Pixel art [nota 1] es una forma de arte digital dibujada con software gráfico donde las imágenes se construyen utilizando píxeles como único bloque de construcción. [2] Está ampliamente asociado con los gráficos de baja resolución de las computadoras , máquinas recreativas y consolas de videojuegos de la era de 8 y 16 bits , además de otros sistemas limitados como pantallas LED y calculadoras gráficas , que tienen un número limitado. de píxeles y colores disponibles. [3] Esta forma de arte todavía es empleada hasta el día de hoy por artistas de píxeles y estudios de juegos, a pesar de que desde entonces se han superado las limitaciones tecnológicas. [3] [4]
La mayoría de las obras de pixel art también son restrictivas tanto en el tamaño del archivo como en la cantidad de colores utilizados en su paleta de colores debido a limitaciones del software , para lograr una determinada estética o simplemente para reducir el ruido percibido. Las formas más antiguas de pixel art tienden a emplear paletas más pequeñas, y algunos videojuegos se crean usando solo dos colores ( profundidad de color de 1 bit ). Debido a estas limitaciones autoimpuestas, el pixel art presenta fuertes similitudes con muchas formas de arte restrictivas tradicionales, como los mosaicos , el punto de cruz y las cuentas fusibles . [2]
La definición precisa de pixel art es un tema de debate, pero una obra de arte generalmente se considera como tal si se pensó deliberadamente en cada píxel individual de la imagen. Las obras de arte digitales estándar o las fotografías de baja resolución también se componen de píxeles, pero solo se considerarían pixel art si los píxeles individuales se colocaron con intención artística, incluso si los píxeles son claramente visibles o prominentes ( ver Definición ).
Las frases " dot art " y " pixel push " se utilizan a veces como sinónimos de pixel art, especialmente por artistas japoneses. Una variación mucho más popular es el término sprite , que a veces se refiere a la actividad de crear elementos de pixel art específicamente para videojuegos. El concepto probablemente se originó a partir de la palabra sprite , que se usa en gráficos por computadora para describir un mapa de bits bidimensional que puede usarse como bloque de construcción en la construcción de escenas más grandes.
La mayoría de los artistas de píxeles están de acuerdo en que una imagen sólo puede clasificarse como pixel art cuando los píxeles desempeñan un papel individual importante en la composición de la obra de arte, lo que generalmente requiere un control deliberado sobre la ubicación de cada píxel individual. Al editar intencionadamente de esta manera, cambiar la posición de unos pocos píxeles puede tener un efecto drástico en la imagen. El software moderno de pixel art incorpora herramientas que colocan automáticamente varios píxeles a la vez (como herramientas de relleno, herramientas de línea y herramientas de pincel), por lo que definir el pixel art como "arte en el que un artista ha colocado cada píxel individual" ya no es exacto. La siguiente es una mejor manera de interpretarlo: "El proceso que conduce a la obra de arte final es menos relevante que el resultado final. Si los píxeles desempeñan un papel individual importante en la composición final , se considerará en términos generales como una obra de pixel art". por la mayoría de los artistas independientemente de las técnicas que se hayan implementado para lograr ese resultado". [ Esta cita necesita una cita ]
Una característica común en el pixel art es el bajo recuento general de colores en la imagen. El pixel art como medio imita muchos rasgos que se encuentran en los gráficos de videojuegos más antiguos, representados por máquinas capaces de generar solo una cantidad limitada de colores a la vez. Además, muchos artistas de píxeles opinan que, en la mayoría de los casos, usar una gran cantidad de colores, especialmente cuando son muy similares entre sí en valor, es innecesario y resta valor a la limpieza general de la imagen, haciéndola lucir más desordenada. Muchos artistas de píxeles experimentados recomiendan no utilizar más colores de los necesarios.
