La cinematografía (del griego antiguo κίνημα ( kínēma ) 'movimiento' y γράφειν ( gráphein ) 'escribir, dibujar, pintar, etc.') es el arte de la fotografía cinematográfica (y más recientemente, con cámara de vídeo electrónica ).
Los directores de fotografía utilizan una lente para enfocar la luz reflejada de los objetos en una imagen real que se transfiere a algún sensor de imagen o material sensible a la luz dentro de la cámara de cine . [1] Estas exposiciones se crean secuencialmente y se conservan para su posterior procesamiento y visualización como una película. La captura de imágenes con un sensor de imagen electrónico produce una carga eléctrica por cada píxel de la imagen, que se procesa electrónicamente y se almacena en un archivo de vídeo para su posterior procesamiento o visualización. Las imágenes capturadas con emulsión fotográfica dan como resultado una serie de imágenes latentes invisibles en la película, que se " revelan " químicamente hasta convertirlas en una imagen visible . Las imágenes de la película se proyectan para verlas en la misma película.
La cinematografía encuentra usos en muchos campos de la ciencia y los negocios , así como con fines de entretenimiento y comunicación de masas .
En la década de 1830, se inventaron tres soluciones diferentes para imágenes en movimiento basadas en el concepto de tambores y discos giratorios: el estroboscopio de Simon von Stampfer en Austria, el fenaquistoscopio de Joseph Plateau en Bélgica y el zoótropo de William Horner en Gran Bretaña.
En 1845, Francis Ronalds inventó la primera cámara exitosa capaz de realizar grabaciones continuas de las distintas indicaciones de instrumentos meteorológicos y geomagnéticos a lo largo del tiempo. Las cámaras se suministraron a numerosos observatorios de todo el mundo y algunas permanecieron en uso hasta bien entrado el siglo XX. [2] [3] [4]
William Lincoln patentó en 1867 un dispositivo que mostraba imágenes animadas llamado "rueda de la vida" o " zoopraxiscopio ". En él se observaban dibujos o fotografías en movimiento a través de una rendija.
El 19 de junio de 1878, Eadweard Muybridge fotografió con éxito un caballo llamado " Sallie Gardner " en cámara rápida utilizando una serie de 24 cámaras estereoscópicas. Las cámaras estaban dispuestas a lo largo de una pista paralela a la del caballo, y cada obturador de la cámara estaba controlado por un cable disparador activado por los cascos del caballo. Estaban a 21 pulgadas de distancia para cubrir los 20 pies tomados por la zancada del caballo, tomando fotografías a una milésima de segundo. [5] A finales de la década, Muybridge había adaptado secuencias de sus fotografías a un zoopraxiscopio para proyectar "películas" breves y primitivas, que causaron sensación en sus giras de conferencias en 1879 o 1880.
Cuatro años más tarde, en 1882, el científico francés Étienne-Jules Marey inventó una pistola cronofotográfica, que era capaz de tomar 12 fotogramas consecutivos por segundo y registrar todos los fotogramas de la misma imagen.
Desde finales del siglo XIX hasta principios del XX surgió el uso de películas no sólo con fines de entretenimiento sino también para la exploración científica. El biólogo y cineasta francés Jean Painleve presionó fuertemente a favor del uso de la película en el campo científico, ya que el nuevo medio era más eficiente para capturar y documentar el comportamiento, el movimiento y el entorno de microorganismos, células y bacterias que el ojo desnudo. [6] La introducción del cine en los campos científicos permitió no sólo la visualización de "nuevas imágenes y objetos, como células y objetos naturales, sino también su visualización en tiempo real", [6] mientras que antes de la invención del Para las imágenes en movimiento, tanto los científicos como los médicos tuvieron que recurrir a bocetos hechos a mano de la anatomía humana y sus microorganismos. Esto planteó un gran inconveniente en el mundo científico y médico. El desarrollo de la película y el mayor uso de las cámaras permitieron a médicos y científicos comprender y conocer mejor sus proyectos. [ cita necesaria ]
El origen del cine actual se debe a los hermanos Lumière, Auguste y Louis, quienes en 1895 desarrollaron una máquina llamada Cinematographe, que tenía la capacidad de capturar y mostrar imágenes en movimiento. La primera era del cine vio una rápida innovación. Los cineastas descubren y aplican nuevos métodos como el montaje, los efectos especiales, los primeros planos, etc. Hollywood empezó a perfilarse como la meca de la industria cinematográfica, y muchos de los estudios famosos hoy en día como Warner Bros y Paramount Pictures empezaron a dominar el mundo del cine. . Con el tiempo, el cine y la cinematografía han cambiado drásticamente. Desde las películas mudas de principios del siglo XX hasta la capacidad de añadir sonido a las películas de los años 20 y a las películas en pantalla ancha y en color de los años 50, han surgido enormes mejoras en la creatividad y la metodología generales.
La película experimental Roundhay Garden Scene , filmada por Louis Le Prince el 14 de octubre de 1888 en Roundhay , Leeds , Inglaterra, es la primera película que se conserva. [7] Esta película fue filmada en papel. [8]
Una cámara de película experimental fue desarrollada por el inventor británico William Friese Greene y patentada en 1889. [9] WKL Dickson , trabajando bajo la dirección de Thomas Alva Edison , fue el primero en diseñar un aparato exitoso, el Kinetograph , [10] patentado en 1891 [11] Esta cámara tomó una serie de fotografías instantáneas con una emulsión fotográfica estándar Eastman Kodak recubierta sobre una tira de celuloide transparente de 35 mm de ancho. Los resultados de este trabajo se mostraron por primera vez en público en 1893, utilizando el aparato de visualización también diseñado por Dickson, el Kinetoscopio . Contenido dentro de una caja grande, sólo una persona a la vez que miraba a través de una mirilla podía ver la película.
Al año siguiente, Charles Francis Jenkins y su proyector, el Phantoscope , [12] lograron un éxito de audiencia mientras Louis y Auguste Lumière perfeccionaban el Cinématographe , un aparato que tomaba, imprimiba y proyectaba películas, en París en diciembre de 1895. [ 13] Los hermanos Lumière fueron los primeros en presentar imágenes fotográficas proyectadas y en movimiento a un público de más de una persona que pagaba.
