La música chilena se refiere a todo tipo de música desarrollada en Chile , o por chilenos en otros países, desde la llegada de los conquistadores españoles hasta la actualidad. También incluye la música precolombina nativa de lo que hoy es territorio chileno.
Antes de la llegada de los conquistadores europeos, las fronteras nacionales modernas que conforman América no existían, por lo que no se puede hablar de música de «Chile», ni de ningún otro país sudamericano, de esta época. Sin embargo, la música existió en América durante siglos antes de la conquista europea , y muchas de las características e instrumentos de la música prehispánica han formado parte de la tradición folclórica y musical de Chile y de América Latina. Las excavaciones arqueológicas han desenterrado muchos instrumentos musicales que muestran la existencia de una variedad de culturas musicales en la zona mucho antes incluso del periodo inca . La investigación científica de los restos dejados por los pueblos nazca y mochica ha demostrado la existencia de complejos sistemas musicales teóricos, con presencia de intervalos menores, semitonos, cromatismo y escalas musicales de cinco, seis, siete y ocho notas, [1] equivalentes a culturas contemporáneas en Asia y Europa. El sociólogo Carlos Keller [2] ha comparado la ocupación inca de la región andina con la ocupación romana de Grecia o la conquista azteca de los mayas . [1] Al igual que los aztecas y los romanos, los incas tomaron el conocimiento y las tradiciones de las culturas que encontraron y las incorporaron a las suyas. La música inca estaba formada por elementos de las culturas nazca , chimú , colla-aymara y otras. También se cree que los incas fueron el primer pueblo americano en desarrollar algún tipo de educación musical formal. [1] [3]
Cuando los incas avanzaron sobre el norte de Chile, se encontraron con diferentes pueblos originarios y absorbieron elementos de su cultura, especialmente los atacameños ( pueblo atacameño ). Los atacameños -muy influenciados por los nazca- eran una sociedad organizada que habitó partes del desierto de Atacama , principalmente en los sectores este y central de la región, y se expandieron hasta Chile central . Fueron conquistados por los incas en el siglo XV, pero hoy todavía hablan y cantan algunas de las antiguas canciones en cunza , la lengua original de su pueblo.
El pueblo mapuche fue el principal pueblo indígena que pobló la región que se extiende desde Copiapó en el norte hasta Chiloé en el sur. Los mapuches nunca fueron conquistados por los incas, por lo que su música e instrumentos musicales difieren de las culturas del norte que cayeron bajo la influencia andina. Los cronistas españoles observaron con interés sus rituales musicales, y sus observaciones han permitido a los historiadores comparar esta música primitiva con la música mapuche de la actualidad. El historiador Samuel Martí escribe que los mapuches “no bailan ni cantan para demostrar conocimientos y destrezas, ni para entretener a los espectadores, sino para honrar a sus dioses”. [4] [5] La música mapuche hoy, a pesar de la influencia del cristianismo, sigue siendo una expresión de fe, esperanzas o temores a los dioses tradicionales, porque la conquista no cambió el espíritu de estos pueblos, aunque introdujo nuevos elementos culturales. [6] El misionero franciscano Gerónimo de Ore ( Lima , Perú , circa 1598) notó que los niños mapuche aprendían canciones desde muy pequeños y demostraban una excelente memoria y sentido del ritmo. De Ore, al darse cuenta de que estas habilidades podían ser utilizadas como herramienta de evangelización y adoctrinamiento religioso, propuso que las oraciones cristianas debían haber sido enseñadas en la lengua nativa y cantadas con melodías nativas o europeas. El mismo método fue utilizado en Chile por los sacerdotes jesuitas. El sacerdote jesuita Bernardo Havestadt llegó a Chile en 1748 y trabajó como misionero en La Mocha Concepción , Rere y Santa Fe. En 1777, publicó un documento en Westfalia que contiene 19 canciones mapuche acompañadas de música de estilo europeo. A diferencia de los pueblos andinos, los mapuches no desarrollaron un sistema musical teórico, sino que en la práctica uno se ve impuesto por las limitaciones de sus instrumentos. La técnica de tocar estos instrumentos se ha conservado de generación en generación y las melodías se forman enlazando períodos. En la música mapuche no hay notas largas y las escalas y esquemas melódicos de su música no tienen relación con la música panfónica andina. En el siglo XVII, el cronista González de Nájera describió la música como “más triste que alegre” y los instrumentos como tambores y flautas básicas hechas con las espinillas de los españoles y otros enemigos nativos. [7] Otros cronistas coincidieron con las observaciones de González de Naveja, incluido el jesuita Juan Ignacio Molina (Abate Molina). [8]
Los instrumentos de viento incluyen: Trutruca , o trutruka: especie de trompeta, recta o espiralada, hecha de madera de colihue ( Chusquea culeou ) con boquilla terminal o lateral y un cuerno de ganado para amplificar el sonido.
Pingkullwe: flauta transversal de cinco agujeros, hecha de madera de colihue ( Chusquea culeou ). Pifüllka o: flauta vertical con el extremo cerrado, hecha de madera y tocada en pares. Kull kull: trompeta pequeña hecha de cuerno de toro.
De los instrumentos de cuerda, el más conocido es el Kunkulkawe, conocido en otras culturas como Pawpaweñ, Latajkiaswole o Alenta-Ji-Wole. Consiste en un arco que se frota contra otro arco, y algunos cronistas también describen un arco de boca . [1]
Los instrumentos membranófonos incluyen el Makawa, o kakel kultrung, un tambor de dos parches; y el Kultrun o Cultrun , un tambor ceremonial y el instrumento musical más importante de la cultura mapuche, utilizado por los machi (curanderos o brujos) para rituales religiosos y culturales.
Los instrumentos idiófonos incluyen el Kadkawilla, una correa de cuero con cascabeles adheridos, que se toca junto con el Cultrun, y el Wada o Huada, un sonajero hecho con una calabaza llena de pequeños guijarros o semillas.
