Mark Rothko ( IPA : / ˈ r ɒ θ k oʊ / ), nacido Markus Yakovlevich Rothkowitz (ruso: Ма́ркус Я́ковлевич Ротко́вич , letón: Markuss Rotkovičs ; nombre no anglicanizado hasta 1940; 25 de septiembre de 1903 - 25 de febrero de 1970 ), era un Pintor abstracto estadounidense nacido en Letonia . Es mejor conocido por sus pinturas de campos de color que representaban regiones de color rectangulares irregulares y pictóricas , que produjo de 1949 a 1970. Aunque Rothko no se suscribió personalmente a ninguna escuela, está asociado con el movimiento de arte moderno expresionista abstracto estadounidense. .
Rothko , que originalmente emigró a Portland, Oregón , desde el Imperio Ruso (Letonia) con su familia, se mudó más tarde a la ciudad de Nueva York , donde su período juvenil de producción artística se centró principalmente en paisajes urbanos. En respuesta a la Segunda Guerra Mundial , el arte de Rothko entró en una fase de transición durante la década de 1940, donde experimentó con temas mitológicos y el surrealismo para expresar la tragedia. Hacia el final de la década, Rothko pintó lienzos con regiones de color puro que luego abstrajo en formas de color rectangulares, el lenguaje que usaría por el resto de su vida.
En su carrera posterior, Rothko ejecutó varios lienzos para tres proyectos murales diferentes. Los murales de Seagram debían haber decorado el restaurante Four Seasons en el edificio Seagram , pero Rothko finalmente se disgustó con la idea de que sus pinturas fueran objetos decorativos para los comensales adinerados y reembolsó la lucrativa comisión, donando las pinturas a museos, incluida la Tate Gallery . La serie de murales de Harvard fue donada a un comedor en el Holyoke Center de Harvard (ahora Smith Campus Center ); sus colores se desvanecieron mucho con el tiempo debido al uso por parte de Rothko del pigmento rojo litol junto con la exposición regular a la luz solar. Desde entonces, la serie Harvard ha sido restaurada utilizando una técnica de iluminación especial. Rothko contribuyó con 14 lienzos a una instalación permanente en la Capilla Rothko , una capilla no confesional en Houston , Texas.
Aunque Rothko vivió modestamente durante gran parte de su vida, el valor de reventa de sus pinturas creció enormemente en las décadas posteriores a su suicidio en 1970. Su pintura número 6 (Violeta, Verde y Rojo) se vendió en 2014 por 186 millones de dólares. [2]
Rothko nació en 1903 en Dvinsk, un shtetl (pueblo judío) dentro de la Zona de Asentamiento del Imperio Ruso (ahora Daugavpils , Letonia). Su padre, Jacob (Yakov) Rothkowitz, era un farmacéutico e intelectual que inicialmente brindó a sus hijos una educación secular y política, más que religiosa. Según Rothko, su padre marxista era "violentamente antirreligioso". [3] En un ambiente donde a menudo se culpaba a los judíos por muchos de los males que sufrieron Rusia, la primera infancia de Rothko estuvo plagada de miedo. [4] [5]
A pesar de los modestos ingresos de Jacob Rothkowitz, la familia tenía un alto nivel educativo ("Éramos una familia lectora", recordó la hermana de Rothko), [6] y Rothko hablaba lituano yiddish ( litvish ), hebreo y ruso. [7] Tras el regreso de su padre al judaísmo ortodoxo de su propia juventud, Rothko, el menor de cuatro hermanos, fue enviado al jeder a los cinco años, donde estudió el Talmud , aunque sus hermanos mayores habían sido educados en la escuela pública. sistema. [8]
Temiendo que sus hijos mayores estuvieran a punto de ser reclutados en el ejército imperial ruso , Jacob Rothkowitz emigró del Imperio ruso a los Estados Unidos. Markus permaneció en el Imperio Ruso con su madre y su hermana mayor Sonia. Llegaron como inmigrantes a Ellis Island , a finales de 1913. Desde allí, cruzaron el país para unirse a Jacob y los hermanos mayores en Portland, Oregón . La muerte de Jacob, unos meses después, por cáncer de colon , [3] dejó a la familia sin apoyo económico. Sonia manejaba una caja registradora, mientras Markus trabajaba en uno de los almacenes de su tío, vendiendo periódicos a los empleados. [9] La muerte de su padre también llevó a Rothko a cortar sus vínculos con la religión. Después de haber llorado la muerte de su padre durante casi un año en una sinagoga local, juró no volver a poner un pie en ninguna. [3]
Rothko comenzó la escuela en los Estados Unidos en 1913, y rápidamente pasó del tercer al quinto grado. En junio de 1921, completó el nivel secundario, con honores, en Lincoln High School en Portland, Oregon , a los 17 años. [10] Aprendió su cuarto idioma, el inglés, y se convirtió en miembro activo del centro comunitario judío, donde demostró ser un experto en discusiones políticas. Al igual que su padre, a Rothko le apasionaban cuestiones como los derechos de los trabajadores y la anticoncepción. [ cita necesaria ] En ese momento, Portland era un centro de actividad revolucionaria en los EE. UU. y la región donde estaba activo el sindicato sindicalista revolucionario Industrial Workers of the World (IWW). [ cita necesaria ]
Habiendo crecido alrededor de reuniones de trabajadores radicales, Rothko asistió a reuniones de la IWW, incluidos oradores como el socialista radical Bill Haywood y la anarquista Emma Goldman , [11] donde desarrolló fuertes habilidades de oratoria que luego utilizó en defensa del surrealismo . Con el inicio de la Revolución Rusa , Rothko organizó debates al respecto. A pesar del ambiente político represivo, deseaba convertirse en organizador sindical . [ cita necesaria ]
Rothko recibió una beca para Yale . Al finalizar su primer año en 1922, la beca no fue renovada y trabajó como camarero y repartidor para apoyar sus estudios. Rothko era más un autodidacta que un alumno diligente:
Uno de sus compañeros de estudios recuerda que apenas parecía estudiar, pero que era un lector voraz. [12]
Rothko y un amigo, Aaron Director , fundaron una revista satírica, The Yale Saturday Evening Pest , que satirizaba el tono sofocante y burgués de la escuela . [13] Al encontrar que Yale era elitista y racista, al final de su segundo año, Rothko abandonó sus estudios y nunca regresó hasta que le concedieron un título honorífico 46 años después. [14]
En el otoño de 1923, Rothko encontró trabajo en el distrito textil de Nueva York . Mientras visitaba a un amigo en la Liga de Estudiantes de Arte de Nueva York , vio a unos estudiantes dibujando un modelo. Según Rothko, este fue el comienzo de su vida como artista. [15] Más tarde se matriculó en Parsons The New School for Design , donde uno de sus instructores fue Arshile Gorky . Rothko caracterizó el liderazgo de la clase por parte de Gorky como "sobrecargado de supervisión". [16] Ese mismo otoño, tomó cursos en la Liga de Estudiantes de Arte impartidos por el artista cubista Max Weber , que había sido parte del movimiento de vanguardia francés. Para sus estudiantes ansiosos por saber sobre el modernismo , Weber era visto como "un depósito viviente de la historia del arte moderno". [17] Bajo la tutela de Weber, Rothko comenzó a ver el arte como un vehículo para la expresión emocional y religiosa. Las pinturas de Rothko de esta época revelan la influencia de su instructor. [18] [19] Años más tarde, cuando Weber asistió a una exposición del trabajo de su antiguo alumno y expresó su admiración, Rothko quedó inmensamente complacido. [20]
El traslado de Rothko a Nueva York lo llevó a una atmósfera artística fértil. Los pintores modernistas exponían regularmente en galerías de Nueva York, y los museos de la ciudad eran un recurso invaluable para el conocimiento y las habilidades de un artista en ciernes. Entre las primeras influencias importantes sobre él se encuentran las obras de los expresionistas alemanes , el arte surrealista de Paul Klee y las pinturas de Georges Rouault . [21]
