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El combate escénico , arte de lucha [1] o coreografía de lucha es una técnica especializada en teatro diseñada para crear la ilusión de combate físico sin causar daño a los artistas. Se emplea en obras de teatro en vivo , así como en producciones de ópera y ballet . Con la llegada del cine y la televisión, el término se ha ampliado para incluir también la coreografía de secuencias de lucha filmadas , a diferencia de las anteriores actuaciones en vivo en el escenario. Está estrechamente relacionado con la práctica de acrobacias y es un campo de estudio común para los actores . Los actores famosos por sus habilidades de lucha escénica frecuentemente tienen experiencia en danza , gimnasia o artes marciales .
La historia de las peleas escénicas y los combates simulados se remonta a la antigüedad, y se cita a Aristóteles señalando que la tragedia es un conflicto entre personas [2] o, de hecho, se puede rastrear hasta los orígenes de la especie humana y el comportamiento de exhibición de los primates . La exhibición de aptitud marcial es un hecho natural en las sociedades guerreras , y las formas ritualizadas de simulacros de combate a menudo evolucionan hacia danzas de guerra . Ya sea la lucha entre los hombres y mujeres de Lisístrata de Aristófanes en la Antigua Grecia o el Antiguo Egipto, donde Heródoto en sus Historias habla de un festival religioso en el que se golpean unos a otros con bastones pero nadie muere, el combate escenificado siempre ha [ cita necesaria ] existió. [3] Como no tiene sentido sacrificar ciudadanos en rituales, muchas civilizaciones antiguas recurrieron a gestos simbólicos de combate como bailar o llevar un arma a la garganta o al cuello de alguien sin tocarlo para simbolizar la muerte o un acto de violencia. [ cita necesaria ]
Las peleas organizadas para entretenimiento también pueden ser serias para los combatientes, como era el caso de los gladiadores romanos , y cualquier duelo público , como el duelo judicial de la Edad Media europea . El torneo y la justa medievales son ejemplos clásicos de simulacros de combate ritualizados y competitivos. Desde la época de Maximiliano I, las justas se convirtieron en un deporte con enormes costes para cada caballero y, en consecuencia, un gran prestigio, comparable a las carreras de Fórmula Uno contemporáneas , minimizando al mismo tiempo el peligro de lesiones con equipos altamente especializados.
En la Baja Edad Media , los combates de esgrima escenificados, con o sin coreografía, se hicieron populares en las escuelas de esgrima . Algunos fechtbuch alemanes ("manuales de combate", literalmente "lucha" o "libro de esgrima") tienen secciones dedicadas a técnicas extravagantes que se emplearán en tales Klopffechten ("lucha de golpes"), que no serían prácticas en combates serios, y los fechtbuch ("manuales de combate") alemanes ("manuales de combate"), que no serían prácticos en combates serios, y el Los maestros alemanes distinguen las peleas simuladas ( fechten zu schimpf , 'lucha despotricada') y el combate real ( fechten zu ernst , 'lucha seria').
La historia del combate teatral europeo tiene sus raíces en el teatro medieval y se vuelve tangible en el drama isabelino . Richard Tarlton , que era miembro de la compañía de actores de William Shakespeare y del gremio de armas London Masters of Defense, estuvo entre los primeros directores de lucha en el sentido moderno. [4] Los duelos con espadas representados en las obras de teatro mostraron cuán popular era el pasatiempo en la vida real. Antes de 1615, en Inglaterra, muchas obras presentaban duelos y los duelos se consideraban lo más destacado del espectáculo. A diferencia de después de 1615, cuando el rey James condenó públicamente los duelos y los duelos se utilizaron como último recurso con respecto al complot. [5]
Durante finales del siglo XVII y principios del XVIII, el combate escénico estilizado ha sido una característica básica de las artes escénicas tradicionales durante siglos, como en el teatro Kabuki japonés (como tachimawari "escenas de lucha"), la Ópera china de Beijing y el teatro indio.
Los maestros de esgrima en Europa comenzaron a investigar y experimentar con técnicas históricas de esgrima , con armas como la espada de dos manos , el estoque y la espada pequeña , y a instruir a los actores en su uso. Entre ellos se destacó George Dubois, un director de lucha y artista marcial parisino que creó estilos de esgrima basados en el combate de gladiadores , así como en la esgrima renacentista con estoque y daga . El castillo de Egerton y el capitán Alfred Hutton de Londres también participaron en la recuperación de sistemas de cercas antiguos y en la enseñanza de estos estilos a los actores. [6]
Durante finales del siglo XIX y principios del XX, las escenas de esgrima en producciones teatrales en gira por Europa, la Commonwealth británica y los Estados Unidos se creaban típicamente combinando varias rutinas genéricas ampliamente conocidas conocidas como "combates estándar", identificadas con nombres como "Ochos redondos" y "Diez de Glasgow".
