Judy Chicago (nacida Judith Sylvia Cohen ; 20 de julio de 1939) es una artista feminista estadounidense , educadora de arte [3] y escritora conocida por sus grandes piezas de instalación de arte colaborativo sobre imágenes de nacimiento y creación, que examinan el papel de las mujeres en la historia y la cultura. Durante la década de 1970, Chicago fundó el primer programa de arte feminista en los Estados Unidos en la Universidad Estatal de California, Fresno (anteriormente Fresno State College), que actuó como catalizador para el arte feminista y la educación artística durante la década de 1970. [4] Su inclusión en cientos de publicaciones en varias áreas del mundo muestra su influencia en la comunidad artística mundial. Además, muchos de sus libros se han publicado en otros países, lo que hace que su trabajo sea más accesible para los lectores internacionales. El trabajo de Chicago incorpora una variedad de habilidades artísticas, como la costura, contrarrestadas con habilidades como la soldadura y la pirotecnia. Su obra más conocida es The Dinner Party , que está instalada permanentemente en el Centro Elizabeth A. Sackler de Arte Feminista en el Museo de Brooklyn . The Dinner Party celebra los logros de las mujeres a lo largo de la historia y es ampliamente considerada como la primera obra de arte feminista épica. Otros proyectos artísticos notables de Chicago incluyen International Honor Quilt , Birth Project , [5] Powerplay , [6] y The Holocaust Project . [7] Está representada por la galería Jessica Silverman. [8]
Chicago fue incluida en la lista de las "100 personas más influyentes de 2018" de la revista Time . [9]
Judy Chicago nació como Judith Sylvia Cohen [2], hija de Arthur y May Cohen, en Chicago, Illinois , en 1939. Su padre provenía de un linaje de 23 generaciones de rabinos , incluido el judío lituano Gaón de Vilna . Rompiendo su tradición familiar, Arthur se convirtió en un organizador laboral y marxista . [10] Trabajaba de noche en una oficina de correos y cuidaba de Chicago durante el día, mientras que May, que era una ex bailarina, trabajaba como secretaria médica . [2] [10] La participación activa de Arthur en el Partido Comunista Estadounidense, las opiniones liberales hacia las mujeres y el apoyo a los derechos de los trabajadores influyeron fuertemente en las propias formas de pensar y creencias de Chicago. [11] Durante la era del macartismo , Arthur fue investigado, lo que le dificultó encontrar trabajo y causó mucha agitación en la familia. [10] En 1945, mientras Chicago estaba sola en casa con su hermano pequeño Ben, un agente del FBI visitó su casa. El agente comenzó a hacerle preguntas a Chicago, de seis años, sobre su padre y sus amigos, pero fue interrumpido cuando May regresó a la casa. [11] La salud de Arthur se deterioró y murió en 1953 de peritonitis . May no quiso hablar de su muerte con sus hijos y no les permitió asistir al funeral. Chicago no aceptó su muerte hasta que fue adulta; a principios de la década de 1960, estuvo hospitalizada durante casi un mes con una úlcera sangrante. [10]
May amaba las artes e inculcó su pasión por ellas a sus hijos. A los tres años, Chicago comenzó a dibujar y fue enviada al Art Institute of Chicago para asistir a clases. [10] [12] A los cinco años, Chicago sabía que "nunca quiso hacer nada más que arte" [12] y continuó asistiendo a clases de extensión en el Art Institute durante su infancia y adolescencia. [13] Después de la escuela secundaria, solicitó ingresar a un programa de grado académico en la Escuela del Art Institute, pero le negaron la admisión [11] y, en su lugar, asistió a la UCLA con una beca. [10]
Mientras estaba en la UCLA, se volvió políticamente activa, diseñando carteles para el capítulo de la NAACP de la UCLA y eventualmente se convirtió en su secretaria correspondiente. [11] En junio de 1959, conoció y salió con Jerry Gerowitz. Dejó la escuela y se mudó con él, teniendo por primera vez su propio espacio de estudio. La pareja hizo autostop a Nueva York en 1959, justo cuando la madre y el hermano de Chicago se mudaron a Los Ángeles para estar más cerca de ella. [14] La pareja vivió en Greenwich Village por un tiempo antes de regresar en 1960 de Los Ángeles a Chicago para que ella pudiera terminar su carrera. Chicago se casó con Gerowitz en 1961. [15] Se graduó con una licenciatura en Bellas Artes en 1962 y fue miembro de la Sociedad Phi Beta Kappa . Gerowitz murió en un accidente automovilístico en 1963, devastando Chicago y causándole una crisis de identidad durante varios años. Recibió su Maestría en Bellas Artes de la UCLA en 1964. [10]
En la escuela de posgrado, Chicago creó una serie que era abstracta, pero fácilmente reconocible como órganos sexuales masculinos y femeninos. Estas primeras obras se llamaron Bigamia y representaban la muerte de su marido. Una representaba un pene abstracto, que fue "detenido en el vuelo" antes de que pudiera unirse con una forma vaginal. Sus profesores, que eran principalmente hombres, estaban consternados por estas obras. [15] A pesar del uso de órganos sexuales en su trabajo, Chicago se abstuvo de utilizar la política de género o la identidad como temas.