En 1928, con un grupo de otros artistas jóvenes, Rothko expuso obras en la Galería Opportunity. [22] Sus pinturas, que incluyen escenas urbanas y interiores expresionistas, oscuros y de mal humor, fueron en general bien aceptadas entre críticos y pares. Para complementar sus ingresos, en 1929 Rothko comenzó a instruir a escolares en dibujo, pintura y escultura en arcilla en la Academia Central del Centro Judío de Brooklyn, donde permaneció activo durante más de veinte años. [23]
A principios de la década de 1930, Rothko conoció a Adolph Gottlieb , quien, junto con Barnett Newman , Joseph Solman , Louis Schanker y John Graham , formaba parte de un grupo de jóvenes artistas que rodeaban al pintor Milton Avery . Según Elaine de Kooning , fue Avery quien "le dio a Rothko la idea de que [la vida de un artista profesional] era una posibilidad". [24] Las pinturas abstractas de la naturaleza de Avery, que utilizan un rico conocimiento de la forma y el color, tuvieron una tremenda influencia en él. [22] Pronto, las pinturas de Rothko adoptaron un tema y un color similar a los de Avery, como se ve en Bañistas o escena de playa de 1933-1934. [25]
Rothko, Gottlieb, Newman, Solman, Graham y su mentor, Avery, pasaron un tiempo considerable juntos, de vacaciones en Lake George, Nueva York , y Gloucester, Massachusetts . Durante el día pintaban y por las noches hablaban de arte. Durante una visita a Lake George en 1932, Rothko conoció a Edith Sachar, una diseñadora de joyas, con quien se casó ese mismo año. [26] El verano siguiente, su primera exposición individual se llevó a cabo en el Museo de Arte de Portland , [27] y consistió principalmente en dibujos y acuarelas . [28] Para esta exposición, Rothko tomó la medida muy inusual de exhibir obras realizadas por sus alumnos preadolescentes de la Academia del Centro, junto con las suyas propias. [29] Su familia no pudo entender la decisión de Rothko de ser artista, especialmente considerando la terrible situación económica de la Depresión . [30] Habiendo sufrido serios reveses financieros, los Rothkowitz estaban desconcertados por la aparente indiferencia de Rothko ante las necesidades financieras. Sentían que no le estaba haciendo ningún favor a su madre al no encontrar una carrera más lucrativa y realista. [31]
Al regresar a Nueva York, Rothko tuvo su primera exposición individual en la Costa Este en la Galería de Arte Contemporáneo. [32] Mostró quince pinturas al óleo, en su mayoría retratos, junto con algunas acuarelas y dibujos. Entre estas obras, las pinturas al óleo captaron especialmente la atención de los críticos de arte. El uso que hizo Rothko de ricos campos de colores fue más allá de la influencia de Avery. A finales de 1935, Rothko se unió a Ilya Bolotowsky , Ben-Zion , Adolph Gottlieb, Louis Harris, Ralph Rosenborg , Louis Schanker y Joseph Solman para formar " The Ten ". Según el catálogo de una exposición de la galería, la misión del grupo era "protestar contra la supuesta equivalencia de la pintura estadounidense y la pintura literal". [33]
Rothko estaba ganando una reputación cada vez mayor entre sus pares, particularmente entre el grupo que formó la Unión de Artistas. [34] La Unión de Artistas, incluidos Gottlieb y Solman, esperaban crear una galería de arte municipal para mostrar exposiciones colectivas autoorganizadas. En 1936, el grupo expuso en la Galerie Bonaparte de Francia, lo que generó cierta atención crítica positiva. Un crítico comentó que las pinturas de Rothko "muestran auténticos valores coloristas". [35] Más tarde, en 1938, se celebró una exposición en la Mercury Gallery de Nueva York, con la intención de protestar contra el Whitney Museum of American Art, que el grupo consideraba que tenía una agenda provincial y regionalista. También durante este período, Rothko, como Avery, Gorky, Pollock, de Kooning y muchos otros, encontraron empleo en la Works Progress Administration . [36]
La obra de Rothko ha sido descrita por épocas. [37] Su primer período (1924-1939) vio un arte representacional influenciado por el impresionismo, que generalmente representaba escenas urbanas. En 1936, Rothko comenzó a escribir un libro, nunca terminado, sobre las similitudes entre el arte de los niños y el trabajo de los pintores modernos. [38] Según Rothko, el trabajo de los modernistas, influenciados por el arte primitivo, podría compararse con el de los niños en el sentido de que "el arte infantil se transforma en primitivismo, que es sólo el niño produciendo una mímica de sí mismo". [39] En este manuscrito, observó: "La tradición de comenzar con el dibujo en la noción académica. Podemos comenzar con el color". [40] Rothko utilizaba campos de color en sus acuarelas y escenas de la ciudad. Su estilo ya estaba evolucionando en la dirección de sus renombradas obras posteriores. En la década de 1930, Rothko y Gottlieb trabajaron juntos a través de las percepciones y opiniones intelectuales que tenían sobre el arte contemporáneo. En la década de 1940, ambos artistas estaban profundizando en la mitología en busca de temas y formas, aprovechando lo que podría considerarse una conciencia universal. [41]
Este período se extendió hasta sus años intermedios, "de transición" (1940-1950), continuando la incorporación de la abstracción mítica y "biomórfica", y las "multiformas", siendo estas últimas lienzos con grandes regiones de color. La década de transición de Rothko estuvo influenciada por la Segunda Guerra Mundial, lo que lo impulsó a buscar una expresión novedosa de la tragedia en el arte. Durante este tiempo, Rothko fue influenciado por los antiguos trágicos griegos como Esquilo y su lectura de El nacimiento de la tragedia de Nietzsche . [42]
En el período maduro o "clásico" de Rothko (1951-1970), pintó consistentemente regiones rectangulares de color, con la intención de "dramas" [43] para provocar una respuesta emocional del espectador. [44]
Rothko se separó temporalmente de su esposa Edith a mediados de 1937. Se reconciliaron varios meses después, pero su relación siguió siendo tensa [45] y se divorciarían en 1944. [46] El 21 de febrero de 1938, Rothko finalmente se convirtió en ciudadano de los Estados Unidos, impulsado por temores de que la creciente influencia nazi en Europa podría provocar la repentina deportación de judíos estadounidenses. Preocupado por el antisemitismo en Estados Unidos y Europa, Rothko abrevió su nombre de "Markus Rothkowitz" a "Mark Rothko". El nombre "Roth", una abreviatura común, todavía era identificable como judío, por lo que se decidió por "Rothko". [47] [48]
Temiendo que la pintura estadounidense moderna hubiera llegado a un callejón sin salida conceptual, Rothko se propuso explorar temas distintos de las escenas urbanas y naturales. Buscó temas que complementaran su creciente interés por la forma, el espacio y el color. La crisis mundial de la guerra dio a esta búsqueda una sensación de inmediatez. [49] Insistió en que el nuevo tema tenga un impacto social, pero que sea capaz de trascender los límites de los símbolos y valores políticos actuales. En su ensayo "The Romantics Were Prompted", publicado en 1948, Rothko argumentó que el "artista arcaico... encontró necesario crear un grupo de intermediarios, monstruos, híbridos, dioses y semidioses", [50] de manera muy similar Así el hombre moderno encontró intermediarios en el fascismo y el Partido Comunista . [ cita necesaria ] Para Rothko, "sin monstruos y dioses, el arte no puede representar un drama". [51]
El uso que Rothko hacía de la mitología como comentario sobre la historia actual no era novedoso. Rothko, Gottlieb y Newman leyeron y discutieron las obras de Sigmund Freud y Carl Jung . [52] En particular, se interesaron por las teorías psicoanalíticas sobre los sueños y los arquetipos de un inconsciente colectivo. Entendían los símbolos mitológicos como imágenes que operaban en un espacio de la conciencia humana que trasciende la historia y la cultura específicas. [53] Rothko dijo más tarde que su enfoque artístico fue "reformado" por su estudio de los "temas dramáticos del mito". Supuestamente dejó de pintar por completo en 1940, para sumergirse en la lectura del estudio de mitología de Sir James Frazer La rama dorada y La interpretación de los sueños de Freud . [54]
