Antes del inicio de la trata de esclavos en el Atlántico , los afrodescendientes utilizaban la música para expresar sus emociones y comunicarse con los demás. También era una parte crucial de los rituales y ceremonias religiosas. Cuando comenzó la esclavitud de individuos africanos en los Estados Unidos, la música se volvió vital para estos esclavos. El canto, en particular, era esencial para los esclavos africanos en América. Les permitía transmitir mensajes sin llamar la atención no deseada de los amos de los esclavos y ayudaba a levantar el ánimo de quienes los rodeaban.
Con el paso del tiempo, las personas negras, especialmente las mujeres negras, se convirtieron en la columna vertebral de la creación musical en los primeros Estados Unidos y han seguido teniendo un impacto significativo en la industria musical actual. Sin embargo, a lo largo de la historia ha habido una falta de respeto hacia las mujeres negras y sus contribuciones a la industria musical. Al navegar por la industria con las identidades en capas de ser negras y mujeres, las mujeres negras experimentan la misoginia negra , que afecta sus experiencias en el mundo de la música. Esta misoginia tiene sus raíces en prejuicios y estereotipos preconcebidos que rodean a su demografía, lo que influye en cómo se trata y comercializa a las mujeres negras en el campo. Por ejemplo, se ha etiquetado a las mujeres negras con una incapacidad para llevarse bien, lo que las coloca en un lugar de mayor comparación y competencia a manos de la audiencia. [1] Por lo tanto, a pesar de sus diversas contribuciones a la música y la cultura estadounidenses, su historia a menudo se olvida o se pierde. En una industria dominada por los hombres, muchas mujeres negras en la historia han tenido dificultades para combatir la ideología de que las mujeres no pueden tener tanto éxito como los hombres en el mismo campo. En diversos géneros como el rap, el jazz, el blues y el R&B, las mujeres negras han tenido que trabajar el doble que los hombres para alcanzar el mismo nivel, y aún así, muchas de estas artistas no obtienen el reconocimiento que merecen. A menudo se las pasa por alto o se las sexualiza en exceso solo para llamar la atención, independientemente de su talento.
En los Estados Unidos, la introducción de nuevos estilos de música se produjo durante la era de la trata transatlántica de esclavos . Los géneros musicales incluyen, entre otros, blues , rock , música gospel , jazz , bluegrass y hip-hop . Las mujeres afroamericanas en la industria musical han hecho contribuciones significativas a lo largo de los años. Los estigmas que rodeaban a las mujeres afroamericanas durante el siglo XX pueden haber dificultado que tuvieran una fuerte presencia en la música convencional. A pesar de esto, las mujeres seguían teniendo autoridad en los géneros de blues, jazz y R&B .
Las mujeres afroamericanas han desempeñado un papel importante en la formación de los géneros de jazz y hip-hop/rap, contribuyendo como cantantes e instrumentistas. [2] Históricamente, estos géneros eran predominantemente masculinos, pero las mujeres afroamericanas han surgido como figuras influyentes, desafiando las normas tradicionales. La música rap se define como un género que incluye un patrón de ritmo recurrente en el fondo acompañado de un habla rítmica. El piano ayudó a las artistas femeninas con sus actuaciones y habilidades de jazz, lo que les otorgó un grado de aceptación en la industria de la música. Esto permitió que las mujeres no solo crecieran como artistas, sino que también les permitió abrir sus plataformas. Con una buena exposición, la esperanza era que pudieran conectarse con otros artistas y elevarse mutuamente a través de la música. [3] La música puede crear un sentido de identidad dentro de ellas mismas y conciencia para el público.