En 1896, se abrieron salas de cine en Francia (París, Lyon , Burdeos , Niza, Marsella ); Italia ( Roma , Milán, Nápoles , Génova , Venecia, Bolonia , Forlì ); Bruselas ; y Londres. Las mejoras cronológicas en el medio pueden enumerarse de manera concisa. En 1896, Edison mostró su proyector Vitascope mejorado, el primer proyector comercialmente exitoso en los EE. UU. Cooper Hewitt inventó las lámparas de mercurio que hicieron práctico filmar películas en interiores sin luz solar en 1905. La primera caricatura animada se produjo en 1906. Los créditos comenzaron a aparecer en el comienzo del cine en 1911. La cámara de cine Bell and Howell 2709, inventada en 1915, permitió a los directores hacer primeros planos sin mover físicamente la cámara. A finales de la década de 1920, la mayoría de las películas producidas eran películas sonoras. Los formatos de pantalla ancha se experimentaron por primera vez en la década de 1950. En la década de 1970, la mayoría de las películas eran en color. IMAX y otros formatos de 70 mm ganaron popularidad. La amplia distribución de películas se convirtió en algo común, sentando las bases para los "éxitos de taquilla". La cinematografía cinematográfica dominó la industria cinematográfica desde sus inicios hasta la década de 2010, cuando la cinematografía digital se volvió dominante. Algunos directores todavía utilizan la cinematografía cinematográfica, especialmente en aplicaciones específicas o por afición al formato. [ cita necesaria ]
Desde su nacimiento en la década de 1880, las películas fueron predominantemente monocromáticas. Contrariamente a la creencia popular, monocromo no siempre significa blanco y negro; significa una película filmada en un solo tono o color. Dado que el coste de las bases de películas teñidas era sustancialmente mayor, la mayoría de las películas se produjeron en monocromo en blanco y negro. Incluso con la llegada de los primeros experimentos con el color, el mayor gasto en color significó que las películas se hicieran principalmente en blanco y negro hasta la década de 1950, cuando se introdujeron procesos de color más baratos, y en algunos años el porcentaje de películas filmadas en color superó el 51%. En la década de 1960, el color se convirtió, con diferencia, en el material cinematográfico dominante. En las décadas siguientes, el uso de películas en color aumentó considerablemente, mientras que las películas monocromáticas se volvieron escasas.
La cinematografía en blanco y negro es una técnica utilizada en el cine donde las imágenes se capturan y presentan en tonos de grises, sin color. Este enfoque artístico tiene una rica historia y se ha empleado en varias películas a lo largo de la evolución del cine. Es una poderosa herramienta que permite a los cineastas enfatizar el contraste, la textura y la iluminación, mejorando la experiencia visual de la narración. El uso de la cinematografía en blanco y negro se remonta a los primeros días del cine, cuando aún no estaba disponible la película en color. Los cineastas confiaron en esta técnica para crear películas atmosféricas y visualmente impactantes. Incluso con la llegada de la tecnología cinematográfica en color, la cinematografía en blanco y negro siguió utilizándose con fines artísticos y temáticos.
El libro de Ken Dancyger, "La técnica de edición de películas y vídeos: historia, teoría y práctica", proporciona información valiosa sobre los aspectos históricos y teóricos de la cinematografía en blanco y negro. Dancyger explora cómo se ha empleado esta técnica a lo largo de la historia del cine, examinando su impacto en la narración, el estado de ánimo y la estética visual. El libro profundiza en las elecciones artísticas y las consideraciones técnicas involucradas en la creación de imágenes convincentes en blanco y negro, ofreciendo una comprensión integral de la técnica.
La cinematografía en blanco y negro permite a los cineastas centrarse en la interacción de luces y sombras, enfatizando el contraste entre los diferentes elementos dentro de una escena. Esta técnica puede evocar una sensación de nostalgia, evocar un período de tiempo específico o crear una sensación clásica y atemporal. Al eliminar el color, los cineastas pueden enfatizar la composición, las formas y las texturas dentro del encuadre, mejorando el impacto visual. Las películas notables que han empleado cinematografía en blanco y negro incluyen clásicos como "Casablanca" (1942), "Raging Bull" (1980) y "Schindler's List" (1993). Estas películas muestran el poder y la versatilidad de la cinematografía en blanco y negro para crear imágenes con resonancia emocional. La cinematografía en blanco y negro sigue siendo una técnica relevante y ampliamente utilizada en el cine moderno. Los cineastas siguen empleándolo para evocar estados de ánimo específicos, transmitir una sensación de atemporalidad y mejorar la expresión artística de sus historias.
Después de la llegada del cine, se invirtió una enorme cantidad de energía en la producción de fotografías en colores naturales. [14] La invención de la imagen sonora aumentó aún más la demanda del uso de la fotografía en color. Sin embargo, en comparación con otros avances tecnológicos de la época, la llegada de la fotografía en color fue un proceso relativamente lento. [15]
Las primeras películas no eran en realidad películas en color, ya que fueron filmadas en monocromo y luego coloreadas a mano o a máquina (tales películas se denominan en color y no en color ). El ejemplo más antiguo de este tipo es la danza serpentina Annabelle teñida a mano en 1895 por Edison Manufacturing Company . Más tarde, el teñido a máquina se hizo popular. El teñido continuó hasta la llegada de la cinematografía en color natural en la década de 1910. Muchas películas en blanco y negro se han coloreado recientemente mediante tintes digitales. Esto incluye imágenes tomadas de ambas guerras mundiales, eventos deportivos y propaganda política. [ cita necesaria ]
En 1902, Edward Raymond Turner produjo las primeras películas con un proceso de color natural en lugar de utilizar técnicas de colorización. [16] En 1909, Kinemacolor se mostró por primera vez al público. [17]
En 1917, se introdujo la primera versión de Technicolor . Kodachrome se introdujo en 1935. Eastmancolor se introdujo en 1950 y se convirtió en el estándar de color durante el resto del siglo. [ cita necesaria ]
En la década de 2010, las películas en color fueron reemplazadas en gran medida por la cinematografía digital en color. [ cita necesaria ]
En la cinematografía digital, la película se filma en medios digitales como el almacenamiento flash , así como también se distribuye a través de un medio digital como un disco duro .
