El ciclo de Vyšší Brod (Hohenfurth) , también conocido como retablo de Hohenfurth , se encuentra entre los monumentos más importantes de la pintura gótica europea . [1] [2] Está formado por nueve pinturas sobre tabla que representan escenas de la vida de Cristo , que abarcan su infancia, pasión y resurrección. Estas pinturas fueron realizadas entre 1345 y 1350 en el taller del Maestro de Vyšší Brod , que probablemente tenía su base en Praga . Las imágenes estaban destinadas a un retablo de altar cuadrado [3] o bien decoraban la partición del coro de la iglesia de la abadía cisterciense de Vyšší Brod .
La obra fue aparentemente encargada por Pedro I de Rosenberg , chambelán supremo del Reino de Bohemia , quien financió la abadía. [4] Esta serie de pinturas es un raro ejemplo de un retablo de altar gótico completo (aunque no hay un acuerdo completo sobre el hecho de que fuera un retablo, en otras palabras, una estructura que se encontraba sobre el altar; también ha habido teorías de que podría haber sido colgado en los bancos del coro o en el biombo del coro) . Habiendo sido devuelto a su antiguo propietario, la Abadía Cisterciense de Vyšší Brod , se exhibe como préstamo a largo plazo en la exposición permanente de la Colección de Arte Medieval de la Galería Nacional de Praga . Según Hana Hlaváčková, el ciclo completo podría haber sido realizado para la coronación de Carlos IV (1347) en la Catedral de San Vito , que estaba inacabada en ese momento y las pinturas podrían haber cubierto el trabajo de construcción en curso. El autor cree que las pinturas fueron colgadas en una fila entre el coro y la nave detrás del altar de la Santa Cruz. Esto se evidencia por el daño de la llama de la vela, que los restauradores encontraron solo en el tríptico central. [5] Hay En los documentos del monasterio de Vyšší Brod no se mencionan las pinturas y no hay ningún lugar adecuado para todo el ciclo en la iglesia de allí. [6] [7] Por lo tanto, algunos investigadores creen que el ciclo de Hohenfurth fue trasladado allí solo de forma secundaria. [8]
Las dimensiones de los paneles son de aproximadamente 99 x 92 cm. Cada uno de ellos está compuesto por tres tablas de sicomoro de 2 cm de grosor unidas con clavijas y cubiertas con lienzo de lino. El dibujo subyacente sobre la base de tiza se realizó con carboncillo y grabado. La pintura se realizó al temple y los pigmentos se adhirieron con gelatina. Un polimento de color púrpura oscuro forma la base del dorado; un polimento de color amarillo anaranjado se encuentra debajo de la lámina de plata. Especialmente en la superposición de los tonos de la piel, el Maestro del Retablo de Vyšší Brod utilizó un complejo sistema de capas y pinturas de base que se basaba en la tradición de la pintura bizantina y, por lo tanto, no tiene paralelos en la pintura centroeuropea de la época. La técnica de pintura idéntica en todos los paneles confirma que fueron producidos en un solo taller. [9] Aunque podría haber un intercambio mutuo de motivos, materiales y artistas individuales con iluminadores de manuscritos, el taller centrado en pinturas sobre tabla y murales funcionó de manera independiente. [10]
La serie está formada por tríos de escenas relacionadas entre sí del ciclo cristológico, dispuestas de forma que la central sea la de la Crucifixión. Están pensadas para la meditación de los creyentes y están relacionadas con las fiestas eclesiásticas más importantes. [11] Una serie de motivos que el Maestro del retablo de Vyšší Brod utilizó por primera vez en la pintura bohemia esconde símbolos relacionados con los Evangelios, así como con los libros apócrifos y textos teológicos medievales (el Cantar de los Cantares y textos de san Bernardo de Claraval ).
La fila inferior de pinturas representa escenas de la infancia de Cristo y está relacionada con el Adviento (concretamente la Anunciación de la fiesta de la primavera el 25 de marzo) y las fiestas de Navidad. Se caracteriza por una paleta de colores radiantes y tonos claros combinados con dorados.