La música en las regiones más australes del Chile moderno fue producida por los pueblos fueguinos, habitantes nativos de Tierra del Fuego , incluyendo a los onas, los yaganes, los yámanas y los alacalufes). [9] Los fueguinos llamaron la atención de los exploradores a principios del siglo XX, siendo el coronel norteamericano Charles Wellington Furlong el primero en registrar discos fonográficos de canciones onas y yaganes entre 1907 y 1908. El sacerdote y etnólogo alemán Martin Gusinde estudió y grabó su música, y en una carta del 23 de julio de 1923, escribió sobre ceremonias con música y bailes muy similares a las observadas en el Amazonas, que describió como tristes, solemnes y muy limitadas en rango tonal. [1]
La música chilena está estrechamente relacionada con la historia y la geografía de Chile . El paisaje, el clima y el estilo de vida varían enormemente de norte a sur y tienen un profundo impacto en las tradiciones culturales.
La música popular en el período colonial y durante la lucha por la independencia estuvo muy influenciada por las bandas militares y por la iglesia. Había pocos instrumentos musicales y muy pocas oportunidades de aprender a tocar un instrumento fuera de las bandas militares o las iglesias si no se pertenecía a una familia adinerada.
En el siglo XIX, con el fin del período colonial y la transición a una república independiente , la música y otros aspectos de la cultura comenzaron gradualmente a adquirir una identidad nacional.
Durante los primeros años de la república, la mayoría de los músicos más destacados provenían del extranjero. En 1823, una ola de músicos profesionales llegó a Chile, entre ellos: Bartolomé Filomeno y José Bernardo Alzedo de Lima, Perú; Juan Crisóstomo Lafinur de Córdoba, Argentina; y el español, [10] una de las figuras más importantes de la música chilena de este período. Habiendo estudiado arpa, guitarra, piano y canto con Federico Massimino en Europa, el conocimiento musical superior de Isidora fue bien recibido en las Tertulias chilenas (reuniones sociales de los ricos, como un salón ). Contribuyó formalmente al desarrollo de la música chilena cuando ayudó a fundar tanto el primer Conservatorio Nacional de Música como la Academia de Música en 1852. Algunas de las primeras representaciones de ópera y ballet en Chile también tuvieron lugar en esta época.
A fines del siglo XIX habían surgido clubes musicales y otras organizaciones privadas en Santiago, Concepción , Valparaíso , Valdivia y otras ciudades, entre ellas: “Club Musical de Santiago” (Santiago, 1871), “Sociedad Musical Reformada” (Valparaíso , 1881), “Deutscher Verein” (1853) y “Club de la Unión” (Valdivia, 1879), “Sociedad de Musical Clásica” (Santiago, 1879) y “Sociedad Cuarteto” (Santiago, 1885).
Algunos de los principales compositores chilenos del siglo XX nacieron a finales del siglo XIX, entre ellos: Celerino Pereira Lecaros (1874), Próspero Bisquertt (1881), Carlos Lavín (1883), Javier Rengifo (1884), Alfonso Leng ( 1884), Enrique Soro Barriga (1884), Pedro Humberto Allende (1885), Carlos Isamit (1887), Acario Cotapos (1889), Armando Carvajal (1893), Samuel Negrete (1893), Roberto Puelma (1893), Juan Casanova Vicuña (1894) y Domingo Santa Cruz (1899).
En el siglo XX, Chile había establecido su propia escena musical, pero, como en la mayoría de los países americanos, la identidad nacional había luchado por afirmarse en un mundo donde los estilos europeos todavía eran dominantes. El compositor dice sobre la influencia de los estilos europeos: “La joven música americana está llena de elementos estéticos que no han sido digeridos”. [11] Esto había llevado a un desprecio casi total por el folclore y la tradición nativos.
A partir de 1900, la música comenzó a ocupar un lugar más central en la sociedad chilena. El primer sello discográfico chileno, Fonografía Artística (que producía tanto cilindros como discos ), inició sus funciones en Santiago alrededor de 1908. [12] En 1912 se creó la “Sociedad Orquestal de Chile” y, durante el año siguiente, interpretó las nueve sinfonías de Beethoven, publicó la revista “La Orquesta” y estrenó interpretaciones de Bach. Las familias influyentes comenzaron a cultivar la música y a participar en la creación de sociedades de apreciación musical. Una vez que estas familias influyentes se involucraron en la escena musical, la reputación de los músicos en la sociedad comenzó a cambiar: antes se los veía como indeseables, se los consideraba una parte importante de la cultura y el conocimiento musical se volvió esencial para la persona culta. Alrededor de 1928, la Sociedad Bach, una organización civil de músicos e intelectuales, comenzó a criticar duramente la educación musical formal en Chile, especialmente en el Conservatorio Nacional. La sociedad afirmó que el número de estudiantes admitidos en el conservatorio era excesivo y que el conservatorio carecía de planificación a largo plazo, y criticó el culto a la ópera italiana como "retrógrado". El Ministerio de Educación creó una comisión para estudiar la reforma de la organización, lo que finalmente condujo a una nueva etapa en el desarrollo de la música en Chile, con la creación de organizaciones dedicadas a la creación de música, la enseñanza de la música y el apoyo a los músicos y compositores. [13] Otra institución que contribuyó al desarrollo de la música en Chile fue la Universidad de Chile.