A medida que las imágenes aumentan en resolución, los píxeles se vuelven más difíciles de distinguir entre sí y la importancia de su cuidadosa ubicación disminuye, hasta el punto de que el concepto de pixel art se desmorona. El punto exacto en el que esto ocurre y las condiciones para que una obra sea razonablemente llamada "pixel art" han sido fuente de grandes desacuerdos entre profesionales y entusiastas.
En general, la construcción de una imagen de píxeles puede ser muy similar a la de una obra de arte digital, particularmente durante las primeras fases del boceto. La parte en la que se hace la mayor distinción es el pulido final píxel a píxel.
Oekaki es una forma de arte digital realizada en resoluciones pequeñas que presenta muchas similitudes con el pixel art. Sin embargo, en Oekaki, la ubicación de los píxeles individuales no se considera tan importante en comparación con la sensación general de la obra de arte, dándole un aspecto característico "desordenado" o irregular.
Hay muchos algoritmos que se han utilizado para facilitar la creación o edición de pixel art, como el uso de sombreadores 3D en software como Blender para generar efectos complejos u objetos giratorios, que luego se importan al software de pixel art.
También existen muchos algoritmos de interpolación calibrados específicamente para pixel art.
Algunas formas de arte tradicionales, como el bordado con hilos contados (incluido el punto de cruz ) y algunos tipos de mosaicos y abalorios , son muy similares al pixel art y podrían considerarse contrapartes o predecesores no digitales. [2] Estas formas de arte construyen imágenes a partir de pequeñas unidades de colores similares a los píxeles de la informática digital moderna.
Algunos de los primeros ejemplos de pixel art se pueden encontrar en pantallas publicitarias electrónicas analógicas, como las de la ciudad de Nueva York a principios del siglo XX, con simples pantallas de matriz de bombillas monocromáticas existentes alrededor de 1937. [5] Pixel art tal como es Lo que hoy se conoce tiene su origen en gran medida en la época dorada de los videojuegos arcade , con juegos como Space Invaders (1978) y Pac-Man (1980), y consolas de 8 bits como Nintendo Entertainment System (1983) y Master System (1985). .
El término pixel art fue publicado por primera vez en una carta de una revista escrita por Adele Goldberg y Robert Flegal del Xerox Palo Alto Research Center en 1982. [6] Sin embargo, la práctica se remonta al menos a 11 años antes, por ejemplo en el sistema SuperPaint de Richard Shoup. en 1972, también en Xerox PARC. [7]
Debido a las severas restricciones de los primeros gráficos, los primeros ejemplos de pixel art en los videojuegos fueron relativamente abstractos. La baja resolución de las computadoras y las consolas de juegos obligó a los diseñadores de juegos a diseñar cuidadosamente los recursos del juego mediante la colocación deliberada de píxeles individuales para formar símbolos, personajes o elementos reconocibles. Los avatares simples basados en funciones (o jugadores sustitutos), como naves espaciales, automóviles o tanques, requerían un mínimo de animación y potencia informática, mientras que los enemigos, el terreno y los potenciadores a menudo estaban representados por símbolos o diseños simples. [8] Debido al hardware limitado de la década de 1970, la abstracción, como en el caso del diseño relativamente simple de Pong , a veces conducía a una mejor legibilidad del juego y al éxito comercial que intentar un arte representativo más detallado.
Aunque las computadoras se han utilizado para crear arte desde la década de 1960 y las microcomputadoras se usaron a fines de la década de 1970 [9] y hay ejemplos de arte digital que utiliza una estética más pixelada, [10] No existe una tradición bien conocida de pixel art de la década de 1960. década de 1970 que diferenciaba entre la colocación deliberada de píxeles o la estetización de píxeles individuales en contraste con otras formas de pintura o arte digital. Por esta razón, se podría argumentar que el pixel art no era un medio o forma de arte reconocido en la década de 1970.