La base de las cámaras digitales son los sensores de imagen semiconductores de óxido metálico (MOS) . [18] El primer sensor de imagen semiconductor práctico fue el dispositivo de carga acoplada (CCD), [19] basado en la tecnología de condensadores MOS . [18] Tras la comercialización de sensores CCD a finales de los años 1970 y principios de los 1980, la industria del entretenimiento comenzó lentamente a realizar una transición hacia las imágenes digitales y el vídeo digital durante las siguientes dos décadas. [20] Al CCD le siguió el sensor de píxeles activos CMOS ( sensor CMOS ), [21] desarrollado en la década de 1990. [22] [23]
A finales de la década de 1980, Sony comenzó a comercializar el concepto de " cinematografía electrónica ", utilizando sus cámaras de vídeo profesionales analógicas Sony HDVS . El esfuerzo tuvo muy poco éxito. Sin embargo, esto llevó a uno de los primeros largometrajes filmados digitalmente, Julia y Julia (1987). [ cita necesaria ] En 1998, con la introducción de grabadoras HDCAM y cámaras de video profesionales digitales de 1920 × 1080 píxeles basadas en tecnología CCD, la idea, ahora rebautizada como "cinematografía digital", comenzó a ganar terreno. [ cita necesaria ]
Filmado y lanzado en 1998, algunos creen que The Last Broadcast es el primer largometraje filmado y editado íntegramente en equipos digitales de consumo. [24] En mayo de 1999, George Lucas desafió la supremacía del medio cinematográfico por primera vez al incluir imágenes filmadas con cámaras digitales de alta definición en Star Wars: Episodio I – La amenaza fantasma . A finales de 2013, Paramount se convirtió en el primer gran estudio en distribuir películas a los cines en formato digital, eliminando por completo las películas de 35 mm. Desde entonces, la demanda de películas reveladas en formato digital en lugar de 35 mm ha aumentado significativamente. [ cita necesaria ]
A medida que mejoró la tecnología digital, los estudios cinematográficos comenzaron a orientarse cada vez más hacia la cinematografía digital. Desde la década de 2010, la cinematografía digital se ha convertido en la forma dominante de cinematografía después de reemplazar en gran medida a la cinematografía cinematográfica. [ cita necesaria ]
Numerosos aspectos contribuyen al arte de la cinematografía, entre ellos:
Las primeras cámaras de película se sujetaban directamente a la cabeza de un trípode u otro soporte, contando sólo con el tipo más tosco de dispositivos de nivelación, a la manera de las cabezas de trípode para cámaras fotográficas de la época. Las primeras cámaras de película estaban efectivamente fijadas durante la toma y, por lo tanto, los primeros movimientos de la cámara fueron el resultado de montar una cámara en un vehículo en movimiento. La primera que se conoció fue una película filmada por un camarógrafo Lumière desde el andén trasero de un tren que salía de Jerusalén en 1896, y en 1898, había varias películas filmadas desde trenes en movimiento. Aunque en los catálogos de venta de la época figuraban bajo el título general de "panoramas", aquellas películas filmadas directamente frente a una locomotora de ferrocarril generalmente se denominaban específicamente " aventuras fantasmas ".
En 1897, Robert W. Paul hizo fabricar el primer cabezal de cámara giratorio real para colocarlo en un trípode, de modo que pudiera seguir las procesiones del Jubileo de Diamante de la reina Victoria en una sola toma ininterrumpida. Este dispositivo tenía la cámara montada en un eje vertical que podía girar mediante un engranaje helicoidal accionado girando una manivela, y Paul lo puso a la venta general el año siguiente. Las tomas tomadas con este cabezal "panorámico" también se denominaron "panoramas" en los catálogos de películas de la primera década del cine. Esto finalmente llevó también a la creación de una fotografía panorámica.
El modelo estándar para los primeros estudios cinematográficos lo proporcionó el estudio que Georges Méliès había construido en 1897. Tenía un techo de cristal y tres paredes de cristal, construidos según el modelo de los grandes estudios de fotografía fija, y estaba equipado con finas telas de algodón que podían estirarse debajo del techo para difundir el rayo directo del sol en los días soleados. La luz general suave y sin sombras reales que se genera con esta disposición, que también existe de forma natural en días ligeramente nublados, se convirtió durante la siguiente década en la base de la iluminación cinematográfica en los estudios cinematográficos.
La cinematografía en blanco y negro es una técnica utilizada en el cine donde las imágenes se capturan y presentan en tonos de grises, sin color. Este enfoque artístico tiene una rica historia y se ha empleado en varias películas a lo largo de la evolución del cine. Es una poderosa herramienta que permite a los cineastas enfatizar el contraste, la textura y la iluminación, mejorando la experiencia visual de la narración. El uso de la cinematografía en blanco y negro se remonta a los primeros días del cine, cuando aún no estaba disponible la película en color. Los cineastas confiaron en esta técnica para crear películas atmosféricas y visualmente impactantes. Incluso con la llegada de la tecnología cinematográfica en color, la cinematografía en blanco y negro siguió utilizándose con fines artísticos y temáticos. El libro de Ken Dancyger, "La técnica de edición de películas y vídeos: historia, teoría y práctica", proporciona información valiosa sobre los aspectos históricos y teóricos de la cinematografía en blanco y negro. Dancyger explora cómo se ha empleado esta técnica a lo largo de la historia del cine, examinando su impacto en la narración, el estado de ánimo y la estética visual. El libro profundiza en las elecciones artísticas y las consideraciones técnicas involucradas en la creación de imágenes convincentes en blanco y negro, ofreciendo una comprensión integral de la técnica.
La cinematografía en blanco y negro permite a los cineastas centrarse en la interacción de luces y sombras, enfatizando el contraste entre los diferentes elementos dentro de una escena. Esta técnica puede evocar una sensación de nostalgia, evocar un período de tiempo específico o crear una sensación clásica y atemporal. Al eliminar el color, los cineastas pueden enfatizar la composición, las formas y las texturas dentro del encuadre, mejorando el impacto visual. Entre las películas notables que han empleado la cinematografía en blanco y negro se incluyen clásicos como "Casablanca" (1942), "Raging Bull" (1980) y "La lista de Schindler" (1993). Estas películas muestran el poder y la versatilidad de la cinematografía en blanco y negro en La cinematografía en blanco y negro sigue siendo una técnica relevante y ampliamente utilizada en el cine moderno. Los cineastas siguen empleándola para evocar estados de ánimo específicos, transmitir una sensación de atemporalidad y mejorar la expresión artística de sus historias.
Hay muchos tipos de cinematografía y cada uno se diferencia según el propósito y el proceso de producción. Estos diferentes tipos de cinematografía son similares en el sentido de que todos tienen el objetivo de transmitir una emoción, estado de ánimo o sentimiento específico. Sin embargo, cada estilo diferente a menudo puede transmitir diferentes emociones y propósitos. Algunos ejemplos de diferentes tipos de Cinematografía pueden conocerse como Realismo. Este estilo de cinematografía tiene como objetivo crear una representación realista del mundo, a menudo utilizando iluminación natural, cámaras portátiles y un enfoque de filmación similar al documental. El Hollywood clásico es un estilo cinematográfico que se caracteriza por el uso de películas muy pulidas producidas en estudio con decorados glamorosos, iluminación brillante y narrativas románticas. El cine negro es un estilo cinematográfico que se caracteriza por el uso de marcado contraste e iluminación de claroscuro, iluminación discreta y una atmósfera oscura y melancólica. A menudo presenta crímenes, misterio y personajes moralmente ambiguos.
