Un compositor es una persona que escribe música . [1] El término se utiliza especialmente para indicar a los compositores de música clásica occidental , [2] o aquellos que son compositores por profesión. [3] Muchos compositores son, o fueron, también intérpretes expertos de música.
El término proviene del latín compōnō, que literalmente significa «el que junta». [4] El uso más antiguo del término en un contexto musical que da el Oxford English Dictionary es de A Plain and Easy Introduction to Practical Music de Thomas Morley de 1597 , donde dice «Algunos serán buenos descantadores [...] y, sin embargo, serán malos compositores». [1]
"Compositor" es un término vago que generalmente se refiere a cualquier persona que escribe música. [1] Más específicamente, se usa a menudo para designar a personas que son compositores por ocupación, [3] o aquellos que trabajan en la tradición de la música clásica occidental . [2] Los escritores de canciones exclusivamente o principalmente pueden ser llamados compositores, pero desde el siglo XX los términos ' compositor ' o ' cantante-compositor ' se usan con más frecuencia, particularmente en géneros de música popular . [5] En otros contextos, el término 'compositor' puede referirse a un escritor literario, [6] o más raramente y en general, a alguien que combina piezas en un todo. [7]
En todas las culturas y tradiciones, los compositores pueden escribir y transmitir música de diversas maneras. En gran parte de la música popular, el compositor escribe una composición y luego esta se transmite a través de la tradición oral . Por el contrario, en algunas tradiciones clásicas occidentales, la música puede ser compuesta de forma auditiva (es decir, "en la mente del músico") y luego escrita y transmitida a través de documentos escritos . [8]
En el desarrollo de la música clásica europea , la función de componer música inicialmente no tuvo mucha mayor importancia que la de interpretarla. [ cita requerida ] La preservación de composiciones individuales no recibió una enorme atención y los músicos generalmente no tenían reparos en modificar las composiciones para su interpretación.
En el mundo occidental, antes del período romántico del siglo XIX, la composición casi siempre iba de la mano con una combinación de canto, instrucción y teorización . [9]
Incluso en una pieza instrumental occidental convencional, en la que todas las melodías , acordes y líneas de bajo están escritas en notación musical, el intérprete tiene un grado de libertad para añadir interpretación artística a la obra, por ejemplo variando su articulación y fraseo , eligiendo cuánto tiempo hacer fermatas (notas sostenidas) o pausas y, en el caso de instrumentos de cuerda frotada, de viento de madera o de metal, decidiendo si utilizar efectos expresivos como el vibrato o el portamento . Para un cantante o intérprete instrumental, el proceso de decidir cómo interpretar la música que ha sido previamente compuesta y notada se denomina "interpretación". Las interpretaciones de diferentes intérpretes de la misma obra musical pueden variar ampliamente, en términos de los tempos que se eligen y el estilo de interpretación o canto o el fraseo de las melodías. Los compositores y autores de canciones que presentan su música están interpretando, tanto como aquellos que interpretan la música de otros. El conjunto estándar de elecciones y técnicas presentes en un momento y lugar determinados se denomina práctica interpretativa , mientras que interpretación se utiliza generalmente para referirse a las elecciones individuales de un intérprete. [ cita requerida ]
Aunque una composición musical suele tener un solo autor, no siempre es así. Una obra musical puede tener varios compositores, lo que suele ocurrir en la música popular cuando una banda colabora para escribir una canción, o en el teatro musical , donde las canciones pueden estar escritas por una persona, la orquestación de las partes de acompañamiento y la escritura de la obertura las realiza un orquestador, y las palabras pueden estar escritas por una tercera persona.
Una pieza musical también puede estar compuesta con palabras, imágenes o, en los siglos XX y XXI, con programas informáticos que explican o anotan cómo el cantante o músico debe crear sonidos musicales. Ejemplos de esto van desde campanillas de viento que tintinean con la brisa, hasta música de vanguardia del siglo XX que utiliza notación gráfica , pasando por composiciones de texto como Aus den Sieben Tagen , hasta programas informáticos que seleccionan sonidos para piezas musicales. La música que hace un uso intensivo de la aleatoriedad y el azar se denomina música aleatoria y se asocia con compositores contemporáneos activos en el siglo XX, como John Cage , Morton Feldman y Witold Lutosławski .
La naturaleza y los medios de variación individual de la música varían, dependiendo de la cultura musical del país y del período de tiempo en que fue escrita. Por ejemplo, la música compuesta en la era barroca , particularmente en tiempos lentos, a menudo se escribía en un esquema simple, con la expectativa de que el intérprete agregara adornos improvisados a la línea melódica durante una interpretación. Esta libertad generalmente disminuyó en épocas posteriores, en correlación con el uso creciente por parte de los compositores de partituras más detalladas en forma de dinámica, articulación, etcétera; los compositores se volvieron uniformemente más explícitos en cómo querían que se interpretara su música, aunque la severidad y minuciosidad de estas instrucciones varía de un compositor a otro. Debido a esta tendencia de los compositores a volverse cada vez más específicos y detallados en sus instrucciones al intérprete, finalmente se desarrolló una cultura por la cual la fidelidad a la intención escrita del compositor llegó a ser muy valorada (ver, por ejemplo, la edición Urtext ). Esta cultura musical está casi seguramente relacionada con la alta estima (rayando en la veneración) en la que los intérpretes suelen tener a los principales compositores clásicos.