La nueva visión de Rothko intentó abordar los requisitos mitológicos espirituales y creativos del hombre moderno. [55] La influencia filosófica más crucial sobre Rothko en este período fue El nacimiento de la tragedia de Friedrich Nietzsche . [56] Nietzsche afirmó que la tragedia griega sirvió para redimir al hombre de los terrores de la vida mortal. La exploración de temas novedosos en el arte moderno dejó de ser el objetivo de Rothko. A partir de ese momento, su arte tuvo como objetivo aliviar el vacío espiritual del hombre moderno. Creía que este vacío se debía en parte a la falta de mitología, [ cita necesaria ] que, según Nietzsche, "las imágenes del mito tienen que ser guardianes demoníacos omnipresentes e inadvertidos, bajo cuyo cuidado el alma joven crece hasta la madurez y cuyos signos ayudan el hombre para interpretar su vida y sus luchas." [57] Rothko creía que su arte podía liberar energías inconscientes, previamente unidas por imágenes, símbolos y rituales mitológicos. [58] Se consideraba a sí mismo un "creador de mitos" y proclamó que "la exultante experiencia trágica es para mí la única fuente de arte". [59]
Muchas de sus pinturas de este período contrastan escenas bárbaras de violencia con pasividad civilizada, utilizando imágenes extraídas principalmente de la trilogía Orestíada de Esquilo . Una lista de las pinturas de Rothko de este período ilustra su uso del mito: Antígona , Edipo , El sacrificio de Ifigenia , Leda , Las Furias , Altar de Orfeo . Rothko evoca imágenes judeocristianas en Getsemaní , La Última Cena y Los ritos de Lilith . También invoca mitos egipcios ( La habitación de Karnak ) y sirios ( El toro sirio ). Poco después de la Segunda Guerra Mundial, Rothko creía que sus títulos limitaban los objetivos más amplios y trascendentes de sus pinturas. Para permitir la máxima interpretación por parte del espectador, dejó de nombrar y enmarcar sus pinturas, refiriéndose a ellas únicamente mediante números. [60]
En la raíz de la presentación de formas y símbolos arcaicos por parte de Rothko y Gottlieb, la influencia del surrealismo , el cubismo y el arte abstracto había iluminado la existencia moderna . En 1936, Rothko asistió a dos exposiciones en el Museo de Arte Moderno , "Cubismo y Arte Abstracto" y "Arte Fantástico, Dadá y Surrealismo". [61]
En 1942, tras el éxito de las exposiciones de Ernst , Miró , Wolfgang Paalen , Tanguy y Salvador Dalí , artistas que habían emigrado a Estados Unidos a causa de la guerra, el surrealismo arrasó en Nueva York. [62] Rothko y sus pares, Gottlieb y Newman , se reunieron y discutieron el arte y las ideas de estos pioneros europeos, así como los de Mondrian . [ cita necesaria ]
Se dieron a conocer nuevas pinturas en una exposición de 1942 en los grandes almacenes Macy's en la ciudad de Nueva York. En respuesta a una crítica negativa del New York Times , Rothko y Gottlieb publicaron un manifiesto, escrito principalmente por Rothko. Al abordar el "perplejo" autoproclamado del crítico del Times por el nuevo trabajo, afirmaron: "Estamos a favor de la expresión simple del pensamiento complejo. Estamos a favor de la forma grande porque tiene el impacto de lo inequívoco. Deseamos reafirmar el plano de la imagen". ... Estamos a favor de las formas planas porque destruyen la ilusión y revelan la verdad". En un tono más estridente, criticaron a quienes querían vivir rodeados de un arte menos desafiante, señalando que su trabajo necesariamente "debe insultar a cualquiera que esté espiritualmente en sintonía con la decoración de interiores". [63]
Rothko veía el mito como un recurso de reposición para una era de vacío espiritual. Esta creencia había comenzado décadas antes, a través de su lectura de Carl Jung , TS Eliot , James Joyce y Thomas Mann , entre otros autores. [64]
El 13 de junio de 1943, Rothko y Sachar volvieron a separarse. [65] Rothko sufrió depresión después de su divorcio. [66] Pensando que un cambio de escenario podría ayudar, Rothko regresó a Portland. Desde allí, viajó a Berkeley, donde conoció al artista Clyfford Still , y los dos comenzaron una estrecha amistad. [67] [68] Las pinturas profundamente abstractas de Still tendrían una influencia considerable en las obras posteriores de Rothko. En otoño de 1943, Rothko regresó a Nueva York. Se reunió con la destacada coleccionista y marchante de arte Peggy Guggenheim , pero ella inicialmente se mostró reacia a hacerse cargo de sus obras de arte. [69] La exposición individual de Rothko en la galería El arte de este siglo del Guggenheim , a finales de 1945, tuvo pocas ventas, con precios que oscilaban entre 150 y 750 dólares. La exposición también atrajo críticas poco favorables por parte de los críticos. Durante este período, Rothko se había sentido estimulado por los paisajes abstractos de color de Still y su estilo se alejó del surrealismo. Los experimentos de Rothko en la interpretación del simbolismo inconsciente de las formas cotidianas habían seguido su curso. Su futuro estaba en la abstracción:
Insisto en la existencia igual del mundo engendrado en la mente y el mundo engendrado por Dios fuera de ella. Si he fallado en el uso de objetos familiares, es porque me niego a mutilar su apariencia en aras de una acción para la cual son demasiado viejos para cumplir, o para la cual tal vez nunca fueron destinados. Sólo peleo con los surrealistas y el arte abstracto como uno pelea con su padre y su madre; reconociendo la inevitabilidad y función de mis raíces, pero insistiendo en mi disenso; Yo, siendo ambos ellos y un integral completamente independiente de ellos. [70]
La obra maestra de Rothko, Slow Swirl at the Edge of the Sea (1945), ilustra su nueva propensión hacia la abstracción. Se ha interpretado como una meditación sobre el noviazgo de Rothko con su segunda esposa, Mary Alice "Mell" Beistle, a quien conoció en 1944 y se casó a principios de 1945. Otras lecturas han notado ecos de El nacimiento de Venus de Botticelli , que Rothko vio en una Exposición en préstamo "Maestros italianos", en el Museo de Arte Moderno, en 1940. La pintura presenta, en sutiles grises y marrones, dos formas humanas abrazadas en una atmósfera flotante y arremolinada de formas y colores. El fondo rectangular rígido presagia los experimentos posteriores de Rothko con el color puro. La pintura se completó, no por casualidad, el año en que terminó la Segunda Guerra Mundial. [71]
Aunque inicialmente dudó en comprar sus obras, Guggenheim adquirió varias obras después de la exposición de Rothko en la galería Art of This Century, incluida Sacrifice (1946), que compró inmediatamente después de su finalización. [72] Al igual que otras obras de este período, representaba formas biomórficas e imágenes abstractas en tonos sutiles. [73] Guggenheim luego mostró esta obra en sus galerías europeas, lo que la convirtió en una de las primeras pinturas de Rothko que se exhibió fuera de los Estados Unidos. [72]
A pesar del abandono de su "abstraccionismo mitomórfico", Rothko seguiría siendo reconocido por el público principalmente por sus obras surrealistas, durante el resto de la década de 1940. El Museo Whitney los incluyó en su exposición anual de arte contemporáneo de 1943 a 1950. [74] Escena bautismal (1945), incluida en las exposiciones del Whitney, fue adquirida por el museo en 1946; Esta fue la primera obra de Rothko que entró en la colección de un museo, lo que marcó un hito clave en su carrera. La escena bautismal representa un bautismo abstracto en acuarelas sobre un fondo marrón grisáceo oscuro, con una fuente bautismal identificable en la parte superior de la pintura. [75]
