Happier Than Ever: A Love Letter to Los Angeles es una película de concierto estadounidense de 2021dirigida por Robert Rodríguez y Patrick Osborne , protagonizada por la cantautora Billie Eilish . Presenta interpretaciones de las 16 pistas del segundo álbum de estudio de Eilish, Happier Than Ever (2021), en el anfiteatro Hollywood Bowl . Está acompañada por otros músicos, incluido su hermano Finneas O'Connell y la Filarmónica de Los Ángeles . Inspirada en películas como ¿Quién engañó a Roger Rabbit? (1988) y Cool World (1992), A Love Letter to Los Angeles combina acción en vivo y animación .
Además de dirigir, Osborne trabajó en la animación en colaboración con Nexus Studios , Zoic Studios y Digital Frontier FX, mezclando imágenes de captura de movimiento con técnicas de rotoscopia . La filmación se llevó a cabo durante una semana en Los Ángeles, principalmente en el Hollywood Bowl, sin público en vivo debido a la pandemia de COVID-19 . El equipo intentó evitar que las actuaciones parecieran demasiado similares, por lo que produjeron paletas de colores y efectos de iluminación distintos para cada canción. A menudo grabaron a Eilish desde distancias cercanas, queriendo crear una sensación de intimidad entre ella y los espectadores.
A Love Letter to Los Angeles se estrenó en exclusiva en Disney+ el 3 de septiembre de 2021. Los críticos elogiaron sus interpretaciones (que consideraron de una calidad similar o mejor en comparación con las versiones de estudio de las canciones), así como su animación, cinematografía y ambientación. Recibió nominaciones a Mejor Película de Austin en los Premios de la Asociación de Críticos de Cine de Austin de 2021 , Mejor Película Musical en la 64.ª edición de los Premios Grammy y Mejor Vídeo de Larga Duración en los Premios MTV a los Video Musicales de 2022 .
La película comienza mostrando una versión animada y bidimensional de la cantautora estadounidense Billie Eilish en un estudio de grabación. Toma un micrófono, abandona el lugar y conduce un Porsche para visitar lugares emblemáticos de Los Ángeles. Mientras tanto, su versión en vivo interpreta las canciones de su segundo álbum de estudio, Happier Than Ever (2021), en el Hollywood Bowl .
Eilish comienza con la canción " Getting Older ", cubierta de luz azul mientras la cámara gira a su alrededor. Las luces cambian a un color rojo anaranjado para "I Didn't Change My Number". Una orquesta sinfónica la acompaña durante las siguientes dos actuaciones, la primera de las cuales es "Billie Bossa Nova". Mientras Eilish canta la siguiente canción, " My Future ", un plano general muestra a su contraparte animada en la azotea del Hotel Roosevelt , mirando a través del horizonte de Los Ángeles y contemplando. La versión animada regresa a su Porsche para conducir por la ciudad a alta velocidad.
De vuelta en el Hollywood Bowl, la Eilish de acción real se prepara para una actuación de " Oxytocin ". Mientras canta la canción, las luces rojas parpadean en el fondo; la pantalla se vuelve en blanco y negro durante dos versos, y ella canta algunas de las líneas finales. La noche pasa, y a la mañana siguiente, la Eilish animada se despierta y se encuentra entre las nubes, a punto de que le broten alas de ángel. Para "Goldwing", un coro de niños interpreta su primer verso, un extracto de un himno religioso. Actúan como coros para Eilish durante el resto del número, y la orquesta reaparece para brindar acompañamiento para acompañar la música electrónica. El coro y la orquesta se van una vez que comienza la siguiente canción, " Lost Cause ". La actuación de Eilish se intercala con tomas del Porsche mientras viaja por Los Ángeles de noche.
Durante "Halley's Comet", Eilish regresa con la orquesta para otro número, y mira hacia arriba para ver el cometa homónimo pasar por el cielo. Su versión animada, sentada en un restaurante vacío, también nota el cometa. Eilish ofrece un interludio hablado con " Not My Responsibility " y monólogos sobre la obsesión del público con su apariencia física. Mostrada como una silueta contra un fondo negro y rojo, su yo animado se quita lentamente la ropa, se divide en clones bifurcados y se sumerge en el agua. Se levanta del agua y luego levita, después de lo cual la cámara vuelve a su yo de acción real, a punto de interpretar "Overheated" con luces rojas y humo a su alrededor. Con "Everybody Dies", la Eilish animada visita un cementerio y la orquesta ayuda con los instrumentales.
