Edvard Munch ( / m ʊ ŋ k / MUUNK , [1] noruego: [ˈɛ̀dvɑɖ ˈmʊŋk] ⓘ ; 12 de diciembre de 1863 – 23 de enero de 1944) fue un pintor noruego. Su obra de 1893, El grito , se ha convertido en una de las imágenes más aclamadas del arte occidental.
Su infancia se vio ensombrecida por la enfermedad, el duelo y el temor a heredar una enfermedad mental hereditaria. Estudiando en la Real Escuela de Arte y Diseño de Kristiania (la actual Oslo), Munch comenzó a vivir una vida bohemia bajo la influencia del nihilista Hans Jæger , quien le instó a pintar su propio estado emocional y psicológico (' pintura del alma '); De ahí surgió su estilo distintivo.
Los viajes trajeron nuevas influencias y salidas. En París , aprendió mucho de Paul Gauguin , Vincent van Gogh y Henri de Toulouse-Lautrec , especialmente su uso del color. En Berlín , conoció al dramaturgo sueco August Strindberg , a quien pintó, mientras se embarcaba en una importante serie de pinturas que más tarde llamaría El friso de la vida , que representa una serie de temas profundamente sentidos como el amor, la ansiedad, los celos y la traición. , impregnado de atmósfera.
El Grito fue concebido en Kristiania. Según Munch, estaba paseando al atardecer cuando "escuchó el enorme e infinito grito de la naturaleza". El rostro agonizante de la pintura se identifica ampliamente con la angustia de la persona moderna. Entre 1893 y 1910 realizó dos versiones pintadas y dos al pastel, además de numerosos grabados. Uno de los pasteles eventualmente alcanzaría el cuarto precio nominal más alto pagado por una pintura en una subasta.
A medida que crecían su fama y riqueza, su estado emocional seguía siendo inseguro. Consideró brevemente el matrimonio, pero no pudo comprometerse. Un colapso mental en 1908 lo obligó a dejar el consumo excesivo de alcohol y se sintió alentado por su creciente aceptación por parte de la gente de Kristiania y su exposición en los museos de la ciudad. Sus últimos años los pasó trabajando en paz y privacidad. Aunque sus obras fueron prohibidas en la Europa ocupada por los nazis, la mayoría de ellas sobrevivieron a la Segunda Guerra Mundial , lo que le aseguró un legado.
Edvard Munch nació en una granja en el pueblo de Ådalsbruk en Løten , Noruega , hijo de Laura Catherine Bjølstad y Christian Munch, hijo de un sacerdote. Christian era un médico y funcionario médico que se casó con Laura, una mujer de la mitad de su edad, en 1861. Edvard tenía una hermana mayor, Johanne Sophie, y tres hermanos menores: Peter Andreas, Laura Catherine e Inger Marie. Laura tenía talento artístico y pudo haber alentado a Edvard y Sophie. Edvard estaba relacionado con el pintor Jacob Munch y el historiador Peter Andreas Munch . [2]
La familia se mudó a Oslo (entonces llamada Christiania y rebautizada como Kristiania en 1877) en 1864 cuando Christian Munch fue nombrado médico en la Fortaleza de Akershus . La madre de Edvard murió de tuberculosis en 1868, al igual que la hermana favorita de Munch, Johanne Sophie, en 1877. [3] Después de la muerte de su madre, los hermanos Munch fueron criados por su padre y su tía Karen. A menudo enfermo durante gran parte de los inviernos y sin ir a la escuela, Edvard dibujaba para mantenerse ocupado. Fue instruido por sus compañeros de escuela y su tía. Christian Munch también instruyó a su hijo en historia y literatura, y entretuvo a los niños con vívidas historias de fantasmas y los cuentos del escritor estadounidense Edgar Allan Poe . [4]