En 1946, Rothko creó lo que los críticos de arte han denominado desde entonces sus pinturas transicionales "multiformes", aunque Rothko nunca utilizó el término. Varios de ellos, incluidos el n.° 18 [76] y Sin título (ambos de 1948), son menos transicionales que plenamente realizados. El propio Rothko describió estas pinturas como poseedoras de una estructura más orgánica y como unidades autónomas de expresión humana. Para él, estos bloques borrosos de varios colores, desprovistos de paisaje o de figura humana, y mucho menos de mito y símbolo, poseían su propia fuerza vital. Contenían un "aliento de vida" que le faltaba a la pintura más figurativa de la época. Estaban llenos de posibilidades, mientras que su experimentación con el simbolismo mitológico se había convertido en una fórmula cansada. Las "multiformas" llevaron a Rothko a darse cuenta de su estilo característico de regiones rectangulares de color, que continuó produciendo por el resto de su vida. [ cita necesaria ]
En medio de este período crucial de transición, Rothko quedó impresionado por los campos de color abstractos de Clyfford Still , que estaban influenciados en parte por los paisajes de Dakota del Norte natal de Still. [77] En 1947, durante un semestre de verano enseñando en la Escuela de Bellas Artes de California, Rothko y Still coquetearon con la idea de fundar su propio plan de estudios. En 1948, Rothko, Robert Motherwell , William Baziotes , Barnett Newman y David Hare fundaron la Subjects of the Artist School en 35 East 8th Street . Hubo conferencias abiertas al público que contaron con una gran asistencia, con oradores como Jean Arp , John Cage y Ad Reinhardt , pero la escuela fracasó financieramente y cerró en la primavera de 1949. [78] [79] [80]
Aunque el grupo se separó más tarde ese mismo año, la escuela fue el centro de una oleada de actividad en el arte contemporáneo. Además de su experiencia docente, Rothko comenzó a contribuir con artículos para dos nuevas publicaciones de arte, Tiger's Eye y Possibilities . Aprovechando los foros como oportunidad para evaluar la escena artística actual, Rothko también discutió en detalle su propio trabajo y su filosofía del arte . Estos artículos reflejan la eliminación de elementos figurativos de su pintura y un interés específico en el nuevo debate sobre la contingencia iniciado por la publicación Forma y sentido de Wolfgang Paalen de 1945. [81]
Rothko describió su nuevo método como "aventuras desconocidas en un espacio desconocido", libre de "asociación directa con cualquier particular y la pasión del organismo". Breslin describió este cambio de actitud como "tanto el yo como la pintura son ahora campos de posibilidades, un efecto transmitido... mediante la creación de formas proteicas e indeterminadas cuya multiplicidad se deja ser". [82]
En 1947, realizó una primera exposición individual en la Galería Betty Parsons (del 3 al 22 de marzo). [83] En 1949, Rothko quedó fascinado por el Estudio Rojo de Henri Matisse , adquirido por el Museo de Arte Moderno ese año. Más tarde lo atribuyó como otra fuente clave de inspiración para sus pinturas abstractas posteriores. [84] [85]
El descubrimiento de su forma definitiva se produjo en un período de gran angustia para el artista, ya que su madre Kate había muerto en octubre de 1948. A medida que las "multiformas" se desarrollaron hasta convertirse en lo que se convertiría en su estilo característico, a principios de 1949 Rothko exhibió estas nuevas obras. en la Galería Betty Parsons . Para el crítico Harold Rosenberg , las pinturas fueron nada menos que una revelación. Después de pintar su primer "multiforme", Rothko se recluyó en su casa de East Hampton en Long Island. Invitó sólo a unos pocos elegidos, incluido Rosenberg, a ver las nuevas pinturas.
Rothko se topó con el uso de bloques rectangulares simétricos de dos o tres colores opuestos o contrastantes, aunque complementarios, en los que, por ejemplo, "a veces los rectángulos parecen apenas fusionarse a partir del suelo, concentraciones de su sustancia". Magenta, Negro, Verde sobre Naranja , por otro lado, parece vibrar contra el naranja que lo rodea, creando un parpadeo óptico". [86]
Durante los siguientes siete años, Rothko pintó al óleo sólo grandes lienzos con formatos verticales. Se utilizaron diseños a muy gran escala para abrumar al espectador o, en palabras de Rothko, hacer que el espectador se sintiera "envuelto dentro" de la pintura. Para algunos críticos, el gran tamaño era un intento de compensar la falta de sustancia. En represalia, Rothko declaró:
Me doy cuenta de que históricamente la función de pintar cuadros grandes es pintar algo muy grandioso y pomposo. Sin embargo, la razón por la que los pinto... es precisamente porque quiero ser muy íntimo y humano. Pintar un cuadro pequeño es situarse fuera de su experiencia, mirar una experiencia como una visión estereóptica o con un cristal reductor. Independientemente de cómo pintes el panorama más amplio, estás en él. ¡No es algo que tú ordenes! [87]
Rothko llegó incluso a recomendar que los espectadores se situaran a una distancia mínima de cuarenta centímetros del lienzo [88] para que pudieran experimentar una sensación de intimidad, además de asombro, una trascendencia del individuo y una sensación de desconocido. [ cita necesaria ] A medida que Rothko logró el éxito, se volvió cada vez más protector con sus obras, rechazando varias oportunidades de exhibición y ventas potencialmente importantes:
Una imagen vive del compañerismo, expandiéndose y avivándose a los ojos del observador sensible. Muere por la misma razón. Por lo tanto, es un acto arriesgado e insensible enviarlo al mundo. ¡Cuán a menudo debe verse permanentemente perjudicado por los ojos del vulgo y la crueldad de los impotentes que quisieran extender la aflicción universalmente! [89]
Para algunos críticos y espectadores, los objetivos de Rothko excedían sus métodos. [90] Muchos de los expresionistas abstractos discutieron que su arte apuntaba hacia una experiencia espiritual, o al menos una experiencia que excedía los límites de lo puramente estético. En años posteriores, Rothko enfatizó más enfáticamente el aspecto espiritual de su obra de arte, sentimiento que culminaría con la construcción de la Capilla Rothko . [91]
Muchas de sus primeras pinturas distintivas están compuestas de colores brillantes y vibrantes, particularmente rojos y amarillos, que expresan energía y éxtasis. Sin embargo, a mediados de la década de 1950, Rothko comenzó a emplear azules y verdes oscuros, que muchos críticos sugirieron que eran representativos de la creciente oscuridad dentro de la vida personal de Rothko. [92]
Con ausencia de representación figurativa, el dramatismo que se puede encontrar en un Rothko tardío está en el contraste de los colores, que irradian unos contra otros. Sus pinturas pueden compararse entonces con una especie de disposición similar a una fuga, en la que cada variación se contrapone entre sí, pero todas existen dentro de una estructura arquitectónica. [ cita necesaria ]
Para lograr este efecto, Rothko aplicó una fina capa de un aglutinante mezclado con pigmento directamente sobre lienzos sin recubrimiento y sin tratar y pintó óleos significativamente diluidos directamente sobre esta capa, creando una densa mezcla de colores y formas superpuestas. Uno de sus objetivos era conseguir que las distintas capas de la pintura se secaran rápidamente, sin mezclar colores, para poder crear pronto nuevas capas encima de las anteriores. Sus pinceladas eran rápidas y ligeras, método que seguiría utilizando hasta su muerte. [93] Su creciente destreza en este método es evidente en las pinturas terminadas para la capilla.