En lo que a veces se conoce como la edad de oro de los videojuegos o la edad de oro de los videojuegos arcade , la década de 1980 vio un período de innovación en los videojuegos, tanto como una nueva forma de arte como una forma de entretenimiento. A principios de la década de 1980, los creadores de videojuegos eran principalmente programadores y no diseñadores gráficos. La innovación tecnológica generó presión en el mercado para obtener gráficos más representativos y "realistas" en los juegos. [8] A medida que los gráficos mejoraron, fue posible reemplazar los recursos del juego dibujados a mano con imágenes importadas o polígonos 3D, lo que contribuyó al desarrollo del pixel art como una forma de arte separada.
Poco a poco, los artistas y diseñadores gráficos profesionales tuvieron un mayor impacto en la industria de los videojuegos. Sierra Entertainment lanzó Mystery House , pixelada por Roberta Williams , y la serie King's Quest ; y Lucasfilm Games lanzaron juegos como Maniac Mansion , Zak McKracken and the Alien Mindbenders e Indiana Jones and the Last Crusade: The Graphic Adventure . Mark J. Ferrari, un artista de Lucasfilm Games, dijo más tarde: [11]
Cuando Lucasfilm Games me contrató por primera vez en 1987 para hacer obras de arte para sus juegos de computadora, nadie consideraba los gráficos de píxeles como una "forma de arte". El uso de píxeles no fue una elección estética, como ciertamente lo es ahora. En todo caso, los píxeles eran un obstáculo inevitable y muy molesto para la creación de cualquier "arte real" para su uso en el nuevo, apasionante pero desconcertante ámbito del entretenimiento informático. Entonces no había artistas de píxeles... ¡en absoluto! Sólo había artistas tradicionales.
Sin embargo, la estética de los videojuegos de la década de 1980 tuvo un gran impacto en el pixel art contemporáneo y futuro, tanto en los videojuegos, los gráficos demoscene y entre los artistas independientes. A medida que las computadoras se volvieron más asequibles en la década de 1980, software como DEGAS Elite (1986) para Atari ST, Deluxe Paint (1985) y Deluxe Paint 2 (1986) para Commodore Amiga , y Paint Magic para Commodore 64 , inspiraron a muchos artistas de píxeles para crear arte digital mediante la colocación cuidadosa de los píxeles. En el caso del Commodore 64 y el Amstrad CPC , algunos de los primeros artistas de píxeles utilizaron joysticks y teclados para pixelar. [12]
Con el auge del movimiento demoscene en Europa a finales de la década de 1980, los artistas que dominaban la creación de pixel art utilizando computadoras de 8 bits como el Commodore 64 y el ZX Spectrum o computadoras de 16 bits como el Atari ST comenzaron a publicar su pixel art como población. Los demogrupos a menudo incluían codificadores (programadores), músicos y gráficos, donde los gráficos eran un nombre común para los diseñadores gráficos y/o artistas de píxeles. Aunque algunos gráficos trabajaron para agregar arte a los videojuegos crackeados ( cracktros ), la demoscene contribuyó a que las comunidades artísticas crearan pixel art por sí mismo como arte. A menudo se compartían mediante disquetes que se entregaban de persona a persona o mediante el servicio postal. [13] Sin embargo, a menudo se considera que la edad de oro de la demoscene y su entorno pixel art asociado comenzó a principios de la década de 1990. [12]