La esgrima cinematográfica tiene sus raíces en la década de 1920, con las películas de Douglas Fairbanks . Uno de los directores de lucha más famosos que surgió en esta época fue Paddy Crean, quien revolucionó el combate escénico, específicamente el juego de espadas, para la pantalla grande y el teatro. Paddy creó el estilo extravagante de juego con espadas que se puede ver en las películas de Errol Flynn , entre otras. Promovió el uso de la seguridad por encima de todas las cosas y luego se centró en la historia de la pelea. [7] BH Barry y J. Allen Suddeth, estudiantes de Paddy Crean, son dos maestros de la lucha que han seguido desarrollando el legado de Paddy. Barry ayudó a fundar la Sociedad de Directores de Pelea Británicos y luego vino a los Estados Unidos para darle una forma más específica a la dirección de pelea. [8] J. Allen Suddeth fundó el Programa Nacional de Formación de Directores de Lucha en los Estados Unidos y escribió el libro "Fight Direction for the Theatre" (1996). [9] Las películas de artes marciales surgen como un género distinto a partir de la década de 1940, popularizadas por Bruce Lee y Sonny Chiba en la década de 1960.
A partir de mediados de la década de 1960, John Waller , un pionero en el resurgimiento de las artes marciales históricas europeas (HEMA), fue director de lucha para teatro y cine, y más tarde profesor de combate escénico en escuelas de teatro de Londres, con énfasis en historia. realismo. [10] Los gremios informales de coreógrafos de lucha comenzaron a tomar forma en la década de 1970 con el establecimiento de la Sociedad de Directores de Lucha Británicos, de 1969 a 1996. La formación se estableció en los Estados Unidos con la formación de la Sociedad de Directores de Lucha Estadounidenses en 1977.
Después de esto, se han establecido más academias y asociaciones en todo el mundo para defender el oficio, la capacitación y la calidad del trabajo en la forma artística del combate escénico a nivel nacional e internacional, entre ellas: The British Academy Of Stage & Screen Combat (BASSC) y Fight Directors Canada. (FDC) en 1993; la Sociedad Australiana de Directores de Lucha Inc. (SAFDi) en 1994; la Nordic Stage Fight Society (NSFS) y la Stage Combat Society de Nueva Zelanda en 1995; la Academia Británica de Combate Dramático (BADC, anteriormente conocida como Sociedad de Directores de Lucha Británicos) en 1996; Arte de Combate en 1997; New York Combat para escenario y pantalla en 1999; Stage Combat Deutschland en 2004; y la Asociación Australiana de Combate Escénico (ASCA) en 2010; El Gremio Británico de Combate Escénico en 2015. A partir de 2005, East 15 Acting School , Londres, ofrecía una licenciatura (con honores) en Actuación y Combate Escénico. Muchas de las sociedades ofrecen programas de certificación para diferentes armas, lo que se utiliza como indicador del nivel de formación que ha tenido un actor. Durante la primera parte de la pandemia de Covid 19, varias organizaciones avanzaron en la capacitación virtual/a distancia, incluidos talleres virtuales internacionales. [11]
El entrenamiento de combate escénico incluye habilidades de combate sin armas como bofetadas, puñetazos, patadas, técnicas de lanzamiento y agarre ilusorios; adaptaciones teatrales de diversas formas de esgrima , como el estoque y la daga , la espada pequeña y la espada ancha , así como el uso de otras armas, en particular el bastón y los cuchillos ; y habilidades más especializadas como la lucha libre profesional y diferentes estilos de artes marciales . Sin embargo, el combate en el escenario puede incluir cualquier forma de violencia coreografiada y las opciones están limitadas únicamente por cuestiones de seguridad y la capacidad de los participantes involucrados. Como nota, la mayoría de estas técnicas se extraen de técnicas de lucha reales, pero se modifican para que sean más seguras para los actores. Por ejemplo, aunque hay varias formas de crear la ilusión segura de una bofetada en la cara (que obviamente es algo que realmente se podría hacer en combate), ninguna de ellas implica hacer contacto real con la cara de la víctima.