(Universidad de Chile), cuando creó su Facultad de Artes Superiores en 1929. Pero incluso en 1802, mucho antes de la creación de la Facultad de Artes Superiores, hubo esfuerzos dentro de la institución para llevar la cultura y la enseñanza de la música al más alto nivel. En 1802, un grupo de profesores de la Universidad de San Felipe (que luego se convertiría en la Universidad de Chile) acordó que cualquier enseñanza de música en su institución debería basarse no en las habilidades de los músicos o la calidad de la voz de un cantante, sino en principios científicos y matemáticos. La creación de la Facultad de Artes Superiores tuvo un efecto inmediato. Poco después, se fundó una biblioteca, se produjo una colección de álbumes y se realizaron varios concursos y actividades para promover a los músicos y compositores chilenos. En la segunda mitad del siglo XX se produjeron numerosos acontecimientos y nuevas instituciones que contribuyeron al desarrollo de la música en Chile, como: La creación del Instituto de Extensión Musical en 1940, que luego fundó la Orquesta Sinfónica de Chile en 1941 y la Revista Musical Chilena en 1945. La creación del Instituto de Investigación Folklórica en 1943, que luego se transformaría en el Instituto de Investigación Musical. El instituto se volvería muy activo en la promoción de la música chilena, patrocinando y financiando a muchos músicos y compositores chilenos. En 1948, la Facultad de Artes Superiores se dividió en una facultad de música y una de arte, lo que permitió que ambas instituciones crecieran. En 1955 se crea la Orquesta Filarmónica de Chile, que luego cambia su nombre a Orquesta Filarmónica Municipal. En 1955 se crea en la Universidad Católica de Santiago el Taller experimental del sonido. Tras la visita a Chile del físico Werner Meyer-Eppler en 1958, la experimentación con música electrónica recibe apoyo científico y se comienza a trabajar en un laboratorio de música electrónica. En 1959 se crea el Departamento de Música de la Universidad Católica de Santiago, que ya contaba con un Instituto de Música y una orquesta de cámara, y también grababa y editaba álbumes de música. En el mismo año, José Visencio Asuar publicó una tesis titulada “Generación mecánica y electrónica del sonido musical”, y para demostrar su tesis compuso “Variaciones espectrales”, la primera pieza de música electrónica en Chile . En la década de 1960, la tendencia continuó y se crearon varias instituciones dedicadas a la promoción de la música a lo largo del país,incluyendo la "Asociación de Coros de Tarapacá" en la Región de Tarapacáy la Orquesta de la Universidad Austral de Valdivia, universidad que junto con su conservatorio de música ha hecho un gran aporte a la música del sur de Chile.
En 1961 se inauguran las “Semanas Folklóricas”, evento organizado por el Instituto de Investigaciones Musicales. Ese mismo año nace en Viña del Mar la “Orquesta Clásica Pro Música de Viña del Mar” y en Antofagasta se funda la “Orquesta Sinfónica de la Universidad de Chile”. En 1962 la Organización de los Estados Americanos y la Facultad de Ciencias y Artes Musicales crean el “Instituto Interamericano de Educación Musical”. Entre 1962 y 1968, José Visencio Asuar edita varios álbumes de música electrónica en Alemania (Karlsruhe) y Venezuela (Caracas), y Tomás Lefever compone 19 temas de este género. En 1963, la Universidad de Concepción creó su Escuela Superior de Música y en Lota , los mineros del carbón crearon el Coro Polifónico de Lota. En La Serena , en 1965, se creó la Escuela Básica de Música, basada en las experiencias de la Orquesta Infantil de la misma ciudad. Ese mismo año, en Osorno , se creó una Orquesta Filarmónica y una Escuela Superior de Música en la Universidad de la ciudad. En 1966, el Instituto de Investigaciones Musicales editó el primer álbum antológico de música folclórica chilena. Ese mismo año, en la Universidad Católica, Samuel Claro lanzó su segundo álbum de música electrónica, Estudio N°1. En 1967, se lanzaron los primeros álbumes electrónicos, con Tres ambientes sonoros de Asuar (1967) y Klesis de Amenábar (1968).
Entre 1966 y 1968, las reformas educativas lideradas por el gobierno causaron un gran impacto en la educación musical en las escuelas, con más profesores mejor capacitados y nuevos métodos de estudio utilizados. En esta época, en la segunda mitad de los años 60 y la primera mitad de los 70, comenzó a surgir el movimiento de la Nueva Canción Chilena con los esfuerzos de Violeta Parra por preservar más de 3000 canciones, recetas, tradiciones y refranes chilenos. [14] Otros miembros de este movimiento fueron Víctor Jara , Patricio Manns , Isabel Parra , Ángel Parra , Osvaldo “Gitano” Rodríguez y las bandas Quilapayún , Inti Illimani e Illapu . En 1969, se creó el Departamento de Música de la Universidad de Chile en Antofagasta y, en 1970, la Orquesta Sinfónica de Chile realizó el primer concierto televisado transmitido vía satélite, que fue visto en casi todo el continente. La Ópera Nacional también fue fundada bajo el Instituto de Extensión Musical e incorporó continuamente temas nacionales en sus obras. Después del golpe de Estado chileno de 1973 , la música, como casi todas las formas de cultura, sufrió un gran revés, especialmente la música popular, debido a la afiliación política de algunos músicos. En la década de 1980, la generación que creció bajo el régimen militar comenzó lentamente a recuperar algo de terreno cultural de los partidarios del régimen. El punk y el rock fueron un medio para expresar el descontento político y se utilizaron como una forma de protesta. Durante este tiempo, algunas bandas distribuyeron su material a través de casetes caseros y, al final del régimen, bandas como Los Prisioneros ganarían reconocimiento internacional. En la década de 1990, Chile se reconectó con el mundo y las tendencias de Europa y los EE. UU. Pasaron a formar parte de la cultura popular chilena. La industria musical nacional que casi había desaparecido durante el régimen militar renació y las sucursales locales de los grandes sellos discográficos intentaron promover bandas locales, con resultados variables.