Mary Lou Williams , [4] considerada una pianista popular , también es considerada una de las mujeres de jazz más conocidas y veneradas de Estados Unidos. [5] Williams obtuvo su primer protagonismo y apoyo en su ciudad natal, Kansas City , donde se convirtió en una de las pianistas más "buscadas" de Kansas City. [5] Se dice que Williams influyó en la evolución del sonido de las " big bands " [6] a través de sus composiciones . Basándose en sus innovadoras técnicas de escritura, Williams tuvo la oportunidad de componer para muchos innovadores del jazz conocidos, como Louis Armstrong [ 4] y Duke Ellington . [4] Williams decidió no mudarse al área de Nueva York hasta principios de la década de 1940. Fue durante este tiempo que estaba surgiendo un nuevo estilo de música conocido como " bebop ". Se adaptó sin problemas a la composición de música en este nuevo estilo, que se reconoce como un subgénero del jazz. Más tarde pasó a dirigir varios grupos musicales de mujeres y fundó una de las primeras compañías discográficas propiedad de mujeres. La industria musical dominada por los hombres creó un estigma negativo hacia las mujeres, la mayoría no pudo triunfar en la industria como intérpretes individuales. Aunque las bandas de jazz exclusivamente femeninas y los grupos de jazz familiares fueron populares durante la Segunda Guerra Mundial , muchos músicos de jazz masculinos fueron reclutados para luchar en la guerra. Las bandas exclusivamente femeninas tuvieron la oportunidad de ganar popularidad y construir su plataforma debido a esto. Algunas de estas bandas incluyeron Darlings of Rhythm y International Sweethearts of Rhythm . [7]
Años después, varias mujeres afroamericanas pudieron triunfar como cantantes individuales y raperas en la industria. Algunos de los nombres más exitosos incluyen a Ella Fitzgerald , Dinah Washington , Lena Horne , Billie Holiday , Lil Kim , Queen Latifah , MC Lyte , Missy Elliot y Lauryn Hill . [8] Ella Fitzgerald, conocida como "La primera dama de la canción", vendió más de 40 millones de discos y ganó 13 premios Grammy. [9]
Jill Scott , una consumada artista afroamericana, es reconocida no solo por su notable talento vocal sino también por su excepcional habilidad para mezclar varios géneros, incluidos el jazz y el hip-hop . Al crecer en Filadelfia , se inspiró en una amplia gama de influencias musicales que dieron forma a su identidad artística. A pesar de enfrentar desafíos y críticas importantes como mujer negra en la industria de la música, Scott se ha asegurado su lugar como artista ganadora del premio Grammy [10] . En el Essence Music Festival, compartió con franqueza que su viaje como artista no ha sido fácil. A lo largo de su carrera, se ha encontrado con el escrutinio sobre su apariencia y expresión artística. [11] Sin embargo, Jill Scott se ha mantenido firme en su búsqueda de la integridad artística, superando obstáculos y allanando el camino para que los artistas emergentes expresen con confianza sus talentos. Su perseverancia no solo ejemplifica su dedicación a la música, sino que también inspira a otros a compartir sus narrativas personales en cualquier género que elijan.
El blues de los años 1920 , conocido como el blues clásico, fue un género popularizado en gran medida por las mujeres afroamericanas. Cantantes como Ma Rainey , Bessie Smith , Alberta Hunter y Ethel Waters fueron las más populares. [12] Ma Rainey, conocida como la "Madre del Blues", se hizo popular a principios de la década de 1900. Rainey fue la primera artista de teatro negra popular en incorporar blues auténtico en su selección de canciones. Es conocida por el "Jump Blues" [5] que incorporó un estilo atrevido y teatral. Bessie Smith, conocida como la "emperatriz del blues" [5] mostró el blues clásico. Smith comenzó su carrera profesional como bailarina en la Compañía Moses Stokes, de la que Rainey era la cantante principal en ese momento.
