Primera carrera y recepción

Appalachian Spring se estrenó el 30 de octubre de 1944 en el Coolidge Auditorium , dirigida por Louis Horst , el director musical de la compañía. [h] [72] [73] El estreno fue el concierto de clausura de un festival de música de cámara de cuatro días en honor al 80.º cumpleaños de Coolidge. [74] [75] Copland no había asistido a ninguno de los ensayos a petición de Graham, y vio por primera vez la actuación completa un día antes del estreno. [76] [26] El ballet fue bien recibido por los críticos y el público. [58] [71] [77] El crítico del New York Times, John Martin, escribió sobre la música: "Aaron Copland ha escrito una partitura de una belleza fresca y cantante. Es, en la superficie, una pieza de la América temprana, pero en realidad es una celebración del espíritu humano". [78] El crítico de Dance Observer, Robert Sabin, escribió sobre la historia: « Appalachian Spring trabaja hacia afuera en las experiencias básicas de las personas que viven juntas, el amor, la creencia religiosa, el matrimonio, los hijos, el trabajo y la sociedad humana». [71] La danza también fue elogiada; Martin continuó: «Hay en toda la obra una sensación muy conmovedora del futuro, del idealismo fino y simple que anima los motivos humanos más elevados». [78] El crítico de danza Walter Terry elogió a Graham en particular, escribiendo en 1953: «La señorita Graham le dio al papel un resplandor maravilloso que dominó todo el ballet». [79] El grupo de bailarines fue elogiado por estar bien entrenado y ser entusiasta. [65] La idea de Copland para la música ordinaria continuó siendo popular; un crítico comentó que era «comprensible incluso para el hombre de negocios aburrido». [34] El propio Copland tenía una opinión modesta del estreno; una semana después, escribió en una carta: «A la gente pareció gustarle, así que supongo que estuvo bien». [80]

La gran demanda de entradas provocó que se repitiera el programa del 30 de octubre la noche siguiente. [81] Poco después del estreno, la Compañía Graham llevó Appalachian Spring de gira por los Estados Unidos con el mismo elenco. El espectáculo de debut de la gira tuvo lugar en Washington, DC , el 23 de enero de 1945. [58] [82] El estreno en Nueva York del ballet tuvo lugar días después de Victory in Europe Day ; los temas populistas estadounidenses del ballet, combinados con el hecho de que Copland ganara el Premio Pulitzer de Música en la misma semana, hicieron que este espectáculo fuera aún más exitoso. [58] [83] [84] Después de que cada actuación agotara las entradas, la gira en Nueva York se extendió una noche. [85]

Actuaciones posteriores

Appalachian Spring sigue siendo una producción esencial en el repertorio de la Martha Graham Dance Company . [52] [86] Debido al alto costo de las licencias, el ballet no fue interpretado por otra compañía hasta 1998, cuando el Colorado Ballet lo puso en escena dirigido por el director artístico Martin Fredmann. [87] En 2013, la Baltimore School for the Arts montó una producción para el "Appalachian Spring Festival" en asociación con la Graham Company, que incluyó una actuación completa del ballet y varias exhibiciones de arte. Fue la primera vez que una compañía no profesional recibió permiso del Martha Graham Center para interpretar el ballet. [88] Appalachian Spring ha sido interpretado por numerosas compañías de danza desde entonces, incluido el Onium Ballet Project en Hawái, [89] el Nashville Ballet en Tennessee, [90] Dance Kaleidoscope en Indiana, [91] y el Sarasota Ballet en Florida. [92]