Para transmitir el estado de ánimo, la emoción, la narrativa y otros factores dentro de la toma, la cinematografía se implementa utilizando diferentes aspectos dentro de una película. La iluminación de la escena puede afectar el estado de ánimo de una escena o película. Las tomas más oscuras con menos luz natural pueden resultar sombrías, aterradoras, tristes e intensas. Una iluminación más brillante puede equivaler a un estado de ánimo más feliz, emocionante y positivo. El ángulo de la cámara puede afectar una escena al establecer la perspectiva. Transmite cómo los personajes o el público ven algo y desde qué ángulo. El ángulo de la cámara también puede desempeñar un papel importante al resaltar un detalle de primer plano o la configuración del fondo. Un ángulo de primer plano puede resaltar detalles del rostro de alguien, mientras que una lente más amplia puede brindar información clave que tiene lugar en el fondo de una toma. La distancia de la cámara puede resaltar detalles específicos que pueden ser importantes para la filmación de una película. Desde muy lejos, un grupo de personas puede parecer igual, pero una vez que te acercas mucho, el espectador puede ver las diferencias dentro de la población a través de detalles como la expresión facial y el lenguaje corporal. La coloración es similar a la iluminación, en el sentido de que juega un papel importante a la hora de crear el estado de ánimo y las emociones a lo largo de una toma. Un color como el verde puede transmitir equilibrio y paz a través de escenas de la naturaleza. Un plano con mucho rojo puede expresar ira, intensidad, pasión o amor. Si bien es posible que algunas de estas emociones no surjan intencionalmente al ver el color, es un hecho subconsciente que el color en la cinematografía puede tener un gran efecto. La velocidad es un elemento vital en la cinematografía que se puede utilizar de diversas formas, como la creación de acción o una sensación de movimiento. La velocidad se puede utilizar aún más para ralentizar el tiempo, resaltar momentos importantes y, a menudo, generar una sensación de suspenso en una película. La cámara lenta es una técnica que implica filmar a una velocidad de cuadro más alta y luego reproducir el metraje nuevamente a una velocidad normal. Esto crea un efecto de ralentización en la película, que puede poner énfasis o agregar fluidez a una escena. Por otro lado, la cámara rápida es lo opuesto a la cámara lenta: filmar a una velocidad de fotogramas más baja y luego reproducir la película a una velocidad normal. Esto crea un efecto acelerado que puede ayudar a enfatizar el paso del tiempo o crear una sensación de urgencia. El lapso de tiempo es cuando se toman una serie de fotografías fijas a intervalos regulares durante un largo período de tiempo. A partir de aquí, si los reproduce continuamente, se muestra un efecto acelerado. Los lapsos de tiempo se utilizan de forma más eficaz para mostrar cosas como amaneceres, movimientos naturales o crecimiento. Se utilizan comúnmente para mostrar el paso del tiempo en una secuencia más corta. El movimiento inverso consiste en filmar una escena normalmente y luego reproducir la película al revés. Esto generalmente se usa para crear efectos poco comunes/surrealistas y crear escenas inusuales. Las diversas técnicas que involucran la velocidad pueden agregar intensidad y vibra a la película, mostrar el paso del tiempo y tener muchos otros efectos. El movimiento de la cámara dentro de una película puede contribuir a mejorar la calidad visual y el impacto de una película.Algunos aspectos del movimiento de cámara que contribuyen a esto son:
La cinematografía puede comenzar con un sensor de imagen digital o rollos de película. Los avances en la emulsión de películas y la estructura de grano proporcionaron una amplia gama de tipos de películas disponibles . La selección del material cinematográfico es una de las primeras decisiones que se toman al preparar una producción cinematográfica típica.
Además de la selección de espesores de película ( 8 mm (aficionado), 16 mm (semiprofesional), 35 mm (profesional) y 65 mm (fotografía épica, rara vez utilizada, excepto en lugares para eventos especiales), el director de fotografía tiene una selección de películas en inversión (que, cuando se revela, crea una imagen positiva) y formatos negativos junto con una amplia gama de velocidades de película (variando la sensibilidad a la luz) desde ISO 50 (lenta, menos sensible a la luz) hasta 800 (muy rápida, extremadamente sensible a la luz). ) y diferentes respuestas al color (baja saturación , alta saturación) y contraste (niveles variables entre negro puro (sin exposición) y blanco puro (sobreexposición completa). Los avances y ajustes en casi todos los calibres de la película crean los "súper" formatos en los que el El área de la película utilizada para capturar un solo cuadro de una imagen se expande, aunque el calibre físico de la película sigue siendo el mismo. Super 8 mm , Super 16 mm y Super 35 mm utilizan más del área general de la película para la imagen. que sus contrapartes "normales" que no son súper. Cuanto mayor sea el calibre de la película, mayor será la claridad de la resolución general de la imagen y la calidad técnica. Las técnicas utilizadas por el laboratorio cinematográfico para procesar la película también pueden ofrecer una variación considerable en la imagen producida. Al controlar la temperatura y variar el tiempo durante el cual la película se empapa en los productos químicos de revelado, y al omitir ciertos procesos químicos (o omitirlos parcialmente), los directores de fotografía pueden lograr apariencias muy diferentes a partir de una sola película en el laboratorio. Algunas técnicas que se pueden utilizar son el procesamiento push , el bypass de blanqueo y el procesamiento cruzado .
La mayor parte del cine moderno utiliza cinematografía digital y no tiene películas [ cita necesaria ] , pero las cámaras en sí se pueden ajustar de maneras que van mucho más allá de las capacidades de una película en particular. Pueden proporcionar distintos grados de sensibilidad al color, contraste de imagen, sensibilidad a la luz, etc. Una cámara puede lograr todos los aspectos de diferentes emulsiones. Los ajustes de imagen digital, como ISO y contraste, se ejecutan estimando los mismos ajustes que se llevarían a cabo si se usara una película real y, por lo tanto, son vulnerables a las percepciones de los diseñadores del sensor de la cámara sobre varios tipos de películas y parámetros de ajuste de imagen.