Antes de la década de 1990, los sistemas de visualización se basaban principalmente en una pequeña paleta de colores impuestos de 4 bits (16 tonos fijos innatos a cada sistema, a menudo incompatibles entre sí). La década siguiente mejoró enormemente el estándar de gráficos con la aparición de una mayor profundidad de color y paletas de colores indexadas (por ejemplo, 512 colores para Atari ST y Mega Drive , 4.096 para Amiga ECS , 32.768 para Super Nintendo y 16.777.216 para Amiga AGA y el modo VGA de los PC). Durante la década de 1990, los juegos 2D con gráficos pintados manualmente vieron una competencia cada vez mayor por parte de los juegos tridimensionales y los juegos que utilizaban recursos 3D pre-renderizados. [14] Aún así, los juegos de pixel art como Flashback , The Secret of Monkey Island , The Chaos Engine , Street Fighter III: 3rd Strike y The Legend of Zelda: A Link to the Past tuvieron una gran influencia en los futuros artistas de la industria del juego. , la demoscene contemporánea y la estética del pixel art en décadas posteriores. [11]
Además del pixel art influenciado por los videojuegos, los artistas (o gráficos) de píxeles de la demoscene continuaron creando pixel art para demos y cracktros. Algunos artistas de píxeles demoscenos activos en la década de 1990 han citado las películas y el graffiti urbano como influencias importantes para su arte, particularmente en el diseño de logotipos. [15] [16] Además de copiar sprites de videojuegos existentes, los artistas de píxeles de demoscene también copiaron el trabajo de artistas e ilustradores populares como Ian Miller y Simon Bisley . [17] La competencia gradualmente se convirtió en una parte cada vez más importante de las reuniones de demoscene, incluidas las competencias de pixel art (gráficos), y como los adolescentes y adultos jóvenes eran el grupo demográfico principal en estas reuniones, muchos de los demoscene pixel art hacían referencia a la fantasía familiar, la ciencia ficción y el cyberpunk. tropos. Los concursos de demostraciones tuvieron un efecto importante a la hora de dar forma a la dirección del pixel art. Artistas destacados buscarían formas de innovar, mostrar una técnica superior, superar las restricciones técnicas y, en muchos casos, aspirarían al fotorrealismo mediante el antialiasing . [18]
A medida que Internet estuvo más disponible en la década de 1990, los artistas de píxeles y los demosceners comenzaron gradualmente a difundir su arte de píxeles a través de sitios web, mensajería instantánea y uso compartido de archivos en línea. Si bien podría decirse que la demoscene fue más popular entre los hombres jóvenes, a fines de la década de 1990 comenzó un movimiento en línea conocido como pixel dolls o 'dollz', que fue popular entre las mujeres jóvenes. La creciente popularidad de los chats en línea y las páginas web personales en una época en la que las cámaras digitales no eran comunes llevó a una mayor demanda de representación personal a través de avatares personalizados . Estos avatares a menudo tomaban la forma de muñecos de píxeles, siendo personajes de pixel art que podían equiparse con diferentes prendas y accesorios. A medida que las muñecas de píxeles se volvieron cada vez más comunes, muchos artistas de píxeles comenzaron gradualmente a desarrollarlas como una forma de arte independiente.
La década de 2000 fue crucial para que el pixel art se estableciera como una forma de arte practicada en todo el mundo, separada de otras formas de arte digital. En particular, el foro Pixelation y la galería Pixel Joint son reconocidas como las comunidades en línea de habla inglesa más influyentes, conectando a los artistas de píxeles de todo el mundo de una manera que el movimiento demoscene, mayoritariamente de Europa occidental, no lo había hecho. [19] [20] [14] Pixelation era un foro web donde los artistas podían compartir pixel art para dar y recibir comentarios. Su enfoque principal era criticar, desarrollar habilidades y comprensión del pixel art, más que simplemente compartir arte por admiración, entretenimiento o competencia. Pixel Joint es una galería en línea donde los miembros pueden enviar trabajos personales y comentar sobre el pixel art de otros miembros. Tiene características como desafíos semanales, un foro, un salón de la fama y una competencia mensual de arte de los mejores 10 píxeles basada en la votación de los miembros.