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El Ángel de la Anunciación se acerca a la Virgen María , que sostiene un libro abierto en la mano. En la banda de la inscripción se lee Ave gracia plena d(omi)n(u)s tecu(m). La escena está acompañada por los símbolos habituales: un lirio y María sosteniendo un velo (virginidad), un libro abierto (concepción) y pavos reales (inmortalidad y eternidad). Una serie de otros símbolos proporcionan diversas interpretaciones (Dios enviando rocío del cielo o maná en el desierto; [12] un cofre de dinero). María en su trono representa así a la Virgen del Templo de Dios protegiendo el Arca de la Alianza o bien a la Reina del Cielo , [13] siendo el trono también su dormitorio. La guirnalda de nueve estrellas de su corona podría ser una representación astrológicamente relacionada con la constelación de Virgo. [14] Un símbolo menos evidente es el motivo de un árbol con un pequeño tronco doble en la parte izquierda que hace referencia a los árboles de la vida y del conocimiento en el paraíso, así como a la doble encarnación de Cristo como Dios y hombre.
Un rasgo profano notable de la escena es la rica vestimenta que lleva el ángel, que parece más bien un cortesano que lleva la insignia del gobernante (un orbe imperial). El motivo del lirio sobre un fondo azul que aparece en el manto del ángel tiene su origen en Francia y hace referencia a la heráldica de los gobernantes franceses de la Casa de Valois . María no es representada como una simple doncella, sino como una monarca en el trono con una corona en la cabeza. La escena en su conjunto podría estar relacionada con la coronación de Carlos IV y Blanca de Valois como rey y reina de Bohemia en el Castillo de Praga el 2 de septiembre de 1347. [14]
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Este cuadro conecta tres escenas. La escena central es la de María con el niño Jesús en un cobertizo sencillo y abierto. Está acompañada en el fondo por los animales apócrifos habituales. En primer plano, José está preparando un baño con la partera (llamada Salomé en los apócrifos) y en el fondo el arcángel Gabriel está anunciando la buena nueva a los pastores (escena de la Anunciación a los pastores). La participación activa de José como padre adoptivo en los acontecimientos de la escena, específicamente en el cuidado activo del bebé recién nacido, es relativamente inusual en la primera mitad del siglo XIV, aunque aparece ya en el siglo XIII. Sin embargo, aparece con más frecuencia a partir de finales del siglo XIV (por ejemplo, con José cocinando papilla, preparando un baño, cosiendo y secando pañales, preparando comida para María y alimentando al burro y al buey). No se basa en ninguna fuente literaria y, con toda probabilidad, se originó en el contexto secular de la sociedad burguesa; También podemos rastrear su recepción y reflexión en los villancicos de la época que, sin embargo, representan al padre adoptivo de Nuestro Señor como una figura más bien grotesca. Al mismo tiempo, a partir de los siglos XIV y XV, el respeto oficial por San José creció. En todas las escenas hay una multitud de pequeños motivos que tienen su origen en el arte bizantino mediado, o más bien interpretado, por maestros italianos.
María está reclinada en una cama y besa al niño en sus labios de una manera que está conectada con su papel místico como la esposa de Cristo en el Cantar de los Cantares , en el que María es la personificación de la Iglesia cristiana . La desnudez del niño se refiere a su humanidad y se relaciona con los esfuerzos por humanizar un tema religioso que fue propagado por la Orden Franciscana. [15] La cama está cubierta con una manta finamente decorada que simboliza a María como la Reina del Cielo .
En la esquina inferior derecha se encuentra arrodillado un donante, al que el escudo con su rosa de cinco pétalos identifica como miembro de la Casa de Rosenberg . En su mano sostiene la maqueta de una iglesia, con toda probabilidad se trata de la iglesia de la abadía de Vyšší Brod. La banda sobre el escudo nunca ha sido inscrita.
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Esta escena repite la composición análoga del trono tal como aparece en el cuadro de la Anunciación y el modelo habitual que se mantuvo durante el siglo XIV, en el que los reyes o los sabios representaban tres edades del hombre y el segundo rey, de edad viril, a veces toma la forma del monarca gobernante. Fue solo a partir de la década de 1360 (o, más probablemente, a partir de principios del siglo XV, porque el rey negro en la pintura del monasterio de Emaús era evidentemente una pieza de sobrepintura barroca) cuando los reyes fueron retratados con mayor frecuencia como representantes de los tres continentes conocidos en ese momento. También en esta escena, María sigue siendo una reina sentada en un trono. El motivo de un anciano besando la mano de un niño pequeño, que hasta entonces era raro fuera de Francia, es la expresión de un vínculo espiritual con Cristo y tiene su origen en la obra Meditationes Vitae Christi que apareció en Bohemia durante el reinado de Carlos IV, emperador del Sacro Imperio Romano Germánico . El trono está representado en una perspectiva empírica imperfecta. La Virgen María , ocultando uno de los pilares que sostienen el dosel, se presenta simbólicamente como un pilar de la Iglesia cristiana .