Muchos consideran que Appalachian Spring es una de las mejores y más famosas obras de Copland; [76] [93] tiene la misma notoriedad en el repertorio de la compañía Graham. [94] [95] El crítico Terry Teachout escribió: "Es probablemente la mejor pieza de música clásica compuesta por un estadounidense. Ciertamente la mejor partitura de danza compuesta por un estadounidense, completamente comparable en calidad a los grandes ballets de Tchaikovsky o Stravinsky . Todo lo mejor de la música estadounidense de mediados de siglo está en esta pieza". [76] Además, el ballet fue esencial para el desarrollo del ballet estadounidense moderno; [96] este y otros trabajos de Copland sobre la música americana representaban los ideales nacionales izquierdistas importantes para la era de la posguerra, [97] pero usaban temas tradicionales, alejándose de las obras aparentemente políticas de muchos artistas neoyorquinos de la época. [98] Lynn Garafola comparó la colaboración de Copland y Graham con la de Stravinsky y Diaghilev ; Mientras que Stravinsky compuso partituras puramente rusas para los Ballets Rusos de Diaghilev , Copland compuso música estadounidense para la compañía de Graham, lo que ayudó a definir la danza estadounidense. [99]

Temas

Cromolitografía de una gran batalla. Un grupo muestra la bandera de batalla confederada y el otro, una bandera estadounidense.
Los temas de guerra, particularmente la Guerra Civil estadounidense , están presentes en toda Appalachian Spring .

Los temas de guerra están presentes en todo el conflicto de Appalachian Spring . [100] [101] El conflicto central comienza en el episodio "Miedo en la noche", donde el Revivalist pronuncia un sermón inquietante . Howard Pollack argumentó que esta escena representaba el espíritu de la incursión de John Brown en Harpers Ferry , algo que podría hacer que el labrador fuera reclutado en la Guerra Civil. Además, el episodio posterior "Día de la ira" puede verse como el labrador partiendo hacia la guerra, representado con olas de despedida. "Momento de crisis" es una expresión de ansiedad y preocupación por el labrador, y "El día del Señor" es una oración por la paz y la seguridad. Cuando el labrador se reúne con la novia al final, Pollack sugiere que esto es en realidad en su imaginación, respaldado además por su gesto final de alcanzar el horizonte. [100] Mark Franko dice que los temas de la Guerra Civil son posiblemente una referencia al movimiento de derechos civiles y la desigualdad racial en curso en los Estados Unidos . [28]

La apertura de la música utiliza disonancias delicadamente colocadas para crear un paisaje de ensueño. En los guiones con los que trabajaba Copland, esta escena debía presentar a la Mujer Pionera sentada "aterradoramente quieta" y mirando su tierra. Elizabeth Crist especula que todo el ballet es el recuerdo de la Mujer Pionera; Crist sugiere que las disonancias en la música representan a la Mujer Pionera reflexionando sobre las dificultades que enfrentó, y que los episodios siguientes son completamente sus propias experiencias. [102] Crist continúa diciendo que cuando se recuerdan los temas iniciales al final del ballet, la Novia se desconecta de la memoria de la Mujer Pionera, convirtiéndose en su propia memoria individual; la Novia se sienta donde se sentó la Mujer Pionera al principio, el contexto ha cambiado a un nuevo tiempo. Crist describe esto como una encarnación del vínculo entre las guerras entre generaciones: como la juventud durante la Segunda Guerra Mundial vio circunstancias similares a la generación de la Guerra Civil, la Novia representa las experiencias comunes de las personas que vivían en el frente interno durante los siglos XIX y XX. [93] La explicación de Graham para esto fue la fluidez del tiempo, donde las generaciones más jóvenes sienten las ramificaciones de las cosas que experimentaron las generaciones mayores. [103]

Los temas de los Shakers también están muy presentes en Appalachian Spring . [104] [105] Esta idea se encuentra en el guión original de "House of Victory", donde se dice que la mujer pionera está sentada en una "mecedora Shaker". [104] [106] El interés de Copland por los Shakers no era nuevo, ya que se convirtieron en un tema común del arte estadounidense durante la Gran Depresión. [104] [105] Después de que Copland incluyera la melodía Shaker " Simple Gifts " en el "Interludio", Graham agregó "The Lord's Prayer" como una posible "reunión Shaker". [i] [108] Copland había decidido usar "Simple Gifts" desde el principio; al extraer un motivo melódico básico de la melodía, creó variaciones sobre él a lo largo de la composición, haciendo referencia a él por primera vez en los compases iniciales. [109] [110] La letra de "Simple Gifts" está conectada con los temas del ballet sobre la paz y el recuerdo en tiempos de guerra: "'Tis the gift to be simple, 'tis the gift to be free". [111]