El blues country, dominado por los hombres, creció en popularidad y las mujeres quedaron fuera del foco de atención por un tiempo debido a esto. [¿ Hasta cuándo? ] Durante el resurgimiento del blues, unos 30 años después, Mamie Smith se convirtió en la primera vocalista negra en grabar una canción de blues. [13] Mientras que " Crazy Blues " se cita como la primera grabación de blues y también representa el surgimiento de las cantantes negras en la cultura de la música popular. Tanto los consumidores negros como los blancos compraron el disco, y los ejecutivos de las compañías discográficas lo reconocieron como un segmento de marketing lucrativo. [14]
El soul y el R&B tienen sus raíces en el Movimiento por los Derechos Civiles de la década de 1960. Si bien estos géneros se han centrado principalmente en derribar las enormes barreras entre los estadounidenses negros y blancos, la mayoría de los cantantes dentro de este género tenían raíces sureñas. Cantaban para expresar sus opiniones, preocupaciones, sentimientos y puntos de vista sobre la vida. Los artistas de este género incluyen a Sister Rosetta Tharpe , Bessie Smith y Aretha Franklin . Aretha Franklin, ganó prominencia en la década de 1960. [15] [16] Franklin firmó su contrato discográfico a la edad de dieciocho años después de cantar en su iglesia en Detroit . [17] Algunas de las colaboraciones más destacadas fueron con músicos que tenían experiencia en música gospel. Ella eligió seguir este camino y reinventarse, consiguiendo cinco éxitos número uno y un Grammy. [18] En 1967 y 1968, Franklin alcanzó el éxito comercial, grabando más de una docena de sencillos vendidos. [19] Mahalia Jackson fue otra artista femenina conocida como la "Reina del gospel" que tuvo un impacto en el movimiento por los derechos civiles con sus canciones. [20] [21] Aretha Franklin versionó una de sus canciones más populares, "How I Got Over". Era una versión más animada con James Cleveland y The Southern California Community Choir. [22] Tanto Aretha Franklin como Mahalia Jackson tuvieron canciones importantes durante el movimiento por los derechos civiles: la versión de Franklin de " Respect " de Otis Redding y "I've Been 'Buked and I've Been Scorned" de Jackson, que interpretó en la marcha en Washington después de que el Dr. Martin Luther King Jr. se lo pidiera . [21] [23] A pesar de su papel en la popularización de la música y la cultura negras, pocas mujeres negras son reconocidas en el surgimiento de la cultura del rap y el hip-hop en los años 1970-1980. [24] [25] [26]
En la década de 1990 surgió una versión del hip hop que transformó la música alegre de décadas anteriores en una conciencia del mundo que invitaba a la reflexión y que parecía romantizar la pobreza, el consumo de drogas, el tráfico de drogas y la violencia de pandillas. [27] Las artistas femeninas populares en este género incluyen a Queen Latifah , Missy Elliot , Nicki Minaj , Cardi-B y Salt-N-Pepa . MC Sha-Rock fue nombrada la "madre del micrófono" por ser la primera MC femenina en el hip hop. Luego se unió al grupo de hip hop que fue el primero en recibir un contrato discográfico llamado "The Funky 4+1". Sha-Rock ayudó a impulsar el rap a un foco de atención general para el resto de Estados Unidos y el mundo. Este género musical ha sido criticado por objetivar sexualmente no solo a las mujeres de color sino a todas las mujeres. [28] Artistas como Monie Love y Queen Latifah hicieron música que empoderaba a las mujeres y llamaba a la unidad entre las artistas femeninas. El exitoso sencillo de Latifah y Love, "Ladies First", celebra a las mujeres en toda la industria musical. Artistas como Missy Elliott , Lauryn Hill y Eve fueron aplaudidas por sus esfuerzos, ya que cambiaron el juego para las artistas femeninas con su innovación. Hill era una artista multipropósito, lo que significa que escribió, produjo e interpretó su música por su cuenta. Hill recibió 5 premios Grammy en 1999 por sus esfuerzos. En los años modernos del rap, las imágenes de las mujeres se han vuelto tan importantes como su habilidad musical. Artistas femeninas modernas como Saweetie , Megan Thee Stallion y City Girls usan su atractivo sexual como el punto focal de su música. El lenguaje utilizado en la música rap moderna ha sido criticado por los críticos por la prevalencia de términos de jerga como " bitch ", "hoe", "slut" o "thot". [29] Las redes sociales ahora se han convertido en parte de la industria de la música como una forma para que estas mujeres promuevan la música de muchas maneras, ya que estas canciones se vuelven virales y están respaldadas por las tendencias. Algunas de estas mujeres se han convertido en las artistas femeninas más vendidas de todos los tiempos. Cardi B es la única artista solista femenina en ganar un Grammy al Mejor Álbum de Rap . Las mujeres están de vuelta en la cima de las listas con las canciones rapeadas por Megan Thee Stallion, Doja Cat , Lizzo y muchas más. [30]