Los cuadros centrales están relacionados con las fiestas cristianas de la Pascua con el martirio y la resurrección de Cristo. Esto se refleja en los tonos más oscuros en las áreas más amplias y en la limitación de la decoración.
El elemento principal de la composición está formado por la diagonal de la ladera del monte con las paredes rocosas dentadas y la vegetación primaveral en flor. El cuadro representa una disposición iconográfica tradicional con Cristo orante y tres apóstoles dormidos: San Pedro, San Juan y Santiago. Tres pájaros representados con precisión (un jilguero, un camachuelo común y una alondra común o abubilla) evidentemente tienen su origen en la pintura literaria inglesa o francesa. El jilguero se asocia a menudo con el martirio de Cristo, porque se alimenta de las semillas de los cardos y representa metafóricamente la corona de espinas de Cristo. En la leyenda medieval, el camachuelo común se asocia con la Crucifixión y su pecho rojo con gotas de la sangre de Cristo hace referencia al momento en que el camachuelo sacó un clavo de la cruz con su pico. [16] La alondra común podría, en la literatura anterior, estar asociada con el martirio de Cristo. [17]
El tipo de Crucifixión con una sola cruz y un grupo de figuras es habitual en el siglo XIII. Varios motivos, como la María desmayada, María Magdalena abrazada a la cruz y ángeles en vuelo con incensarios, tienen su origen en el contexto italiano.
Entre las figuras que se encuentran debajo de la cruz se encuentran San Longino con una lanza, José de Arimatea , posiblemente también Nicodemo y el centurión "bueno" apoyado en su escudo decorado con un rostro humano (el " gorgoneion "). Esta figura aparece en el contexto bohemio entre mediados del siglo XIV y mediados del siglo XV. Originalmente tenía una función apotropaica y podía representar simbólicamente los opuestos de Cristo y el diablo, el sol y la luna; y el cristianismo y el paganismo. [18]
En la obra del Maestro del retablo de Vyšší Brod se destacan los motivos eucarísticos relacionados con las llagas de Cristo, como el manto de María manchado con la sangre de Cristo y la curación milagrosa de la ceguera de Longino gracias a la sangre del costado de Cristo. El simbolismo podría estar directamente influenciado por el ambiente cortesano de Carlos IV , que conservó como reliquias sagradas parte del manto ensangrentado de María y la punta de la lanza de san Longino .
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La Crucifixión suele ir seguida de la escena del Descendimiento de la Cruz y del Entierro . La Lamentación , que no se menciona en los Evangelios , suele faltar en las representaciones más antiguas. [19] Hasta el siglo XIV, la Lamentación formaba parte de la escena del Entierro y solo aparece por separado en las Meditationes Vitae Christi y en el fresco de Giotto en la Capilla de los Scrovegni.
En la imagen, que con la ubicación de la cruz en el centro de la composición remite a la Crucifixión precedente , la sorprendentemente independiente María con Cristo en su regazo es una innovación realizada por el Maestro de Vyšší Brod . Esta representación anticipa toda una serie de Piedades "verticales" tempranas y evidentemente también inspiró la escultura gótica bohemia . María está a punto de besar a Jesús y aquí, como Nuestra Señora de los Dolores , es una vez más una madre que acuna a su hijo en su regazo. Las otras figuras provienen de representaciones más antiguas y tradicionales: San Juan , Santa María Magdalena , las dos Marías - parientes de la Virgen María (medias hermanas de la Virgen María, María Cleofás y María Salomé ), Nicodemo y un par de ángeles que sostienen incensarios. José de Arimatea también está presente.