Rothko utilizó varias técnicas originales que intentó mantener en secreto incluso para sus asistentes. La microscopía electrónica y el análisis ultravioleta realizados por MOLAB mostraron que empleó sustancias naturales como huevo y pegamento, así como materiales artificiales como resinas acrílicas , fenol formaldehído , alquídicos modificados y otros. [94]
En 1968, Rothko, con su salud deteriorada, comenzó a pintar la mayoría de sus grandes obras con pintura acrílica en lugar de óleo. [95]
Rothko y su esposa visitaron Europa durante cinco meses a principios de 1950. [84] La última vez que estuvo en Europa fue durante su infancia en Letonia, en ese momento parte de Rusia. Sin embargo, no regresó a su tierra natal y prefirió visitar las importantes colecciones de pintura de los principales museos de Inglaterra, Francia e Italia. Los frescos de Fra Angelico en el monasterio de San Marcos, Florencia , fueron los que más le impresionaron. La espiritualidad de Fra Angelico y su concentración en la luz apelaron a la sensibilidad de Rothko, al igual que las adversidades económicas que enfrentó el artista, que Rothko consideraba similares a las suyas. [96]
Rothko realizó exposiciones individuales en la Galería Betty Parsons en 1950 y 1951 y en otras galerías de todo el mundo, incluidas Japón, São Paulo y Ámsterdam. La exposición "Quince americanos" de 1952, comisariada por Dorothy Canning Miller en el Museo de Arte Moderno, anunció formalmente a los artistas abstractos e incluyó obras de Jackson Pollock y William Baziotes . [97] [98] También creó una disputa entre Rothko y Barnett Newman, después de que Newman acusara a Rothko de haber intentado excluirlo del programa. El creciente éxito como grupo estaba dando lugar a luchas internas y reclamaciones de supremacía y liderazgo. [99] Cuando la revista Fortune calificó una pintura de Rothko en 1955 como una buena inversión, [100] Newman y Clyfford Still lo tildaron de traidor con aspiraciones burguesas. Still escribió a Rothko para pedirle que le devolviera los cuadros que le había regalado a lo largo de los años. Rothko estaba profundamente deprimido por los celos de sus antiguos amigos. [ cita necesaria ]
Durante el viaje a Europa de 1950, la esposa de Rothko, Mell, quedó embarazada. El 30 de diciembre, cuando estaban de regreso en Nueva York, dio a luz a una hija, Kathy Lynn, llamada "Kate" en honor a la madre de Rothko, Kate Goldin. [101]
Poco después, gracias a la publicación de la revista Fortune y a nuevas compras de clientes, la situación financiera de Rothko empezó a mejorar. Además de las ventas de pinturas, también tenía dinero de su puesto docente en el Brooklyn College . En 1954, expuso en una exposición individual en el Instituto de Arte de Chicago , donde conoció al marchante de arte Sidney Janis , que representaba a Pollock y Franz Kline . Su relación resultó mutuamente beneficiosa. [102]
A pesar de su fama, Rothko sentía un creciente aislamiento personal y una sensación de ser incomprendido como artista. Temía que la gente comprara sus pinturas simplemente porque estaban de moda y que los coleccionistas, los críticos y el público no comprendieran el verdadero propósito de su obra. Quería que sus pinturas fueran más allá de la abstracción, así como más allá del arte clásico. Para Rothko, las pinturas eran objetos que poseían su propia forma y potencial y debían ser encontrados como tales. Sintiendo la inutilidad de las palabras al describir este aspecto decididamente no verbal de su trabajo, Rothko abandonó todos los intentos de responder a quienes preguntaban por su significado y propósito, diciendo finalmente que el silencio es "tan exacto":
Las superficies de mis pinturas son expansivas y empujan hacia afuera en todas direcciones, o sus superficies se contraen y corren hacia adentro en todas direcciones. Entre estos dos polos se encuentra todo lo que quiero decir. [ cita necesaria ]
Rothko comenzó a insistir en que no era un abstraccionista y que tal descripción era tan inexacta como etiquetarlo de gran colorista. Su interés era:
sólo al expresar emociones humanas básicas: tragedia, éxtasis, fatalidad, etc. Y el hecho de que mucha gente se derrumbe y llore al ver mis cuadros demuestra que puedo comunicar esas emociones humanas básicas... Las personas que lloran ante mis cuadros están teniendo la misma experiencia religiosa que yo tuve cuando los pinté. Y si a usted, como usted dice, sólo le conmueve su relación de color, entonces no entiende el punto. [103]
Para Rothko, el color era "simplemente un instrumento", [104] y las pinturas emblemáticas eran simplemente una forma más simple y pura de expresar las mismas emociones humanas básicas que sus pinturas mitológicas surrealistas. El comentario de Rothko sobre los espectadores que rompían a llorar ante sus pinturas puede haber convencido a los De Menil de construir la Capilla Rothko. A medida que crecía, a finales de la década de 1950, la expresión espiritual que pretendía retratar en el lienzo se volvió cada vez más oscura, y sus rojos, amarillos y naranjas brillantes se transformaron sutilmente en azules, verdes, grises y negros oscuros. [105]
La amiga de Rothko, la crítica de arte Dore Ashton , señala la relación del artista con el poeta Stanley Kunitz como un vínculo significativo en este período ("las conversaciones entre el pintor y el poeta alimentaron la empresa de Rothko"). Kunitz veía a Rothko como "un primitivo, un chamán que encuentra la fórmula mágica y conduce a la gente hacia ella". Kunitz creía que la gran poesía y pintura tenían "raíces en la magia, los encantamientos y los hechizos" y eran, en esencia, éticas y espirituales. Kunitz comprendió instintivamente el propósito de la búsqueda de Rothko. [106]
En noviembre de 1958, Rothko pronunció un discurso en el Instituto Pratt . En un tono inusual para él, habló del arte como oficio y ofreció la
receta de una obra de arte—sus ingredientes—cómo hacerla—la fórmula
- Debe haber una preocupación clara por la muerte: insinuaciones de mortalidad... El arte trágico, el arte romántico, etc., se ocupa del conocimiento de la muerte.