La principal preocupación es la seguridad de los actores y del público. Este requisito ha llevado a la adaptación de muchas artes marciales estándar y habilidades de esgrima específicamente para su desempeño. [12] [13] Por ejemplo, muchos ataques y paradas básicos con espada deben modificarse para garantizar que los actores no pasen las puntas de sus armas más allá de la cara de su compañero o arriesguen inadvertidamente la salud y el bienestar del otro actor. Las acciones de ataque en el combate escénico se extienden más allá del cuerpo del compañero de actuación o apuntan menos de sus objetivos aparentes. Del mismo modo, aunque sus personajes pueden verse envueltos en crueles combates sin armas, los actores deben operar con un alto nivel de complicidad y comunicación para garantizar una escena de pelea segura y emocionante. En muchas formas de combate escénico, la distancia es un factor clave en la técnica. Muchos ataques se realizan "fuera de distancia" para que no haya posibilidad de que un ejecutante golpee accidentalmente al otro. Se requiere un juicio profesional considerable para determinar qué nivel técnico puede ser apropiado para un intérprete determinado, teniendo en cuenta el tiempo de ensayo asignado y las expectativas del director.
Otro elemento importante del combate escénico es el sonido. El sonido aumenta la credibilidad de una acción para la audiencia. Hay dos tipos de sonidos que se pueden emitir. Una son las reacciones vocales. Al agregar un jadeo, un gemido o un gruñido cuando son golpeados, los combatientes hacen que los movimientos cobren vida. El otro tipo de sonido es un golpe o un sonido de percusión que se produce al golpear una parte resonante del cuerpo. [14] Esto está programado para el momento en que ocurriría un impacto y está organizado de manera que quede oculto a la audiencia. Esto permite al público creer que se ha recibido un golpe o una bofetada real porque escuchan el sonido correspondiente y ven una reacción.
La fase de combate de un ensayo de obra se conoce como ensayo de pelea . La coreografía generalmente se aprende paso a paso y se practica al principio muy lentamente antes de aumentar a una velocidad que sea dramáticamente convincente y segura para los artistas y su audiencia. [15] Incluso el combate escénico es arriesgado y es preferible que los actores tengan la mayor formación y experiencia posible. Cada vez se realiza una "llamada de pelea" o un breve ensayo antes del espectáculo, reservado para que los actores "marquen" durante la pelea para aumentar su memoria muscular . Un espectáculo que involucra coreografía de pelea generalmente será capacitado y supervisado por un coreógrafo de pelea profesional y también puede incluir un capitán de pelea , quien dirige las llamadas de pelea y se asegura de que los actores permanezcan seguros durante todo el espectáculo. [dieciséis]
Los estilos de lucha en las películas ambientadas en los períodos medieval y renacentista pueden ser poco realistas e históricamente inexactos. La mayoría de los coreógrafos de lucha utilizan una combinación de artes marciales asiáticas y esgrima deportiva para recrear escenas de lucha. Esto generalmente se debe al aspecto de la pelea solicitado por el director. Si el director quiere que la historia fluya de cierta manera, entonces el director de peleas coreografiará las peleas para que se ajusten a ese estilo y cuente la historia.
Para el combate en el escenario, todos los bordes deben estar desafilados y las puntas desafiladas para que no haya riesgo de lesiones graves si alguien es apuñalado accidentalmente. Además, las armas que se utilizan, y no sólo para el espectáculo, deben estar certificadas como listas para el combate, evitando así accidentes en los que las hojas se rompan accidentalmente.
Las armas cuerpo a cuerpo se utilizan en escenas de batalla grandes y pueden incluir lanzas , hachas , mazas , mayales y más. Estas son otras armas que se utilizan mejor en espacios de juego grandes donde hay espacio para trabajar a una distancia segura.
Los cuartos se utilizan en espectáculos que se realizan en grandes espacios de juego debido al gran tamaño del arma. Una de las peleas con bastón más populares es la entre Robin Hood y Little John en la historia de Robin Hood de la balada del siglo XVII. La coreografía moderna del bastón también ha integrado las técnicas del bō del arte marcial japonés Tenshin Shōden Katori Shintō-ryū , que se originó alrededor de 1447. Se pueden ver ejemplos de este estilo en la famosa obra de Kabuki Yoshitsune Senbon Zakura , escrita en 1748 . cita necesaria ]
Replicar las artes marciales asiáticas en el escenario es a menudo una imitación de su representación cinematográfica y, a menudo, implica crear la ilusión de habilidades de alto nivel que los propios artistas no poseen. [17] A menudo, están coreografiados con movimientos estilizados que se inspiran en el cine de artes marciales asiático más que en prácticas marciales reales.
La Vampire Cowboys Theatre Company , dirigida por Qui Nguyen y Robert Ross Parker, ha construido un género en parte en torno a la puesta en escena de elaboradas escenas de lucha derivadas de las artes marciales.
