Sōsaku-hanga (創作版画, "impresiones creativas" ) fue un movimiento artístico de impresión en madera que se concibió a principios del siglo XX en Japón. Destacó al artista como el único creador motivado por un deseo de autoexpresión y defendió los principios de un arte que es "autodibujado" (自画jiga ), "autotallado" (自刻jikoku ) y "autoimpreso". (自摺jizuri ). A diferencia del movimiento paralelo shin-hanga ("nuevas impresiones") que mantuvo el sistema colaborativo tradicional ukiyo-e en el que el artista, el tallador, el impresor y el editor participaban en la división del trabajo.
El nacimiento del movimiento sōsaku-hanga fue señalado por la letra pequeña Fisherman de Kanae Yamamoto (1882-1946) en 1904. Partiendo del sistema colaborativo ukiyo-e , Yamamoto hizo la impresión únicamente por su cuenta: dibujando, tallando e imprimiendo. la imagen. Tales principios de "autodibujado", "autotallado" y "autoimpreso" se convirtieron en la base del movimiento, que luchó por existir en el Japón de antes de la guerra, y ganó impulso y floreció en el Japón de posguerra como el genuino heredero de la tradición ukiyo-e . En la práctica, sin embargo, la distinción del sosaku-hanga con respecto a otros movimientos no era tan clara. Por ejemplo, uno de los artistas más destacados, Kōshirō Onchi , encargó a talladores, como Yamagishi Kazue, e impresores, como su alumno Jun'ichirō Sekino, que produjeran su obra.
La Bienal de Arte de São Paulo de 1951 fue testigo del éxito del movimiento creativo del grabado. Los dos ganadores japoneses, Yamamoto y Kiyoshi Saitō (1907-1997), fueron grabadores que superaron a las pinturas japonesas ( nihonga ), las pinturas de estilo occidental ( yōga ), las esculturas y las vanguardias. Otros artistas de sōsaku-hanga como Kōshirō Onchi (1891-1955), Un'ichi Hiratsuka (1895-1997), Sadao Watanabe (1913-1996) y Maki Haku (1924-2000) también son muy conocidos en Occidente.
El movimiento de impresión creativa fue una de las muchas manifestaciones del ascenso del individuo después de décadas de modernización . Tanto en los círculos artísticos como literarios, surgieron a principios de siglo expresiones del "yo". En 1910, "Un sol verde" de Kōtarō Takamura (1883-1956) fomentaba la expresión individual de los artistas: "Deseo la libertad absoluta del arte. En consecuencia, reconozco la autoridad ilimitada de la individualidad del artista... Incluso si dos o tres "Los artistas deberían pintar un "sol verde", nunca los criticaría porque yo mismo puedo ver un sol verde". En 1912, en "Bunten and the Creative Arts" ( Bunten to Geijutsu ), Natsume Sōseki (1867-1916) afirma que "el arte comienza con la expresión del yo y termina con la expresión del yo". Estos dos ensayos marcaron el comienzo de la discusión intelectual sobre el "yo", que inmediatamente encontró eco en la escena artística. 1910 fue testigo de la primera publicación de una revista mensual llamada White Birch ( Shirakaba ), la revista más importante que dio forma al pensamiento del período Taishō. Los jóvenes artistas aspirantes organizaron su primera exposición ese mismo año. Shirakaba también patrocinó exposiciones de arte occidental.
En sus años de formación, el movimiento sōsaku-hanga , como muchos otros como el shin-hanga , el futurismo y los movimientos artísticos proletarios, luchó por sobrevivir, experimentar y encontrar una voz en una escena artística dominada por aquellas artes dominantes que fueron bien recibidas por el Bunten (Academia de Arte de Japón). El Hanga en general (incluido el shin-hanga ) no alcanzó el estatus de las pinturas al óleo occidentales ( yōga ) en Japón. Hanga era considerada una artesanía inferior a las pinturas y esculturas . Los grabados en madera ukiyo-e siempre habían sido considerados meras reproducciones para el consumo comercial masivo, en contraposición a la visión europea del ukiyo-e como arte, durante el clímax del japonismo . Era imposible para los artistas de sōsaku-hanga ganarse la vida simplemente haciendo impresiones creativas. Muchos de los artistas sōsaku-hanga de renombre posterior , como Kōshirō Onchi (también conocido como el padre del movimiento de impresión creativa), fueron ilustradores de libros y talladores de madera. No fue hasta 1927 que los Teiten (el antiguo Bunten) aceptaron la hanga . En 1935 finalmente se permitieron las clases extraescolares en hanga .
Los años de guerra de 1939 a 1945 fueron una época de metamorfosis para el movimiento de impresión creativa. La Sociedad del Primer Jueves, que fue crucial para el resurgimiento de los grabados japoneses en la posguerra, se formó en 1939 a través de grupos de personas que se reunían una vez al mes en la casa de Kōshirō Onchi en Tokio para discutir temas de grabados en madera. Los primeros miembros iniciales incluyeron a Gen Yamaguchi (1896-1976) y Jun'ichirō Sekino (1914-1988). Los conocedores estadounidenses Ernst Hacker, William Hartnett y Oliver Statler también asistieron y ayudaron a revivir el interés occidental por los grabados japoneses. La Colección del Primer Jueves ( Ichimoku-shū ), una colección de grabados de sus miembros para que circularan entre sí, se produjo en 1944. El grupo proporcionó camaradería y un lugar para el intercambio artístico y el alimento durante los difíciles años de la guerra, cuando los recursos eran escasos y la censura. severo.
El renacimiento de la estampa japonesa coincidió con el renacimiento de Japón después de la Segunda Guerra Mundial . Durante la ocupación de las islas , los soldados estadounidenses y sus esposas compraron y coleccionaron grabados japoneses como souvenirs. Se puede decir que los grabados japoneses se convirtieron en uno de los componentes de la reconstrucción económica de la posguerra . Con el objetivo de promover el "arte democrático", el patrocinio estadounidense pasó del más tradicional shin-hanga al moderno sōsaku-hanga . El arte abstracto había sido prohibido por el gobierno militar durante la guerra, pero en la posguerra, artistas como Kōshirō Onchi se volcaron por completo al arte abstracto. En 1950, la abstracción era el modo principal del movimiento creativo de impresión, y las impresiones japonesas se percibían como una auténtica mezcla de Oriente y Occidente. La Bienal de Arte de São Paulo de 1951 fue la primera presentación de Japón en una exposición internacional en la posguerra. Artistas notables como Shikō Munakata (1903-1975) y Naoko Matsubara (n. 1937) trabajaron en la tradición del arte popular ( mingei ) y realizaron exposiciones individuales en los Estados Unidos .
Los grabados japoneses contemporáneos tienen una rica diversidad en temas y estilos. Tetsuya Noda (n. 1940) emplea la fotografía y produce cualidades cotidianas en sus impresiones en forma de diarios fotográficos. Artistas como Maki Haku (1924-2000) y Shinoda Toko (1913-2021) sintetizan la caligrafía y la expresión abstracta y producen imágenes sorprendentemente hermosas y serenas. Sadao Watanabe trabajó en la tradición mingei (arte popular), sintetizando la representación de figuras budistas y el cristianismo occidental en sus grabados bíblicos únicos.
A partir de la década de 1960, la línea entre las bellas artes y los medios comerciales se volvió borrosa. Los artistas pop y conceptuales trabajan con técnicos profesionales y las posibilidades de innovación son infinitas.
