La Sinfonía n.º 9 en mi menor fue la última sinfonía escrita por el compositor inglés Ralph Vaughan Williams . La compuso durante 1956 y 1957, y fue estrenada en Londres por la Royal Philharmonic Orchestra dirigida por Sir Malcolm Sargent el 2 de abril de 1958, cuando el compositor tenía ochenta y seis años. La obra fue recibida con respeto, pero, al principio, sin gran entusiasmo. Su reputación ha crecido posteriormente, y la sinfonía ha entrado en el repertorio, en la sala de conciertos y en discos, con la mayoría de las grabaciones de los años 1990 y del siglo XXI.
En sus primeros bocetos para la sinfonía, Vaughan Williams hizo referencia explícita a personajes y escenas de Tess de los d'Urberville de Thomas Hardy . Cuando terminó la sinfonía, ya había eliminado los detalles programáticos, pero los analistas musicales han encontrado muchos puntos en los que la obra, no obstante, evoca la novela.
A mediados de la década de 1950, Vaughan Williams, de ochenta años, era considerado el Gran Viejo de la música inglesa, aunque le disgustaba mucho el término. [1] Entre 1910 y 1955 había compuesto ocho sinfonías y, a principios de 1956, antes del estreno de la Octava , comenzó a pensar y hacer bocetos para una novena. [2]
Durante las primeras etapas de la composición de la sinfonía, Vaughan Williams concibió primero una representación musical de Salisbury , la llanura y Stonehenge [3] y luego una evocación de Tess de los d'Urbervilles de Thomas Hardy , ambientada en el mismo entorno. Los elementos programáticos desaparecieron a medida que avanzaba el trabajo. [4] Los bocetos existentes muestran que en las primeras etapas de la composición ciertos pasajes se relacionaban con personas y eventos específicos de la novela: en algunos de los manuscritos el primer movimiento se titula "Preludio de Wessex" y el encabezado "Tess" aparece sobre los bocetos del segundo movimiento. [4] Cuando la obra estuvo completa, el compositor se esforzó por caracterizarla como música absoluta :
La obra fue encargada por la Royal Philharmonic Society y dedicada a ella. Se completó en noviembre de 1957, cuando se interpretó un arreglo para piano para un grupo de amigos del compositor, entre los que se encontraban los compositores Arthur Bliss y Herbert Howells y el crítico Frank Howes . [6] Quince días antes del estreno, Vaughan Williams organizó (y pagó) un ensayo de tres horas en el que se interpretó la sinfonía dos veces; después de escuchar la pieza, hizo algunos ajustes menores en preparación para el estreno. [7] [8]
Sir Malcolm Sargent dirigió la primera interpretación pública en un concierto de la Royal Philharmonic Society en el Royal Festival Hall de Londres el 2 de abril de 1958, el tema central del programa, entre el Concierto para orquesta de Kodály y Harold en Italia de Berlioz . [9] Volvió a dirigir la sinfonía el 5 de agosto de 1958 en un concierto retransmitido por la BBC Proms . [10] La obra tuvo su estreno norteamericano el 10 de agosto, dirigida por William Steinberg en el Festival Internacional de Vancouver . [11] Leopold Stokowski dirigió el estreno estadounidense en el Carnegie Hall de Nueva York el 25 de septiembre, [12] y Sir John Barbirolli dirigió la Orquesta de Filadelfia en la obra en diciembre de ese año. [13]
Las fuerzas orquestales necesarias son:
La sinfonía consta de cuatro movimientos. Los tiempos de ejecución varían considerablemente: en el estreno, Sargent y la Royal Philharmonic tardaron 30 minutos y 25 segundos, lo que se acerca más a las indicaciones del metrónomo del compositor que la mayoría de las interpretaciones posteriores registradas, pero algunos críticos consideran que es demasiado rápido en algunos lugares. [14] [n 1] En preparación para la primera grabación comercial de la obra en agosto de 1958, Sir Adrian Boult discutió el final del último movimiento con Vaughan Williams, que le pareció demasiado abrupto. Vaughan Williams sugirió que podía tocar esa sección "bastante más lento" si lo deseaba, mientras consideraba la sugerencia de Boult de agregar 20 o 30 compases. [19] [8] : 44m 30s [20] Los tiempos de las grabaciones de estudio de la obra han variado desde 29m 45s ( Kees Bakels , 1996) a 40m 43 ( Andrew Manze , 2018), con 34 minutos aproximadamente como una duración más típica. [21]
En el análisis publicado del compositor, el primer movimiento de Moderato se describe como no en forma estrictamente sonata, sino que obedece a los principios generales de declaración, contraste y repetición. [22] La sinfonía se abre en mi menor , en4
4tiempo, con un Mi sostenido al unísono en cuatro octavas, seguido de un tema lento para metales graves y vientos sobre el Mi sostenido. [n 2] Esto conduce a la primera entrada solista de los tres saxofones en un tema solemne en tríadas sobre un tranquilo acorde de Mi menor. Los clarinetes, acompañados por acordes de arpa, introducen un tema más suave en Sol menor que se elide en Sol mayor que sugeriría la forma de sonata convencional. Esto regresa en forma más completa más adelante en el movimiento, formando la sección de recapitulación, y ahora tocada por un violín solista, antes de que el movimiento regrese al tema de apertura y termine con una cadencia de saxofón ( à la Napolitaine , en la frase del compositor). [24]
