Los Jóvenes Artistas Británicos , o YBA [1] , también conocidos como artistas británicos y Britart , son un grupo informal de artistas visuales que comenzaron a exponer juntos en Londres en 1988. Muchos de los artistas de YBA se graduaron del curso BA Fine Art. en Goldsmiths , a finales de los años 1980, mientras que algunos del grupo se habían formado en el Royal College of Art . [2]
La escena comenzó en torno a una serie de exposiciones dirigidas por artistas realizadas en almacenes y fábricas, comenzando en 1988 con Freeze, dirigida por Damien Hirst y, en 1990, East Country Yard Show y Modern Medicine .
Se destacan por sus "tácticas de choque", el uso de materiales desechables, la vida salvaje y una actitud "tanto de oposición como empresarial". [3] Lograron una considerable cobertura mediática y dominaron el arte británico durante la década de 1990; Los programas reseñados internacionalmente a mediados de la década de 1990 incluyeron ¡ Brillante! y Sensación .
Muchos de los artistas recibieron inicialmente apoyo y sus obras fueron recopiladas por Charles Saatchi . Una excepción notable es Angus Fairhurst . [4] Los artistas principales del grupo incluyen a Damien Hirst y Tracey Emin . Las obras clave incluyen La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo de Hirst , un tiburón conservado en formaldehído en una vitrina , y Mi cama de Emin , una cama doble desaliñada rodeada de detritos. [2]
Existe cierto desacuerdo sobre el primer uso del término "jóvenes artistas británicos". Tate [5] afirma que fue Michael Corris en una nota a pie de página en Artforum , mayo de 1992, [6] Otros afirman que fue Saatchi quien ya había titulado su exposición "Jóvenes artistas británicos I" en marzo de 1992. [7] El acrónimo " YBA" (o "yBa") no se acuñó hasta 1994. [8] Se ha convertido en un término histórico, ya que la mayoría de los YBA nacieron a mediados de la década de 1960. [9]
El núcleo del grupo YBA se graduó de la carrera de Licenciatura en Bellas Artes de Goldsmiths en las promociones de 1987 a 1990. Liam Gillick , Fiona Rae , Steve Park y Sarah Lucas se graduaron en la promoción de 1987. Ian Davenport , Michael Landy , Gary Hume , Anya Gallaccio , Lala Meredith-Vula , Henry Bond , Angela Bulloch se graduaron en la promoción de 1988 ; Damien Hirst , Angus Fairhurst , Mat Collishaw , Simon Patterson y Abigail Lane se graduaron de la promoción de 1989; mientras que Gillian Wearing y Sam Taylor-Wood se graduaron de la promoción de 1990, y Jason Martin se graduó de la promoción de 1993. Durante los años 1987-1990, el personal docente de Goldsmiths BA Fine Art incluyó a Jon Thompson , Richard Wentworth , Michael Craig-Martin , Ian Jeffrey , Helen Chadwick , Mark Wallinger , Judith Cowan y Glen Baxter .
Gavin Turk y Mark Francis también forman parte del grupo de artistas YBA. Turk y Francis estudiaron en la Escuela de Arte de Chelsea de 1986 a 1989, y en el Royal College of Art de 1989 a 1991. Turk y Francis expusieron trabajos en la exposición Saatchi Sensation en la Royal Academy.
Un grupo de dieciséis estudiantes de Goldsmiths participaron en una exposición colectiva de arte, llamada Freeze , de la que Damien Hirst se convirtió en el principal organizador; todavía estaba en el segundo año de la licenciatura en Bellas Artes.