Las preocupaciones y frustraciones de Nicki Minaj con respecto a los Premios Grammy y la industria musical en general reflejan un problema de larga data de prejuicios y desafíos sistémicos que enfrentan los artistas, particularmente aquellos que son mujeres y personas de color. Su argumento sobre ser ubicada en la categoría Pop en lugar de la categoría Hip Hop/Rap resalta las complejidades de la clasificación de géneros y el impacto que puede tener en el reconocimiento y el éxito de un artista. La categorización de los géneros musicales es subjetiva y, a veces, puede reflejar tendencias y prejuicios más amplios de la industria. Los comentarios de Nicki Minaj sobre los esfuerzos conservadores de la industria y la elevación de los artistas más nuevos sobre los más antiguos resuenan con discusiones más amplias sobre la representación y el reconocimiento en el negocio del entretenimiento. El tema de la diversidad y la inclusión, tanto en términos de raza como de género, ha sido un tema recurrente en la industria de la música, y muchos artistas abogan por un trato y oportunidades más equitativos. Nicki Minaj ha pedido a los artistas que se pronuncien en contra de las prácticas injustas y los prejuicios en la industria de la música, lo que es un reflejo de una tendencia creciente en la que los músicos están utilizando sus plataformas para abordar problemas sistémicos. La promoción del cambio, la transparencia y la equidad en la industria musical es fundamental para crear un entorno en el que todos los artistas, independientemente de su origen, puedan prosperar y recibir reconocimiento. Los debates en torno a estas cuestiones siguen en curso, y la industria musical sigue lidiando con la necesidad de un cambio sistémico para garantizar un espacio más equitativo e inclusivo para todos los artistas. [31]
Megan Thee Stallion ha hablado sobre la misoginia negra que existe en la industria de la música. Después de un tiroteo en 2020 que involucró a Tory Lanez , una rapera canadiense y pareja de Megan en ese momento, Internet se llenó de muchos comentarios raciales y misóginos hacia Megan. Hasta el día de hoy, raperos como Drake han mencionado el incidente de una manera "lúdica", burlándose del trauma y el dolor de Megan. Estos incidentes de misoginia negra no existen en el vacío y son parte de la estructura más amplia que es la opresión creciente que enfrentan las mujeres negras en el mundo.
Feminismo hip hop
A lo largo de la historia ha habido una falta de respeto hacia las mujeres negras y sus contribuciones a la industria musical, lo que resultó en el auge del feminismo hip hop . El movimiento aborda los problemas que surgen de la desindustrialización , las disparidades raciales de riqueza y la reacción conservadora. Fue moldeado por el entorno social de los años 1980 y 1990. Meshell Ndegeocello , una rapera y cantante estadounidense y la bajista Angie Stone , una cantante, son dos artistas que han dado forma a la conversación. El feminismo hip-hop va más allá de las cuestiones de género para apoyar los derechos de las mujeres, los afroamericanos y las personas LGBTQ+ . Queen Latifah , una figura destacada del género, utilizó "la política de la respetabilidad" para promover los derechos de las mujeres y el empoderamiento racial. Ndegeocello es una de las feministas queer de color en ascenso que aporta un punto de vista matizado a problemas como el aborto y los estándares de belleza injustos . Los cambios de perspectiva se reflejan en la transición de la música hip hop dominada por los hombres al hip hop soul centrado en las mujeres , lo que permite una diversidad de narrativas dentro de las comunidades negras. La canción ganadora del Grammy " UNITY " de Queen Latifah fue un momento histórico que validó la poderosa voz de las mujeres negras en un campo dominado por los hombres y provocó debates sobre el abuso doméstico y la mercantilización de la sexualidad de las mujeres negras.