En 1965, Chicago expuso sus obras en su primera exposición individual, en la galería Rolf Nelson de Los Ángeles. Chicago fue una de las cuatro únicas artistas femeninas que participaron en la muestra. [16]
En 1968, le preguntaron a Chicago por qué no participaba en la exposición Mujeres de California en las Artes en el Lytton Center, a lo que respondió: "No me exhibiré en ningún grupo definido como mujer, judío o californiano. Algún día, cuando todos crezcamos, no habrá etiquetas". Chicago comenzó a trabajar en esculturas de hielo , que representaban "una metáfora de la preciosidad de la vida", otra referencia hacia la muerte de su esposo. [17]
En 1969, el Museo de Arte de Pasadena exhibió una serie de esculturas y dibujos de Chicago en forma de cúpula de plástico acrílico en una galería "experimental". Art in America declaró que el trabajo de Chicago estaba a la vanguardia del movimiento de arte conceptual , y Los Angeles Times describió el trabajo como si no mostrara signos de "arte teórico de tipo neoyorquino". [17] Chicago describiría sus primeras obras de arte como minimalistas y como su intento de ser "uno de los chicos". [18] Chicago también experimentaría con el arte de performance , utilizando fuegos artificiales y pirotecnia para crear "atmósferas", que implicaban destellos de humo de colores que se manipulaban al aire libre. [19]
Durante esta época, Chicago también comenzó a explorar su propia sexualidad en su obra. Creó Pasadena Lifesavers , una serie de pinturas abstractas en las que aplicaba pintura acrílica sobre plexiglás . Las obras mezclaban colores para crear una ilusión de que las formas "giraban, se disolvían, se abrían, se cerraban, vibraban, gesticulaban, se meneaban", lo que representaba su propio descubrimiento de que "era multiorgásmica". Chicago atribuyó a Pasadena Lifesavers el principal punto de inflexión en su obra en relación con la sexualidad y la representación de las mujeres. [19]
A medida que Chicago se hacía un nombre como artista y se reconocía a sí misma como mujer, ya no se sentía conectada con el apellido Cohen . Esto se debió a su dolor por la muerte de su padre y la conexión perdida con su nombre de casada Gerowitz, después de la muerte de su esposo. Decidió cambiar su apellido a algo independiente de estar relacionada con un hombre por matrimonio o herencia. [10]
En 1965 se casó con el escultor Lloyd Hamrol, del que se divorció en 1979. [20]
El dueño de la galería Rolf Nelson la apodó "Judy Chicago" [10] debido a su fuerte personalidad y su marcado acento de Chicago. Ella decidió que este sería su nuevo nombre. Al cambiar legalmente su apellido del étnicamente cargado Gerowitz al más neutral Chicago , se liberó de cierta identidad social. [21] Chicago estaba horrorizada de que se requiriera la aprobación de la firma de su nuevo esposo para cambiar su nombre legalmente. [20] Para celebrar el cambio de nombre, posó para la invitación de la exhibición vestida como un boxeador, con una sudadera con su nuevo apellido. [19] También colocó una pancarta en la galería en su exhibición individual de 1970 en la Universidad Estatal de California en Fullerton , que decía: "Judy Gerowitz se deshace de todos los nombres que se le imponen a través del dominio social masculino y elige su propio nombre, Judy Chicago". [20] Un anuncio con la misma declaración fue colocado en la edición de octubre de 1970 de Artforum . [22]
Chicago es considerada una de las "artistas feministas de primera generación", un grupo que también incluye a Mary Beth Edelson , Carolee Schneeman y Rachel Rosenthal . Fueron parte del movimiento de arte feminista en Europa y Estados Unidos a principios de la década de 1970 para desarrollar la escritura y el arte feministas. [23]