Instrumentación

El ballet original y la suite posterior para orquesta de cámara están orquestados para: [112] [113] [114]

La suite para orquesta y el arreglo de ballet para orquesta están orquestados para: [115] [116]

Música y trama

Prólogo

\layout { indent = 1\cm } \relative c'' << \new Staff \with { instrumentName = "B♭ Cl." } { \set Staff.midiInstrument = "clarinete" \clef agudo \transposición bes \key b \major \time 4/4 \tempo "Muy lentamente" 4 = 66 { s1 | r2 b\p( | dis4 fis dis fis)~ | fis r } } \new Staff \with { instrumentName = "Vla." } { \set Staff.midiInstrument = "violín" \clef alto \key a \major \time 4/4 \tempo "Muy lentamente" 4 = 66 { r2 a,,4\mp--\upbow( a--) | a1--~\> | a1~\! | a2 } } >>

El ballet se abre con una suave y tranquila tríada en la mayor en el clarinete. [117] [118] El violonchelo sostiene la tónica en la mientras la flauta, el violín y la viola construyen nuevamente la tríada en la mayor, esta vez con el acorde dominante (mi mayor) apilado en la parte superior. Esto crea un paisaje escénico luminoso, pero las disonancias presagian peligro. [119] [120] Copland evoca imágenes de una escena pastoral al terminar los acordes con una tónica profunda en el piano y seguirla con una reiteración de la tríada similar a la de una flauta pastoril. [121] Este poliacorde de apertura, que consiste en la tónica en la mayor y la dominante en mi mayor, se encuentra a lo largo de la partitura como base para muchas de las melodías y tonalidades. [122] El Revivalista entra primero, en la oscuridad, seguido por la Mujer pionera, que toma asiento en su mecedora. Luego, entran el Marido y la Novia; Mientras el labrador se detiene para observar la casa, la luz del día ilumina el escenario. [123] [124] Los cuatro seguidores se unen al revivalista, que ha observado la tierra con la mujer pionera. [54] La apertura de dos minutos ha establecido los temas presentes en todo el ballet, y Copland empleó la construcción ascendente de acordes para representar una " fanfarria no militante ", como Graham describió en los primeros guiones. [54] [125]

Valle del Edén

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Una melodía allegro estalla cuando la hija sale de la casa saltando. [126] Las melodías de "Eden Valley", que pretenden expresar la alegría de la novia, utilizan elementos de un " swing antiguo " descrito en los primeros guiones. [125] La nueva melodía es seguida por una reexpresión alegre del poliacorde del "Prólogo". Un segundo tema similar a un coral se introduce junto al primero. Este coral presenta ritmos extraños entre las diferentes voces; mientras que la línea superior enfatiza el segundo tiempo , la línea de bajo acentúa el primer y tercer tiempo. [127] La ​​música se calma hasta un moderato ; cuando entra el labrador, los ritmos irregulares muestran su movimiento torpe, pero se interrumpe dos veces por el suave coral. [128] [125]

Cuando los dos vuelven a salir de la casa, la pareja baila un dueto, esta vez acompañado de un tema nuevo y más contundente en las cuerdas. Una línea melódica descendente contrasta con el tema coral; esta conexión de temas se ve a lo largo del episodio y fue utilizada por Graham para cambiar fácilmente los personajes. Los dos reciben las bendiciones de la Mujer Pionera y el Revivalista. Esta sección recuerda a la música de la Vaquera de Rodeo , o las partes suaves de Lincoln Portrait para el tema del amor; cerca del final, el clarinete trae de vuelta el coral y la flauta responde, una llamada y respuesta entre la Novia y el Marido. [129] [102] [125] A lo largo del episodio, los Seguidores participan en varios solos grupales; el grupo a menudo presenta un movimiento "en espiral", moviéndose a una posición de rodillas. "Eden Valley" cierra con los Seguidores regresando al banco, cada uno tomando asiento uno por uno. Para ilustrar la estrecha conexión de la coreografía con la música, el momento en que cada seguidor se sienta está marcado por un breve motivo en los instrumentos de viento de madera. [130]