La música tradicional norteña en los territorios entre las regiones de Arica y Parinacota y Coquimbo ha sido altamente influenciada por la música andina y por las culturas quechua , aymara , atacameña y otras que vivieron alrededor del área ocupada por el Imperio Inca antes de la llegada de los europeos. Otros elementos que influyeron en el folclore norteño fueron las bandas militares coloniales españolas y la Iglesia Católica, debido a que ambas instituciones tenían la música como parte de sus ceremonias y, por lo tanto, eran algunas de las únicas personas que tenían instrumentos musicales y los medios para enseñar música metódicamente. [15] La música tradicional tiene un papel dominante en las celebraciones religiosas, que, en esta zona del país como en muchas otras partes de América, mezcla formas precolombinas y cristianas de celebrar los días santos. Un ejemplo de esta mezcla es el ritual de las Diabladas (Danza del Diablo), una colorida mezcla de danzas y música instrumental. El Festival de La Tirana , que se lleva a cabo cada 16 de julio en el pueblo de La Tirana, es un buen ejemplo tanto de diabladas como de devoción cristiana.
Algunos instrumentos musicales tradicionales de esta zona fueron traídos por los españoles, mientras que otros son heredados de los pueblos originarios. Entre ellos se encuentran:
El Valle Central es la extensión de tierra que se extiende desde la cordillera de Chacabuco, que separa los valles de Aconcagua y Maipo en el norte de la región de Valparaíso , hasta el río Bío Bío. El folclore en el centro de Chile, al igual que en el sur de Chile, está estrechamente ligado a la vida rural y a la herencia española. La figura más emblemática es el huaso , campesino y hábil jinete, similar al vaquero americano, al charro mexicano o al gaucho argentino. En Chile Central , la cueca y la tonada son los bailes y cantos más característicos. En esta zona del país los instrumentos más populares son el acordeón (introducido por los inmigrantes alemanes a través del sur), la guitarra , el arpa , la pandereta y el tormento, un instrumento chileno de la época colonial utilizado en las fiestas de salón o tertulias, similar a un xilófono .
Entre las otras danzas y músicas que forman parte del folclore de Chile central están la "Sajuriana", originaria de Argentina, "la Refalosa" introducida desde el norte, y el "Vals", heredado de Europa y muy popular durante la primera mitad del siglo XIX entre las clases altas. Otras menos conocidas hoy en día son el "Corrido", "La Porteña", "El Gato", "La Jota", "El Pequén", "El Cuando", "El Aire", "El Repicao", "La Polka", "La Masurca", la "Guaracha campesina" y el "Esquinazo". [18]
La cueca (abreviatura de zamacueca ) ha sido considerada durante mucho tiempo como la "música y danza más tradicional de Chile". [19] Apareció por primera vez en 1824, aunque sus orígenes no están claros. Desde el 18 de septiembre de 1979, la cueca ha sido confirmada como el baile nacional oficial.
La cueca se escribe en una combinación de 6/8 y 3/4 al mismo tiempo y tiene una estructura muy rígida que se divide en tres secciones: la “cuarteta”, que contiene cuatro versos en ocho sílabas con rimas en el segundo y cuarto versos; la “seguidilla”; y el “remate”. La estructura es la siguiente: [20]
Según Pedro Humberto Allende , compositor chileno, "ni las palabras ni la música obedecen a reglas fijas; diversos motivos se entremezclan libremente". [21] Existen algunas variantes de la cueca en algunas zonas del país En las regiones del norte, la cueca no tiene letra y se baila durante las fiestas religiosas y el carnaval. Los instrumentos que se utilizan para ejecutarla aquí incluyen algunos de origen andino, como sicus, zampoñas y metales (trompetas y tubas). En las regiones centrales, la cueca tiene letra y los instrumentos más utilizados para ejecutarla son la guitarra, el pandero, el acordeón y el bombo. En la isla de Chiloé , la principal diferencia en la cueca consiste en la ausencia de la "cuarteta" inicial. Los versos de la seguidilla se repiten y se pone un mayor énfasis en la interpretación de la letra por parte del cantante en lugar de en la música o el baile. La cueca brava (cueca urbana) es una variación de la cueca que se originó en la década de 1860 en los barrios más duros de las ciudades, donde se cantaba y bailaba en lugares como bares y burdeles.
La tonada es otra forma importante de canción tradicional chilena, que surge de la música traída por los colonizadores españoles. No se baila y se distingue de la cueca por una sección melódica intermedia y una melodía más prominente en general. Varios grupos han tomado la tonada como su principal forma de expresión, como Silvia Infantas y Los Baqueanos - Los Cóndores, Los Huasos Quincheros , Los Huasos de Algarrobal, Los de Ramón y otros. La tonada rural moderna es típicamente simple y "monótona", como lo describen Raquel Barros y Manuel Dannemann. [22] [23] [24]
El desafiante paisaje, la persistente población del pueblo huilliche y la herencia española que no se desvaneció tanto como en otras partes del país, han dado a la música del sur de Chile algunas características particulares. Uno de los lugares donde esto es más distintivo es Chiloé . Durante la guerra de la independencia, Chiloé se mantuvo fiel a la Corona española y los soldados realistas introdujeron en las islas bailes como el “chocolate” y el “pericón”. La característica principal de la música chilota es su vitalidad, una cualidad que se manifiesta en bailes de ritmo ágil y animado [25] Una buena parte de la colonización del extremo sur de Chile fue realizada por chilotes (el pueblo de Chiloé), por lo que su cultura se extendió con ellos por el sur de Chile, incluida su música y bailes. Por otro lado, los inmigrantes alemanes que llegaron a las provincias de Valdivia , Osorno y Llanquihue trajeron consigo algunas de sus costumbres e instrumentos, siendo el más influyente el acordeón, que rápidamente se integró a la música existente. La música y los bailes típicos incluyen:
Una de las danzas más populares entre los chilotes, esta se baila en parejas, con pañuelos en las manos. Es probable que provenga de Argentina, donde se le llama “perico”, y evolucionó en Chiloé, adquiriendo el nombre de “pericona”. [26]
El Costillar, literalmente “el costillar”, en referencia a un costillar de res o cerdo, es una danza común en Chillán y en la mayoría de las áreas aisladas del sur de Chile, probablemente originaria de Chiloé. Es una danza festiva y competitiva donde las parejas bailan libremente alrededor de una botella que tiene la función de un tótem. La pareja que golpea la botella pierde y tiene que abandonar la pista de baile. Como baile de “competencia”, puede ser bailado solo por hombres o por parejas mixtas. [27]
Originaria de Chiloé, pero probablemente traída desde Argentina por los arrieros que cruzaban las montañas con su ganado y sus mercancías, esta danza se estableció en Chiloé y pasó a formar parte del folclore chileno. Es una danza fácil de realizar y puede adaptarse como juego rítmico para niños pequeños. Los movimientos siguen las instrucciones de la letra de la canción. [28]
Mariquita dame un beso
que tu mamá lo mandó.