Las galerías comerciales habían mostrado una falta de interés en el proyecto, y se llevó a cabo en un espacio barato que no era de arte, un bloque administrativo de los Docklands de Londres (generalmente conocido como almacén). El evento resonó con la escena rave del almacén de ' Acid House ' que prevalecía en ese momento, pero no logró ninguna exposición importante en la prensa. Uno de sus efectos fue dar ejemplo de artista como curador: a mediados de la década de 1990, los espacios de exposición y galerías dirigidos por artistas se convirtieron en una característica de la escena artística de Londres. [10]
Hubo un predecesor menos destacado organizado por el artista Angus Fairhurst , en el que se presentó él mismo, Damien Hirst , Abigail Lane y Mat Collishaw en una pequeña exposición llamada "Progress by Degree" en la Galería Bloomsbury de la Universidad de Londres (Instituto de Educación) poco antes. Congelar. [11]
En colaboración con Hirst, Carl Freedman (que había sido amigo de él en Leeds antes de que Hirst se mudara a Londres y ayudaba a hacer las vitrinas de Hirst) y Billee Sellman curaron dos influyentes exposiciones de "almacén" en 1990, Modern Medicine and Gambler , en un Antigua fábrica de Bermondsey, la denominaron Edificio Uno. Para poner en escena la Medicina Moderna, recaudaron £1.000 de patrocinio de figuras del mundo del arte, incluido Charles Saatchi . Freedman ha hablado abiertamente sobre la profecía autocumplida que estos patrocinadores ayudaron a crear, y también comentó que no mucha gente asistió a estos primeros espectáculos, incluido Freeze . En 1990, Henry Bond y Sarah Lucas organizaron el East Country Yard Show en un almacén en desuso de los Docklands de Londres que se instaló en cuatro plantas y 16.000 m 2 de espacio expositivo. En un artículo en The Independent , el crítico de arte Andrew Graham-Dixon dijo:
"Los graduados de Goldsmiths no se avergüenzan de promocionarse a sí mismos y a su trabajo: algunas de las exposiciones más llamativas en Londres durante los últimos meses -"The East Country Yard Show" o "Gambler", ambas realizadas en los muelles- han sido organizadas y financiadas de forma independiente. por los graduados de Goldsmiths como escaparates de su trabajo. Esto les ha dado una reputación de agresivos, pero también hay que decir que en términos de ambición, atención a la exhibición y pura valentía, ha habido poco que pueda igualar tales exhibiciones en el arte contemporáneo establecido del país. Eran muy superiores, por ejemplo, a cualquiera de las exposiciones de arte contemporáneo que ha organizado la Tate de Liverpool en su propio recinto portuario valorado en varios millones de libras. [12]
Espacios alternativos establecidos como City Racing en el Oval de Londres y Milch dieron a muchos artistas su primera exposición. Hubo mucha actividad embrionaria en el área de Hoxton / Shoreditch en el este de Londres centrada en la galería de Joshua Compston . En 1991, la Serpentine Gallery presentó un panorama de este grupo de artistas con la exposición Broken English . En 1992, Charles Saatchi organizó una serie de exposiciones de arte joven británico , la primera muestra incluyó obras de Sarah Lucas , Rachel Whiteread y Damien Hirst .
Una segunda ola de jóvenes artistas británicos apareció en 1992-1993 a través de exposiciones como "New Contemporaries", "New British Summertime" y "Minky Manky" (comisariada por Carl Freedman). Esto incluyó a Douglas Gordon , Christine Borland , Fiona Banner , Tracey Emin , Tacita Dean , Georgina Starr y Jane y Louise Wilson . Una exposición que incluyó a varios de los artistas de YBA fue la Exposición de Arte Británica quinquenal de 1995 .
Los Jóvenes Artistas Británicos revitalizaron (y en algunos casos engendraron) toda una nueva generación de galerías comerciales contemporáneas como Karsten Schubert , Sadie Coles , Victoria Miro , Interim Art de Maureen Paley y White Cube de Jay Jopling . [13] La difusión del interés mejoró el mercado de las revistas de arte británicas contemporáneas mediante una mayor publicidad y circulación. Frieze , lanzado en 1991, acogió a los YBA desde el principio, mientras que publicaciones establecidas como Art Monthly , Art Review , Modern Painters y Contemporary Art se relanzaron con más enfoque en artistas británicos emergentes.
Uno de los visitantes de Freeze fue Charles Saatchi , un importante coleccionista de arte contemporáneo y cofundador de Saatchi and Saatchi , la agencia de publicidad de Londres. Luego, Saatchi visitó a Gambler en un Rolls-Royce verde y, según Freedman, se quedó boquiabierto de asombro ante (y luego compró) la primera gran instalación "animal" de Hirst, Mil años , que consistía en una gran vitrina que contenía gusanos. y moscas alimentándose de la cabeza de una vaca en descomposición. (La instalación fue más tarde una característica notable de la exposición Sensation ).
Saatchi se convirtió no sólo en el principal coleccionista de Hirst, sino también en el principal patrocinador de otros YBA, un hecho abiertamente reconocido por Gavin Turk. El mercado del arte contemporáneo en Londres se había derrumbado dramáticamente a mediados de 1990 debido a una importante recesión económica, y muchas galerías comerciales contemporáneas habían cerrado. Hasta ese momento, Saatchi había coleccionado principalmente arte contemporáneo estadounidense y alemán, algunos de artistas jóvenes, pero la mayoría de artistas ya establecidos.
Su colección se exhibió públicamente en una serie de exposiciones en una gran fábrica de pintura reformada en St John's Wood, al norte de Londres. La Galería Saatchi inspiró a artistas jóvenes a producir grandes obras de arte conceptuales que no encajarían en las galerías normalmente pequeñas de Londres en ese momento. [14] Las exposiciones anteriores de la Galería Saatchi habían incluido figuras tan importantes como Warhol , Guston , Alex Katz , Serra , Kiefer , Polke , Richter y muchos más. A principios de la década de 1990, Saatchi cambió su enfoque hacia el arte británico emergente.