En 1970, Chicago comenzó a enseñar a tiempo completo en Fresno State College , con la esperanza de enseñar a las mujeres las habilidades necesarias para expresar la perspectiva femenina en su trabajo. [24] En Fresno, planeó una clase que estaría compuesta solo por mujeres y decidió enseñar fuera del campus para escapar de "la presencia y, por lo tanto, las expectativas de los hombres". [25] Enseñó la primera clase de arte para mujeres en el otoño de 1970 en Fresno State College. Se convirtió en el Programa de Arte Feminista , un programa completo de 15 unidades, en la primavera de 1971. Este fue el primer programa de arte feminista en los Estados Unidos. Quince estudiantes estudiaron con Chicago en Fresno State College: Dori Atlantis, Susan Boud, Gail Escola, Vanalyne Green , Suzanne Lacy , Cay Lang, Karen LeCocq , Jan Lester, Chris Rush , Judy Schaefer, Henrietta Sparkman, Faith Wilding , Shawnee Wollenman, Nancy Youdelman y Cheryl Zurilgen. Juntas, como Programa de Arte Feminista, estas mujeres alquilaron y remodelaron un estudio fuera del campus en 1275 Maple Avenue, en el centro de Fresno. Allí colaboraron en el arte, organizaron grupos de lectura y grupos de discusión sobre sus experiencias de vida que luego influyeron en su arte. Todas las estudiantes y Chicago contribuyeron con 25 dólares por mes para alquilar el espacio y pagar los materiales. [26]
Más tarde, Judy Chicago y Miriam Schapiro restablecieron el Programa de Arte Feminista en el Instituto de las Artes de California . Después de que Chicago se fuera a Cal Arts, la clase en el Fresno State College fue continuada por Rita Yokoi de 1971 a 1973, y luego por Joyce Aiken en 1973, hasta su jubilación en 1992. [nb 1]
La imagen de Chicago está incluida en el icónico cartel de 1972 Algunas mujeres artistas estadounidenses vivas de Mary Beth Edelson . [28]
Con Arlene Raven y Sheila Levrant de Bretteville , Chicago cofundó el Edificio de la Mujer de Los Ángeles en 1973. [29] Esta escuela de arte y espacio de exhibición estaba en una estructura que llevaba el nombre de un pabellón en la Exposición Mundial de Colombia de 1893 que presentó arte hecho por mujeres de todo el mundo. [30] Aquí se encontraba el Taller de Estudio Feminista, descrito por los fundadores como "un programa experimental en educación femenina en las artes". Escribieron: "nuestro propósito es desarrollar un nuevo concepto de arte, un nuevo tipo de artista y una nueva comunidad artística construida a partir de las vidas, sentimientos y necesidades de las mujeres". [18] [31] Durante este período, Chicago comenzó a crear lienzos pintados con aerosol, principalmente abstractos, con formas geométricas sobre ellos. Estas obras evolucionaron, utilizando el mismo medio, para centrarse más en el significado de lo "femenino". Chicago estuvo fuertemente influenciada por Gerda Lerner . [20]
El primer libro de Chicago, Through the Flower (1975), "narra sus luchas por encontrar su propia identidad como mujer artista". [16]
Womanhouse fue un proyecto de Chicago y Miriam Schapiro , que comenzó en el otoño de 1971, una vez que Chicago se convirtió en profesora en el Instituto de Artes de California . En 1972, Chicago y Schapiro fundaron el Programa de Arte Feminista en el Instituto de Artes de California, que fue el primer espacio de exhibición de arte en mostrar un punto de vista femenino en el arte, [20] y eligieron a 21 estudiantes mujeres para el curso. Querían comenzar el año con un proyecto colaborativo a gran escala que involucrara a artistas mujeres que pasaran gran parte de su tiempo hablando de sus experiencias como mujeres. Usaron estas ideas como combustible y se ocuparon de ellas mientras trabajaban en el proyecto.