- Sensualidad. Nuestra base para ser concretos sobre el mundo. Es una relación lujuriosa con las cosas que existen.
- Tensión. O conflicto o deseo frenado.
- Ironía. Éste es un ingrediente moderno: la modestia y el examen mediante los cuales un hombre puede por un instante pasar a otra cosa.
- Ingenio y juego... para el elemento humano.
- Lo efímero y el azar... por el elemento humano.
- Esperanza. 10% para hacer más soportable el concepto trágico.
Mido estos ingredientes con mucho cuidado cuando pinto un cuadro. Siempre es la forma la que sigue a estos elementos y la imagen resulta de las proporciones de estos elementos. [107]
En 1958, Rothko recibió el primero de dos importantes encargos de murales, que resultaron a la vez gratificantes y frustrantes. [108] La empresa de bebidas Joseph Seagram and Sons había completado recientemente el nuevo rascacielos Seagram Building en Park Avenue , diseñado por los arquitectos Mies van der Rohe y Philip Johnson . Rothko acordó proporcionar pinturas para el nuevo restaurante de lujo del edificio, el Four Seasons . Esto fue, como dijo el historiador de arte Simon Schama , "llevar sus dramas monumentales directamente al vientre de la bestia". [109]
Para Rothko, este encargo de murales de Seagram presentó un nuevo desafío, ya que era la primera vez que se le pedía no sólo diseñar una serie coordinada de pinturas sino también producir un concepto de espacio de arte para un interior grande y específico. Durante los tres meses siguientes, Rothko completó cuarenta pinturas, compuestas por tres series completas en rojo oscuro y marrón. Cambió su formato horizontal a vertical, para complementar las características verticales del restaurante: columnas, paredes, puertas y ventanas. [ cita necesaria ]
En junio siguiente, Rothko y su familia viajaron nuevamente a Europa. Mientras estaba en el SS Independence , le reveló al periodista John Fischer, editor de Harper's Magazine , que su verdadera intención para los murales de Seagram era pintar "algo que arruinaría el apetito de cada hijo de puta que alguna vez comiera en esa habitación". Esperaba, le dijo a Fischer, que su pintura hiciera que los clientes del restaurante "sintieran que están atrapados en una habitación donde todas las puertas y ventanas están tapiadas, de modo que lo único que pueden hacer es darse cabezazos para siempre contra la pared". [110]
Mientras estuvieron en Europa, los Rothko viajaron a Roma, Florencia, Venecia y Pompeya. En Florencia, visitó la Biblioteca Laurenciana de Miguel Ángel , para ver de primera mano el vestíbulo de la biblioteca, del que se inspiró aún más para los murales. [111] Comentó que "la habitación tenía exactamente la sensación que yo quería... le da al visitante la sensación de estar atrapado en una habitación con las puertas y ventanas tapiadas". Fue influenciado además por los colores sombríos de los murales de la Villa Pompeya de los Misterios . [112] Después del viaje a Italia, los Rothko viajaron a París, Bruselas, Amberes y Amsterdam, antes de ir a Londres, donde Rothko pasó un tiempo en el Museo Británico estudiando las acuarelas de Turner. Luego viajaron a Somerset y se alojaron en la casa del artista William Scott , que recién estaba iniciando un gran proyecto mural, y discutieron las respectivas cuestiones del patrocinio público y privado. [113] Después de la visita, los Rothko continuaron a St. Ives en el oeste de Inglaterra y se reunieron con Patrick Heron y otros pintores de Cornualles antes de regresar a Londres y luego a los Estados Unidos. [ cita necesaria ]
De regreso a Nueva York, Rothko y su esposa Mell visitaron el restaurante Four Seasons casi terminado. Molesto por el ambiente del restaurante, que consideraba pretencioso e inapropiado para la exhibición de sus obras, Rothko se negó a continuar con el proyecto y devolvió su anticipo en efectivo a Seagram and Sons Company. Seagram tenía la intención de honrar el ascenso de Rothko a la prominencia a través de su selección, y su incumplimiento de contrato y su expresión pública de indignación fueron inesperados. [ cita necesaria ]
Rothko guardó las pinturas encargadas hasta 1968. Dado que Rothko conocía de antemano la lujosa decoración del restaurante y la clase social de sus futuros clientes, los motivos de su abrupto repudio siguen siendo un misterio, aunque le escribió a su amigo. William Scott en Inglaterra: "Ya que habíamos hablado de nuestros respectivos murales pensé que podría interesarle saber que los míos todavía están conmigo. Cuando regresé, miré nuevamente mis pinturas y luego visité el local al que estaban destinadas. Me pareció claro de inmediato que los dos no eran el uno para el otro." [114] Rothko, una personalidad temperamental, nunca explicó completamente sus emociones conflictivas sobre el incidente. [115] Su biógrafo, James EB Breslin, ofrece una lectura: el proyecto Seagram podría verse como la representación de un "drama de confianza y traición, familiar, en este caso autocreado, de avance en el mundo, y luego alejándose, enojado, de ello... Era un Isaac que en el último momento se negó a ceder ante Abraham." [116] La serie final de Seagram Murals se dispersó y ahora se exhibe en tres lugares: la Tate Britain de Londres, el Museo Conmemorativo Kawamura de Japón y la Galería Nacional de Arte en Washington, DC [117] Este episodio fue la base principal para John Logan. 's obra de 2009 Rojo . [ cita necesaria ]
En octubre de 2012, Negro sobre granate , una de las pinturas de la serie Seagram, fue desfigurada con escritura en tinta negra, mientras se exhibía en la Tate Modern. La restauración de la pintura tardó 18 meses. El editor artístico de la BBC , Will Gompertz, explicó que la tinta del rotulador del vándalo había traspasado todo el lienzo, provocando "una herida profunda, no un rasguño superficial", y que el vándalo había causado "daños importantes". [118] [119]
El primer espacio completo de Rothko se creó en la Colección Phillips en Washington, DC, tras la compra de cuatro pinturas por parte del coleccionista Duncan Phillips . La fama y la riqueza de Rothko habían aumentado sustancialmente; sus pinturas comenzaron a venderse a coleccionistas notables, incluida la familia Rockefeller . En enero de 1961, Rothko se sentó junto a Joseph Kennedy en el baile inaugural de John F. Kennedy . Más tarde ese año, se llevó a cabo una retrospectiva de su obra en el Museo de Arte Moderno, con considerable éxito comercial y de crítica. A pesar de esta nueva fama, el mundo del arte ya había desviado su atención de los expresionistas abstractos ahora pasados de moda hacia la "próxima gran novedad", el arte pop , particularmente el trabajo de Warhol , Lichtenstein y Rosenquist . [ cita necesaria ]
Rothko llamó a los artistas pop "charlatanes y jóvenes oportunistas" y se preguntó en voz alta durante una exposición de arte pop de 1962: "¿Están los jóvenes artistas conspirando para matarnos a todos?". Al ver las banderas de Jasper Johns , Rothko dijo: "Trabajamos durante años para deshacernos de todo eso". [120]
El 31 de agosto de 1963, Mell dio a luz a su segundo hijo, Christopher. [121] Ese otoño, Rothko firmó con la Galería Marlborough para la venta de su obra fuera de los Estados Unidos. En Nueva York continuó vendiendo la obra de arte directamente desde su estudio. [122]
Rothko recibió un segundo proyecto de encargo de mural, esta vez para una sala de pinturas para el ático del Centro Holyoke de la Universidad de Harvard . Hizo 22 bocetos, de los cuales se pintaron diez pinturas sobre lienzo del tamaño de una pared, seis se llevaron a Cambridge, Massachusetts, y solo se colgaron cinco: un tríptico en una pared y frente a dos paneles individuales. Su objetivo era crear un ambiente para un lugar público. El presidente de Harvard, Nathan Pusey , tras una explicación de la simbología religiosa del Tríptico , hizo colgar las pinturas en enero de 1963 y luego se exhibieron en el Guggenheim . Durante la instalación, Rothko descubrió que las pinturas se veían comprometidas por la iluminación de la habitación. A pesar de la instalación de pantallas de fibra de vidrio, todas las pinturas fueron retiradas en 1979 y, debido a la naturaleza fugitiva de algunos de los pigmentos rojos, en particular el rojo litol , se almacenaron en la oscuridad y se exhibieron sólo periódicamente. [123] Los murales estuvieron en exhibición del 16 de noviembre de 2014 al 26 de julio de 2015, en los recientemente renovados Museos de Arte de Harvard, para los cuales la decoloración de los pigmentos se compensó mediante el uso de un innovador sistema de proyección de color para iluminar las pinturas. [124] [125] [126] [127]
La Capilla Rothko se encuentra junto a la Colección Menil y la Universidad de St. Thomas en Houston , Texas. El edificio es pequeño y no tiene ventanas excepto un tragaluz y presenta una estructura geométrica posmoderna. La capilla, la Colección Menil y la cercana galería Cy Twombly fueron financiadas por los millonarios petroleros de Texas John y Dominique de Menil .