Con el tiempo, las comunidades superpuestas pero separadas de Pixelation y Pixel Joint participaron en un discurso en línea sobre la naturaleza del pixel art, inspirando tutoriales ampliamente compartidos y posiblemente contribuyendo a un nuevo paradigma que era diferente del pixel art de la década de 1990. [21] Una preocupación importante era establecer el pixel art como su propio medio y/o forma de arte, separado de otros tipos de arte digital, como el Oekaki. En particular, algunos argumentaron que las paletas muy restringidas (por ejemplo, un máximo de 8 o 16 colores) eran una característica definitoria del pixel art. Un ejemplo es el llamado "club de caballeros de los 8 colores", formado por artistas de píxeles que celebraban el pixel art con 8 colores. [22] El uso de capas transparentes y herramientas de difuminado también se consideró arte sin píxeles e inaceptable para la galería Pixel Joint. Mientras que la demoscene había girado, en gran medida, en torno a reuniones físicas y grupos de artistas, músicos y programadores que colaboraban, las comunidades de pixel art en Pixel Joint y Pixelation se basaban principalmente en la interacción en línea entre artistas individuales. En Pixel Joint, el pixel art realizado a través de la colaboración entre artistas no fue aceptado en la galería, sino que se consideró una actividad separada. Las ideas relativamente estrictas de lo que constituía un pixel art aceptable, impuestas por los moderadores de Pixel Joint, provocaron conflictos repetidos, pero también contribuyeron a que el pixel art se destacara como un medio separado en un momento en el que muchos tipos de pinturas digitales se compartían en Internet, en Sitios web como DeviantArt. En particular, varios artistas destacados mencionan los tutoriales de Cure como importantes para aprender sobre el pixel art como un medio o forma de arte independiente. [21]
Después de la edad de oro del pixel art demosceno en la década de 1990, muchos artistas de píxeles notables de ese medio se tomaron un descanso del pixel art en la década de 2000, aunque algunos hicieron una transición temprana para unirse a Pixelation y Pixel Joint, como Gas 13 y Tomic. [22] Si bien la actividad disminuyó, la demoscene continuó explorando el pixel art en plataformas de finales de los 80 y principios de los 90, particularmente usando las computadoras Commodore 64 y Atari. [23]
Las comunidades de muñecas Pixel crecieron rápidamente durante la década de 2000, en gran parte debido al crecimiento continuo de foros, foros de mensajes y servicios de chat. Con sitios web como Doll Palace, Eden Enchanted, DeviantArt y muchos sitios web personales, las muñecas pixeladas fueron cada vez más reconocidas como una nueva forma de arte, con comentarios del público, competencia, tutoriales, mejores prácticas y reglas de conducta. Podría decirse que la década de 2000 fue el apogeo de la popularidad de las muñecas de píxeles, en parte debido a varias comunidades en línea que utilizaban muñecas de píxeles para avatares y la popularidad de los foros de Internet en una época anterior a las redes sociales. A pesar de esto, hubo relativamente poca interacción entre las comunidades de muñecas de píxeles y otras comunidades de pixel art como Pixel Joint, Pixelation o Demoscene.
En los videojuegos para computadoras y consolas durante la década de 2000, el pixel art se abandonó en gran medida en favor de gráficos más modernos, particularmente basados en 3D. Muchos artistas de juegos profesionales que habían estado trabajando con pixel art abandonaron la industria o cambiaron a otras formas de arte digital. Podría decirse que esto contribuyó a que el pixel art se estableciera como una forma de arte independiente, practicada principalmente por artistas independientes en lugar de empleados de la industria de los juegos. Hay algunas excepciones notables, como Habbo Hotel , que inspiró una gran cantidad de pixel art isométrico, y Advance Wars , para Game Boy Advance .