La idea de Womanhouse surgió durante una discusión que tuvieron al principio del curso sobre el hogar como un lugar con el que las mujeres estaban tradicionalmente asociadas, y querían destacar las realidades de la feminidad, la condición de esposa y la maternidad dentro del hogar. [32] Chicago pensaba que las estudiantes a menudo abordan la creación artística con una falta de voluntad para superar sus límites debido a su falta de familiaridad con las herramientas y los procesos, y una incapacidad para verse a sí mismas como personas trabajadoras. "El objetivo del Programa de Arte Feminista es ayudar a las mujeres a reestructurar sus personalidades para que sean más coherentes con sus deseos de ser artistas y ayudarlas a construir su creación artística a partir de sus experiencias como mujeres". [33] [21]
Inspirada por Lerner, Chicago desarrolló The Dinner Party , ahora en la colección del Museo de Brooklyn . [34] Le tomó cinco años crearlo y costó alrededor de $250,000 completarlo. [13] Primero, Chicago concibió el proyecto en su estudio de Santa Mónica : un gran triángulo, que mide 48 pies por 43 pies por 36 pies, que consta de 39 cubiertos. [20] Cada lugar conmemora una figura femenina histórica o mítica, como artistas, diosas, activistas y mártires. Trece mujeres están representadas en cada lado. [35] Los caminos de mesa bordados están cosidos en el estilo y la técnica de la época de la mujer representada. [36] Numerosos otros nombres de mujeres están grabados en el "Heritage Floor" sobre el que se asienta la pieza. El proyecto se hizo realidad con la ayuda de más de 400 personas, principalmente mujeres, que se ofrecieron como voluntarias para ayudar con la costura, la creación de esculturas y otros aspectos del proceso. [37] Cuando se construyó The Dinner Party , se trataba de una exposición itinerante. Through the Flower, su organización sin fines de lucro, se creó originalmente para cubrir los gastos de creación y traslado de la obra de arte. Jane Gerhard dedicó un libro a Judy Chicago y The Dinner Party , titulado "The Dinner Party: Judy Chicago and The Power of Popular Feminism, 1970–2007". [38]
Muchos críticos de arte, incluido Hilton Kramer de The New York Times , no quedaron impresionados por su obra. [39] Kramer sintió que la visión pretendida de Chicago no se transmitió a través de esta pieza y "parecía una difamación escandalosa sobre la imaginación femenina". [39] Aunque los críticos de arte sintieron que su trabajo carecía de profundidad y que la cena era simplemente "vaginas en platos", fue popular y cautivó al público en general. Chicago estrenó su trabajo en seis países en tres continentes. Llegó a más de un millón de personas a través de sus obras de arte. [ cita requerida ]
En una entrevista de 1981, Chicago dijo que la reacción de amenazas y castigos odiosos en reacción al trabajo provocó el único período de riesgo de suicidio que había experimentado en su vida, caracterizándose a sí misma como "como un animal herido". [40] Ella declaró que buscó refugio de la atención pública mudándose a una pequeña comunidad rural y que amigos y conocidos asumieron roles de apoyo administrativo para ella, como abrir su correo, mientras ella se dedicaba a trabajar en Embroidering Our Heritage , el libro que documenta el proyecto. Ella dijo además, [40]
Si sigo adelante ahora es por una red de apoyo que se está construyendo y que me permitirá seguir adelante. Mi destino como artista está totalmente ligado a mi destino como miembro del sexo femenino. Y a medida que nosotras, como mujeres, avanzamos, yo avanzo. Eso es algo que es muy, muy difícil de aceptar porque, es como si yo tampoco pudiera hacerlo todo; pero he recorrido un largo camino, sé que he recorrido un largo camino. Y eso significa que otras mujeres pueden llegar tan lejos, y más lejos.