Tu mamá manda en lo suyo
y en lo mío mando yo.
tu mamá manda en lo suyo
y en lo mío mando yo.
Tras tras por la trastrasera
y también por la delantera,
tras tras por un costao
también por el otro lao.
Darán una media vuelta
y también una vuelta entera,
se tomarán de la mano
y harán una reverencia.
Tras tras por la trastrasera
y también por la delantera,
tras tras por un costao
también por el otro lao.
“Chapecao” en mapudungun significa trenzado, y hace referencia a la naturaleza del baile que acompaña a esta canción. La canción comienza con un solo de guitarra y las parejas que participan se mueven mientras suena la guitarra. De repente, la guitarra se detiene y los bailarines se detienen con ella. Esto sucede tres veces y luego se toca y se baila una cueca, pero la coreografía permite que las parejas intercambien parejas. Después de varios intercambios, las parejas terminan con la misma pareja con la que comenzaron. [29]
Se trata de un baile de pareja que simula los rituales de cortejo del pavo. La música de El Pavo es muy similar a la cueca, aunque carece del pareado final y su estructura se basa en un cuarteto octosílabo y redobles. [30]
El Vals Chilote tiene profundas raíces en el folklore del sur y es común también en la zona central de Chile. En el Vals Chilote, el hombre y la mujer bailan en espera y la principal diferencia con un Vals normal es que el ritmo es más pronunciado, lo que da como resultado pasos muy intensos y enérgicos. [31]
La música folclórica de la Isla de Pascua tiene orígenes diferentes a los de la música chilena continental. En cambio, la música tradicional de la isla consiste en cantos corales y cánticos, similares a la música tahitiana y a las tradiciones de otras culturas polinesias. Las familias a menudo actuaban como coros, compitiendo en un concierto anual. Acompañaban su canto con una trompeta hecha de una caracola y un bailarín de percusión saltando sobre una piedra que está colocada sobre un resonador de calabaza . Otros instrumentos utilizados incluyen el kauaha, creado a partir del hueso de la mandíbula de un caballo; el acordeón ; y piedras, que se golpean entre sí para lograr un efecto de percusión. Las danzas más características son: [32] El "Sau Sau", una danza de origen samoano que se introdujo en la década de 1940. La danza enfatiza la gracia y la sensualidad femeninas y en la coreografía, la pareja realiza movimientos flexibles de caderas y manos. El "Ula Ula", una danza de origen tahitiano que se suele realizar durante las festividades locales. Las parejas bailan separadas ondulando sus caderas lateralmente. El "Tamuré", también una danza tahitiana, es muy rápida y acrobática y requiere bailarines muy hábiles. El palo de lluvia , el ukelele , el tambor y la flauta son instrumentos típicos de la música Rapa Nui.
A partir de la década de 1920, la música folclórica chilena o "Música Típica" experimentó un renacimiento que llevó la música rural y el folclore a las ciudades, a las radios y atrajo la atención de una floreciente industria musical, que tomó algunas de las versiones más refinadas de la "Tonada" chilena y las transformó en un espectáculo para las ciudades. Uno de los primeros grupos que se pueden vincular a este estilo son "Los Huasos de Chincolco", [33] quienes iniciaron una tendencia que inspiró al público, aunque su música tenía poco en común con la verdadera música folclórica rural. En la década de 1930 y después, grupos como " Los Huasos Quincheros ", "Los Cuatro Hermanos", " Ester Sore ", "Silvia Infantas y los Cóndores" y "Francisco Flores del Campo" mantuvieron vivo este estilo y se volvieron muy populares. Durante las décadas de 1940 y 1950, esta versión refinada de la música folclórica se convirtió en un emblema nacional, principalmente por su estética y como espectáculo para celebrar el patriotismo. Una de las características de la tendencia folclórica es su uso de temas patrióticos y una visión romántica e idealizada de la vida rural. [34] Esa visión idealizada sería cuestionada en las décadas siguientes por Víctor Jara , Violeta Parra y los demás músicos que formaron el movimiento de la “Nueva Canción Chilena”. [35]
La Nueva Canción es un movimiento que apareció a mediados de la década de 1960 e involucró no solo a Chile sino al resto de América Latina y España. [36] El movimiento incorporó fuertes temas políticos y sociales y se utilizó como herramienta para expresar la conciencia política y social. La Nueva Canción Chilena rompió con los estilos folclóricos predominantes de su época, que presentaban una visión idealizada del mundo rural e ignoraban la situación de los trabajadores marginados en los “Fundos” (grandes haciendas) y en las zonas rurales aisladas del país. [37] En un período de lucha política en América Latina , la “Nueva Canción” se asoció con el activismo político y los reformistas como el chileno Salvador Allende y su gobierno de Unidad Popular . Pronto surgió en otros países como Argentina, donde el movimiento se llamó “Nuevo Cancionero” y fue liderado por Mercedes Sosa y Armando Tejada Gómez, entre otros. Las bases del movimiento se sentaron gracias a los esfuerzos de Violeta Parra por revivir más de 3.000 canciones, recetas, tradiciones, proverbios y personajes folclóricos chilenos, como los payadores (cantantes improvisadores). Violeta Parra, y artistas como ella, actuaron como vehículo para una tradición folclórica que de otro modo habría permanecido desconocida para muchos chilenos en las ciudades. Violeta Parra y sus hermanos allanaron el camino para otros artistas folclóricos chilenos clave como Rolando Alarcón , Payo Grondona, Patricio Castillo , Homero Caro, Tito Fernández , Kiko Álvarez, Patricio Manns y Víctor Jara . Jara emergió como una de las principales voces de la Nueva Canción e inició sus tradiciones de crítica a los funcionarios y políticas del gobierno. Desde septiembre de 1973, el nuevo gobierno militar de Augusto Pinochet amenazó a los artistas de la Nueva Canción, llevándolos a la clandestinidad durante la década de 1970. De manera clandestina circularon cintas de casete de artistas como Inti-Illimani y Quilapayún . Los grupos continuaron oponiéndose al gobierno de Pinochet desde el exilio y ayudaron a inspirar a cantantes de Nueva Canción de Uruguay ( Daniel Viglietti ), El Salvador (Yolocamba l'ta), Guatemala (Kin-Lalat), México ( Amparo Ochoa ), Nicaragua (Carlos Goodys y Luís Enrique Mejía Godoy ), así como artistas de la Nueva Trova cubana como Pablo Milanés .