Los filtros , como los filtros de difusión o los filtros de efectos de color, también se utilizan mucho para mejorar el estado de ánimo o los efectos dramáticos. La mayoría de los filtros fotográficos se componen de dos piezas de vidrio óptico pegadas con algún tipo de material de manipulación de imagen o luz entre el vidrio. En el caso de los filtros de color, suele haber un medio de color translúcido presionado entre dos planos de vidrio óptico. Los filtros de color funcionan bloqueando ciertas longitudes de onda de luz de color para que no lleguen a la película. Con la película en color, esto funciona de manera muy intuitiva: un filtro azul reducirá el paso de la luz roja, naranja y amarilla y creará un tinte azul en la película. En la fotografía en blanco y negro, los filtros de color se utilizan de forma algo contraria a la intuición; por ejemplo, se puede utilizar un filtro amarillo, que reduce las longitudes de onda de luz azul, para oscurecer un cielo diurno (eliminando la luz azul de la película, subexponiendo así en gran medida el cielo mayoritariamente azul) sin sesgar la mayoría de los tonos de piel humanos. Los filtros se pueden utilizar delante de la lente o, en algunos casos, detrás de la lente para obtener diferentes efectos.
Ciertos directores de fotografía, como Christopher Doyle , son bien conocidos por su uso innovador de filtros; Doyle fue pionero en el mayor uso de filtros en las películas y es muy respetado en todo el mundo del cine.
Se pueden acoplar lentes a la cámara para dar una determinada apariencia, sensación o efecto mediante el enfoque, el color, etc. Al igual que el ojo humano , la cámara crea relaciones espaciales y de perspectiva con el resto del mundo. Sin embargo, a diferencia del ojo humano, un director de fotografía puede seleccionar diferentes lentes para diferentes propósitos. La variación en la distancia focal es uno de los principales beneficios. La distancia focal de la lente determina el ángulo de visión y, por tanto, el campo de visión . Los directores de fotografía pueden elegir entre una variedad de lentes gran angular , lentes "normales" y lentes de enfoque largo , así como lentes macro y otros sistemas de lentes de efectos especiales, como lentes de boroscopio . Los objetivos gran angular tienen distancias focales cortas y hacen que las distancias espaciales sean más evidentes. Una persona en la distancia se muestra mucho más pequeña, mientras que alguien en el frente se verá grande. Por otro lado, las lentes de enfoque largo reducen tales exageraciones, representando objetos lejanos aparentemente muy juntos y con una perspectiva aplanada. Las diferencias entre la representación en perspectiva en realidad no se deben a la distancia focal en sí, sino a la distancia entre los sujetos y la cámara. Por lo tanto, el uso de diferentes distancias focales en combinación con diferentes distancias entre la cámara y el sujeto crea estas representaciones diferentes. Cambiar la distancia focal únicamente mientras se mantiene la misma posición de la cámara no afecta la perspectiva, sino únicamente el ángulo de visión de la cámara .
Una lente con zoom permite al operador de cámara cambiar su distancia focal dentro de una toma o rápidamente entre configuraciones de tomas. Como los lentes fijos ofrecen una mayor calidad óptica y son "más rápidos" (aperturas más grandes, utilizables con menos luz) que los lentes con zoom, a menudo se emplean en cinematografía profesional en lugar de lentes con zoom. Sin embargo, ciertas escenas o incluso tipos de realización cinematográfica pueden requerir el uso de zoom para mayor velocidad o facilidad de uso, así como tomas que impliquen un movimiento de zoom.
Como en otras fotografías, el control de la imagen expuesta se realiza en el objetivo con el control de la apertura del diafragma . Para una selección adecuada, el director de fotografía necesita que todas las lentes estén grabadas con T-stop , no f-stop para que la eventual pérdida de luz por el cristal no afecte el control de exposición al configurarlo con los medidores habituales. La elección de la apertura también afecta a la calidad de la imagen (aberraciones) y a la profundidad de campo.
La distancia focal y la apertura del diafragma afectan la profundidad de campo de una escena, es decir, en qué medida el fondo, el medio plano y el primer plano se representarán con un "enfoque aceptable" (sólo un plano exacto de la imagen está enfocado con precisión) en la imagen. Objetivo de película o vídeo. La profundidad de campo (que no debe confundirse con la profundidad de enfoque ) está determinada por el tamaño de apertura y la distancia focal. Se genera una profundidad de campo grande o profunda con una apertura del iris muy pequeña y enfocándose en un punto lejano, mientras que se logrará una profundidad de campo reducida con una apertura del iris grande (abierta) y enfocándose más cerca de la lente. La profundidad de campo también depende del tamaño del formato. Si se considera el campo de visión y el ángulo de visión, cuanto más pequeña sea la imagen, más corta debe ser la distancia focal para mantener el mismo campo de visión. Entonces, cuanto más pequeña es la imagen, más profundidad de campo se obtiene, para el mismo campo de visión. Por lo tanto, 70 mm tiene menos profundidad de campo que 35 mm para un campo de visión determinado, 16 mm más que 35 mm, y las primeras cámaras de video, así como la mayoría de las videocámaras modernas de consumo, incluso más profundidad de campo que 16 mm.
En Ciudadano Kane (1941), el director de fotografía Gregg Toland y el director Orson Welles utilizaron aperturas más estrechas para crear cada detalle del primer plano y el fondo de los decorados con un enfoque nítido. Esta práctica se conoce como enfoque profundo . El enfoque profundo se convirtió en un recurso cinematográfico popular a partir de la década de 1940 en Hollywood. Hoy en día, la tendencia es hacia un enfoque más superficial . Cambiar el plano de enfoque de un objeto o personaje a otro dentro de una toma se conoce comúnmente como enfoque en rack .
Al principio de la transición a la cinematografía digital, la incapacidad de las cámaras de vídeo digitales para lograr fácilmente una profundidad de campo reducida, debido a sus pequeños sensores de imagen, fue inicialmente un motivo de frustración para los cineastas que intentaban emular el aspecto de la película de 35 mm. Se idearon adaptadores ópticos que lograban esto montando una lente de mayor formato que proyectaba su imagen, en el tamaño del formato mayor, sobre una pantalla de vidrio esmerilado preservando la profundidad de campo. Luego, el adaptador y la lente se montaron en la cámara de video de pequeño formato que a su vez enfocó la pantalla de vidrio esmerilado.