De 1980 a 1985, Chicago creó Birth Project . La pieza utilizó imágenes del parto para celebrar el papel de la mujer como madre. Chicago se inspiró para crear esta obra colectiva debido a la falta de imágenes y representación del nacimiento en el mundo del arte. [41] Judy Chicago dijo la famosa frase "Si los hombres pudieran dar a luz, habría millones de representaciones de la coronación". [42] La instalación reinterpretó la narrativa de la creación del Génesis , que se centró en la idea de que un dios masculino creó a un humano masculino, Adán, sin la participación de una mujer. [37] Chicago describió la pieza como la revelación de un "yo femenino primordial escondido entre los recovecos de mi alma... la mujer que da a luz es parte del amanecer de la creación". [12] 150 costureras de Estados Unidos, Canadá y Nueva Zelanda ayudaron en el proyecto, trabajando en 100 paneles, mediante acolchado, macramé, bordado y otras técnicas. El tamaño de la pieza significa que rara vez se muestra en su totalidad. La mayoría de las piezas del Proyecto Nacimiento se encuentran en la colección del Museo de Albuquerque . [37]
A Chicago no le interesaba personalmente la maternidad. Aunque admiraba a las mujeres que elegían ese camino, no le parecía adecuado para ella. En 2012, dijo: "No había forma de que pudiera tener hijos y la carrera que he tenido". [13]
En 1982, Chicago comenzó a trabajar de forma independiente en PowerPlay , una serie de pinturas a gran escala, dibujos, relieves de papel fundido y relieves de bronce. Sin embargo, lo que ambas series tienen en común es que sus temas tratan cuestiones que rara vez se representan en el arte occidental. [ 43] La serie PowerPlay se inspiró en el viaje de Chicago a Italia, donde vio las obras maestras de artistas renacentistas que representan la tradición artística occidental. [44] Como escribió Judy Chicago en su libro autobiográfico: “Me influyó mucho ver las principales pinturas renacentistas. Observar su escala monumental y su claridad me llevó a decidir realizar mi examen de la masculinidad en la tradición clásica del desnudo heroico y hacerlo en una serie de pinturas al óleo a gran escala”. [45]
Los títulos de las obras, como Crippled by the Need to Control/Blind Individuality, Pissing on Nature, Driving the World to Destruction, In the Shadow of the Handgun, Disfigured by Power , etc., indican el enfoque de Chicago en el comportamiento violento masculino. [46] Sin embargo, las imágenes de colores brillantes de expresiones faciales y partes de cuerpos masculinos expresan no solo agresión y poder sino también vulnerabilidad. El esposo de Chicago, Donald Woodman, posó para la pieza Woe/Man . [47] [48] [49] Ella dependía "de [su] propio sentido de la verdad, trabajando a partir de la observación, la experiencia y, por supuesto, [su] rabia por cuán destructivamente tantos hombres parecen actuar hacia las mujeres y el mundo en general". [48]
Al representar cuerpos masculinos, Chicago reemplazó la mirada masculina tradicional por una femenina. Como dijo: “Sabía que no quería seguir perpetuando el uso del cuerpo femenino como depósito de tantas emociones; parecía como si todo –amor, temor, anhelo, aversión, deseo y terror– fuera proyectado sobre la mujer por artistas tanto masculinos como femeninos, aunque a menudo con perspectivas diferentes. Me pregunté qué sentimientos podría expresar el cuerpo masculino”. [50]
A mediados de la década de 1980, los intereses de Chicago "se desplazaron más allá de las 'cuestiones de identidad femenina' hacia una exploración del poder y la impotencia masculinos en el contexto del Holocausto". [51] El Proyecto Holocausto de Chicago : De la oscuridad a la luz (1985-93) [51] es una colaboración con su marido, el fotógrafo Donald Woodman, con quien se casó en la víspera de Año Nuevo de 1985. Aunque los maridos anteriores de Chicago eran judíos, no fue hasta que conoció a Woodman que comenzó a explorar su propia herencia judía. Chicago conoció al poeta Harvey Mudd, que había escrito un poema épico sobre el Holocausto . Chicago estaba interesada en ilustrar el poema, pero decidió crear su propio trabajo, utilizando su propio arte, visual y escrito. Chicago trabajó junto a su marido para completar la pieza, que tardó ocho años en terminar. [37] La pieza, que documenta a las víctimas del Holocausto, fue creada durante un momento de pérdida personal en la vida de Chicago: la muerte de su hermano Ben por la enfermedad de Lou Gehrig y la muerte de su madre por cáncer. [52]
