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El teatro de juguete , también llamado teatro de papel y teatro de modelos (también deletreado teatro , véase diferencias ortográficas ), es una forma de teatro en miniatura que se remonta a principios del siglo XIX en Europa. Los teatros de juguete a menudo se imprimían en hojas de cartón y se vendían como kits en los puestos de venta de una ópera , teatro o teatro de vodevil . Se montaban teatros de juguete en casa y se representaban para familiares e invitados, a veces con acompañamiento musical en vivo. El teatro de juguetes experimentó una drástica caída en popularidad con un giro hacia el realismo en los escenarios europeos a finales del siglo XIX, y nuevamente con la llegada de la televisión después de la Segunda Guerra Mundial . [1] El teatro de juguetes ha experimentado un resurgimiento en los últimos años entre muchos titiriteros , autores y cineastas y existen numerosos festivales internacionales de teatro de juguetes en América y Europa. [2] [3]
Los teatros de juguete originales eran réplicas producidas en masa de obras de teatro populares, vendidas como kits que la gente montaba en casa, incluyendo escenario, escenografía, personajes y vestuario. Estaban impresos en cartón, disponibles en teatros ingleses y bibliotecas comerciales por "un centavo simple o dos peniques de color". Los aficionados a menudo se esforzaban mucho no sólo en colorear a mano sus escenarios, sino también en embellecer sus personajes de teatro de juguete con trozos de tela y oropel; Los personajes impresos con oropel se pueden comprar pre-oropel o se puede comprar una amplia gama de suministros para el oropel en el hogar. Así como los escenarios del tamaño de un juguete disminuían la escala de una obra, sus guiones correspondientes tendían a abreviar el texto, reduciéndolo a personajes y líneas clave para una presentación más corta y menos complicada.
En la primera mitad del siglo XIX, más de 300 de las obras más populares de Londres consideraron el tema como teatros de juguete. Los editores enviaron artistas a los teatros del Londres georgiano y de principios de la época victoriana para registrar los paisajes, el vestuario y las actitudes dramáticas de los mayores éxitos de la época. La dirección del teatro a menudo proporcionaba a estos artistas un asiento gratuito, ya que las láminas del teatro de juguete eran una excelente publicidad gratuita. [4]
El teatro escénico de principios del siglo XIX se había basado más en el espectáculo que en la profundidad de la trama o los personajes, y estas características se prestaban efectivamente al formato del teatro de juguete. Hacia finales del siglo XIX, el drama popular europeo había cambiado su preferencia hacia la tendencia del realismo , marcando un giro dramatúrgico hacia la complejidad psicológica, la motivación de los personajes y los escenarios que utilizaban elementos escénicos tridimensionales ordinarios. Esta tendencia en el teatro escénico no facilitó una conversión a su contraparte de juguete, y como los dramas fantásticos de cincuenta años antes pasaron de moda, los teatros de juguete que permanecieron impresos cayeron en la obsolescencia.
A pesar de su caída en popularidad, el teatro de juguetes permaneció en el ámbito de artistas influyentes que defendieron su resurgimiento. En 1884, el autor británico Robert Louis Stevenson escribió un ensayo en homenaje a la pequeña grandeza del teatro de juguete titulado "Penny Plain, Twopence Coloured" en el que ensalzaba las virtudes de los dramas proporcionados por Pollock . [5] [6] Otros autores infantiles como Lewis Carroll y Hans Christian Andersen también incursionaron en el teatro de juguetes, al igual que Oscar Wilde . Los hermanos Jack y William Butler Yeats utilizaron teatros de juguete como maquetas de su trabajo artístico y escénico. En el siglo XX, el teatro de juguete se convirtió en una herramienta de vanguardia , con la que se metieron el fundador futurista FT Marienetti y Pablo Picasso . Directores de cine como Ingmar Bergman y Orson Welles utilizaron teatros de juguete como escenario para sus obras maestras cinematográficas, y Laurence Olivier incluso hizo un teatro de juguete de su versión cinematográfica de Hamlet , producida en masa con un pequeño recorte de papel de él mismo en el papel protagonista. Pero después de su segunda ola de auge, el teatro de juguete cayó en una segunda recesión, reemplazada en la década de 1950, por una caja diferente en las salas de estar de la gente que no necesitaba operador en vivo y cuyos decorados, personajes, historias y números musicales se transmitían electrónicamente desde kilómetros de distancia. para ser proyectado sobre el cristal de un tubo de rayos catódicos: televisión.
El teatro de juguetes ha experimentado un resurgimiento en las últimas décadas. Coleccionistas y tradicionalistas interpretan versiones restauradas de obras victorianas mientras titiriteros experimentales superan los límites de la forma, adaptando las obras de Isaac Babel e Italo Calvino , así como las de narradores anónimos, amigos, vecinos, parientes y ellos mismos. El teatro de juguete contemporáneo puede utilizar cualquier tecnología disponible y cubrir cualquier tema, y regularmente se celebran numerosos festivales internacionales de teatro de juguete en América y Europa, que atraen a muchos actores, músicos y autores de renombre a sus escenarios.
Los teatros de juguete producidos en masa suelen venderse como láminas impresas, ya sea en blanco y negro para colorearlas como se desee, o como imágenes a todo color del proscenio , la escenografía, los decorados, la utilería y los personajes. Las hojas se pegan sobre cartón fino , se recortan y luego se ensamblan con el fin de recrear una obra de teatro. Las figuras están unidas a pequeños palos, alambres o configuraciones de cuerdas que les permiten moverse por el decorado. Algunos teatros de juguete y figuras están realzados con partes móviles y efectos especiales, y es común que las presentaciones incluyan música y efectos de sonido en vivo o pregrabados.