La popularidad del pixel art se aceleró durante la década de 2010. [24] [25] [14] Una contribución importante a esta tendencia fue el éxito de varios juegos de pixel art 'retro' como Superbrothers: Sword & Sworcery EP (2011), Fez (2012), Papers, Please (2013), Shovel Knight (2014), Undertale (2015), Owlboy (2016), Stardew Valley (2016), Deltarune (2018), Celeste (2018) y Octopath Traveler (2018). [26] Muchos de estos juegos combinaban recursos de juegos de baja resolución con elementos que no eran pixel art (NPA), como filtros, interfaz de usuario de alta definición o efectos especiales. [27] [28] La mayor atención al pixel art en los medios y la industria de los juegos coincidió con el rápido crecimiento de las comunidades de pixel art. El director de arte de Owlboy, Simon Andersen, explicó que quería mostrar las ventajas del píxel como medio artístico, potenciando el potencial de la técnica artística y mostrar el pixel art hecho correctamente, sin millones de colores ni capturas en 3D. [29] Por el contrario, el EP Superbrothers: Sword & Sworcery, muy estilizado y abstracto, hizo un uso extensivo de filtros y gráficos sin píxeles. Superbrothers: Sword and Sworcery también permitió a los jugadores compartir varios logros del juego en Twitter , el hashtag #sworcery se volvió viral, contribuyendo al renovado interés en el pixel art en los videojuegos. [30]
Pixel Joint y Pixelation siguieron siendo comunidades importantes con un número creciente de contribuyentes, pero en la década de 2010 surgieron nuevas comunidades en Reddit , DeviantArt , Instagram y Twitter. Si bien Pixelation, en particular, tenía un núcleo de artistas de píxeles muy dedicados, a menudo profesionales, y Pixel Joint tenía moderadores que aceptaban o rechazaban envíos a su galería en línea, las nuevas comunidades de pixel art en las redes sociales eran naturalmente menos cohesivas, pero más abiertas. Las redes sociales no solo contribuyeron significativamente al crecimiento continuo del pixel art y a más tráfico hacia sitios web de pixel art más antiguos, sino que sitios web como Tumblr , Twitter e Instagram también prestaron una importante atención global a los nuevos artistas de pixel art fuera de las comunidades tradicionales de pixel art. como Waneella y Pixel Jeff. [31] [32]
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Durante la década de 2010, se podría decir que la demoscene entró en una edad de plata , cuando varios artistas mayores regresaron a sus pasatiempos después de una pausa. [33] [34] Además, la creciente popularidad del pixel art en esta década también atrajo a nuevos artistas a la demoscene, que no habían estado activos durante las décadas de 1990 y 2000. [35] Es importante señalar que la demoscene y sus concursos gráficos nunca se detuvieron, pero la década de 2010 podría considerarse un período de rejuvenecimiento.
A medida que el software de pintura digital avanzado como Photoshop estuvo más disponible y fue más fácil de usar, la comunidad de muñecas de píxeles se dividió en un grupo de artistas que usaban el arte de píxeles tradicional, conocido como pixel-shaders, y un grupo de artistas que usaban herramientas más avanzadas, conocidas como herramienta. -sombreadores. A medida que los foros de Internet perdieron popularidad y los avatares dibujados fueron reemplazados cada vez más por fotografías en las comunidades de Internet, la comunidad de pixel dolling se volvió gradualmente menos activa en esta década.