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En este cuadro se combinan dos acontecimientos que se suceden uno tras otro, la Resurrección de Jesús y las tres Marías junto al sepulcro, y cuya representación conjunta era poco frecuente en la pintura anterior. La escena principal era originalmente la Visitación, una representación de las tres Marías junto al sepulcro vacío, donde se les apareció un ángel y les anunció la resurrección de Cristo ( Evangelios de San Marcos y San Mateo ). La resurrección de Cristo es la fiesta cristiana más importante, a pesar de que los Evangelios no mencionan la escena en sí. Fue solo a partir de los siglos XII y XIII cuando se representó a Cristo saliendo del sarcófago y, más tarde, de pie sobre el sarcófago sellado junto con los sorprendidos soldados que lo custodiaban. La Resurrección milagrosa, invisible para los testigos, es la escena dominante. Esto se refuerza con la figura de Cristo en una escala mayor. La Resurrección se concibe como el triunfo sobre la muerte y su símbolo es el estandarte de Cristo, cuyo mástil recuerda al madero de la cruz mientras que el estandarte con la imagen de un cordero recuerda el sacrificio de Cristo. A pesar de utilizar el habitual fondo dorado, la composición del cuadro presenta profundidad espacial.
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Las dos últimas imágenes se refieren a la Ascensión de Cristo y al envío del Espíritu Santo, que los cristianos celebran como Pentecostés . Estos acontecimientos misteriosos y sobrenaturales están acompañados por una paleta de colores más vívida y contrastante.
La Ascensión del Señor es uno de los dogmas centrales del cristianismo (Las obras de los apóstoles) y se celebra diez días antes de Pentecostés . Se produjo cuarenta días después de su Resurrección , cuando se apareció a María Magdalena y finalmente también a los apóstoles antes de que Dios lo llevara al cielo. En representaciones anteriores, esta escena muestra a Cristo en una mandorla llevada por ángeles. Aquí, el pintor los trata de manera convencional y solo representa las piernas de Cristo mientras asciende hacia las nubes. La composición simétrica presenta en su fondo un paisaje verde con las huellas de los pies de Cristo. Los apóstoles , cuyas figuras el pintor diferenció por los gestos de sus manos, son en su mayoría ancianos.
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En el centro de la escena de Pentecostés , que en la pintura bizantina suele estar protagonizada por san Pedro y san Pablo , se encuentra la Virgen María sentada con un libro abierto. Los doce apóstoles , sobre los que descendió el Espíritu Santo en forma de lenguas como de fuego, fueron dotados con el don de dominar las lenguas de todas las naciones para que pudieran difundir el evangelio . El motivo del apóstol que se lleva el dedo a la boca como símbolo del silencio fue adoptado del arte italiano, en el que representa una alegoría de la obediencia o la paciencia. [20]
Toda la serie es obra principalmente del Maestro del retablo de Vyšší Brod, que tiene un estilo pictórico característico. Pintó la Anunciación, el Nacimiento de Cristo, la Adoración de los Magos, el Monte de los Olivos y la Resurrección. Sus figuras son sustanciales; se mantienen firmes en el suelo y sus movimientos y poses están representados de manera creíble. El modelado de los drapeados describe el volumen, así como las proporciones, la mecánica y la posición del cuerpo. El cuerpo desnudo del niño respeta las proporciones básicas del cuerpo. [21] Los gestos de las figuras están medidos y justificados por la acción de la situación dada. Sus rostros tienen rasgos fisiológicos que también los distinguen entre sí. Además del maestro a cargo, es probable que otros tres pintores trabajaran en la serie en su conjunto: los dos primeros eran un colaborador joven y hábil y un colaborador hábil pero estilísticamente inconsistente que pintó el panel que representa el Envío del Espíritu Santo. En cuanto a la técnica pictórica, la obra más débil de la serie es la Ascensión que, sin embargo, también muestra varias características muy desarrolladas como una mayor individualización de los rostros. [22] Los paneles han sido afectados por sobrepintes y también han sido restaurados repetidamente, la última vez en 1993-2007. [23]
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Las pinturas del Maestro de Vyšší Brod son una síntesis del estilo italianizante , cuyos rasgos marcadamente bizantinos llegaron a Bohemia desde la región de Venecia en particular, y del estilo gótico de Europa occidental basado en el dibujo que se originó en Francia. Las obras anteriores que podrían haber inspirado a sus pintores incluyen ilustraciones de libros ( Jean Pucelle , iluminadores boloñeses activos en San Florián ), murales (el coro de la catedral de Colonia ), pintura sobre tabla (Meister der Rückseite des Verduner Altars) y esculturas (el Maestro de la Madonna de Michle). Varias obras creadas por otros artistas (Antependium de Königsfelden, [24] Kaufmann Crucifixión ) tienen motivos que son tan similares que se puede especular que utilizaron los mismos modelos.