El movimiento de interpretación con base histórica ha revivido en cierta medida la posibilidad de que el intérprete elabore seriamente la música tal como aparece en la partitura, en particular en el caso de la música barroca y la música del período clásico temprano . El movimiento podría considerarse una forma de crear una mayor fidelidad al original en obras compuestas en una época en la que se esperaba que los intérpretes improvisaran . En géneros distintos de la música clásica, el intérprete generalmente tiene más libertad; así, por ejemplo, cuando un intérprete de música popular occidental crea una "versión" de una canción anterior, hay pocas expectativas de una interpretación exacta del original; tampoco se valora necesariamente la fidelidad exacta (con la posible excepción de las transcripciones "nota por nota" de solos de guitarra famosos ).
En la música occidental, el compositor suele orquestar sus composiciones, pero en el teatro musical y la música pop, los compositores pueden contratar a un arreglista para que haga la orquestación. En algunos casos, un compositor pop puede no utilizar notación en absoluto y, en su lugar, componer la canción en su mente y luego tocarla o grabarla de memoria. En el jazz y la música popular, las grabaciones notables de intérpretes influyentes tienen el peso que tienen las partituras escritas en la música clásica. El estudio de la composición ha estado tradicionalmente dominado por el examen de los métodos y la práctica de la música clásica occidental, pero la definición de composición es lo suficientemente amplia para la creación de canciones y piezas instrumentales de música popular y tradicional e incluye obras improvisadas espontáneamente como las de los intérpretes de jazz libre y percusionistas africanos como los bateristas Ewe .
Durante la Edad Media, la mayoría de los compositores trabajaban para la iglesia católica y componían música para servicios religiosos, como melodías de canto llano . Durante la era de la música renacentista , los compositores solían trabajar para empleadores aristocráticos. Si bien los aristócratas generalmente exigían a los compositores que produjeran una cantidad significativa de música religiosa, como misas , los compositores también escribieron muchas canciones no religiosas sobre el tema del amor cortés : el amor respetuoso y reverencial de una gran mujer desde lejos. Las canciones de amor cortés fueron muy populares durante la era del Renacimiento. Durante la era de la música barroca , muchos compositores fueron empleados por aristócratas o como empleados de la iglesia. Durante el período clásico , los compositores comenzaron a organizar más conciertos públicos con fines de lucro, lo que ayudó a los compositores a depender menos de los trabajos aristocráticos o de la iglesia. Esta tendencia continuó en la era de la música romántica en el siglo XIX. En el siglo XX, los compositores comenzaron a buscar empleo como profesores en universidades y conservatorios. En el siglo XX, los compositores también ganaron dinero con las ventas de sus obras, como publicaciones de partituras de sus canciones o piezas o como grabaciones sonoras de sus obras. [ cita requerida ]
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En 1993, la musicóloga estadounidense Marcia Citron se preguntó: "¿Por qué la música compuesta por mujeres es tan marginal en el repertorio 'clásico' estándar?" [10] Citron "examina las prácticas y actitudes que han llevado a la exclusión de las mujeres compositoras del ' canon ' recibido de obras musicales interpretadas". Ella sostiene que en el siglo XIX, las mujeres compositoras típicamente escribían canciones de arte para ser interpretadas en pequeños recitales en lugar de sinfonías destinadas a ser interpretadas con una orquesta en una gran sala, y que estas últimas obras se consideraban el género más importante para los compositores; dado que las mujeres compositoras no escribieron muchas sinfonías, se las consideraba poco notables como compositoras. [10]
Según Abbey Philips, "las mujeres músicas han tenido muchas dificultades para abrirse paso y obtener el reconocimiento que merecen". [11] Durante la época medieval, la mayor parte de la música artística se creó con fines litúrgicos (religiosos) y debido a las opiniones sobre los roles de las mujeres que tenían los líderes religiosos, pocas mujeres compusieron este tipo de música, siendo la monja Hildegard von Bingen una de las excepciones. La mayoría de los libros de texto universitarios sobre la historia de la música discuten casi exclusivamente el papel de los compositores masculinos. Además, muy pocas obras de compositoras forman parte del repertorio estándar de la música clásica. En Concise Oxford History of Music , " Clara Shumann [ sic ] es una de las únicas compositoras mencionadas", [11] pero otras compositoras notables del período de práctica común incluyen a Fanny Mendelssohn y Cécile Chaminade , y posiblemente la maestra de compositores más influyente durante mediados del siglo XX fue Nadia Boulanger . [ cita requerida ] Philips afirma que "durante el siglo XX las mujeres que componían o tocaban recibieron mucha menos atención que sus homólogos masculinos". [11]
Hoy en día, las mujeres son tomadas más en serio en el ámbito de la música de concierto, aunque las estadísticas de reconocimiento, premios, empleo y oportunidades en general todavía están sesgadas hacia los hombres. [12]