Saatchi organizó una serie de espectáculos llamados "Jóvenes artistas británicos" a partir de 1992, cuando una exhibición destacada fue el "tiburón" de Damien Hirst ( La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo ), que se convirtió en la obra icónica del arte británico en la década de 1990, [15] y el símbolo de Britart en todo el mundo. [16] Además del patrocinio de Saatchi (y como resultado directo de él), los Jóvenes Artistas Británicos se beneficiaron de una intensa cobertura mediática. Esto se vio aumentado por la controversia en torno al Premio Turner anual (uno de los pocos premios importantes de Gran Bretaña para artistas contemporáneos), que tenía a varios de los artistas como nominados o ganadores. Channel 4 se había convertido en patrocinador del concurso, lo que dio lugar a perfiles televisivos de los artistas en las franjas horarias de máxima audiencia.
La consolidación del estatus de los artistas comenzó en 1995 con una exposición colectiva a gran escala ¡ Brillante! celebrada en el Walker Art Center, un respetado museo de arte en Minneapolis, EE. UU. El término "yBa" ya se utilizó en 1994 [8] y luego fue utilizado por Simon Ford en un artículo "Myth Making" en marzo de 1996 en la revista Art Monthly . [17]
El marchante de arte Jay Jopling comenzó a representar a los YBA Jake & Dinos Chapman, Tracey Emin, Marcus Harvey , Damien Hirst, Gary Hume , Marc Quinn , Gavin Turk y Sam Taylor-Wood, con quien se casó en 1998. Antes de Jopling, Karsten Schubert fue el más importante marchante de artistas que luego fueron llamados YBAs. Poco después de Freeze expuso a Ian Davenport, Gary Hume y Michael Landy en noviembre de 1988, quienes expusieron en Freeze, en su galería. [18]
En 1997, la Royal Academy organizó una exposición de la colección privada de arte de Charles Saatchi titulada Sensation , que incluía muchas obras de artistas de la YBA.
La exposición era en realidad una muestra de la colección privada de sus obras de Charles Saatchi , y él era propietario de las piezas principales. El enlace fue realizado por Norman Rosenthal de la Academia , a pesar de que hubo una fuerte oposición de algunos académicos, tres de los cuales dimitieron. La controversia generada en los medios sobre el programa, particularmente sobre el trabajo de Marcus Harvey, Myra , sirvió para reforzar la importancia de los YBA. [19] Cuando el espectáculo realizó una gira por Nueva York hubo más controversia causada por la inclusión de la obra de Chris Ofili "La Santísima Virgen María". [19]
En 1997, Gillian Wearing ganó el Premio Turner anual . En 1998, Chris Ofili ganó el Premio Turner anual.
En 1999, Tracey Emin fue nominada al Premio Turner . Su exposición principal, Mi cama , que consiste literalmente en su cama despeinada y manchada, rodeada de detritos que incluían condones, pantuflas y ropa interior sucia, creó un impacto mediático inmediato y duradero y aumentó aún más su prominencia. La aparición al mismo tiempo de un grupo anti-YBA, The Stuckists , cofundado por su ex novio, Billy Childish , dio otro ángulo a la cobertura mediática.
En 2003, Jake y Dinos Chapman y Anya Gallaccio de la YBA fueron nominados para el Premio Turner anual.
El 24 de mayo de 2004, un incendio en un almacén destruyó algunas obras de la colección Saatchi, incluida la "tienda de campaña" de los hermanos Chapman y Tracey Emin, Everyone I Have Ever Slept With 1963-1995 . [20]
En 2008, YBA Angus Fairhurst se suicidó.
En la Lista de Honores de Cumpleaños de 2011 , Sam Taylor-Wood y Gillian Wearing fueron nombrados miembros de la Orden del Imperio Británico por la Reina Isabel II . [21]
Varios de los YBA han sido elegidos miembros vitalicios de la Real Academia de las Artes de Londres (fundada por Jorge III en 1768); por lo tanto, son "Académicos Reales" y pueden utilizar las letras "RA" después de su nombre para indicarlo.
Richard Cork (al mismo tiempo crítico de arte de The Times ) ha sido un firme defensor de los artistas, al igual que la escritora de arte Louisa Buck y la ex editora de arte de Time Out , Sarah Kent . Sir Nicholas Serota ha validado a los artistas con la nominación de varios de ellos al Premio Turner y su inclusión en la colección de la Tate .