La música rock and roll se produjo por primera vez en Chile a fines de la década de 1950 por bandas que imitaban y se inspiraban en los éxitos internacionales del rock and roll de los EE. UU., a menudo traduciendo estas canciones para el mercado chileno. Este movimiento fue conocido como la Nueva Ola . [38] [39] Durante la segunda mitad de la década de 1960, después del éxito de la música rock and roll, nacieron en Chile los géneros Fusión latinoamericana y Nueva Canción , que unieron el rock and roll y la música folclórica latinoamericana. Los Jaivas son un ejemplo de esta fusión entre los dos estilos convergentes.
En la década de 1970, sin embargo, la escena del rock del país decayó debido a la represión política [40] La década de 1980 vio el comienzo de un resurgimiento de la música rock en Chile que ha continuado hasta nuestros días, con el crecimiento de muchos subgéneros del rock y muchas bandas chilenas encontrando éxito en el mercado internacional en los últimos años. Algunas de las bandas de rock chilenas más exitosas son: Los Prisioneros , Lucybell , La Ley , Javiera Mena , Francisca Valenzuela , Los Jaivas , Los Tres , Chancho en Piedra , Panico , Sol y Lluvia , Nicole (cantante chilena) , Los Miserables , Buddy Richard .
Desde mediados y finales de la década de 1980, la música hip hop ha tenido una influencia considerable en la escena musical y la cultura chilena. La gente de Chile tuvo su primer contacto con este género a través de la televisión y la radio. Los primeros en aparecer y ganar popularidad fueron los grupos de breakdance y breakers: “Montaña Breakers”, “B14”, “TNT”, “Floor Masters”. Los breakers de toda la capital se reunían en la calle Bombero Ossa en el centro de Santiago para compartir música y tener “batallas” de breakdance. [41] Luego vinieron los primeros grupos de rap chilenos, como “Los Marginales” y “Panteras Negras”. El regreso de los inmigrantes después del fin de la dictadura también podría haber sido un factor que aumentó la popularidad del hip hop y el rap, con ejemplos como Jimmy Fernández (ex La Pozze Latina ) que regresó de Italia, o el líder de “Floor Masters” que vino de Los Ángeles. Sin embargo, no fue hasta mediados de la década de 1990 que el hip hop ganó popularidad con grupos exitosos como Tiro de Gracia , Los Tetas , Makiza , Zaturno y La Pozze Latina . El éxito comercial se confirmó en 1997, cuando "Tiro de Gracia" y "Makiza" obtuvieron Discos de Oro y Plata y llenaron lugares a lo largo del país. Durante la década de 2000, algunas bandas conectaron el hip hop con otros estilos como el dancehall, el reggae y los ritmos latinos. También en la década de 2000, el rap político se hizo popular, con grupos como "Panteras Negras", "LB1", "Subverso", "Guerrillerokulto" y "Salvaje Decibel". Como Asesinar a Felipes es la primera banda de hip hop experimental que ha logrado un éxito considerable, siendo producida por Koolarrow Records . Más recientemente, la rapera chilena Ana Tijoux (anteriormente de Makiza) se ha convertido en una de las artistas de rap más exitosas, colaborando con la música mexicana Julieta Venegas y teniendo pistas incluidas en el videojuego FIFA 11 de EA Sports . Su música ha aparecido en la popular serie de televisión Breaking Bad ( temporada 4, episodio 5 ). [42]
El movimiento de música electrónica tal como lo conocemos hoy llegó a Chile en la década de 1990, pero hay algunos hitos anteriores que vale la pena mencionar, como los experimentos sonoros del ingeniero y científico José Vicent Asuar en 1959 después de la visita en 1958 del físico Werner Meyer-Eppler , y la producción de los primeros discos de música generados electrónicamente en la década de 1960. [1]
La “electrónica” ha dado a Chile más éxito internacional que cualquier otro estilo musical; los DJs y productores de música electrónica chilenos se encuentran entre los más importantes de la escena internacional. Muchos DJs chilenos están radicados en Europa, particularmente en Alemania. Algunos fueron hijos de exiliados políticos mientras que otros se mudaron a Europa para desarrollar sus carreras y luego se quedaron después de su gran éxito. Algunos de los artistas de música electrónica más importantes y conocidos son: Ricardo Villalobos , Andrés Bucci , Cristian Vogel , Latin Bitman , Danieto , Luciano , Pier Bucci , Nicolas Jaar y Jorge González .