Los compositores famosos tienden a agruparse en ciudades específicas a lo largo de la historia. Basándose en más de 12.000 compositores destacados enumerados en Grove Music Online y utilizando técnicas de medición de recuento de palabras , se pueden identificar cuantitativamente las ciudades más importantes para la música clásica. [13]
París ha sido el principal centro de la música clásica occidental en todos los períodos. Ocupó el quinto puesto en los siglos XV y XVI, pero el primero entre los siglos XVII y XX inclusive. Londres fue la segunda ciudad más importante: octava en el siglo XV, séptima en el XVI, quinta en el XVII, segunda en los siglos XVIII y XIX, y cuarta en el siglo XX. Roma encabezó la clasificación en el siglo XV, cayó al segundo lugar en los siglos XVI y XVII, octava en el siglo XVIII, novena en el siglo XIX, pero volvió al sexto lugar en el siglo XX. Berlín aparece entre las diez primeras en el siglo XVIII y fue clasificada como la tercera ciudad más importante tanto en el siglo XIX como en el XX. La ciudad de Nueva York entró en la clasificación en el siglo XIX (en quinto lugar) y se mantuvo en segundo lugar en el siglo XX. Los patrones son muy similares para una muestra de 522 compositores destacados. [14]
Los compositores clásicos profesionales suelen tener experiencia interpretando música clásica durante su infancia y adolescencia, ya sea como cantantes en un coro , como músicos en una orquesta juvenil o como intérpretes de un instrumento solista (por ejemplo, piano , órgano de tubos o violín ). Los adolescentes que aspiran a ser compositores pueden continuar sus estudios postsecundarios en una variedad de entornos de formación formal, incluidos colegios, conservatorios y universidades. Los conservatorios , que son el sistema de formación musical estándar en países como Francia y Canadá, ofrecen lecciones y experiencia de canto coral y orquestal amateur para estudiantes de composición. Las universidades ofrecen una variedad de programas de composición, que incluyen licenciaturas, maestrías en música y doctorados en artes musicales . Además, hay una variedad de otros programas de formación, como campamentos de verano y festivales clásicos, que brindan a los estudiantes la oportunidad de recibir entrenamiento de compositores.
Las licenciaturas en composición (conocidas como B.Mus. o BM) son programas de cuatro años que incluyen lecciones individuales de composición, experiencia en orquestas/corales amateurs y una secuencia de cursos de historia de la música, teoría musical y cursos de artes liberales (por ejemplo, literatura inglesa), que brindan al estudiante una educación más completa. Por lo general, los estudiantes de composición deben completar piezas o canciones importantes antes de graduarse. No todos los compositores tienen una licenciatura en composición; los compositores también pueden tener una licenciatura en interpretación musical o teoría musical.
Los títulos de Máster en Música (M.mus.) en composición consisten en lecciones privadas con un profesor de composición , experiencia en ensambles y cursos de posgrado en historia de la música y teoría musical, junto con uno o dos conciertos con las piezas del estudiante de composición. Un título de máster en música (conocido como M.Mus. o MM) suele ser una credencial mínima requerida para las personas que desean enseñar composición en una universidad o conservatorio. Un compositor con un M.Mus. podría ser profesor adjunto o instructor en una universidad, pero sería difícil en la década de 2010 obtener un puesto de profesor titular con este título.
Para convertirse en profesor titular, muchas universidades exigen un título de doctorado . En composición, el título de doctorado clave es el de Doctor en Artes Musicales , en lugar del de PhD ; el PhD se otorga en música, pero normalmente para materias como musicología y teoría musical .
Los títulos de Doctor en Artes Musicales (conocidos como DMA, DMA, D.Mus.A. o A.Mus.D) en composición brindan una oportunidad para realizar estudios avanzados al más alto nivel artístico y pedagógico, y generalmente requieren 54 horas de crédito adicionales a las de un título de maestría (que son aproximadamente 30 créditos adicionales a las de una licenciatura). Por este motivo, la admisión es altamente selectiva. Los estudiantes deben presentar ejemplos de sus composiciones. Si están disponibles, algunas escuelas también aceptarán grabaciones de video o audio de interpretaciones de las piezas del estudiante. Se requieren exámenes de historia de la música, teoría musical, entrenamiento auditivo/dictado y un examen de ingreso.
Los estudiantes deben preparar composiciones significativas bajo la guía de profesores de composición de la facultad. Algunas escuelas requieren que los estudiantes de composición del DMA presenten conciertos de sus obras, que suelen ser interpretadas por cantantes o músicos de la escuela. La finalización de cursos avanzados y un promedio mínimo de B son otros requisitos típicos de un programa de DMA. Durante un programa de DMA, un estudiante de composición puede obtener experiencia enseñando a estudiantes de música de pregrado.
Algunos compositores no completaron programas de composición, sino que centraron sus estudios en la interpretación de la voz o de un instrumento o en la teoría musical , y desarrollaron sus habilidades de composición a lo largo de una carrera en otra ocupación musical.