La obra Burn de Lanford Wilson también incluye una escena de lucha escrita con elementos de Aikido y Karate . Si bien la obra en sí no se centra en las artes marciales, su inclusión es importante en un momento crucial de la obra. Un ejemplo de cómo las artes marciales se centran en una escena de teatro musical se puede encontrar en Company (musical) de Stephen Sondheim , durante la canción "The Little Things You Do Together". También aparecen en algunas de las obras de David Henry Hwang .
Pan Asian Rep produjo Shogun MacBeth dos veces, que traspuso la obra de Shakespeare al Japón feudal, con el estilo apropiado de juego de espadas. También adaptando la misma obra a un escenario japonés, Ping Chong creó una versión teatral del Trono de sangre de Kurosawa .
En términos de teatro asiático, las escenas de lucha en géneros como el Kabuki suelen estar muy estilizadas.
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Una espada grande comúnmente utilizada en la Alta Edad Media en Europa, la espada ancha se destacaba por su gran empuñadura que permitía empuñarla con ambas manos debido a su tamaño y peso. Usada para cortar en lugar de apuñalar, esta arma se usa en obras ambientadas en este período como Macbeth de Shakespeare y también se ve en epopeyas de fantasía como El Señor de los Anillos .
La primera escuela para enseñar el uso correcto del estoque en Inglaterra fue fundada en 1576 por el italiano Rocco Bonetti. [18] Bonetti se hizo cargo del contrato de arrendamiento del dramaturgo John Lyly para abrir su escuela en Blackfriars . [19] El estoque tiene la ventaja del empuje sobre el corte, lo que significa que podría ser un arma mucho más pequeña y liviana que la espada. Es popular en obras de Shakespeare como Romeo y Julieta y Hamlet, donde se realizan duelos y puede usarse en combinación con una daga.
La espada pequeña se puso de moda en Inglaterra y Francia a finales del siglo XVII. [18] Se usaba como arma de empuje, por lo que los movimientos de la espada se mantenían mínimos para encontrar la abertura en la que podía aterrizar un golpe. La mayoría de los hombres de la época llevaban espadas pequeñas como accesorios de moda, por lo que la mayoría estaban elegantemente adornadas. Un ejemplo de duelo con espada pequeña se puede ver en Les Liaisons Dangereuses de Christopher Hampton escrita en 1985, basada en la novela homónima de 1782 .
Hay muchos estilos de lucha con cuchillo, desde el cuchillo Bowie hasta una navaja automática . Las peleas con cuchillos tienden a tener movimientos rápidos y bruscos. Un ejemplo de esto se puede ver en la pelea de West Side Story entre Riff y Bernardo. Sin embargo, a menudo en las obras se trata de un actor con un cuchillo contra alguien que está desarmado, como en el primer acto de la ópera Carmen de Georges Bizet , escrita en 1875.
LLyg La espada y los escudos utilizados en el combate escénico suelen ser redondos y lo suficientemente fuertes como para usarse como arma defensiva y ofensiva. Un elemento importante al usar un escudo es sostener el brazo del escudo en una diagonal superior de modo que el puño quede más alto que el codo para que la parte superior del escudo no se mueva cuando se golpee y el peligro de ser golpeado en la cara con el escudo o el El arma que se utiliza para golpearlo se puede evitar. Se pueden encontrar espadas y escudos en escenas de batalla, como en las obras históricas de La Guerra de las Rosas de Shakespeare .
Un elemento básico de las películas de acción modernas debido a su espectáculo visual, resultado de coreografías y acrobacias a menudo impresionantes. [20]
Este consiste en un combate cuerpo a cuerpo sin arma. Los elementos del combate desarmado incluyen bofetadas, puñetazos, patadas, agarres, estrangulamientos, caídas, vueltas, agarres, entre otros. Muchos directores de peleas confían en combinaciones de peleas callejeras desordenadas y artes marciales como el aikido y el jiu-jitsu brasileño para crear peleas de esta naturaleza. Generalmente es más común en obras contemporáneas modernas, después de que las espadas pasaron de moda, pero también se ve en obras más antiguas como Otelo de Shakespeare , cuando Otelo estrangula a Desdémona.
Los objetos encontrados son objetos que no son tradicionalmente armas pero que pueden usarse como tales en el contexto de la escena. Un ejemplo clásico de esto es romper una botella sobre la cabeza de alguien. Como ocurre con todos los combates escénicos, los objetos están manipulados para no representar ningún peligro para los destinatarios. En el caso de botellas o platos, se utilizan moldes de vidrio azucarado en lugar de botellas de vidrio reales.