Día de la boda

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Una melodía alegre e infantil surge del clarinete, [131] abriendo la primera parte de "Wedding Day" y significando el comienzo de las festividades. Graham quería que la primera parte tuviera "un poco de sentido de una feria del condado , un poco de una reunión de avivamiento, una fiesta, un picnic"; Copland logra esto relacionando la música con el baile cuadrado y el violín . [132] [125] La música se vuelve más pesada y los ritmos irregulares regresan para el solo del labrador al estilo de Davy Crockett ; el tema del amor regresa en la música más tranquila mientras el labrador lleva a la novia a la casa. [133] La segunda parte de "Wedding Day" representa la "charivari a la antigua usanza" mencionada en los guiones. La música alegre y animada usa escalas y sacudidas rítmicas para evocar la imagen de fiesta y celebración. [111] La novia baila un solo rítmicamente complejo, similar a la danza del marido en la primera parte. Las secciones de instrumentos están claramente divididas por saltos rápidos a través de compases cambiantes . Los ritmos desiguales son reemplazados por corcheas consistentes, comenzando un presto ligero ; aquí, la influencia de Stravinsky en Copland es evidente en las escalas ascendentes y descendentes al estilo de Petrushka . [134] A medida que la música se calma con una reafirmación del coral, el revivalista baila con sus seguidores antes de que el elenco completo salga al escenario. Una repetición de la apertura tranquila (marcada como al principio ) sigue a los personajes mientras salen a caminar; la luz se enfoca en el rostro de la mujer pionera, luego se desvanece en la oscuridad cuando comienza "Simple Gifts". [135] [111]

Interludio

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Copland utilizó la canción de los Shakers « Simple Gifts » durante gran parte de Appalachian Spring , tocándola por primera vez en su totalidad al comienzo del «Interludio». [110] [111] [136] A lo largo del «Interludio», se introducen cuatro variaciones de «Simple Gifts», algunas de las cuales se ajustan a la atmósfera de la acción en el escenario (como una variación que recuerda al clip-clop de los cascos de un caballo). La mayoría de las variaciones dejan la melodía esencialmente igual, cambiando otros elementos de la música, como la armonía y la instrumentación. Esta técnica estaba destinada a representar las vidas de varios habitantes del pueblo haciendo sus rondas diarias, mientras el marido y la novia bailan alegremente. [111] [137] Los dos están fuertemente conectados a lo largo del dúo, lo que se significa por el contacto visual, la facilidad del tacto físico y la apertura del cuerpo. [138] A mitad de la canción, el Revivalista y sus seguidores se suman. El Revivalista hace un solo en estrecha alineación con el fagot, acompañado por los seguidores. [139] Durante la cuarta variación a media velocidad tocada como un canon en los instrumentos de viento de madera, el Revivalista observa predominantemente el animado dúo de la pareja y los sigue mientras entran a la casa. [140] [102] [138]

Miedo en la noche, Día de ira, Momento de crisis

{ \new PianoStaff \with { instrumentName = "Pno." } << \new Staff \relative c,, { \clef bass \key aes \major \time 2/4 \tempo "Fast" 4 = 152 f16\p( c' aes c bes-. r8)\bar "|" } >> }

La música de "Fear of the Night" se sacude y se estremece nerviosamente, similar a "Gun Battle" en Billy the Kid . [141] [142] Los "aguijones" fragmentados, como los llamó Fauser, hacen que la sección rápida sea la parte más "cinematográfica" de la partitura de Copland. [140] El Revivalist se quita el sombrero y se acerca al esposo y la novia que hacen una reverencia. [102] Los cuatro seguidores del Revivalist lo rodean mientras advierte a la pareja de su eventual separación debido a la guerra. [137] Su baile agonizante y frenético fue informado por las experiencias "oscuras" de Peter Sparling , un bailarín de la compañía que bailaría el papel en producciones posteriores; su interpretación emocional influyó en futuros bailarines del papel. [143] El solo del Revivalist usa sacudidas violentas para relacionar la danza con las festividades tradicionales de los Shakers; la sacudida viaja por todo el cuerpo, como un espíritu tratando de escapar del cuerpo. [144] La manifestación asusta a la Novia y la pone en crisis, pero ella rápidamente se reúne con el Marido y acepta los riesgos de su amor. [137]