Chicago utilizó el Holocausto como un prisma a través del cual explorar la victimización, la opresión, la injusticia y la crueldad humana. [38] Para buscar inspiración para el proyecto, Chicago y Woodman vieron el documental Shoah , que comprende entrevistas con sobrevivientes del Holocausto en campos de concentración nazis y otros sitios del Holocausto. [52] También exploraron archivos fotográficos y piezas escritas sobre el Holocausto. [53] Pasaron varios meses recorriendo campos de concentración y visitaron Israel . [51] Chicago trajo otros temas al trabajo, como el ambientalismo, el genocidio de los nativos americanos , [12] y la guerra de Vietnam . Con estos temas, Chicago buscó relacionar temas contemporáneos con el dilema moral detrás del Holocausto. [52] Este aspecto del trabajo causó controversia dentro de la comunidad judía, debido a la comparación del Holocausto con estas otras preocupaciones históricas y contemporáneas. [12] El Proyecto Holocausto: De la oscuridad a la luz consta de dieciséis obras a gran escala realizadas en una variedad de medios, entre ellos: tapices, vitrales, trabajos en metal, trabajos en madera, fotografía, pintura y la costura de Audrey Cowan. La exposición finaliza con una pieza que muestra a una pareja judía en Shabat . La pieza comprende 3000 pies cuadrados, lo que proporciona una experiencia de exposición completa para el espectador. [52] El Proyecto Holocausto: De la oscuridad a la luz se exhibió por primera vez en octubre de 1993 en el Museo Spertus de Chicago. [52] La mayor parte del trabajo de la pieza se conserva en el Centro del Holocausto en Pittsburgh, Pensilvania. [1]
Durante los siguientes seis años, Chicago creó obras que exploraban las experiencias de las víctimas de los campos de concentración. [51] Galit Mana, de la revista Jewish Renaissance , señala: "Este cambio de enfoque llevó a Chicago a trabajar en otros proyectos con énfasis en la tradición judía", incluyendo Voices from the Song of Songs (1997), donde Chicago "introduce el feminismo y la sexualidad femenina en su representación de personajes femeninos bíblicos fuertes". [51]
En 1985, Chicago se casó con el fotógrafo Donald Woodman. [16]
En 1994, Chicago inició la serie Resolutions: A Stitch in Time , que se completó en un período de seis años. Seis años después, Resolutions: A Stitch in Time se exhibió al público en el Museo de Arte y Diseño de Nueva York. [54]
En 1996, Chicago y Woodman se mudaron al Belen Hotel , un histórico hotel ferroviario en Belen, Nuevo México, que Woodman había pasado tres años transformando en su hogar. [54]
En 1999, Chicago recibió el premio UCLA Alumni Professional Achievement Award y recibió títulos honorarios de la Universidad de Lehigh , el Smith College , la Universidad de Duke [55] y el Russell Sage College . [1]
En 2004, Chicago recibió el premio Visionary Woman Award del Moore College of Art & Design . [56] Fue nombrada homenajeada del National Women's History Project por el Mes de la Historia de la Mujer en 2008. [57]
Para celebrar su 25º aniversario de bodas con Woodman, creó una Ketubah de Renovación en 2010. [16]
En 2011, Chicago regresó a Los Ángeles para la inauguración de la exposición "Concurrents" en el Museo Getty y realizó una instalación basada en fuegos artificiales en el campo de fútbol de Pomona College , un sitio donde había actuado anteriormente en la década de 1960. [58] Chicago también donó su colección de materiales educativos de arte feminista a la Universidad Estatal de Pensilvania . [59]
Chicago tuvo dos exposiciones individuales en el Reino Unido en 2012, una en Londres y otra en Liverpool . [51] La exposición de Liverpool incluyó el lanzamiento del libro de Chicago sobre Virginia Woolf . Alguna vez una parte periférica de su expresión artística, Chicago ahora considera que la escritura está bien integrada en su carrera. [51] Ese año, también recibió el premio a la trayectoria en la Feria de Arte de Palm Springs. [54]
Fue entrevistada para la película de 2018 !Women Art Revolution . [60] En una entrevista con Gloria Steinem en 2018, Chicago describió que su "objetivo como artista" ha sido "crear imágenes en las que la experiencia femenina sea el camino hacia lo universal, en oposición a aprender todo a través de la mirada masculina". [61]