El estilo cumbia tiene sus orígenes en los climas caribeños de Colombia, Venezuela y Panamá, y fue introducido a Chile a mediados de la década de 1960 por el venezolano Luisín Landáez . [43] Más tarde en la misma década, el músico colombiano Amparito Jiménez grabaría y lanzaría álbumes en Chile y tuvo un gran éxito con la canción “La pollera colora”, una de las canciones colombianas más emblemáticas. Más tarde, la banda chilena Sonora Palacios llevaría la cumbia a la popularidad masiva entre la población chilena. [44] Desde el principio, Chile ha desarrollado su propio tipo de cumbia conocida como " cumbia sonora " o simplemente " cumbia tradicional chilena ", con orquestas de larga data como Orquesta Huambaly, La Sonora de Tommy Rey, Sonora Palacios , Los Vikings 5, Giolito y su combo y Pachuco y la Cubanacán. Estos han sido algunos de los actos más populares en los últimos 50 años y aún gozan de popularidad generalizada, vistos como parte de la cultura e identidad musical de Chile. La cumbia chilena agregó instrumentos de viento, piano y una percusión más rápida al estilo original de la cumbia. El proceso de adaptación y evolución creó un subestilo que se puede identificar fácilmente del original. Las bandas de cumbia chilena se llaman "Combos", "Sonoras" o simplemente "Orquestas" y están formadas por 10 o más músicos donde los metales y los tambores tienen un papel importante. La cumbia desarrolló este estilo de interpretación orquestal en la década de 1960, adaptándose de las orquestas tropicales que habían tocado ritmos como el cha-cha-chá , el mambo , la rumba , el bolero y el merengue en la década de 1920-1940. Algunos subgéneros que no eran originalmente de Chile también se hicieron populares en el país: En la década de 1990, el sonido de la cumbia , conocido en otros países de América Latina como Technocumbia , es un estilo de dumbia donde hay una fusión entre sonidos electrónicos generados por baterías electrónicas y guitarra eléctrica. "Technocumbia" fue un nombre dado al subgénero en México para describir este tipo de música. Sin embargo, el estilo se desarrolló en toda América del Sur con diferentes nombres: "Sound" en Chile. Surgió, un estilo donde se puso gran énfasis en las letras (generalmente románticas) y donde los artistas pueden ser un cantante solista masculino o femenino en lugar de una banda. A diferencia de la Technocumbia, los arreglos de cumbia romántica tienden a ser acústicos. Algunos intérpretes de este subgénero son La Noche y Américo ). También en la década de 2000, surgió un estilo llamado Nueva cumbia chilena o "Cumbia Rock", liderado por bandas como ( Chico Trujillo , La Mano Ajena y Juana Fe). Esta nueva cumbia chilena está muy influenciada por el rock y algunos grupos de hip hop, aunque en algunos casos se puede escuchar la influencia de la música andina, la música balcánica, el klezmer , la salsa y el bolero . Sus principales exponentes son Chico Trujillo , Banda Conmoción , Juana Fe , La Mano Ajena , Cholomandinga , Villa Cariño, Combo Ginebra , etc.
Entre la clase alta chilena, la música mexicana ha ganado más aceptación desde la década de 2000. En parte, esta tendencia se explica por la popularidad del programa de talentos musicales Rojo Fama contra Fama en TVN , que se emitió por primera vez en 2002. [45] María José Quintanilla en particular ganó elogios en el programa al cantar canciones rancheras .
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La práctica del jazz es una de las manifestaciones más populares de la música popular en Chile. Las huellas más regulares aparecen hacia la década de 1920 en torno a la figura del compositor, violinista e investigador Pablo Garrido, gestor de los primeros ensambles y orquestas locales de jazz. A partir de 1940, una nueva generación de jóvenes músicos se alineó con la improvisación jazzística más allá del jazz predecesor, al que consideraban comercial, bautizándolo hot jazz. Esto daría como resultado la fundación del Club de Jazz de Santiago en 1943 y la formación de los primeros all-stars nacionales, Los Ases Chilenos del Jazz, en 1944 y 1945.
El jazz moderno irrumpió en la década de 1960 por iniciativa del pianista Omar Nahuel, al frente del Nahuel Jazz Quartet. La banda no sólo fue pionera en el desarrollo de nuevas formas de jazz, como el bebop o el cool , sino que también reunió a músicos entusiastas de la figura de Charlie Parker y sus descendientes. En la década de 1970, como en el resto del mundo, el jazz eléctrico instaló una nueva forma expresiva y dio origen a nuevos solistas en Chile.
Desde la década de 1980, el jazz ha tenido en Chile la posibilidad de formar músicos profesionales gracias a la creación de ProJazz , la Escuela Moderna de Música y la Escuela de Música de la SCD, lo que ha permitido el desarrollo del lenguaje jazzístico durante las décadas siguientes. Con la creación del Festival Internacional Providencia Jazz en el año 2002, junto a otros festivales comunales, el jazz ha logrado una mayor difusión para el público no experto en el siglo XXI.
Actualmente, la escena nacional se destaca por la multiplicidad de estilos, entre los que destacan: el grupo La Marraqueta en la vanguardia del llamado jazz criollo , una amplia variedad de agrupaciones en la fusión latinoamericana, y las big bands , como la Conchalí Big Band o Los Andes Big Band, en el jazz tradicional como el bebop o el swing .
Entre las figuras del jazz chileno contemporáneo destacan: Jorge Vera, Ricardo Arancibia, Mariano Casanova, Cristián Cuturrufo , Camila Meza , Federico Dannemann, Sebastián Jordán, Mario Feito, Christian Gálvez, Pedro Greene, Martin Joseph, Ronnie Knoller, la Familia Lecaros; Mario Lecaros, Pablo Lecaros, Roberto Lecaros , Agustín Moya, Gonzalo Palma, Ángel Parra Orrego , Andrés Pérez, Lautaro Quevedo, Felipe Riveros, Carla Romero, Moncho Romero, Melissa Aldana , Miguel Sacaan y Nicolás Vera, José Gil, Antonio Lambertini, Jorge Caraccioli y los grupos La Marraqueta , Contracuarteto, Los Titulares, Ángel Parra Trío , Holman Trío, Caravana Trío y Ensemble Quintessence, entre muchos otros.