Las cámaras fotográficas SLR digitales tienen tamaños de sensor similares a los del fotograma de película de 35 mm y, por lo tanto, pueden producir imágenes con una profundidad de campo similar. La llegada de las funciones de vídeo en estas cámaras provocó una revolución en la cinematografía digital, y cada vez más cineastas adoptaron cámaras fijas para este propósito debido a las cualidades cinematográficas de sus imágenes. Más recientemente, cada vez más cámaras de vídeo dedicadas están equipadas con sensores más grandes capaces de alcanzar una profundidad de campo similar a la de una película de 35 mm.
La relación de aspecto de una imagen es la relación entre su ancho y su alto. Esto se puede expresar como una proporción de 2 números enteros, como 4:3, o en formato decimal, como 1,33:1 o simplemente 1,33. Diferentes proporciones proporcionan diferentes efectos estéticos. Los estándares de relación de aspecto han variado significativamente con el tiempo.
Durante la era del cine mudo, las relaciones de aspecto variaban ampliamente, desde el cuadrado 1:1 hasta el extremo panorámico 4:1 de Polyvision . Sin embargo, a partir de la década de 1910, las películas mudas se establecieron generalmente en la proporción 4:3 (1,33). La introducción del sonido en la película redujo brevemente la relación de aspecto para dejar espacio para una franja de sonido. En 1932 se introdujo un nuevo estándar, el ratio Academy de 1,37, mediante el engrosamiento de la línea del marco .
Durante años, los directores de fotografía convencionales se limitaron a utilizar la proporción Academy, pero en la década de 1950, gracias a la popularidad de Cinerama , se introdujeron proporciones de pantalla ancha en un esfuerzo por atraer al público de nuevo al cine y lejos de sus televisores domésticos . Estos nuevos formatos de pantalla panorámica proporcionaron a los directores de fotografía un marco más amplio dentro del cual componer sus imágenes.
En la década de 1950 se inventaron y utilizaron muchos sistemas fotográficos patentados diferentes para crear películas de pantalla ancha, pero uno dominó la película: el proceso anamórfico , que comprime ópticamente la imagen para fotografiar el doble del área horizontal al mismo tamaño vertical que las lentes "esféricas" estándar. El primer formato anamórfico comúnmente utilizado fue CinemaScope , que utilizaba una relación de aspecto de 2,35, aunque originalmente era de 2,55. CinemaScope se utilizó de 1953 a 1967, pero debido a fallas técnicas en el diseño y su propiedad por parte de Fox, varias compañías de terceros, lideradas por las mejoras técnicas de Panavision en la década de 1950, dominaron el mercado de lentes de cine anamórficos. Los cambios en los estándares de proyección SMPTE alteraron la proporción proyectada de 2,35 a 2,39 en 1970, aunque esto no cambió nada con respecto a los estándares anamórficos fotográficos; Todos los cambios con respecto a la relación de aspecto de la fotografía anamórfica de 35 mm son específicos del tamaño de la puerta de la cámara o del proyector, no del sistema óptico. Después de las "guerras de la pantalla ancha" de la década de 1950, la industria cinematográfica se estableció en 1,85 como estándar para la proyección teatral en los Estados Unidos y el Reino Unido. Esta es una versión recortada de 1.37. Europa y Asia optaron por 1,66 al principio, aunque 1,85 ha permeado en gran medida en estos mercados en las últimas décadas. Ciertas películas "épicas" o de aventuras utilizaron el anamórfico 2.39 (a menudo denominado incorrectamente '2.40')
En la década de 1990, con la llegada del vídeo de alta definición , los ingenieros de televisión crearon la relación 1,78 (16:9) como un compromiso matemático entre el estándar teatral de 1,85 y el 1,33 de la televisión, ya que no era práctico producir un tubo de televisión CRT tradicional. con un ancho de 1,85. Hasta ese cambio, nunca se había originado nada en 1.78. Hoy en día, este es un estándar para vídeo de alta definición y para televisión de pantalla ancha.
La luz es necesaria para crear una exposición de imagen en un fotograma de película o en un objetivo digital (CCD, etc.). Sin embargo, el arte de la iluminación para la cinematografía va mucho más allá de la exposición básica y llega a la esencia de la narración visual. La iluminación contribuye considerablemente a la respuesta emocional que tiene el público al ver una película. El mayor uso de filtros puede afectar en gran medida la imagen final y afectar la iluminación.
Importancia de la iluminación en el cine La iluminación en el cine es esencial por tres razones principales: visibilidad, composición y estado de ánimo. En primer lugar, la iluminación garantiza que el sujeto o la escena esté correctamente iluminado, lo que permite a los espectadores percibir los detalles y comprender la narrativa. Ayuda a guiar la atención de la audiencia hacia elementos específicos dentro del marco, resaltando personajes u objetos importantes. En segundo lugar, la iluminación contribuye a la composición de una toma. Los cineastas colocan luces estratégicamente para crear equilibrio, profundidad e interés visual dentro del encuadre. Les permite controlar los elementos visuales dentro de la escena, enfatizando ciertas áreas y restando énfasis a otras. Por último, la iluminación afecta significativamente el estado de ánimo y la atmósfera de una película. Al manipular la intensidad, el color y la dirección de la luz, los cineastas pueden evocar diferentes emociones y mejorar la narrativa. Una iluminación brillante y uniforme puede evocar una sensación de seguridad y felicidad, mientras que una iluminación discreta con sombras puede crear tensión, misterio o miedo. La elección del estilo de iluminación también puede reflejar el género de la película, como la iluminación de alto contraste comúnmente utilizada en el cine negro.
Técnicas de iluminación
En la realización cinematográfica se emplean numerosas técnicas de iluminación para lograr los efectos deseados. Estas son algunas de las técnicas más utilizadas: Iluminación de tres puntos: esta técnica clásica implica el uso de tres luces: la luz principal, la luz de relleno y la luz de fondo. La luz principal sirve como fuente principal, iluminando al sujeto desde un lado para crear profundidad y dimensión. La luz de relleno reduce las sombras causadas por la luz principal, suavizando la iluminación general. La luz de fondo separa al sujeto del fondo, proporcionando un efecto de halo y mejorando la sensación de profundidad. Iluminación de clave alta: La iluminación de clave alta produce una escena brillante y uniformemente iluminada, a menudo utilizada en comedias o películas alegres. Minimiza las sombras, creando un ambiente alegre y optimista. Iluminación discreta: la iluminación discreta implica el uso de una sola luz clave o algunas luces ubicadas estratégicamente para crear fuertes contrastes y sombras profundas. Esta técnica se utiliza comúnmente en los géneros del cine negro y de terror para evocar suspenso, misterio o miedo.