En 2021, fue incluida en el Salón Nacional de la Fama de las Mujeres . [62] Una importante exposición retrospectiva, titulada Judy Chicago: A Retrospective, se exhibió en el Museo De Young en San Francisco en 2021; fue la primera retrospectiva de Judy Chicago. [63] [64]
En 2022, Chicago colaboró con Nadya Tolokonnikova para transformar su serie ¿Qué pasaría si las mujeres gobernaran el mundo? en un proyecto de arte participativo, habilitado por blockchain, con la esperanza de generar una comunidad Web3 dedicada a los derechos de género. [65]
Chicago se esfuerza por superarse a sí misma y explorar nuevas direcciones para su arte. Al principio de su carrera, asistió a una escuela de carrocería para aprender a pintar con aerógrafo y ha ampliado su práctica para incluir una variedad de medios, incluido el vidrio. [13] Es más fácil correr esos riesgos cuando uno vive según la filosofía de Chicago: "No estoy motivada por mi carrera. Los puntos de Damien Hirst se vendieron, así que hizo miles de puntos. ¡Jamás haría eso! Ni siquiera se me ocurriría". [13]
Desde octubre de 2023 hasta principios de marzo de 2024, la obra de Chicago se exhibirá en cuatro pisos del New Museum de la ciudad de Nueva York en un estudio exhaustivo de su obra titulado Judy Chicago: Herstory . [66] [67]
Las obras de arte de Chicago se conservan en las colecciones permanentes de varios museos, incluidos el Museo Británico , el Museo de Brooklyn , el Getty Trust , el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles , el Museo de Arte de Nuevo México , la Galería Nacional de Arte , el Museo Nacional de Mujeres en las Artes , la Academia de Bellas Artes de Pensilvania y el Museo de Arte Moderno de San Francisco . [68] Sus archivos se encuentran en la Biblioteca Schlesinger en el Radcliffe College , y su colección de libros de historia y cultura de las mujeres se encuentra en la colección de la Universidad de Nuevo México .
Chicago se inspiró en la mujer "común", que fue un foco del movimiento feminista de principios de la década de 1970. Esta inspiración se filtró en su trabajo, particularmente en The Dinner Party , como una fascinación por el trabajo textil y la artesanía, tipos de arte a menudo asociados culturalmente con las mujeres. [69] Chicago se formó en "artes machistas", tomando clases de carrocería, construcción de barcos y pirotecnia. A través del trabajo de carrocería, aprendió técnicas de pintura en aerosol y la habilidad de fusionar color y superficie con cualquier tipo de medio, que se convertiría en una firma de su trabajo posterior. Las habilidades aprendidas a través de la construcción de barcos se utilizarían en su trabajo de escultura, y la pirotecnia se utilizaría para crear fuegos artificiales para piezas de performance. Estas habilidades le permitieron a Chicago incorporar fibra de vidrio y metal a su escultura, y eventualmente se convertiría en aprendiz de Mim Silinsky para aprender el arte de la pintura de porcelana, que se utilizaría para crear obras en The Dinner Party . Chicago también agregó la habilidad de las vidrieras a su cinturón de herramientas artísticas, que utilizó para The Holocaust Project . [20] La fotografía se hizo más presente en el trabajo de Chicago a medida que se desarrolló su relación con el fotógrafo Donald Woodman. [53] Desde 2003, Chicago ha estado trabajando con vidrio . [70]
La colaboración es un aspecto importante de las obras de instalación de Chicago. The Dinner Party , Birth Project y Resolutions se completaron como un proceso colaborativo con Chicago y cientos de participantes voluntarios. Las habilidades de los artesanos voluntarios varían, a menudo relacionadas con las artes femeninas "estereotipadas", como las artes textiles. [20] [52] Chicago se esfuerza por reconocer a sus asistentes como colaboradores, una tarea en la que otros artistas han fracasado notablemente. [13] [71]
En 1978, Chicago fundó Through the Flower, [72] una organización de arte feminista sin fines de lucro. La organización busca educar al público sobre la importancia del arte y cómo puede usarse como una herramienta para enfatizar los logros de las mujeres. Through the Flower también se desempeña como mantenedor de las obras de Chicago, habiendo manejado el almacenamiento de The Dinner Party , antes de que encontrara un hogar permanente en el Museo de Brooklyn. La organización también mantuvo The Dinner Party Curriculum, que sirve como un "currículo viviente" para la educación sobre las ideas y la pedagogía del arte feminista . El aspecto en línea del currículo fue donado a la Universidad Estatal de Pensilvania en 2011. [70]