Este legado comienza en la década de 1870 con los Fisk Jubilee Singers , que interpretaron muchos géneros musicales diferentes, incluidos los espirituales tradicionales , el blues, el jazz clásico y el rhythm and blues , también conocido comúnmente como R&B. Los Fisk Jubilee Singers se hicieron populares en todo el mundo por cantar espirituales tradicionales durante sus giras tanto en Estados Unidos como en Inglaterra . [32]
El feminismo del hip hop tiene sus raíces en los intentos de recuperar la posición positiva de las mujeres negras en la industria musical. La rapera Monie Love dijo una vez: "podrías ser tan buena como cualquier hombre y aun así no recibirías el nivel de respeto que merecías como mujer en el micrófono". La reacción conservadora de la desindustrialización de los años 1980 y 1990, así como el recorte del estado de bienestar, el consiguiente desmantelamiento de los programas sociales y la acción afirmativa, junto con la creciente brecha racial de riqueza , han afectado los mundos vividos y las visiones del mundo de la generación del hip hop. [33] El feminismo del hip hop también apunta a recuperar la sexualización de las mujeres negras como algo placentero y consensuado. [33]
Algunos artistas notables incluyen Me'Shell Ndegeocello y Angie Stone .
El feminismo del hip-hop ha tenido un impacto político en lo que respecta a los derechos de las mujeres, los afroamericanos y la comunidad LGBTQ. Por ello, el feminismo del hip-hop ha estado condicionado en gran medida por una agenda sociopolítica. Esto ha creado una segunda y una tercera ola de mujeres negras estadounidenses que son artistas, y ambas comparten una opinión diferente a través de sus canciones. Sin embargo, existen vínculos teóricos y prácticos entre las generaciones y su música. [34]
Un aspecto del feminismo del hip-hop es su uso de "la política de la respetabilidad", [35] un término acuñado por Evelyn Brooks Higginbotham , que describe varias estrategias para que las artistas negras progresistas promuevan de manera más efectiva un mensaje de superación racial y de derechos de las mujeres a un público más amplio. Estos métodos se refieren en gran medida a nociones de respeto propio, honor, piedad y decoro. La política de la respetabilidad ha sido una forma útil de mejorar las condiciones de los afroamericanos, al proporcionar a las artistas negras una plataforma para hablar sobre las prácticas racistas y misóginas de iure y de facto que experimentan. [36]
Más recientemente, ha surgido una ola de feministas queer de color en el hip-hop. Un ejemplo de esto es Me'Shell Ndegeocello , quien debutó en 1993. En sus letras, Ndegeocello concientiza sobre las realidades que enfrenta la comunidad negra, como el aborto , las viviendas de bajos ingresos y los estándares de belleza injustos en Estados Unidos. Las letras de Ndegeocello exploran aún más su identidad queer en canciones como "Mary Magdalene" y "Pocketbook". [37]
A través del hip-hop soul, las mujeres crearon una estética que representaba y se involucraba en políticas de sexualidad y género en las comunidades negras de clase trabajadora. Al permitir que las mujeres del hip-hop soul ofrecieran narrativas que resaltaran su naturaleza multidimensional, ofrecieron experiencias con las que otras mujeres negras podían identificarse. [38] El cambio del hip-hop dominado por los hombres al hip-hop soul centrado en las mujeres y contado por ellas pone de relieve el cambio en las percepciones previas de las mujeres dentro de la cultura del hip-hop.
La rapera y actriz Queen Latifah hizo historia cuando ganó un Grammy por su éxito revolucionario, " UNITY ", en 1995. La canción se manifestó en contra de la violencia doméstica y la cosificación de la sexualidad de las mujeres negras. "UNITY" inició una conversación en la comunidad afroamericana sobre la violencia y el abuso contra las mujeres. También estableció que las raperas negras tenían una voz poderosa en un campo injustamente dominado por los hombres.