Para " Your Power ", Eilish hace un dueto con su hermano Finneas O'Connell , que toca la guitarra acústica . Su contraparte animada llega al teatro Palladium , después de lo cual los paparazzi se reúnen alrededor de la entrada para tomar fotografías. Primeros planos del rostro de Eilish parpadean repetidamente en la pantalla mientras canta " NDA " con voces distorsionadas , y la orquesta aparece una última vez para " Por lo tanto, soy ". Durante la interpretación de la canción principal , la Eilish animada ingresa al Hollywood Bowl mientras un foco sigue cada uno de sus movimientos. Se da cuenta de su contraparte de acción en vivo, que la ve y le sonríe, y se sienta en la primera fila para ver la actuación. La Eilish de acción en vivo mueve la cabeza y se agita por el escenario una vez que aparece la guitarra eléctrica en la canción. Cierra la película con la despojada " Male Fantasy "; cuando termina la canción, aparecen flores por todo el Hollywood Bowl. La Eilish animada, que sigue mirando, desaparece de la vista, con una sonrisa en su rostro.
Eilish nació y pasó sus años de formación en Los Ángeles, donde desarrolló un intenso apego emocional a la ciudad. Como explicó en Good Morning America , "no creo que hubiera tenido nada de lo mismo si no fuera por mi ciudad natal. Le debía algo de amor a Los Ángeles". [7] Se le ocurrió Happier Than Ever: A Love Letter to Los Angeles como una forma de rendir homenaje a la ciudad, con la intención de que fuera sobre la autorreflexión y el crecimiento. [8] [9] Con respecto a su estilo visual, lo imaginó para combinar acción en vivo y animación , una "dimensión en la que [ella] nunca había experimentado", y sintió que Disney la ayudaría con el objetivo. [10]
Eilish contactó a Robert Rodríguez , quien pensó que era el mejor candidato para dirigir, [10] en abril o mayo de 2021. [11] Aceptó involucrarse en el proyecto con su hija, quien estaba dispuesta a ayudar a planificar cómo se vería la contraparte animada de Eilish. Se reunieron con Eilish para discutir ideas para la película y escuchar su segundo álbum de estudio, Happier Than Ever , antes de su lanzamiento. [11] Rodríguez notó que muchas de las canciones contienen letras explícitas o discuten temas maduros, y se preguntó cómo reaccionaría Disney al incluirlas en la película. Por ejemplo, la palabra joder aparece en la canción principal, y un verso en "Male Fantasy" menciona el uso de pornografía para distraerse. [12] Disney optó por censurar joder , pero no otras malas palabras como mierda , maldita sea o perras , [13] ni los temas de las canciones. [12]
Eilish también contó con la ayuda de Patrick Osborne , un animador de varias películas de Disney, para codirigir y trabajar en la animación y el diseño visual. [14] [15] Para la ambientación de la película, le encargó que creara una representación romántica de Hollywood , con el objetivo de lograr un aspecto noir vintage . Al conceptualizar la estética de A Love Letter to Los Angeles , se inspiró en películas de los años 80. [11] [16] [15] Osborne se enteró de que Eilish era fanática de películas como ¿Quién engañó a Roger Rabbit? (1988) y Cool World (1992), que combinaban acción en vivo con animación, por lo que las usó como punto de referencia para el diseño visual. [15] [17] Eilish también le dijo que quería que su contraparte animada se sintiera como una versión idealizada de sí misma, [15] y él decidió darle un aspecto de femme fatale al personaje para reforzar las inspiraciones de la película. [15]
El trabajo en A Love Letter to Los Angeles comenzó a fines de junio de 2021, [11] cuando Disney+ se comunicó con Nexus Studios sobre el proyecto. [16] Darkroom e Interscope , los sellos discográficos de Eilish, manejaron la producción de la película en asociación con Nexus Studios y Aron Levine Productions. [16] [18]
La filmación de las secuencias del concierto se llevó a cabo en el Hollywood Bowl, sin público en vivo debido a la pandemia de COVID-19 . Kerry Asmussen dirigió y coreografió las escenas correspondientes. [11] [14] Otros músicos que aparecieron incluyen a Finneas O'Connell, el baterista Andrew Marshall, el guitarrista Romero Lubambo , el director Gustavo Dudamel y la Filarmónica y Coro Infantil de Los Ángeles . [3] [5] Interpretaron las 16 canciones del álbum en el orden en que aparecen en su lista de canciones. [11] [19] Para evitar filtrar accidentalmente el álbum a los transeúntes, todos en el set escucharon las actuaciones a través de auriculares. [11]