Quizás debido al auge del pixel art en los videojuegos y las redes sociales, el pixel art también se vio en otras áreas de la cultura popular e incluso llegó a los museos públicos. Ivan Dixon y Paul Robertson recibieron atención internacional por hacer una versión en pixel art de la secuencia de introducción de Los Simpson . [36] Eboy se hizo conocido por sus exhibiciones isométricas de pixel art, a menudo utilizadas para publicidad o vendidas como arte independiente. [37] [38] [14] El trabajo de artistas de píxeles como Octavi Navarro y Gustavo Viselner apareció en los principales periódicos y revistas. [39] [40] El artista urbano francés Invader recibió atención internacional por sus mosaicos urbanos de pixel art, vistos en todo el mundo. [41] Entre los artistas y grupos de synthwave inspirados en la década de 1980 , el pixel art se utilizó para hacer videos musicales, como el trabajo de Valenberg para Perturbator y un video musical de Gunship de los artistas de píxeles Jason Tammemagi, Gyhyom, Mary Safro y Waneella. [42] En 2012, el museo Smithsonian Institution de Washington creó una exposición llamada El arte de los videojuegos , a la que asistieron casi 700.000 personas. [43] [44]
Aunque algunos comentaristas habían predicho el declive del pixel art "retro" después de una ola de juegos de pixel art en la década de 2010, el pixel art ha seguido siendo popular en la década actual. [28] Un factor importante que contribuyó parece haber sido la pandemia de COVID-19, ya que personas de todo el mundo pasaron más tiempo en línea, jugando, usando las redes sociales y desarrollando nuevos pasatiempos. Un segundo factor que contribuyó parece haber sido el auge de las NFT , a medida que el pixel art se convirtió en una forma económica de producir una gran cantidad de obras de arte. [45] A medida que el mercado de NFT crecía rápidamente, muchos artistas de píxeles adoptaron la nueva tecnología como una nueva fuente de ingresos. Muchos artistas profesionales notables también expresaron escepticismo y desaprobación de las NFT, citando factores ambientales, afirmaciones de esquemas piramidales y lavado de dinero como razones para rechazar ofertas. Uno de los ejemplos más destacados de artistas de píxeles que expresan oposición a las NFT es Castpixel, citando efectos ambientales y escasez artificial. [46] Además, como ocurre con otras formas de arte digital, [47] los artistas de píxeles también han descubierto muchos casos de plagio y fraude por parte de actores que descargan arte de píxeles sin permiso para venderlo como NFT. Aunque la discusión sobre el robo de pixel art no es nueva, [32] el tema ciertamente se ha vuelto más controvertido con el auge de las NFT.
Quizás vinculado a la mayor influencia y atracción de plataformas de redes sociales como Twitter, Mastodon , Reddit e Instagram, las comunidades de pixel art más antiguas en Pixelation y DeviantArt disminuyeron en la década de 2020. Discord se convirtió en una plataforma importante para comunidades de pixel art como Pixel Joint, PAD (Pixel Art Discord), Lospec y Trigonomicon. A principios del otoño de 2022, Pixelation anunció el cierre de su foro web y una transición a Twitter.
El pixel art siguió siendo un estilo popular en juegos de todas las plataformas, con lanzamientos como Eastward (2021), Teenage Mutant Ninja Turtles: Shredder's Revenge (2022), Songs of Conquest (2022), Vikings on Trampolines (2022) y Loop Hero. (2021), Pizza Tower (2023) Algunos argumentaron que la reciente ola de juegos pixel art, lanzados treinta años después del lanzamiento de SNES, estuvo influenciada en gran medida por la nostalgia y la libertad de los editores, respondiendo a historias poco originales en los éxitos de taquilla de los videojuegos modernos y queriendo integrar temas contemporáneos, como preocupaciones ecológicas y representación de personajes queer. [48]
El pixel art generalmente implica una colocación más cuidadosa y deliberada de píxeles en comparación con otras formas de arte digital. [26] Los artistas utilizan diferentes tamaños de pincel (por ejemplo, 1x1 o 2x2 píxeles) y una variedad de herramientas, como mano alzada/lápiz, líneas y rectángulos. [49] Una diferencia clave entre el pixel art y otro arte digital es que los artistas de píxeles tienden a aplicar un solo color a la vez, evitando herramientas como bordes suaves, manchas y desenfoque. [3] Llegar a un acuerdo sobre qué herramientas y técnicas se consideran arte sin píxeles (NPA) es algo que ha causado un desacuerdo considerable en el pasado. Por ejemplo, aplicar capas con diferentes filtros que ajustan los valores de tono o luz se considera una técnica que no es de pixel art, pero el arte resultante aún puede considerarse pixel art si hay una base clara de colocación deliberada de píxeles. [3] Para preservar la cuidadosa ubicación de los píxeles, el pixel art se almacena preferiblemente en un formato de archivo que utiliza compresión de datos sin pérdidas. El formato JPEG, por ejemplo, suele evitarse debido a su compresión, ya que introduce artefactos visibles en la imagen.