Iluminación natural:
A veces los cineastas emplean iluminación natural para crear una apariencia auténtica y realista. Esta técnica utiliza fuentes de luz existentes, como la luz solar o lámparas prácticas, sin iluminación artificial adicional. A menudo se ve en escenas al aire libre o en películas que buscan una estética naturalista. Iluminación de color: el uso de luces o geles de colores puede alterar drásticamente el estado de ánimo y la atmósfera de una escena. Diferentes colores evocan diferentes emociones y pueden mejorar la narración. Por ejemplo, los tonos cálidos como el rojo o el naranja pueden crear una sensación de calidez o pasión, mientras que los tonos fríos como el azul pueden transmitir tristeza o aislamiento.
La cinematografía no sólo puede representar un sujeto en movimiento, sino que también puede utilizar una cámara, que representa el punto de vista o la perspectiva del público, que se mueve durante el transcurso de la filmación. Este movimiento juega un papel considerable en el lenguaje emocional de las imágenes cinematográficas y en la reacción emocional del público ante la acción. Las técnicas van desde los movimientos más básicos de panorámica (cambio horizontal del punto de vista desde una posición fija; como girar la cabeza de lado a lado) e inclinación (cambio vertical del punto de vista desde una posición fija; como inclinar la cabeza hacia atrás para mirar el cielo o hacia abajo para mirar al suelo) hasta Dollying (colocar la cámara en una plataforma móvil para acercarla o alejarla del sujeto), seguimiento (colocar la cámara en una plataforma móvil para moverla hacia la izquierda o hacia la derecha), estirar (mover la cámara en posición vertical; poder levantarla del suelo y girarla de lado a lado desde una posición de base fija) y combinaciones de lo anterior. Los primeros directores de fotografía a menudo enfrentaban problemas que no eran comunes a otros artistas gráficos debido al elemento de movimiento. [25]
Se han montado cámaras en casi todos los medios de transporte imaginables. La mayoría de las cámaras también pueden ser portátiles , es decir, sostenidas en manos del operador de cámara que se mueve de una posición a otra mientras filma la acción. Las plataformas estabilizadoras personales surgieron a finales de la década de 1970 gracias a la invención de Garrett Brown , que pasó a ser conocida como Steadicam . El Steadicam es un arnés corporal y un brazo estabilizador que se conecta a la cámara, sosteniéndola y aislándola de los movimientos corporales del operador. Después de que expiró la patente de Steadicam a principios de la década de 1990, muchas otras empresas comenzaron a fabricar su concepto de estabilizador de cámara personal. Este invento es mucho más común en todo el mundo cinematográfico actual. Desde largometrajes hasta las noticias de la noche, cada vez más cadenas han comenzado a utilizar un estabilizador de cámara personal.
Los primeros efectos especiales en el cine se crearon mientras se rodaba la película. Estos llegaron a ser conocidos como efectos " en la cámara ". Posteriormente, se desarrollaron efectos ópticos y digitales para que los editores y artistas de efectos visuales pudieran controlar más estrechamente el proceso manipulando la película en la posproducción .
La película de 1896 La ejecución de María Estuardo muestra a un actor vestido como la reina colocando su cabeza en el bloque de ejecución frente a un pequeño grupo de espectadores vestidos con trajes isabelinos. El verdugo baja su hacha y la cabeza cortada de la reina cae al suelo. Este truco se realizó deteniendo la cámara y reemplazando al actor con un muñeco, luego reiniciando la cámara antes de que caiga el hacha. Luego, las dos piezas de la película se recortaron y unieron para que la acción pareciera continua cuando se proyectara la película, creando así una ilusión general y sentando con éxito las bases para los efectos especiales.
Esta película fue una de las exportadas a Europa con las primeras máquinas de kinetoscopio en 1895 y fue vista por Georges Méliès, que en aquel momento montaba espectáculos de magia en su Théâtre Robert-Houdin de París. Se dedicó al cine en 1896 y, tras hacer imitaciones de otras películas de Edison, Lumière y Robert Paul, realizó Escamotage d'un dame chez Robert-Houdin ( La dama desaparecida ) . Esta película muestra a una mujer a la que hacen desaparecer utilizando la misma técnica de stop motion que la película anterior de Edison. Después de esto, Georges Méliès hizo muchas películas de un solo plano utilizando este truco durante los siguientes años.
La otra técnica básica de la cinematografía con trucos consiste en la doble exposición de la película en la cámara, que fue realizada por primera vez por George Albert Smith en julio de 1898 en el Reino Unido. The Corsican Brothers (1898) de Smith se describió en el catálogo de Warwick Trading Company , que asumió la distribución de las películas de Smith en 1900, de la siguiente manera:
"Uno de los hermanos gemelos regresa a casa después de disparar en las montañas de Córcega y es visitado por el fantasma del otro gemelo. Mediante una fotografía extremadamente cuidadosa, el fantasma aparece *bastante transparente*. Después de indicar que ha sido asesinado por una estocada de espada , y pidiendo venganza, desaparece. Entonces aparece una "visión" que muestra el duelo fatal en la nieve. Para asombro del corso, el duelo y la muerte de su hermano están vívidamente representados en la visión, y abrumado por sus sentimientos, cae. al suelo justo cuando su madre entra en la habitación".
El efecto fantasma se realizó cubriendo el escenario con terciopelo negro después de filmar la acción principal y luego volviendo a exponer el negativo con el actor que interpretaba al fantasma realizando las acciones en la parte apropiada. Asimismo, la visión, que aparecía dentro de una viñeta circular o mate , se superponía de manera similar sobre un área negra en el fondo de la escena, en lugar de sobre una parte del decorado con detalles, de modo que nada apareciera a través de la imagen, lo que Parecía bastante sólido. Smith volvió a utilizar esta técnica en Santa Claus (1898).
Georges Méliès utilizó por primera vez la superposición sobre un fondo oscuro en La Caverne maudite (La cueva de los demonios) realizada un par de meses después, en 1898, [ cita requerida ] y la elaboró con muchas superposiciones en un plano único en Un Homme de têtes ( El Cuatro cabezas problemáticas ) . Creó más variaciones en películas posteriores.
Las imágenes cinematográficas se presentan a una audiencia a una velocidad constante. En el cine son 24 fotogramas por segundo , en la televisión NTSC (EE. UU.) son 30 fotogramas por segundo (29,97 para ser exactos), en la televisión PAL (Europa) son 25 fotogramas por segundo. Esta velocidad de presentación no varía.
Sin embargo, al variar la velocidad a la que se captura la imagen, se pueden crear varios efectos sabiendo que la imagen grabada más rápida o más lenta se reproducirá a una velocidad constante. Dándole al director de fotografía aún más libertad para crear y expresar.