Tal como lo recordaba Edvard, el comportamiento positivo de Christian hacia sus hijos se vio eclipsado por su morboso pietismo . Munch escribió: "Mi padre era temperamentalmente nervioso y obsesivamente religioso, hasta el punto de la psiconeurosis . De él heredé las semillas de la locura. Los ángeles del miedo, la tristeza y la muerte estuvieron a mi lado desde el día en que nací". [5] Christian reprendió a sus hijos diciéndoles que su madre estaba mirando desde el cielo y lamentándose por su mala conducta. El ambiente religioso opresivo, la mala salud de Edvard y las vívidas historias de fantasmas ayudaron a inspirar sus macabras visiones y pesadillas; el niño sentía que la muerte avanzaba constantemente hacia él. [6] A una de las hermanas menores de Munch, Laura, le diagnosticaron una enfermedad mental a una edad temprana. De los cinco hermanos, sólo se casó Andreas, pero murió pocos meses después de la boda. Munch escribiría más tarde: "Heredé dos de los enemigos más terribles de la humanidad: la herencia del tisis y la locura ". [7]
La paga militar de Christian Munch era muy baja y sus intentos de desarrollar una práctica privada fracasaron, manteniendo a su familia en una pobreza gentil pero perenne. [3] Se mudaban con frecuencia de un piso barato a otro. Los primeros dibujos y acuarelas de Munch representaban estos interiores y los objetos individuales, como frascos de medicinas e instrumentos de dibujo, además de algunos paisajes. En su adolescencia, el arte dominaba los intereses de Munch. [8] A los 13 años, Munch tuvo su primer contacto con otros artistas en la recién formada Asociación de Arte, donde admiraba el trabajo de la escuela paisajística noruega. Volvió a copiar los cuadros, y pronto empezó a pintar al óleo. [9]
Edvard Munch sufrió graves problemas de salud mental durante su vida. Se cree que padecía un trastorno límite de la personalidad , un trastorno de salud mental caracterizado por miedo al abandono , sentimientos crónicos de vacío, comportamiento impulsivo y varios otros síntomas. [10] [11] Munch también mostró alcoholismo , un rasgo a menudo asociado con la impulsividad en el TLP. [a]
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En 1879, Munch se matriculó en una escuela técnica para estudiar ingeniería, donde destacó en física , química y matemáticas . Aprendió dibujo a escala y en perspectiva, pero frecuentes enfermedades interrumpieron sus estudios. [12] Al año siguiente, para gran decepción de su padre, Munch dejó la universidad decidido a convertirse en pintor. Su padre veía el arte como un "negocio impío" y sus vecinos reaccionaron con amargura y le enviaron cartas anónimas. [13] En contraste con el pietismo rabioso de su padre, Munch adoptó una postura no dogmática hacia el arte. Escribió su objetivo en su diario: "En mi arte intento explicarme la vida y su significado". [12]
En 1881, Munch se matriculó en la Real Escuela de Arte y Diseño de Kristiania, uno de cuyos fundadores fue su pariente lejano Jacob Munch. Sus maestros fueron el escultor Julius Middelthun y el pintor naturalista Christian Krohg . [14] Ese año, Munch demostró su rápida absorción de su entrenamiento de figura en la academia en sus primeros retratos, incluido uno de su padre y su primer autorretrato. En 1883, Munch participó en su primera exposición pública y compartió estudio con otros estudiantes. [15] Su retrato de cuerpo entero de Karl Jensen-Hjell, un notorio bohemio de la ciudad, obtuvo la respuesta desdeñosa de un crítico: "Es impresionismo llevado al extremo. Es una parodia del arte". [16] Los desnudos de Munch de este período sobreviven sólo en bocetos, a excepción de Standing Nude (1887). Es posible que su padre los haya confiscado. [17]
El impresionismo inspiró a Munch desde muy joven. [18] Durante estos primeros años, experimentó con muchos estilos, incluidos el naturalismo y el impresionismo. Algunas de sus primeras obras recuerdan a Manet. Muchos de estos intentos le provocaron críticas desfavorables de la prensa y le valieron constantes reprimendas por parte de su padre, quien, sin embargo, le proporcionó pequeñas sumas para cubrir sus gastos de manutención. [16] En un momento, sin embargo, el padre de Munch, tal vez influenciado por la opinión negativa del primo de Munch, Edvard Diriks (un pintor tradicional establecido), destruyó al menos una pintura (probablemente un desnudo) y se negó a adelantar más dinero para arte. suministros. [19]
