Autorretrato

El autorretrato se define como un retrato hecho de la misma persona que lo realiza.

En ese tiempo solo los dioses, los ricos y poderosos tenían el privilegio de inmortalizar su imagen.

[1]​ El arte medieval vio una primera difusión del autorretrato, pero siempre en forma que contextualiza la obra en su conjunto y nunca como un género independiente.

[2]​ Entre las razones para la inexistencia del autorretrato como un género artístico separado estaban la escasa importancia que el arte medieval atribuía al parecido fisonómico de las personas representadas en los retratos.

[3]​ Giorgio Vasari trajo noticias de algunos autorretratos ejecutados por Giotto (1267-1337): en el Castello Nuovo de Nápoles, el pintor habría creado un círculo que representa a hombres famosos; en Gaeta "su propio retrato con un gran crucifijo" se añadiría a algunas escenas del Nuevo Testamento, mientras que en Florencia lo haría el retrato junto a Dante en la Capilla del Palazzo del Podesta.

Las causas del nuevo interés que los artistas comenzaron a sentir hacia la representación de su rostro eran técnicas, culturales y sociales.

[5]​ Este privilegio quedó casi exclusivamente reducido a los hombres, apareciendo los primeros autorretratos femeninos en el Renacimiento.

La figura del artista pasó de una dimensión puramente técnico-artesanal a una más marcadamente creativa y cultural.

En el siglo siguiente, incluso muchos artistas tomaron prestigio incluso en las artes liberales o ciencias: Piero della Francesca era un matemático de talento, Leon Battista Alberti y Lorenzo Ghiberti fueron apreciadas teóricos, Leonardo da Vinci se convirtió en uno de los científicos más famosos y multifacéticos.

Así, en dos siglos, el papel del artista completó una verdadera "escalada social", que lo colocó en una posición de absoluto prestigio cultural.

La práctica de firmar las propias obras se generalizó como consecuencia lógica, lo que ayudó a llamar la atención no solo sobre el trabajo sino también sobre su autor, y sobre la consideración del propio rostro como un tema digno de atención y representación artística.

Esta tendencia, aún tardíamente medieval, estuvo particularmente de moda en el siglo XV y principios del XVI.

[15]​ A nivel emocional, cruzar la mirada del artista al mismo tiempo representa para el observador "un momento muy emotivo y atrapante, un precioso contacto personal con la obra de arte".

La autonomía de este tipo probablemente fue inaugurada por Jean Fouquet cuyo autorretrato autónomo en un medallón se conserva en el Museo del Louvre, fechado en 1450 y, por tanto, considerado el primer autorretrato de la historia.

El primero en ser ejecutado fue el Autorretrato a la edad de trece años (1484), un dibujo en que ya se nota una gran habilidad técnica; del que el autor nunca más se separó, fijando años más tarde en la parte superior de la hoja la anotación "En 1484 dibujé mi forma basada en una imagen en espejo cuando yo, Alberto Durero, era todavía un niño".

[22]​ En cuanto a las pinturas, el artista alemán se retrató en tres obras particularmente conocidas.

Mientras tanto, la clave expresiva más tradicional del autorretrato, que es el testimonio de la propia actividad pictórica, permaneció en boga.

Pintores particularmente representativos en este sentido fueron, en particular, Antoon van Dyck y su maestro Pieter Paul Rubens.

[8]​ El primer Autorretrato con golilla (1629) devuelve la imagen de un joven arrogante, que quería emular la gloria que el prestigioso Rubens disfrutaba en la cercana Amberes, a la vez que aplicaba de manera personal y con una técnica prodigiosa los últimos hallazgos del tratamiento de la luz y el claroscuro derivados del genial Caravaggio.

A continuación, comenzó un lento declive en el ser humano, con la muerte de su esposa Saskia en 1642, su hijo Tito en el año 1668, los problemas con los clientes, las dificultades financieras que le obligaron a vender sus pertenencias en pública subasta y la vejez que se avecina.

[10]​ En este tipo de trabajos, en el que el pintor hizo hincapié en su papel, con los autorretratos en un entorno lujoso y ropa elegante, mostrando medallas y premios otorgados por sus clientes: no solo describe la profesión, sino que afirma su prestigio.

Al final del siglo también hubo algunos autorretratos de Anton Raphael Mengs y Jacques-Louis David.

[35]​ Del mismo modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro, Claude Monet y Paul Cézanne han prestado más atención a la imagen que querían dar de sí mismos y de su papel.

Los jóvenes pintores románticos comenzaron a considerar el arte como una vocación, más que una profesión normal, y la carrera artística solía ser ya una elección libre de los jóvenes, incluso en contraste con las familias, a tal punto que dedicar la propia vida al arte a menudo se consideraba un acto de rebelión familiar y social.

El énfasis del concepto de vocación por el arte como una opción existencial llevó cada vez más a esnobismo en relación con los ingresos y el logro económico y social, así como a un enfoque diferente, si no a un rechazo, al cliente, y creció en consecuencia la ostentación en los autorretratos de actitudes suficientes.

Las mismas características se pueden encontrar en los retratos que los pintores románticos hicieron a otros artistas, escritores y músicos.

En sus autorretratos y en general en la mayoría de su producción pictórica, Edgar Degas hizo estas potencialidades bastante evidentes.

Significativos en este sentido son los autorretratos de Picasso, Max Beckmann y Ernst Ludwig Kirchner,[2]​ que en su autorretrato muestra su mano amputada, testimonio de la experiencia bélica, cuyas consecuencias marcaron al pintor y lo condujeron al suicidio.

[44]​ El tríptico de «Los tres estudios para un autorretrato», fue posterior (1980) cuando ya era septuagenario, y muestra su obsesión por la muerte.

Otra es el escaso uso del espejo, por ser un simbolismo negativo como exponente de vanidad femenina.