Diferentes restricciones son fundamentales para el pixel art y, a menudo, se remontan a limitaciones técnicas de hardware como Amiga, Commodore 64, NES y las primeras computadoras. Las dos restricciones más comunes son la resolución y la paleta, y los artistas de píxeles suelen trabajar con un tamaño de lienzo y una cantidad de colores significativamente reducidos en comparación con otros artistas digitales. (Lee, p. 276) Los ejemplos incluyen restricciones de Commodore 64 (resolución de 320 x 200, 16 colores), restricciones originales de ZX Spectrum (256 x 192 píxeles, 15 colores) y restricciones de GameBoy (160 x 144 píxeles, 4 colores).
Algunos artistas comienzan el proceso de pixelado dibujando líneas, mientras que otros comienzan bloqueando formas simples y grandes grupos. Tradicionalmente, el pixel art se hacía en una sola capa, similar a pintar sobre un lienzo, pero el software moderno permite trabajar con múltiples capas, agregando potencialmente animación o transparencia al primer plano mientras se mantiene un fondo estático.
Para hacer frente a las diversas restricciones del pixel art, como la resolución o los colores reducidos, los artistas de píxeles han empleado tradicionalmente varias técnicas específicas de esta forma de arte. Una técnica muy utilizada es el tramado , que normalmente utiliza ruido o un patrón repetitivo, como un tablero de ajedrez o líneas, para crear un tercer color cuando se ve desde la distancia. Otras técnicas comunes incluyen el antialiasing (AA), donde los bordes fuertes se suavizan colocando píxeles manualmente, y el subpixelado, cambiando los colores de los píxeles para crear una ilusión de movimiento. [3]
Debido a que el pixel art es un medio flexible, los artistas de píxeles a menudo pueden imitar estilos de los medios tradicionales, como el impresionismo o el puntillismo en la pintura al óleo o el rayado cruzado en el bordado. [3] El pixel art no es un estilo en sí mismo, sino un medio artístico amplio. [28] Sin embargo, existen diferentes estilos dentro del pixel art que giran en torno a la ubicación de los píxeles. Una distinción común de estilo es el uso de grupos. Un grupo es un campo de píxeles conectados del mismo color. Lo opuesto a un cluster es un píxel aislado (1x1) rodeado por píxeles de otros colores. El tamaño del grupo se ha convertido en un marcador importante de los estilos de pixel art, donde algunos pixel art utilizan grupos grandes y evitan píxeles aislados (huérfanos), mientras que otras obras utilizan grupos de todos los tamaños en combinación con píxeles aislados, o incluso se basan principalmente en píxeles aislados y pequeños. racimos para obtener una textura más granulada y ruidosa. Los estilos que se basan más en grupos pequeños y píxeles aislados suelen tener similitudes con el puntillismo y el impresionismo, mientras que el pixel art con grupos más grandes y formas geométricas tiene similitudes con el cubismo y el suprematismo . Aunque algunos artistas son conocidos por defender un estilo particular, muchos artistas de píxeles alternan diferentes estilos en sus obras.
El pixel art es un medio flexible y comparte tradiciones de dibujo de figuras, paisajes y abstractos con los medios tradicionales. Sin embargo, ciertos géneros se han vuelto particularmente populares. Estos géneros a menudo se superponen, pero incluyen:
Básicamente, todos los editores de gráficos rasterizados se pueden utilizar de alguna manera para pixel art, algunos de los cuales incluyen funciones diseñadas para facilitar el proceso. Consulte Comparación de editores de gráficos rasterizados para obtener una lista de editores de gráficos rasterizados notables. Los siguientes programas notables fueron diseñados específicamente para facilitar el dibujo de pixel art.