En "Day of Wrath", Copland estaba "haciendo riffs bastante alegres del policordio arpegiado de la apertura  ... reforzado por un esquivo desplazamiento del ritmo", como describió Fauser. [145] La mujer pionera entra con profunda ira y, después de orar, entra en la casa. El labrador sale de la casa y realiza un solo saltando, donde la música usa una versión distorsionada de la música de "Wedding Day" en la mayor apilada sobre armonías en si menor para evocar angustia mientras se despide con la mano y sale. [145] [146] [147]

La novia abre "Moment of Crisis" corriendo frenéticamente por el escenario, y las otras mujeres se unen a ella en un frenesí ansioso. La música se vuelve apresurada y agitada en un movimiento perpetuo; patrones consistentes de semicorcheas saltan alrededor de la orquesta, sin sentido de dirección musical. [148] [149] La tonalidad es inestable y diferente del lenguaje tonal común utilizado en el resto de la partitura. [145] La música comienza a calmarse y el coral regresa mientras el labrador regresa brevemente para bailar con la novia. Otra variación de "Simple Gifts" subraya la lenta retirada del labrador, y una gran repetición final de la melodía de los Shakers señala el final del miedo mientras la mujer pionera baila con los seguidores. [150] [148] [149]

El día del Señor

{ << \new Staff \relative c'' { \set Staff.midiInstrument = "conjunto de cuerdas 1" \set Staff.midiMaximumVolume = #0.6 \clef treble \key c \major \time 3/4 \tempo "Moderato (como una oración)" 4 = 66 r4 <g ees bes>4--(_\markup { \dynamic pp \italic \small { misterioso } } <fd a>)-- | \time 4/4 <ec g>( <ge! b!>2) <fd a>4~ | \time 3/4 <fd a>) } \new Staff \relative c { \set Staff.midiInstrument = "conjunto de cuerdas 1" \clef bass \key c \major \time 3/4 r4 ees--(\pp g,--) | c( mi!2) re4~ | \time 3/4 re } >> }

Una suave melodía similar a un himno , marcada como "como una oración", se escucha en las cuerdas mientras la comunidad se reúne para orar. [147] [151] [152] El coral se entona una última vez, seguido por el regreso del tema de apertura. [153] Graham escribió que este episodio "podría tener la sensación de una reunión de Shakers donde el movimiento es extraño, ordenado y poseído o podría tener la sensación de una iglesia negra con el éxtasis lírico de lo espiritual". [41] La Novia baila su solo final y termina llevándose la mano a los labios y luego estirándola hacia el cielo. El Labrador regresa y la sostiene brevemente, pero el Revivalist viene y le toca el hombro. [151] Cuando regresa la música del "Prólogo", la Novia se sienta en la mecedora en la que se sentó la Mujer Pionera y ella mira hacia el escenario vacío. El Labrador apoya su mano sobre su hombro y la Novia se estira al escuchar la última nota del clarinete. La música se desvanece lentamente hasta el silencio en el policordio inicial y cae el telón. [93] [94] [154]