Munch también recibió la ira de su padre por su relación con Hans Jæger , el nihilista local que vivía según el código "una pasión por destruir es también una pasión creativa" y que defendía el suicidio como el camino definitivo hacia la libertad. [20] Munch cayó bajo su hechizo malévolo y antisistema. "Mis ideas se desarrollaron bajo la influencia de los bohemios o más bien de Hans Jæger. Mucha gente ha afirmado erróneamente que mis ideas se formaron bajo la influencia de Strindberg y los alemanes... pero eso es falso. Ya se habían formado entonces. " [21] En ese momento, a diferencia de muchos de los otros bohemios, Munch todavía era respetuoso con las mujeres, además de reservado y de buenos modales, pero comenzó a ceder a las borracheras y las peleas de su círculo. Estaba inquieto por la revolución sexual que se estaba produciendo en ese momento y por las mujeres independientes que lo rodeaban. Más tarde se volvió cínico en materia sexual, expresado no sólo en su comportamiento y su arte, sino también en sus escritos, siendo un ejemplo un largo poema llamado La ciudad del amor libre . [22]
Después de numerosos experimentos, Munch llegó a la conclusión de que el lenguaje impresionista no permitía una expresión suficiente. Lo encontró superficial y demasiado parecido a la experimentación científica. Sintió la necesidad de profundizar y explorar situaciones llenas de contenido emocional y energía expresiva. Bajo el mandato de Jæger de que Munch debería "escribir su vida", es decir, que Munch debería explorar su propio estado emocional y psicológico, el joven artista inició un período de reflexión y autoexamen, registrando sus pensamientos en su "diario del alma". [23] Esta perspectiva más profunda le ayudó a adoptar una nueva visión de su arte. Escribió que su cuadro El niño enfermo (1886), basado en la muerte de su hermana, fue su primera "pintura del alma", su primera ruptura con el impresionismo. El cuadro recibió una respuesta negativa de la crítica y de su familia, y provocó otro "violento estallido de indignación moral" por parte de la comunidad. [24]
Sólo su amigo Christian Krohg lo defendió:
Pinta, o más bien mira, las cosas de una manera diferente a la de otros artistas. Sólo ve lo esencial y eso, naturalmente, es todo lo que pinta. Por esta razón, las imágenes de Munch suelen estar "incompletas", como la gente se alegra de comprobarlo por sí mismo. Oh, sí, están completos. Su obra completa. El arte está completo cuando el artista ha dicho realmente todo lo que tenía en mente, y esta es precisamente la ventaja que tiene Munch sobre los pintores de la otra generación, que realmente sabe mostrarnos lo que ha sentido, lo que le ha cautivado. y a esto subordina todo lo demás. [25]
Munch continuó empleando una variedad de técnicas de pincelada y paletas de colores durante la década de 1880 y principios de la de 1890, mientras luchaba por definir su estilo. [26] Su lenguaje continuó oscilando entre el naturalista , como se ve en Retrato de Hans Jæger , y el impresionista , como en Rue Lafayette . Su Inger on the Beach (1889), que provocó otra tormenta de confusión y controversia, insinúa las formas simplificadas, los contornos pesados, los contrastes marcados y el contenido emocional de su estilo maduro por venir. [27] Comenzó a calcular cuidadosamente sus composiciones para crear tensión y emoción. Aunque estilísticamente influenciado por los postimpresionistas , lo que evolucionó fue un tema de contenido simbolista , que representaba un estado mental más que una realidad externa. En 1889, Munch presentó su primera exposición individual de casi todas sus obras hasta la fecha. El reconocimiento que recibió le permitió obtener una beca estatal de dos años para estudiar en París con el pintor francés Léon Bonnat . [28]