El movimiento lento, marcado como Andante sostenuto, se abre en sol menor,4
4En la partitura, el compositor ha eliminado el nombre de los temas y, en la introducción, se puede oír el sonido del viento que sopla a través de Stonehenge. [25] [26] [27] Más adelante en el movimiento, la música evoca a Tess, la policía que la persigue, su arresto y la campana que da las ocho antes de que la ahorquen. [27] [28] Vaughan Williams, evitando mencionar el programa original, describe el tema del fliscorno como "tomado prestado de una obra temprana del compositor, afortunadamente desechada hace mucho tiempo, pero modificada de modo que su propio padre difícilmente la reconocería". [n 3] Continúa:
El movimiento se cierra con un acorde pianissimo de do mayor sostenido a lo largo de cuatro compases. [31]
El tercer movimiento del scherzo está marcado como Allegro pesante y se mueve entre6
8y2
4tiempo. Después de un discordia de metales fortissimo de apertura, acompañado por un patrón rítmico en el tambor lateral, los saxofones tocan el primer tema principal, al que sigue un segundo tema, en2
4, y, volviendo a6
8, un tercero. Se desarrolla un tema secundario en el canon. La música se interrumpe con una repetición de la disonancia inicial, a partir de la cual el saxofón solista en si bemol y el tambor lateral llevan el movimiento a un final tranquilo. [32]
El último movimiento, denominado Andante tranquillo, consta de dos secciones distintas: la primera en forma binaria repetida y la segunda, una sonata allegro con coda. [33] La primera sección comienza con una larga cantilena para los violines y luego para las violas, con un contrapunto de clarinete. El segundo tema, para trompas, es seguido por una repetición de ambos temas, antes de que una frase corta que se repite a lo largo del movimiento introduzca la segunda sección, un tema para viola, suave al principio y que se vuelve más fuerte y contrapuntístico, para orquesta completa antes de terminar en una tríada en mi mayor , fortissimo pero que se desvanece hasta el silencio. [34]
Según el biógrafo de Vaughan Williams , Michael Kennedy , después de las primeras interpretaciones, "no se podía negar la frialdad con la que los críticos recibieron la música. Su tono enigmático los desconcertó, y por lo tanto se prestó más atención al uso del fliscorno y a la frívola nota del programa". [35] El intérprete de fliscorno en el estreno comentó que toda la cobertura de la prensa se centró en el instrumento, en detrimento de una discusión seria de la sinfonía como obra. [36] Un ejemplo de lo que Kennedy describe como la frivolidad del compositor en su nota del programa se refiere a la instrumentación:
En la revista estadounidense Notes , R. Murray Schafer comentó que, aunque la mayoría de las bibliotecas desearían adquirir la partitura debido a la reputación de Vaughan Williams como sinfonista, "me resulta difícil... descubrir mucho más que un valor numérico en la obra". Se quejó de los saxofones y el fliscorno: "todo este color adicional parece emplearse simplemente para espesar la textura de la orquesta central... La maestría formal todavía está presente, pero no creo que salve la obra". [37] Otros críticos en Estados Unidos estaban más impresionados. En el Musical Courier , Gideon Waldrop describió la sinfonía como "una obra de belleza... el lirismo, la pura belleza tonal y la minuciosa artesanía estaban en evidencia en todo momento" y en The New York Times , Harold C. Schonberg escribió que "la sinfonía está repleta de una fuerte melodía personal de principio a fin... Un suave resplandor impregna la obra, como lo hace el trabajo de muchos compositores veteranos que parecen mirar retrospectivamente sus carreras... la Novena Sinfonía es una obra maestra". [12]
En las décadas posteriores a su muerte, la música de Vaughan Williams fue en gran medida ignorada por los académicos y críticos musicales, aunque no por el público: su música siguió siendo popular en las salas de conciertos y en los discos. [38] [39] A mediados de la década de 1990, la marea crítica y musicológica giró a su favor. [40] En lo que respecta a la Novena Sinfonía, la visión anterior de que no decía nada nuevo comenzó a ser suplantada por el reconocimiento de que, aunque era, como lo expresó The Times en 2008, "la síntesis y suma de todo lo que había sucedido antes", la música era visionaria, violenta, elusiva y ambigua. [41] En 2011, en una nota para la Sinfónica de San Francisco , Larry Rothe escribió: "Al igual que la última sinfonía de Beethoven, esta retrata enormes conflictos y esfuerzos sobrehumanos. Luego, en medio de ella, se despliega un paisaje marino bañado de luz, pero la visión se retira tan repentinamente como apareció. Vaughan Williams no había compuesto música tan enojada y asertiva desde su Sexta Sinfonía". [42] Frogley y otros creen que la obra se entendió mejor una vez que el elemento programático se hizo ampliamente conocido. [19] [43]