Fuente: [39]
En la actualidad, las raperas utilizan las letras del rap para definir una identidad femenina negra independiente. Entre los ejemplos se incluyen Queen Latifah , Salt 'N' Pepa , MC Lyte y Eve , que critican a los hombres que abusan y manipulan a las mujeres. Otras mujeres ( Beyoncé , Lauryn Hill , Rihanna , Nicki Minaj , Alicia Keys , Kehlani , Mariah Carey , Missy Elliott , Janet Jackson y Zap Mama ) utilizan el hip-hop como plataforma para empoderar a las mujeres negras y otras minorías en todo el mundo. [40]
Queen Latifah está clasificada como una de las mayores influencias en la industria de la música. [41] Lanzó su álbum, All Hail the Queen a la edad de diecinueve años. El álbum tiene temas feministas que atrajeron a una amplia audiencia. Queen Latifah promovió la importancia de las mujeres, exigiendo un trato igualitario para las mujeres y la importancia de que las mujeres se apoyen entre sí. [42] Fue la primera mujer [43] MC en obtener el disco de oro, lo que allanó el camino para otras raperas. Black Reign fue su álbum más popular e incluyó su sencillo más grande, UNITY , que ganó un Grammy a la Mejor Interpretación de Rap Solista. [44] Décadas atrás, existía una ideología de que un artista debía adquirir una determinada imagen de tamaño de muestra para tener éxito en la industria de la música, especialmente por parte de artistas negros. Queen Latifah , ya que fue una de las primeras músicas negras que no se conformó con las expectativas de cambiar su apariencia de moda en los medios. Latifah fue muy firme en hablar públicamente sobre la positividad corporal y la inclusión de la ropa de mujer. [45]
Beyoncé Knowles es otro ejemplo de una mujer negra en la industria musical que ha tenido un impacto significativo en la industria. Beyoncé ha ganado la mayor cantidad de premios Grammy de todos los tiempos con 32 premios Grammy (hasta 2024) y es la única artista en la historia que ha logrado que sus ocho álbumes de estudio alcancen la cima de las listas de álbumes de Billboard. El trabajo más reciente de Knowles (hasta 2016), Lemonade , aborda los problemas que enfrentan las mujeres negras mientras viven en Estados Unidos. Por ejemplo, la canción " Freedom ", que habla sobre la negritud en Estados Unidos, incluye imágenes asombrosas de varias mujeres negras feroces que orgullosamente lucen afros escogidos y otros peinados dinámicos en escenas que reflejan y reafirman la belleza negra". [46] El visual de "Freedom" contiene imágenes poderosas y conmovedoras de mujeres negras que han perdido hombres negros en sus vidas, incluidas Gwen Carr , Sybrina Fulton y Lezley McSpadden, quienes son las madres de Eric Garner , Trayvon Martin y Michael Brown , respectivamente. [46] En la película " Black is King ", promueve la belleza y el poder dentro de la comunidad negra. Varias canciones de la banda sonora como " MY POWER " y " BROWN SKIN GIRL " presentan temas de autoidentidad y autoestima.