Munch parece haber sido uno de los primeros críticos de la fotografía como forma de arte y comentó que "nunca competirá con el pincel y la paleta, hasta el momento en que se puedan tomar fotografías en el cielo o en el infierno". [29]
La hermana menor de Munch, Laura, fue el tema de su Melancolía interior de 1899: Laura . Amanda O'Neill dice sobre la obra: "En esta acalorada escena claustrofóbica, Munch no sólo retrata la tragedia de Laura, sino también su propio temor a la locura que podría haber heredado". [30]
Munch llegó a París durante las festividades de la Exposición Universal (1889) y se alojó con dos compañeros artistas noruegos. Su cuadro Mañana (1884) se exhibió en el pabellón de Noruega. [31] Pasaba las mañanas en el ajetreado estudio de Bonnat (que incluía modelos femeninas) y las tardes en la exposición, galerías y museos (donde se esperaba que los estudiantes hicieran copias como una forma de aprender técnica y observación). [32] Munch registró poco entusiasmo por las lecciones de dibujo de Bonnat (“Me cansa y me aburre, me adormece”), pero disfrutó de los comentarios del maestro durante los viajes a los museos. [33] [34]
Munch quedó cautivado por la amplia muestra de arte europeo moderno, incluidas las obras de tres artistas que resultarían influyentes: Paul Gauguin , Vincent van Gogh y Henri de Toulouse-Lautrec , todos notables por cómo utilizaban el color para transmitir emociones. [34] Munch se inspiró particularmente en la "reacción contra el realismo" de Gauguin y su credo de que "el arte era obra humana y no una imitación de la naturaleza", una creencia expresada anteriormente por Whistler . [35] Como dijo más tarde uno de sus amigos de Berlín sobre Munch, "no necesita viajar a Tahití para ver y experimentar lo primitivo de la naturaleza humana. Lleva su propio Tahití dentro de él". [36] Influenciado por Gauguin, así como por los grabados del artista alemán Max Klinger , Munch experimentó con grabados como medio para crear versiones gráficas de sus obras. En 1896 creó sus primeros grabados en madera, un medio que resultó ideal para las imágenes simbólicas de Munch. [37] Junto con su contemporáneo Nikolai Astrup , Munch es considerado un innovador del medio grabado en madera en Noruega. [38]
En diciembre de 1889 murió su padre, dejando a la familia de Munch en la indigencia. Regresó a casa y obtuvo un gran préstamo de un rico coleccionista noruego cuando sus parientes ricos no pudieron ayudar, y asumió la responsabilidad financiera de su familia a partir de entonces. [39] La muerte de Christian lo deprimió y lo acosaron pensamientos suicidas: "Vivo con los muertos: mi madre, mi hermana, mi abuelo, mi padre... Mátate y luego se acaba. ¿Por qué vivir?" [40] Las pinturas de Munch del año siguiente incluyeron escenas de taberna incompletas y una serie de paisajes urbanos brillantes en los que experimentó con el estilo puntillista de Georges Seurat . [41]
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En 1892, Munch formuló su característico y original estilo sintetista , como se ve en Melancolía (1891), en la que el color es el elemento cargado de símbolos. Considerada por el artista y periodista Christian Krohg como la primera pintura simbolista de un artista noruego, Melancolía se exhibió en 1891 en la Exposición de Otoño de Oslo. [42] En 1892, Adelsteen Normann , en nombre de la Unión de Artistas de Berlín, invitó a Munch a exponer en su exposición de noviembre, [43] la primera exposición individual de la sociedad. Sin embargo, sus pinturas provocaron una amarga controversia (apodada "El caso Munch"), y después de una semana la exposición cerró. [43] Munch estaba satisfecho con la "gran conmoción" y escribió en una carta: "Nunca he tenido un momento tan divertido; es increíble que algo tan inocente como la pintura haya creado tal revuelo". [44]