Por ejemplo, la fotografía a intervalos se crea exponiendo una imagen a un ritmo extremadamente lento. Si un director de fotografía configura una cámara para exponer un cuadro cada minuto durante cuatro horas, y luego ese metraje se proyecta a 24 cuadros por segundo, un evento de cuatro horas tardará 10 segundos en presentarse, y se pueden presentar los eventos de un día entero. (24 horas) en tan solo un minuto.
Lo contrario de esto, si una imagen se captura a velocidades superiores a las que se presentarán, el efecto es ralentizar considerablemente ( cámara lenta ) la imagen. Si un director de fotografía filma a una persona que se zambulle en una piscina a 96 fotogramas por segundo y esa imagen se reproduce a 24 fotogramas por segundo, la presentación tardará 4 veces más que el evento real. La cámara extremadamente lenta, que captura muchos miles de cuadros por segundo, puede presentar cosas normalmente invisibles para el ojo humano , como balas en vuelo y ondas de choque que viajan a través de los medios, una técnica cinematográfica potencialmente poderosa.
En las películas, la manipulación del tiempo y el espacio es un factor que contribuye considerablemente a las herramientas narrativas. La edición cinematográfica juega un papel mucho más importante en esta manipulación, pero la selección de la velocidad de fotogramas en la fotografía de la acción original también es un factor que contribuye a alterar el tiempo. Por ejemplo, Modern Times de Charlie Chaplin fue filmada a "velocidad silenciosa" (18 fps) pero proyectada a "velocidad del sonido" (24 fps), lo que hace que la acción cómica parezca aún más frenética.
El aumento de velocidad , o simplemente "aumento", es un proceso mediante el cual la velocidad de fotogramas de captura de la cámara cambia con el tiempo. Por ejemplo, si en el transcurso de 10 segundos de captura, la velocidad de fotogramas de captura se ajusta de 60 fotogramas por segundo a 24 fotogramas por segundo, cuando se reproduce a la velocidad de película estándar de 24 fotogramas por segundo, se produce un efecto único de manipulación del tiempo. se consigue. Por ejemplo, alguien que empuja una puerta para abrirla y sale a la calle parecería comenzar en cámara lenta , pero unos segundos más tarde, en la misma toma, la persona parecería caminar en "tiempo real" (velocidad normal). El aumento de velocidad opuesto se realiza en The Matrix cuando Neo vuelve a ingresar a Matrix por primera vez para ver el Oráculo. Cuando sale del "punto de carga" del almacén, la cámara se acerca a Neo a velocidad normal, pero a medida que se acerca a la cara de Neo, el tiempo parece ralentizarse, presagiando la manipulación del tiempo mismo dentro de Matrix más adelante en la película.
GA Smith inició la técnica del movimiento inverso y también mejoró la calidad de las imágenes automotivadoras. Lo hizo repitiendo la acción una segunda vez mientras la filmaba con cámara invertida y luego uniendo la cola del segundo negativo a la del primero. Las primeras películas que utilizaron esto fueron Tipsy, Topsy, Turvy y The Awkward Sign Painter , esta última mostraba a un pintor de letreros escribiendo un letrero y luego la pintura del letrero desaparecía bajo el pincel del pintor. El ejemplo más antiguo que se conserva de esta técnica es La casa que Jack construyó de Smith , realizada antes de septiembre de 1901. Aquí, se muestra a un niño derribando un castillo recién construido por una niña con bloques de construcción infantiles. Luego aparece un título que dice "Invertido", y la acción se repite al revés para que el castillo se vuelva a erigir bajo sus golpes.
Cecil Hepworth mejoró esta técnica imprimiendo el negativo del movimiento hacia adelante y hacia atrás, cuadro por cuadro, de modo que en la producción de la impresión la acción original se invirtió exactamente. Hepworth hizo The Bathers en 1900, en la que los bañistas que se desnudaron y saltaron al agua parecen saltar hacia atrás y su ropa vuelve mágicamente a sus cuerpos.
El uso de diferentes velocidades de cámara también apareció alrededor de 1900. En On a Runaway Motor Car Through Piccadilly Circus (1899), de Robert Paul, la cámara giraba tan lentamente que cuando la película se proyectaba a los habituales 16 fotogramas por segundo, el paisaje parecía ser pasando a gran velocidad. Cecil Hepworth utilizó el efecto opuesto en El jefe indio y el polvo de Seidlitz (1901), en la que un ingenuo piel roja ingiere una gran cantidad de medicina gaseosa para el estómago, lo que hace que su estómago se expanda y luego salta como un globo. Esto se hizo girando la cámara más rápido que los 16 fotogramas por segundo normales, dando el primer efecto de " cámara lenta ".
Por orden descendente de antigüedad interviene el siguiente personal:
In the film industry, the cinematographer is responsible for the technical aspects of the images (lighting, lens choices, composition, exposure, filtration, film selection), but works closely with the director to ensure that the artistic aesthetics are supporting the director's vision of the story being told. The cinematographers are the heads of the camera, grip and lighting crew on a set, and for this reason, they are often called directors of photography or DPs. The American Society of Cinematographers defines cinematography as a creative and interpretive process that culminates in the authorship of an original work of art rather than the simple recording of a physical event. Cinematography is not a subcategory of photography. Rather, photography is but one craft that the cinematographer uses in addition to other physical, organizational, managerial, interpretive. and image-manipulating techniques to effect one coherent process.[26]In British tradition, if the DOP actually operates the camera him/herself they are called the cinematographer. On smaller productions, it is common for one person to perform all these functions alone. The career progression usually involves climbing up the ladder from seconding, firsting, eventually to operating the camera.
Directors of photography make many interpretive decisions during the course of their work, from pre-production to post-production, all of which affect the overall feel and look of the motion picture. Many of these decisions are similar to what a photographer needs to note when taking a picture: the cinematographer controls the film choice itself (from a range of available stocks with varying sensitivities to light and color), the selection of lens focal lengths, aperture exposure and focus. Cinematography, however, has a temporal aspect (see persistence of vision), unlike still photography, which is purely a single still image. It is also bulkier and more strenuous to deal with movie cameras, and it involves a more complex array of choices. As such a cinematographer often needs to work cooperatively with more people than does a photographer, who could frequently function as a single person. As a result, the cinematographer's job also includes personnel management and logistical organization. Given the in-depth knowledge, a cinematographer requires not only of his or her own craft but also that of other personnel, formal tuition in analogue or digital filmmaking can be advantageous.[27]
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