En 1964, Rothko se mudó a su último estudio en Nueva York en 157 East 69th Street. Para simular la iluminación que quería para la capilla, equipó el estudio con poleas que sostenían grandes paredes de lona para regular la luz procedente de una cúpula central. Según se informa, Rothko pretendía que la capilla fuera su declaración artística más importante. Se involucró mucho en la distribución del edificio e insistió en que tuviera una cúpula central como la de su estudio. El arquitecto Philip Johnson , incapaz de comprometerse con la visión de Rothko sobre el tipo de luz que quería en el espacio, abandonó el proyecto en 1967 y fue reemplazado por Howard Barnstone y Eugene Aubry. [128] Los arquitectos volaban con frecuencia a Nueva York para realizar consultas. En una ocasión llevaron una miniatura del edificio para la aprobación de Rothko. [129]
Para Rothko, la capilla era un lugar de peregrinación lejos del centro del arte (en este caso, Nueva York) donde podían viajar los buscadores de su nueva obra de arte "religiosa". La capilla ahora no es confesional, pero originalmente estaba destinada a ser católica romana . Durante los primeros tres años del proyecto (1964-1967), Rothko creyó que seguiría así. El diseño del edificio y las implicaciones religiosas de las pinturas se inspiraron en el arte y la arquitectura católicos romanos. Su forma octogonal se basa en una iglesia bizantina de Santa María Asunta, y el formato de los trípticos se basa en pinturas de la Crucifixión . Los De Menil creían que el aspecto "espiritual" universal de la obra de Rothko complementaría los elementos del catolicismo romano. [129]
La técnica de pintura de Rothko requería fuerza física y resistencia que el artista enfermo ya no podía reunir. Contrató a dos asistentes para aplicar las múltiples capas de pintura. En la mitad de las obras, Rothko no aplicó ninguna pintura y se contentó con supervisar el lento y arduo proceso. Sintió que la finalización de las pinturas era un "tormento", y el resultado inevitable fue crear "algo que no quieres mirar". [129]
La capilla representa seis años de la vida de Rothko y su creciente preocupación por lo trascendente . Para algunos, ver estas pinturas de la capilla es como someterse a una experiencia espiritual. Las pinturas han sido comparadas con la autoconciencia, el hermetismo y la contemplación. [129]
Las pinturas de la capilla consisten en un tríptico monocromático en color marrón suave, en la pared central, que comprende tres paneles de 5 por 15 pies y un par de trípticos a la izquierda y a la derecha hechos de rectángulos negros opacos. Entre los trípticos hay cuatro pinturas individuales, que miden 11 por 15 pies cada una. Una pintura individual adicional mira hacia el tríptico central, desde la pared opuesta. El efecto es rodear al espectador con visiones masivas e imponentes de oscuridad. A pesar de su base en el simbolismo y las imágenes religiosas, las pinturas pueden considerarse distintas de los motivos cristianos tradicionales y pueden actuar sobre los espectadores de manera subliminal. La eliminación de símbolos por parte de Rothko elimina y crea barreras para la obra. [129]
Las pinturas fueron reveladas en la inauguración de la capilla en 1971. Rothko nunca vio la capilla terminada y nunca instaló las pinturas. El 28 de febrero de 1971, en la inauguración, Dominique de Menil dijo: "Estamos abarrotados de imágenes y sólo el arte abstracto puede llevarnos al umbral de lo divino", destacando el coraje de Rothko al pintar "fortalezas impenetrables" de color. [129]
A principios de 1968, a Rothko le diagnosticaron un leve aneurisma aórtico . Haciendo caso omiso de las órdenes del médico, siguió bebiendo y fumando mucho, evitó el ejercicio y mantuvo una dieta poco saludable. "Muy nervioso, delgado, inquieto", fue la descripción que su amiga Dore Ashton hizo de Rothko en ese momento. [130] Pero Rothko siguió el consejo médico de no pintar cuadros de más de un metro de altura y centró su atención en formatos más pequeños y menos extenuantes físicamente, incluidos los acrílicos sobre papel. Mientras tanto, su matrimonio se volvió cada vez más problemático y su mala salud y la impotencia resultantes del aneurisma agravaron su sentimiento de distanciamiento en la relación. [131] Rothko y Mell, que habían estado casados de 1944 a 1970, se separaron el día de Año Nuevo de 1969; se mudó a su estudio. [132]
El 25 de febrero de 1970, Oliver Steindecker, el asistente de Rothko, encontró al artista muerto en el suelo de la cocina, delante del fregadero, cubierto de sangre. Había sufrido una sobredosis de barbitúricos y se había cortado una arteria del brazo derecho con una hoja de afeitar. [1] No hubo ninguna nota de suicidio. Tenía 66 años. Los murales de Seagram llegaron a Londres para exhibirlos en la Tate Gallery el día de su suicidio. [133]
Cerca del final de su vida, Rothko pintó una serie conocida como "Negro sobre grises", que presenta uniformemente un rectángulo negro sobre un rectángulo gris. Estos lienzos y la obra posterior de Rothko en general se han asociado con su depresión y suicidio, aunque la asociación ha sido criticada. [134] El suicidio de Rothko ha sido estudiado en la literatura médica, [135] donde sus pinturas posteriores han sido interpretadas como "notas pictóricas de suicidio" debido a sus paletas sombrías y especialmente en contraste con los colores más brillantes que Rothko empleó con más frecuencia durante la década de 1950. [136] Aunque el crítico de arte David Anfam reconoció que los negros y los grises se interpretan como premoniciones de suicidio o como "paisajes lunares" (los primeros alunizajes del Apolo fueron contemporáneos a su ejecución), rechazó las interpretaciones como "ingenuas", argumentando en cambio que las pinturas eran una continuación de los temas artísticos de toda su vida y no síntomas de depresión. [137] Susan Grange observó que, después de su aneurisma, Rothko ejecutó varias obras más pequeñas sobre papel utilizando tonos más claros, que son menos conocidos. [138] A lo largo de su vida, Rothko siempre tuvo la intención de que sus obras evocaran un contenido dramático serio, independientemente de los colores utilizados en una pintura en particular. Cuando una mujer visitó su estudio pidiendo comprar un cuadro "feliz" con colores cálidos , Rothko replicó: "Rojo, amarillo, naranja, ¿no son esos los colores de un infierno?" [139]