La concepción iconográfica que, en grupos de obras, representa los momentos más importantes de la vida de Cristo, se basa en los ciclos de los pintores más importantes del Trecento italiano: Giotto y Duccio. El terreno cristalino estilizado que representa las paredes rocosas es típico de la década de 1340. Las influencias italianas se manifiestan sobre todo en la técnica pictórica, el abandono del enfoque basado en el dibujo y una mayor plasticidad de las figuras, los patrones decorativos, la tipología de las cabezas y la representación más desarrollada del paisaje y la arquitectura. Es especialmente llamativa la afinidad entre la pintura del Maestro de Vyšší Brod y el clima artístico y espiritual de Venecia, representado por su contemporáneo Paolo Veneziano.
Varios motivos de la serie Vyšší Brod fueron adoptados posteriormente por la pintura de libros de Bohemia, en particular Velislai biblia picta (antes de 1349) y la Leyenda de Santa Eduvigis, [25] Liber viaticus de Juan de Neumarkt (1350-1364) y el Misal de Juan de Neumarkt . En la pintura sobre tabla, fue seguido por el pintor de los paneles Morgan [26] y, en un círculo más amplio, el altar del Castillo de Tirol, el Maestro de Westfalia Bertram ( Retablo de Grabow ), el pintor que creó el Retablo de Toruń [27] y el retablo de Erfurt del Meister des Erfurter Einhornaltars. El motivo del manto ensangrentado de María está conectado casi exclusivamente con el contexto bohemio y aparece en la obra del Maestro del Retablo de Třeboň , el Maestro del Retablo de Rajhrad y persistió hasta mediados del siglo XV.
Aunque sobreviven pocas obras de arte del reinado de Juan de Luxemburgo (1296-1346) ( Pasional de la abadesa Kunigunde , 1312-1321, Crucifixión de Kaufmann , después de 1330), [28] está claro que ya existía un centro importante en Praga donde se mezclaban las influencias de la pintura francesa e italiana. [29] A otros artistas importantes ( Maestro Teodorico , Maestro de la Genealogía de Luxemburgo ) se les encargó la decoración del Castillo de Karlštejn . [30] El retablo fue probablemente realizado para la Catedral de San Vito y la coronación de Carlos IV , [8] más que para la Abadía cisterciense de Vyšší Brod . Su donante fue con toda probabilidad Pedro I de Rosenberg , el Chambelán Real Supremo, Juez Supremo y ejecutor del testamento de Juan de Luxemburgo . El motivo personal del donante pudo haber sido interceder por la salvación del alma de su hijo, que murió junto a Juan de Luxemburgo en la batalla de Crécy . Pedro de Rosenberg apoyó a la abadía de Vyšší Brod desde 1332. Antes de su muerte el 14 de octubre de 1347 recibió el hábito cisterciense y fue enterrado en el monasterio. Jošt de Rosenberg, hijo de Pedro y heredero de su función de chambelán real, mandó terminar posteriormente el retablo. Las pinturas se realizaron en el taller de la corte de Praga. [ cita requerida ]
En 1938, antes del estallido de la Segunda Guerra Mundial , el retablo fue trasladado a la Pinacoteca (la Colección de Arte Antiguo de lo que más tarde se convertiría en la Galería Nacional de Praga ). Sin embargo, durante la guerra, fue robado por los nazis y almacenado en la Abadía de Vyšší Brod junto con otras obras. Hitler tenía la intención de colocarlas en el Museo Imperial planeado en Linz, Alta Austria. Al final de la guerra, el retablo fue descubierto por el ejército estadounidense en una mina de sal en Bad-Aussee, Austria, junto con otras obras de arte. Fue transportado a Múnich y en 1947 fue devuelto a la Galería Nacional . [31] En 2014 fue devuelto como parte de la restitución a la Abadía Cisterciense de Vyšší Brod y ahora está en préstamo a largo plazo a la Galería Nacional de Praga . [ cita requerida ]
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