Desde el comienzo de la República chilena, la necesidad de músicos altamente capacitados en las instituciones educativas y en la escena de la música clásica fue evidente. Inicialmente, esta necesidad fue satisfecha por artistas provenientes del cercano Perú (Virreinato del Perú), ambos ex virreinatos importantes de España. En 1823, una ola de músicos profesionales llegó a Chile, entre ellos: Bartolomé Filomeno y José Bernardo Alzedo de Lima, Perú; y el español, [10]
A partir de 1900, la música comenzó a ocupar un lugar más central en la sociedad chilena. En 1912 se creó la “Sociedad Orquestal de Chile” y, durante el año siguiente, interpretó las nueve sinfonías de Beethoven, publicó la revista “La Orquesta” y estrenó interpretaciones de Bach. Una vez que las familias influyentes se involucraron en la escena musical, la reputación de los músicos en la sociedad comenzó a cambiar: antes vistos como indeseables o simplemente animadores, comenzaron a ser vistos como una parte importante de la cultura y tener conocimientos musicales se volvió esencial para la persona culta. El período más prolífico de la música clásica en Chile comenzó en la década de 1950, con la fundación de varios proyectos destinados a educar, promover e investigar la música, junto con la implementación de reformas educacionales y la fundación de Orquestas Juveniles e Infantiles , como la creada en la ciudad de La Serena , liderada por el director y compositor [46] Jorge Peña Hen. Este proceso continuó hasta 1973, cuando la represión política golpeó la cultura y la música en general. La industria musical, las presentaciones en vivo, los medios de comunicación e incluso la educación musical se vieron afectados, y la educación musical fue suprimida oficialmente como materia obligatoria de la escuela secundaria. [47] Uno de los eventos de música clásica más tradicionales en Chile son las “Semanas musicales de Frutillar” en la ciudad sureña de Frutillar en la Región de Los Lagos . El festival se lleva a cabo entre enero y febrero de cada año y consiste en 40 o más conciertos clásicos interpretados por artistas chilenos e internacionales. La construcción de un nuevo lugar, el Teatro del Lago , que se inauguró en 2010, ha dado un impulso al festival, brindando espacio para más presentaciones y audiencias más grandes. Desde la década de 1990, la música clásica ha recuperado lentamente su lugar en la cultura y la educación chilenas, con proyectos como “FOJI” (la Fundación para Orquestas Juveniles e Infantiles), una organización sin fines de lucro que trabaja para formar orquestas y educar a jóvenes en varias ciudades de Chile. Su programación llega a más de 12.000 adolescentes y niños cada año, y sus orquestas realizan conciertos que llegan a una audiencia de casi un millón. [48] Entre los compositores clásicos chilenos más conocidos se encuentran José Zapiola Cortés, Enrique Soro y Pedro Humberto Allende . Allende puso especial esfuerzo en incluir algunos elementos de la tradición y el folclore chileno en su obra, con obras como el poema sinfónico “La Voz de las Calles”; “Doce Tonadas para Piano”; y el “Concierto Sinfónico para Violonchelo y Orquesta” (Concierto Sinfónico para Violonchelo y Orquesta), cuya riqueza rítmica fue elogiada porClaude Debussy . Otros compositores chilenos importantes incluyen a Vicente Bianchi conocido por sus composiciones basadas en poemas de Pablo Neruda ; Alfonso Leng , uno de los compositores clásicos chilenos más influyentes con un estilo místico y romántico influenciado por el posromanticismo wagneriano ; Luis Advis Vitaglich , conocido por su obra ( “Cantata de Santa María de Iquique” ); Carlos Riesco; Domingo Santa Cruz Wilson ; Roberto Falabella Correa; Nina Frick Ajenjo; Carlos Isamitt ; Juan Orrego Salas ; Alfonso Letelier; Gustavo Becerra-Schmidt ; Sergio Ortega ; León Schidlowsky ; Leni Alejandro ; Fernando García ; Juan Allende-Blin ; Cirilo Vila ; Santiago Vera-Rivera ; Andrés Alcalde; René Amengual ; Próspero Bisquertt; Gabriel Brncic; Salvador Candiani; Acario Cotapos ; Alejandro Guarello; Hans Helfritz ; María Elena Hurtado; Tomás Lefever; Eduardo Maturana; Claudio Espías ; Jorge Urrutia Blondel y Darwin Vargas , entre muchos otros.
Entre los directores más destacados se encuentran Fernando Rosas Pfingsthorn , Armando Carvajal, Juan Pablo Izquierdo, Sebastián Errázuriz y Víctor Tevah . Uno de los intérpretes más conocidos es el pianista Claudio Arrau , [49] conocido por su vasto repertorio que abarca desde el barroco hasta compositores del siglo XX , especialmente Beethoven , Schubert , Chopin , Schumann , Liszt y Brahms . Es ampliamente considerado como uno de los pianistas más grandes del siglo XX. [50] Otros grandes incluyen a Rosita Renard , Oscar Gacitúa Weston , Roberto Bravo, Elena Waiss , Elisa Alsina, Liza Chung, Alfredo Perl y actualmente Valentín Trujillo , quien ha interpretado un repertorio de música clásica como popular, y es muy conocido por participar en programas de televisión.
En la actualidad, la música clásica chilena ha tenido un fuerte impulso gracias a los esfuerzos de la Sociedad Internacional de Música Chilena (SIMUC) [51] y de destacados intérpretes como Luis Orlandini , Eulogio Dávalos Llanos, Nicolas Emilfork, Romilio Orellana, Carlos Pérez, Cristián Alvear Montecino y Juan Antonio Escobar. Estos han tenido una importante influencia en la obra de compositores más jóvenes, como: Juan Antonio Sánchez, Antonio Restucci y Horacio Salinas , quienes han ido más allá de su formación clásica para incorporar la música folclórica y de fusión.