La fotografía principal se completó durante la primera semana de julio. [11] [15] [20] Según Osborne, el horario de rodaje del equipo en el Hollywood Bowl era de 7 pm a 4 am [15] Dado que A Love Letter to Los Angeles se filmó sin una audiencia en vivo, el equipo pudo mover sus cámaras libremente, pudiendo obtener ángulos que serían imposibles de lograr si hubiera gente en el lugar. [11] [14] Se utilizaron al menos 10 cámaras para adquirir imágenes, junto con steadicams , grúas y grandes drones Alta-X . [11] [20] Las escenas que involucraban a la Filarmónica de Los Ángeles tuvieron que filmarse juntas en una noche por consideraciones de producción. [14] [20]
Para las viñetas animadas, el equipo grabó en varias ubicaciones alrededor de Los Ángeles, utilizando el metraje para crear el viaje del personaje animado a través de la ciudad. [16] Colocaron la mayoría de las escenas entre cada interpretación de una canción. Durante la filmación, también construyeron un estanque reflectante , una antigua característica del Hollywood Bowl que separaba a los artistas de los miembros de la audiencia, y lo construyeron en lugar de algunos de los asientos del lugar. Se reflejaba en sí mismo, lo que hacía que el Hollywood Bowl pareciera un círculo completo en lugar de un semicírculo. [11] [14] En opinión de Osborne, los motivos cáusticos reflejados por el estanque en el Hollywood Bowl proporcionaron efectos visuales que recordaban a la película Blade Runner (1982). [15]
Pablo Berron fue el director de fotografía de A Love Letter to Los Angeles . [16] Colaboró con el director de fotografía aérea Sam O'Melia, [20] el técnico de imágenes digitales Dan Skinner, el técnico de iluminación jefe Konrad Sigurdsson y el diseñador de iluminación de la gira de Eilish Tony Caporale. [21] Una vez que Berron aprendió todo lo que necesitaba saber sobre el proyecto, se sorprendió; comparó el cronograma de rodaje con filmar cuatro videos musicales por noche. Después de pensarlo un poco, decidió filmar la película con la cámara Sony Venice , debido a su mayor velocidad de película y mejor conexión, en resolución 6K con una relación de aspecto de 1.78:1 . Usando una tabla de búsqueda 3D de Company 3 de un proyecto anterior, las imágenes para él se sintieron cercanas a las producidas por película . Los instrumentos ópticos esféricos fueron diseñados por Panavision para, como pretendía Berron, crear una apariencia anamórfica . [20] Se sintió aliviado de que no hubiera multitud durante el rodaje porque significaba que todas las luces se enfocarían en Eilish. En una entrevista con CineD , Berron explicó que este enfoque le permitió filmarla a una distancia muy cercana, y que "realmente quería" hacerlo porque crearía una sensación de intimidad entre ella y los espectadores. [20] [21]
El equipo intentó evitar que las actuaciones se sintieran demasiado similares entre sí. [11] [14] Durante una entrevista con Sony Cine , Berron dijo que inicialmente planearon un aspecto vintage, "clásico de la vieja escuela de Hollywood" para cada escena del concierto. Después de conocer gradualmente la personalidad de Eilish, a la que Berron llamó "alta energía", decidieron que ceñirse a una atmósfera visual durante toda la película no era apropiado. Por lo tanto, durante ciertas canciones, el equipo usó máquinas de humo y láseres o se volvió "loco" con el manejo de las cámaras de mano. Caporale también asignó a cada actuación su propia paleta de colores y efectos de iluminación, y Berron y su equipo escucharon atentamente cada canción para determinar cuándo ajustar las luces. Emplearon solo técnicas de contraluz durante los primeros planos de Eilish, instalaron luces de relleno para ajustar el contraste cuando fue necesario y, ocasionalmente, colocaron "luces de películas antiguas" debajo de ella como iluminación clave , para resaltar los elementos teatrales de algunas escenas. [20] [21]
Osborne trabajó en las secuencias animadas de la película con Nexus Studios, con la ayuda de las compañías de efectos visuales Zoic Studios y Digital Frontier FX. [16] [15] Sallyanne Massimini se desempeñó como supervisora de efectos visuales de los estudios. [15] Según Osborne, Nexus fue responsable de animar las "partes más mágicas y surrealistas de la historia", mientras que los otros estudios trabajaron en las "partes más realistas". [16] Agregó que alrededor de cinco o seis personas con sede en Los Ángeles, Londres y Sídney trabajaron en la animación. [15] [22]