Sylvia Rhone , quien ahora es directora ejecutiva de Epic Records , ha sido pionera en el negocio de la música durante décadas. [47] [48] [49] Comenzó su carrera en la industria de la música con Buddah Records en 1974, y pasó un tiempo en ABC Records , Ariola Records , Elektra, Atlantic Records y finalmente Epic Records. [47] [48] [49] Rhone ha descubierto y asesorado a varios artistas actuales de renombre, incluidos DJ Khaled , 21 Savage , Camila Cabello , Travis Scott , Future , Meghan Trainor , French Montana y muchos más. [47] [48] [49]
Nacida en Portsmouth, Virginia , Missy Elliott surgió de orígenes humildes para convertirse en una figura innovadora en la música. Su trayectoria comenzó en un grupo femenino de R&B, Swing Mob , pero su talento pronto trascendió los roles convencionales. Forjó su camino, colaborando con artistas como Aaliyah y Janet Jackson y creó éxitos como Get Ur Freak On y Work It que cambiaron el sonido de finales de los 90 y principios de los 2000. Sus visuales que traspasaban los límites, junto con su arte seguro y diverso, no solo desafiaron los estereotipos, sino que también se convirtieron en un catalizador para la inclusión y la creatividad de las mujeres en la música afroamericana. [50]
Los estudios han demostrado que las mujeres negras se ven menospreciadas en los videos musicales de hip-hop y rap. [51] Cuando se representa a mujeres negras, a menudo se lo hace de una manera que refuerza los estereotipos sobre los roles de género; específicamente, es más probable que las mujeres aparezcan en posiciones sumisas ante los hombres. [52] [53]
Las mujeres negras suelen ser sexualizadas en los vídeos musicales de hip hop y rap . A menudo se las llama "putas", "zorras" o " zorras " en los vídeos. [54] [55] A menudo se las puede ver con ropa reveladora, como lencería , pantalones cortos o trajes de baño . Sin embargo, en los últimos años las mujeres negras se han vuelto más dominantes y el rol de género a menudo puede cambiarse. Muchos académicos han argumentado que las mujeres son sexualizadas en estos vídeos para realzar la hipermasculinidad de los raperos masculinos que aparecen. [56] [57] [58]
Cuando las mujeres negras actúan en videos musicales , a veces se las ve en la forma eurocéntrica de belleza: de piel más clara y delgadas, pero no siempre. [59] En 2004, las mujeres del Spelman College protestaron por una campaña de médula ósea patrocinada por Nelly por las imágenes de su último video musical Tip Drill . [60] El video presentaba a docenas de mujeres bailando en bikinis de tanga alrededor de una piscina y sobre hombres. La escena que ha causado más alboroto es una imagen de Nelly deslizando una tarjeta de crédito por las nalgas de una mujer. [61] Incluso 15 años después, el productor del video, Kareem Johnson, defiende el video y la escena de la tarjeta de crédito afirmando específicamente "Si las chicas no estuvieran en el video, esto no sería una conversación. Eran participantes voluntarias. Esa es la parte que se perdió. La modelo nunca solicitó que se editara la escena. Si Nelly tiene que rendir cuentas, también la modelo. La responsabilidad debe ser compartida ". [62] [63]
Aunque las mujeres negras suelen ser sobresexualizadas en los videos musicales creados por artistas masculinos, hay algunos músicos, como Missy Elliott , Erykah Badu , Mary J. Blige y más, que intentan cambiar esa narrativa. A medida que las artistas negras comenzaron a inundar los puestos que antes estaban dominados por los hombres, como productoras, directoras y directoras de fotografía, utilizaron su nuevo estatus en la industria a su favor e intentaron pintar una nueva representación de las mujeres negras en videos musicales y entrevistas. Videos como Independent Women Pt. 1 de Destiny's Child y Doo-Wop (That Thing) de Lauryn Hill dieron una nueva perspectiva sobre las mujeres negras, mostrándolas bajo una luz más independiente, fuerte y sofisticada. [64]
En los últimos años, las mujeres negras han seguido dando forma a la industria musical estadounidense, rompiendo barreras y redefiniendo los géneros. El auge de las redes sociales ha proporcionado a las artistas negras nuevas vías para conectar con sus audiencias, permitiéndoles compartir sus historias y experiencias de formas más personales. Por ejemplo, el uso de plataformas como TikTok ha permitido que artistas emergentes ganen reconocimiento, como se ha visto con músicos como Doja Cat, Summer Walker, Olivia Rodrigo, Lil Nas X y más.
A pesar de estos avances, las mujeres negras en la industria musical aún enfrentan desafíos importantes, como la desigualdad salarial, la falta de representación en roles de liderazgo y los prejuicios en la industria. Iniciativas como el programa "Black Women in Music" de la Academia de la Grabación buscan abordar estas disparidades brindando recursos y apoyo a las artistas negras. En general, las contribuciones de las mujeres negras al panorama musical estadounidense siguen siendo vitales, mostrando su resiliencia, creatividad e influencia en la configuración de la cultura contemporánea.
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