Suites

En mayo de 1945, Copland arregló el ballet en una suite para orquesta sinfónica , y muchos directores programaron la obra en las temporadas siguientes. [155] La suite para orquesta se estrenó en octubre de ese año con la Orquesta Filarmónica de Nueva York dirigida por Artur Rodzinski , y fue bien recibida. [115] [156] Otras orquestas estadounidenses expresaron interés en la suite, con la Orquesta Sinfónica de San Francisco , la Orquesta Sinfónica de Pittsburgh , la Orquesta Filarmónica de Kansas City y la Orquesta de Cleveland programándola esa temporada. [157] Su gran éxito hizo que el ballet (entonces de gira) fuera aún más popular, estableciendo a Copland y Graham como artistas muy respetados. [158] El estreno en Viena de la suite orquestal tuvo lugar en noviembre y el estreno en Australia poco después. [159] [160] En enero de 1946, la Martha Graham Dance Company presentó una nueva serie de espectáculos en Nueva York, incluyendo Appalachian Spring en el programa. [161] En mayo de 1946, la suite orquestal había recibido interpretaciones en todo el mundo. [162]

La suite orquestal está dividida en ocho secciones, nombradas por sus marcas de tempo en lugar de los títulos de los episodios en el ballet: "Prólogo", "Valle del Edén", "Día de bodas", "Interludio" y "El día del Señor". [40] En las suites, Copland omitió el conflicto de la historia ("Miedo en la noche", "Día de ira" y "Momento de crisis"), lo que hizo que estos episodios fueran desconocidos para el público y rara vez se grabaran. [40] [111] La popularidad de la suite orquestal llevó a una serie de otros arreglos, incluido un arreglo del ballet completo para orquesta en 1954 y un arreglo de las variaciones de "Simple Gifts" para banda y orquesta posterior (1956 y 1967, respectivamente). En total, existen cinco versiones de Appalachian Spring creadas por Copland; En orden cronológico se enumeran: el ballet original para 13 instrumentos, la suite para orquesta, una versión revisada del ballet para 13 instrumentos, el ballet revisado para orquesta y la suite para 13 instrumentos. La suite orquestal sigue siendo la más conocida. [158]

Grabaciones

La primera grabación de Appalachian Spring fue de la suite orquestal: el estreno de la suite en 1945 por la Orquesta Filarmónica de Nueva York fue grabado y reeditado en 1999. El ballet para orquesta completa fue grabado por primera vez por la Orquesta de Filadelfia en 1954, y Columbia Records lo lanzó cuatro años después. La primera grabación del ballet original fue realizada en 1990 por Andrew Schenck y Hugh Wolff. [163] En 1958, se hizo una película del ballet con Graham en el papel principal y Stuart Hodes bailando el Husbandman. La película fue financiada por WQED , que ya había producido una exitosa película de Graham. Nathan Kroll, un músico que tenía un buen conocimiento de la partitura, dirigió la película y consultó a Louis Horst (el director del estreno) para asegurarse de que la música fuera tal como Copland quería. [163] [164] Otra versión se hizo en 1976 para la serie de películas Dance in America de WNET , con Yuriko en el papel principal. [52] [165] La coreografía de ambas versiones se mantuvo cercana a la original. [166] En 2023, hay más de 150 grabaciones comerciales disponibles de Appalachian Spring . [167]

Notas y referencias

Notas

  1. ^ ab Los nombres de estos personajes fueron cambiados posteriormente (ver § Producción).
  2. ^ En el escenario final, el período de tiempo exacto queda ambiguo y abarca todo el siglo XIX. [28]
  3. ^ Véase Crist (2005, p. 168) para una tabla comparativa de las diferencias entre los guiones de "Nombre" y el escenario final de la Primavera de los Apalaches .
  4. ^ Copland convirtió "Ballet para Martha" en el subtítulo de la obra. [27]
  5. ^ El puente en cuestión es el Puente de Brooklyn en Nueva York. [44]
  6. ^ Vea una imagen de la estatua en el sitio web del Museo de Arte Moderno.
  7. ^ Por razones de coherencia, este artículo utilizará estos nuevos nombres a partir de ahora.
  8. ↑ Appalachian Spring se estrenó junto con otros dos encargos de Coolidge: Hérodiade , con música de Hindemith, y Imagined Wing , con música titulada Jeux de Printemps de Milhaud . [71]
  9. ^ En su autobiografía de 1991, Graham afirmó que escuchó la melodía en una catedral y le pidió a Copland que la incluyera en Appalachian Spring . [107]

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Fuentes

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