Animar a Eilish fue un "verdadero desafío" para Osborne, que tuvo 12 semanas para realizar el trabajo. Tuvo poco tiempo para capturar su disposición física para la versión "de la vieja escuela" del proceso de rotoscopia , que tuvo que hacer antes de que ella se embarcara en las secuencias del concierto. Su solución fue ponerle un traje de captura de movimiento , habiendo previsualizado cómo lucirían las escenas para el rodaje correspondiente, y renderizar la animación resultante. [16] [15] Para mantener el aspecto de los años 80, Osborne hizo rotoscopia sobre la animación de captura de movimiento. [16]
Osborne utilizó el programa Blender para editar la captura de movimiento, de la que había alrededor de 90 minutos de metraje. Él y su equipo hicieron guiones gráficos simples para las secuencias animadas, alrededor de un dibujo para cada toma. Crearon alrededor de 12 minutos de metraje animado y terminaron el proceso de edición en la semana del 20 de agosto de 2021. [15]
Eilish anunció A Love Letter to Los Angeles el 22 de julio de 2021, ocho días antes del estreno de Happier Than Ever . Se reveló un avance junto con el anuncio. [23] [24] [25] Otro avance se estrenó el 4 de agosto de [26] y un avance oficial se estrenó 20 días después. [2] [27] El primer clip ofreció un pequeño vistazo de la animación de la película; los otros dos se centran más en ese elemento. [28]
Después de que se revelaron los avances, muchos periodistas compararon inmediatamente al personaje animado de Eilish con una princesa de Disney , [17] incluyendo a Athena Serrano de MTV News y Gill Kaufman de Billboard . [19] [29] Ben Pearson de /Film la comparó con una versión menos sexualizada del personaje Holli Would de Cool World . [30] Tres días antes de la proyección de la película, Eilish compartió un video de la actuación de "Oxytocin" en las redes sociales. [31] [32] [33] Lanzada como exclusiva de Disney+, [34] [35] A Love Letter to Los Angeles se estrenó mundialmente el 3 de septiembre de 2021. Disney+ puso la película a disposición para verla con Dolby Vision y Dolby Atmos . [36]
Larisha Paul, escritora de la Academia de la Grabación , citó la libertad de la fama como un tema recurrente de A Love Letter to Los Angeles . En la película, la contraparte animada de Eilish conduce por el vecindario de Highland Park , donde solía vivir antes de mudarse debido a preocupaciones de seguridad, como experiencias con acosadores . [22] Ella hace referencia a encuentros similares que violan la privacidad en las letras de "Getting Older", "Billie Bossa Nova" y "NDA". [37] Según Paul, la contraparte animada, al viajar por varios lugares de Los Ángeles, demuestra la libertad que la Eilish de acción real no posee, recordando a los espectadores la vida que tenía antes del éxito masivo de su álbum de estudio debut, When We All Fall Asleep, Where Do We Go? (2019). Mientras conduce, ve muchas vallas publicitarias utilizadas para promocionar Happier Than Ever en las carreteras de la ciudad. En opinión de Paul, esto refuerza “la ineludibilidad férrea de la fama” y las conversaciones que resultan de ello, como las mencionadas en el interludio “No es mi responsabilidad”. [22]
En una reseña para Billboard , Sydney Urbanek analizó cómo Los Ángeles podría conectarse con la trama de la película. Su argumento fue que la ciudad funciona como un escenario para las historias contadas a través de las letras del álbum; interpretó la trama como el intento de Eilish de arreglar su relación distanciada con Los Ángeles, causada por ciertas experiencias traumáticas discutidas en las canciones que interpreta. Para respaldar esto, citó la exploración del álbum de las relaciones pasadas de Eilish y la falta de privacidad. Urbanek también señaló una línea en la penúltima canción, la canción principal, que dice "Nunca me trataría así de mal / Hiciste que odiara esta ciudad". Llamó a su actuación el momento culminante de la película, [37] un sentimiento que Paul compartió. Al hablar del encuentro de Eilish con su contraparte animada durante la escena, Paul dijo: "[su] tema constante de soledad, y la autonomía que se encuentra dentro de eso [...] habla de la única consistencia entre dónde ha estado Eilish y hacia dónde se dirige: ella misma". [22]
Algunos críticos consideraron que A Love Letter to Los Angeles era una película que los fans de Eilish disfrutarían. Johnny Loftus recomendó verla en una reseña para el sitio web Decider , seguro de que "haría que su creciente base de fans se desmayara", [38] y Jennifer Green, autora de Common Sense Media , escribió que los seguidores de Eilish "disfrutarían analizando sus letras en busca de detalles biográficos y referencias" mientras veían la película. [13] Urbanek consideró su lanzamiento como una forma de satisfacer a los fans con actuaciones en vivo antes de que pudieran ver a Eilish durante la gira mundial en apoyo del álbum. Sin embargo, advirtió contra reducirlo a un "mero regalo" para ellos: "simplemente hay demasiado en juego conceptualmente como para descartarlo como [tal]". [37]