Maureen Paley dijo: "Lo que surgió de la generación YBA fue la audacia, la creencia de que puedes salirte con la tuya en cualquier cosa". [23]
En 2009, Iwona Blazwick , directora de la Whitechapel Art Gallery , dijo: "El momento YBA definitivamente ya está muerto, pero cualquiera que piense que fueron un punto de corte está equivocado. Comenzaron algo que ha seguido creciendo desde entonces". . No ha terminado." [24]
En 1998, John Windsor en The Independent dijo que el trabajo de los YBA parecía manso en comparación con el " arte impactante " de la década de 1970, incluidas las "atrocidades pervertidas" en la Galería Nicholas Treadwell , entre las que se encontraba un "arte colgante, anatómicamente detallado". camisa de fuerza de cuero, completa con genitales", titulada Pink Crucifixion , de Mandy Havers. [25]
En 1999 se fundó el grupo artístico Stuckists con una agenda abiertamente anti-YBA. [26] En 2002, Britart fue duramente criticado por el director principal Sir Simon Rattle , quien, a su vez, fue acusado de tener una mala comprensión del arte conceptual y visual . [ cita necesaria ]
El dramaturgo Tom Stoppard hizo una denuncia pública, y Brian Sewell (crítico de arte del Evening Standard ) ha sido constantemente hostil [ cita requerida ] , al igual que David Lee , el editor de Jackdaw . Rolf Harris , presentador de televisión y artista, destacó My Bed de Tracey Emin como el tipo de instalación que aleja a la gente del arte. "No veo cómo levantarse de la cama y dejarla sin hacer y mostrarla y decir que vale, no sé £31.000... No lo creo, creo que es una estafa".
Para James Heartfield , "El boom del arte de los años 1990 fomentó el descuido. Los jóvenes artistas británicos prefirieron el gesto inspirado al trabajo paciente. Agregaron la indignación pública a sus paletas, sólo para descubrir que se desvanecía muy rápidamente". [27]
Los miembros del grupo son parodiados en una tira cómica habitual de Birch, titulada "Jóvenes artistas británicos", en la revista satírica británica Private Eye .
Las artistas femeninas eran claramente una minoría entre el entorno dominado por hombres de los Jóvenes Artistas Británicos. Individuos como Sarah Lucas , Jenny Saville y Rachel Whiteread tienen diversos niveles de negligencia en sus representaciones en los medios, así como una notoriedad incomparable con sus pares masculinos de YBA como Hirst. [28]
El Art Society Journal de la Universidad de Sussex describe cómo las feministas de la década de 1980 influyeron en las mujeres de las obras de arte de los Jóvenes Artistas Británicos mediante la estrategia de subvertir los estereotipos femeninos. [28] Otro discurso sobre el trabajo femenino de YBA incluye una discusión sobre la práctica escultórica de Rachel Whiteread . Se ha dicho que Whiteread altera el concepto "claro" de que las mujeres hacen "trabajo femenino". [29] Su obra Nine Tables intenta existir dentro de un tercer espacio, donde las formas no pueden tener un género físico, pero sí verse como objetos femeninos. [29] Daniel Ogilivie ha expresado cómo el concepto de Judith Butler de que "... el mero acto de 'hacer', de moldear el objeto, que expresa el género y no es ninguna asociación antropomórfica en la obra de arte en sí", crea lo femenino dentro de Whiteread. trabajar. [29]
Con la prevalencia de la ideología feminista en la sociedad y el arte contemporáneo, los críticos han argumentado que artistas como Jenny Saville en la década de 1990 investigaron la idea artificial de "feminidad" creada por la Estructura Patriarcal. [30] Mientras asistía a la escuela de arte en Cincinnati, la pasión feminista de Saville se concibió a través de la comprensión del género dentro de la historia del arte. En sus propias palabras, descubrió que "siempre me pregunté por qué no había habido mujeres artistas en la historia. Descubrí que sí las había, pero no las denuncié. Me di cuenta de que había sido afectada por ideas masculinas, pasando por una experiencia masculina". -dominada escuela de arte". [31] Ahora consciente del patriarcado institucional, Saville comenzó a pintar desnudos femeninos que no estaban idealizados. En lugar de continuar con la reconocida visión histórica masculina de los cuerpos femeninos, Saville creó representaciones de mujeres naturales con defectos genuinos. Vello púbico subiendo por el estómago y alrededor de los muslos, piel descolorida y áreas con exceso de carne. [31] Al deconstruir el cuerpo femenino, Saville ha declarado que "no estoy tratando de enseñar, sólo hacer que la gente discuta, mire cómo las mujeres han sido hechas por el hombre. ¿Qué es la belleza? La belleza suele ser la imagen masculina de la mujer". Mis mujeres son hermosas en su individualidad." [32]