Judy Chicago se dio cuenta del sexismo que estaba desenfrenado en las instituciones de arte moderno, museos y escuelas mientras obtenía su título universitario y de posgrado en la UCLA en la década de 1960. Irónicamente, no desafió este sexismo como estudiante universitaria. De hecho, hizo todo lo contrario al tratar de igualar, tanto en sus obras de arte como en su estilo personal, lo que ella pensaba como masculinidad en los estilos y hábitos artísticos de sus homólogos masculinos. No solo comenzó a trabajar con materiales industriales pesados, sino que también fumaba puros, se vestía "masculinamente" y asistía a exhibiciones de motocicletas. [73] Esta conciencia continuó creciendo a medida que reconoció que la sociedad no veía a las mujeres como artistas profesionales de la misma manera que reconocía a los hombres. Enojada por esto, Chicago canalizó esta energía y la utilizó para fortalecer sus valores feministas como persona y maestra. Si bien la mayoría de los maestros basaban sus lecciones en la técnica, las formas visuales y el color, la base de las enseñanzas de Chicago se basaba en el contenido y el significado social del arte, especialmente en el feminismo . [74] Procedente de la comunidad artística dominada por los hombres en la que estudió Chicago durante tantos años, valoraba el arte basado en la investigación, las opiniones sociales o políticas y/o la experiencia. Quería que sus estudiantes crecieran en sus profesiones artísticas sin tener que sacrificar lo que significaba para ellas la feminidad. Chicago desarrolló una metodología de educación artística en la que el profesor fomenta el "contenido centrado en la mujer", como la menstruación y el parto, como contenido " personal es político " para el arte. [75] Chicago aboga por el profesor como facilitador al escuchar activamente a los estudiantes para guiar las búsquedas de contenido y la traducción de contenido en arte. Se refiere a su metodología de enseñanza como " pedagogía del arte participativa ". [76]
El arte creado en el Programa de Arte Feminista y Womanhouse introdujo perspectivas y contenidos sobre la vida de las mujeres que habían sido temas tabú en la sociedad, incluido el mundo del arte. [77] [78] En 1970 Chicago desarrolló el Programa de Arte Feminista en la Universidad Estatal de California, Fresno, y ha implementado otros proyectos de enseñanza que concluyen con una exposición de arte de estudiantes como Womanhouse con Miriam Schapiro en CalArts, y SINsation en 1999 en la Universidad de Indiana, From Theory to Practice: A Journey of Discovery en la Universidad de Duke en 2000, At Home: A Kentucky Project con Judy Chicago y Donald Woodman en la Universidad Western Kentucky en 2002, Envisioning the Future en la Universidad Politécnica Estatal de California y Pomona Arts Colony en 2004, y Evoke/Invoke/Provoke en la Universidad de Vanderbilt en 2005. [79] Varios estudiantes involucrados en los proyectos de enseñanza de Judy Chicago establecieron carreras exitosas como artistas, entre ellos Suzanne Lacy , Faith Wilding y Nancy Youdelman .
A principios de la década de 2000, Chicago organizó su estilo de enseñanza en tres partes: preparación, proceso y creación artística. [74] Cada una tiene un propósito específico y es crucial. Durante la fase de preparación, los estudiantes identifican una preocupación personal profunda y luego investigan ese tema. En la fase de proceso, los estudiantes se reúnen en un grupo para discutir los materiales que planean usar y el contenido de su trabajo. Finalmente, en la fase de creación artística, los estudiantes encuentran materiales, dibujan, critican y producen arte.
En 2022, Judy Chicago y Donald Woodman volvieron a la educación después de 50 años desde el debut de Womanhouse . Wo/Manhouse 2022 , ubicado en Belén, Nuevo México, contó con 19 artistas con sede en Nuevo México que exploraron los roles de género, la identidad, la familia, el trabajo y más a través de obras de arte específicas del sitio en una casa estilo años 50. El proyecto fue facilitado por la participante original de Womanhouse, Nancy Youdelman. [80]