El escenario del Hollywood Bowl fue motivo de comentarios para dos críticos, que lo elogiaron por reforzar eficazmente la premisa de homenaje de la película. Teo Bugbee, del New York Times , que calificó la elección del lugar como el "mejor homenaje" a Los Ángeles, señaló que el lugar del concierto estuvo vacío durante todo el metraje, argumentando que esto resaltaba bien el "embrujo estelar" de la ciudad. [39] La colaboradora de Uproxx Rachel Brodsky estuvo de acuerdo y encontró la elección apropiada debido a la importancia del Hollywood Bowl para las escenas musicales y cinematográficas de Los Ángeles. [40]
La película recibió algunos elogios por su animación y cinematografía. Urbanek elogió la forma en que A Love Letter to Los Angeles mezcló la animación con imágenes de acción en vivo, y encontró que la variedad en el trabajo de cámara era apropiada para un álbum que es variado en temas y tonos. [37] Loftus se centró en su uso de la iluminación, así como en la estética y los esquemas de color empleados para las secuencias animadas; creía que las secuencias lograron establecer el estado de ánimo de las actuaciones a pesar de verse sustancialmente diferentes de las imágenes en vivo. [38] A diferencia de Urbanek y Loftus, Green escribió que las escenas de la Eilish animada eran innecesarias. Para ella, la música y el personaje de acción en vivo hacen lo suficiente para transmitir las emociones correctas y las historias contadas por las canciones. [13]
Los números de concierto fueron otro aspecto de la película que los críticos elogiaron. Pensaron que las interpretaciones en vivo de las canciones sonaban tan bien o mejor que sus versiones de estudio, y a menudo atribuyeron la calidad a la participación de la Filarmónica de Los Ángeles. [37] [40] [41] Loftus quedó impresionado por la voz de Eilish, a la que llamó "impresionante"; percibió una mejora en su voz y vio la película como una oportunidad para que ella demostrara su capacidad para cantar en vivo. Concluyó que las interpretaciones en A Love Letter to Los Angeles enfatizaban correctamente el arte, la música y el carácter matizado de Eilish a pesar de todas las narrativas de los medios sobre ella. [38]
Callie Ahlgrim de Insider seleccionó las interpretaciones en vivo de algunas de sus canciones favoritas del álbum: "Oxytocin", "Halley's Comet" y la canción principal, como los momentos destacados de la película. [41] Urbanek pensó que la interpretación de la canción principal perdió algo de impacto como resultado de la censura de Disney de la palabra " fuck" en la letra, pero escribió que la naturaleza catártica de la canción aún se conserva en la película. [37] La interpretación de "Goldwing" fue elogiada en varias críticas; se consideró más hermosa que la versión de estudio de la canción gracias a la presencia del Coro de Niños, del que Eilish solía ser miembro. Los críticos encontraron sentimental su reencuentro a través de la película. [38] [37] [40] [41]
En una nota más crítica, Ahgrim no quedó impresionada con la película en su conjunto, y consideró que sin ningún riesgo conceptual memorable o un "zumbido palpable" de una audiencia en vivo, A Love Letter to Los Angeles se sintió decepcionante como el álbum en sí. [41] Mientras tanto, Brodsky escribió que la ausencia de una audiencia hizo que la experiencia de visualización fuera más reconfortante. Para Brodsky, las críticas se dirigieron en cambio hacia los esquemas de color monocromáticos de las actuaciones y la voz de Eilish, que pensó que parecía pregrabada y no en vivo. [40]
A Love Letter to Los Angeles fue preseleccionada como Mejor Película de Austin en los Premios de la Asociación de Críticos de Cine de Austin de 2021 , celebrados el 11 de enero de 2022. Otros contendientes incluyeron los estrenos de 2020 The Carnivores , The Get Together y Queens of Pain , así como el ganador Without Getting Killed or Caught (2021). [42] [43] El 23 de noviembre de 2021, la Academia de la Grabación anunció los nominados a la 64.a edición anual de los Premios Grammy , que incluyeron a A Love Letter to Los Angeles como Mejor Película Musical . [44] La ceremonia se llevó a cabo el 3 de abril de 2022 y el documental Summer of Soul (2021) ganó el premio. [45] A Love Letter to Los Angeles también fue nominada a Mejor Video de Larga Duración en los MTV Video Music Awards de 2022. [ 46]