La coreografía de lucha puede variar ampliamente, desde el verdadero realismo hasta la pura fantasía , según los requisitos de una producción en particular. Una de las principales razones por las que los directores de lucha teatral a menudo no buscan un realismo estricto es que la audiencia en vivo no podría seguir fácilmente la "historia" de la acción si los cuerpos y las espadas se movieran de la misma manera que los luchadores entrenados los moverían. Por ejemplo, una producción de Cyrano de Bergerac , de Edmond Rostand , utilizando estoques del siglo XVII, podría mostrar a Cyrano realizando muchos ataques con cortes circulares. Pero un ataque más eficiente y práctico sería tomar una línea más rápida y directa hacia el cuerpo del oponente. Pero el director de pelea sabe que el público no podría seguir la acción tan bien si los ataques fueran más rápidos (el público difícilmente podría ver las delgadas hojas azotar el aire), por lo que la mayoría de los coreógrafos de pelea tomarían decisiones para ayudar al público. sigue la historia. Por supuesto, esto depende de la producción, el director y otras elecciones estilísticas.
Una escuela de pensamiento de coreógrafos de lucha dice que un aspecto inusual del combate en vivo en el escenario, como en una obra de teatro, es que el público reaccionará negativamente incluso ante la violencia simulada si teme que los actores estén siendo lastimados: por ejemplo, si un actor realmente recibe una bofetada. en la cara, el público dejará de pensar en el personaje y, en cambio, se preocupará por el intérprete. El público también puede temer por su propia seguridad si grandes escenas de combate parecen estar fuera de control. Por lo tanto, el combate escénico no es simplemente una técnica de seguridad, sino que también es importante para que el público mantenga una suspensión ininterrumpida de la incredulidad .
Teniendo sus raíces en el teatro medieval , el combate escénico ingresa a la coreografía del teatro clásico con el drama isabelino ( la dirección escénica simple y frecuentemente vista de Shakespeare , ellos pelean ).
Obras de teatro clásicas con escenas de lucha con espadas:
El cine heredó el concepto de peleas coreografiadas directamente de la pelea teatral. Douglas Fairbanks fue en 1920 el primer director de cine que pidió a un maestro de esgrima que le ayudara en la producción de una escena de esgrima en el cine. [21] Una segunda ola de películas de capa y espada se desencadenó con Errol Flynn a partir de 1935. En la década de 1970 surgió un renovado interés por las películas de capa y espada, a raíz de Los tres mosqueteros (1973). Los directores en esta etapa buscaban cierta precisión histórica, aunque, como dice la Encyclopædia Britannica de 2007, "la esgrima cinematográfica sigue siendo una mala representación de la técnica de esgrima real". Las películas de Star Wars , cuyas peleas están coreografiadas por Bob Anderson y Peter Diamond (Episodios IV, V y VI) y Nick Gillard (Episodios I, II y III), tienden a retratar el combate con sables de luz utilizando técnicas de esgrima extraídas de las artes marciales existentes. artes, pero realizadas con armas de fantasía como sables de luz o la Fuerza , mientras que la acción presentada en El Señor de los Anillos también coreografiada por Bob Anderson empleaba armas y estilos de lucha de fantasía, diseñados por Tony Wolf .
Durante las décadas de 1970 y 1980, Bruce Lee , Sonny Chiba , Jackie Chan y Sammo Hung se hicieron famosos tanto por coreografiar como por actuar en películas de acción de artes marciales, y fueron influyentes en el desarrollo del combate escénico en el cine. El coreógrafo de lucha radicado en Hong Kong , Yuen Woo-ping, es conocido por su trabajo en Crouching Tiger, Hidden Dragon y la trilogía Matrix , en la que las técnicas de lucha a menudo poco realistas se complementan con técnicas de dirección como el tiempo bala . Ching Siu-tung es particularmente conocido en el campo del cine de acción de Hong Kong por su uso de elegantes técnicas de wire fu . Por el contrario, películas como The Duellists , lucha dirigida por William Hobbs, Once Were Warriors , lucha dirigida por Robert Bruce y Troy & Ironclad , lucha dirigida por Richard Ryan son ampliamente famosas por incluir escenas de combate realistas y valientes. Ryan también es conocido por su creatividad al idear estilos como el de Batman en The Dark Knight , el estilo de 'previsión' de Sherlock Holmes en las dos películas de Sherlock Holmes de Guy Ritchie .
La recreación de combate es una parte de la recreación histórica que tiene como objetivo representar eventos de batalla, normalmente un compromiso específico en la historia, pero también batallas sin guión donde el "ganador" no está predeterminado.