Poco antes de su muerte, Rothko y su asesor financiero, Bernard Reis, crearon una fundación destinada a financiar "investigación y educación" que recibió la mayor parte del trabajo de Rothko después de su muerte. Posteriormente, Reis vendió las pinturas a la Galería Marlborough, a valores sustancialmente reducidos, y luego dividió las ganancias de las ventas con los representantes de la Galería. En 1971, Kate, la hija de Rothko, que tenía 19 años en el momento de su muerte, demandó a Reis, Morton Levine y Theodore Stamos , los albaceas de su patrimonio, por las ventas falsas. [140] La demanda continuó durante más de 10 años y se conoció como el Caso Rothko . En 1975, los demandados fueron declarados responsables de negligencia y conflicto de intereses, fueron destituidos como albaceas del patrimonio de Rothko por orden judicial y, junto con Marlborough Gallery, debieron pagar 9,2 millones de dólares en daños al patrimonio. Esta cantidad representa sólo una pequeña fracción del valor final de numerosas obras de Rothko. [141] También se requirió que la Galería Marlborough devolviera las 658 [142] pinturas restantes no vendidas a dos partes. [140] La mitad de las pinturas restantes fueron entregadas a la propiedad de Rothko, que ahora estaba controlada por Kate además de, eventualmente, su hermano Christopher, que tenía 6 años en el momento de la muerte de Rothko. [140] [142] La otra mitad se entregó a la Fundación Mark Rothko, que el tribunal había restablecido como parte del procedimiento de la demanda, nombrando al banquero de inversiones y coleccionista de arte Donald M. Blinken como presidente de la fundación. [140]
La ex esposa de Rothko, Mell, también bebedora empedernida, murió seis meses después que él, a la edad de 48 años. La causa de la muerte fue catalogada como "hipertensión debido a una enfermedad cardiovascular". [1]
Después de ser restablecida por el tribunal durante el proceso judicial tras la muerte de Rothko, la Fundación Mark Rothko donó la totalidad de sus existencias de arte de Rothko a 35 museos e instituciones de arte en los Estados Unidos y Europa. [140] Por separado de la fundación, Kate y Christopher, como albaceas del patrimonio de Rothko después de la demanda, donaron varias de sus posesiones de arte de Rothko a museos y, a partir de 2021, continuaron vendiendo pinturas de la colección del patrimonio a través de Pace. Galería . [142]
Las obras completas sobre lienzo de Rothko, 836 pinturas, han sido catalogadas por el historiador del arte David Anfam, en su Mark Rothko: The Works on Canvas: Catalog Raisonné (1998), publicado por Yale University Press . [143]
Yale University Press publicó un manuscrito inédito de Rothko, The Artist's Reality (2004), sobre sus filosofías sobre el arte, editado por su hijo Christopher. [144]
Red , una obra de John Logan basada en la vida de Rothko, se estrenó en el Donmar Warehouse de Londres el 3 de diciembre de 2009. La obra, protagonizada por Alfred Molina y Eddie Redmayne , se centró en el período de los murales de Seagram. Este drama recibió excelentes críticas y generalmente se presentó con sala llena. En 2010, Red se estrenó en Broadway , donde ganó seis premios Tony , incluido el de Mejor Obra. Molina interpretó a Rothko tanto en Londres como en Nueva York.En 2018 se produjouna grabación de Red para Great Performances con Molina interpretando a Rothko y Alfred Enoch interpretando a su asistente. [145]
En el lugar de nacimiento de Rothko, la ciudad letona de Daugavpils , en 2003 se inauguró un monumento a él, diseñado por el escultor Romualds Gibovskis, en la orilla del río Daugava. [146] En 2013, se inauguró el Centro de Arte Mark Rothko en Daugavpils después de que la familia Rothko había donado una pequeña colección de sus obras originales. [147]
Varias obras de Rothko se encuentran en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía [148] y en el Museo Thyssen-Bornemisza , ambos en Madrid. [149] La colección de arte del Gobernador Nelson A. Rockefeller Empire State Plaza en Albany, Nueva York, incluye la pintura de Rothko Sin título (1967) y un gran mural de Al Held , Rothko's Canvas (1969-1970). [150]
El diseñador de moda Hubert de Givenchy mostró telas inspiradas en Rothko en 1971. [151] Varias composiciones musicales se han inspirado en el trabajo de Rothko, incluidas Finding Rothko (2006) de Adam Schoenberg [152] y Color Field de Anna Clyne (2020). ). [153]
Los precios de las obras de Rothko en el mercado secundario y en las subastas aumentaron significativamente hacia el final de su carrera y después de su muerte, y se han mantenido constantemente entre los más altos para las obras de arte de un artista moderno o contemporáneo. [154] Tres años antes de su muerte, una obra de Rothko se vendió en el mercado secundario por 22.000 dólares; [155] En 2003, una pintura de Rothko se vendió por 7.175.000 dólares. [156] Las pinturas de Rothko se vendieron a precios sucesivamente más altos en subastas hasta mediados de la década de 2010, [157] [158] [159] alcanzando 86,8 millones de dólares en 2012, un récord para Rothko y, en ese momento, un nuevo récord de valor nominal para cualquier Pintura de posguerra vendida en subasta pública. [160] [161] [162] [163]
Las obras de Rothko han seguido alcanzando precios en subastas de hasta 80 millones de dólares durante la década de 2020. [164] [165] [166] [167] [168] [169] [170] [171]
Nueva York: Harry N. Abrams, 1978.
_WLM_025.JPG/1280px-Villa_dei_Misteri_(Pompei)_WLM_025.JPG)
{{cite book}}: Mantenimiento CS1: falta el editor de la ubicación ( enlace )Peggy Guggenheim, una influyente marchante y coleccionista de arte, adquirió esta obra poco después de que Rothko la completara. Guggenheim había organizado una exposición de las pinturas de la artista sobre papel y lienzo en su galería Art of This Century en la ciudad de Nueva York a principios de 1945. Más tarde, Sacrifice se mostró en varias exposiciones europeas de la colección de Guggenheim durante la vida de Rothko, lo que la convirtió en una de las primeras obras. por Rothko para ser exhibido fuera de los Estados Unidos.
A principios de 1946, el Museo Whitney de Arte Americano adquirió
Escena bautismal
, convirtiéndola en la primera obra de Rothko en entrar en la colección de un museo. Esto parece apropiado ya que el bautismo es un rito de iniciación en la fe cristiana. Como ritual de purificación realizado por inmersión total o parcial en agua, también parece apto su tratamiento en acuarela. Observe la fuente azul en la parte superior de la composición de Rothko.
{{cite book}}: |work=ignorado ( ayuda )Monumento a Mark Rothko
, 18 de noviembre, 2, (a orillas del río Daugava). Este monumento, diseñado por Romualds Gibovskis para conmemorar el centenario del destacado artista expresionista abstracto nacido en Dvinsk, Mark Rothko (1903-1970), se inauguró en septiembre de 2003.
Una de sus atrevidas aventuras fue hacer que Sache, un estimado diseñador de telas francés, adaptara las pinturas muy abstractas de Rothko a finas sedas de noche.
Exposición Tate Modern
Exposición de la galería Whitechapel
Archivos Smithsonian de arte americano