En Berlín, Munch se involucró en un círculo internacional de escritores, artistas y críticos, incluido el dramaturgo e intelectual destacado sueco August Strindberg , a quien pintó en 1892. [45] También conoció al escritor y pintor danés Holger Drachmann , a quien pintó en 1898. Drachmann era 17 años mayor que Munch y compañero de bebida en Zum schwarzen Ferkel (En el Lechón Negro) en 1893-1894. [46] En 1894, Drachmann escribió sobre Munch: "Él lucha duro. Buena suerte con tus luchas, noruego solitario". [47]
Durante sus cuatro años en Berlín, Munch esbozó la mayoría de las ideas que se incluirían en su obra principal, El friso de la vida , diseñada primero para la ilustración de libros pero luego expresada en pinturas. [48] Vendió poco, pero obtuvo algunos ingresos cobrando entradas para ver sus controvertidas pinturas. [49]
Sus otras pinturas, incluidas escenas de casinos, muestran una simplificación de formas y detalles que marcó su estilo de madurez temprana. [50] Munch también comenzó a favorecer un espacio pictórico poco profundo y un fondo mínimo para sus figuras frontales. Dado que las poses fueron elegidas para producir las imágenes más convincentes de estados mentales y condiciones psicológicas, como en Ashes , las figuras imparten una cualidad estática y monumental. Las figuras de Munch parecen representar papeles en el escenario de un teatro ( Muerte en la habitación del enfermo ), cuya pantomima de posturas fijas significa diversas emociones; Dado que cada personaje encarna una única dimensión psicológica, como en El grito , los hombres y mujeres de Munch comenzaron a parecer más simbólicos que realistas. Escribió: "Ya no deberían pintarse los interiores, ni gente leyendo ni mujeres tejiendo: habría gente viva, respirando y sintiendo, sufriendo y amando". [51]
El Grito existe en cuatro versiones: dos pasteles (1893 y 1895) y dos pinturas (1893 y 1910). También existen varias litografías de El grito (1895 y posteriores). [52]
El pastel de 1895 se vendió en una subasta el 2 de mayo de 2012 por 119.922.500 dólares , comisión incluida. Es la más colorida de las versiones [53] y se distingue por la postura mirando hacia abajo de una de sus figuras del fondo. También es la única versión que no se encuentra en un museo noruego. [54]
La versión de 1893 fue robada de la Galería Nacional de Oslo en 1994 y recuperada. La pintura de 1910 fue robada en 2004 del Museo Munch de Oslo, pero recuperada en 2006 con daños limitados. [55]
El Grito es la obra más famosa de Munch y una de las pinturas más reconocibles de todo el arte. Se ha interpretado ampliamente como una representación de la ansiedad universal del hombre moderno. [51] Pintado con amplias bandas de colores llamativos y formas muy simplificadas, y empleando un alto punto de vista, reduce la figura agonizante a una calavera ataviada en medio de una crisis emocional. [ cita necesaria ]
Con esta pintura, Munch cumplió su objetivo declarado de "el estudio del alma, es decir, el estudio de mi propio yo". [56] Munch escribió sobre cómo surgió la pintura: "Estaba caminando por la calle con dos amigos cuando se puso el sol; de repente, el cielo se puso rojo como la sangre. Me detuve y me apoyé contra la cerca, sintiéndome indescriptiblemente cansado. Lenguas de fuego y sangre se extendieron sobre el fiordo negro azulado. Mis amigos siguieron caminando, mientras yo me quedaba atrás, temblando de miedo. Entonces escuché el enorme e infinito grito de la naturaleza." [57] Más tarde describió la angustia personal detrás de la pintura: "Durante varios años estuve casi loco... ¿Conoces mi pintura, 'El Grito?' Me esforzaron hasta el límite: la naturaleza gritaba en mi sangre... Después de eso, perdí la esperanza de poder volver a amar". [58]
En 2003, comparando la pintura con otras grandes obras, la historiadora del arte Martha Tedeschi escribió:
La Madre de Whistler , el American Gothic de Wood , la Mona Lisa de Leonardo da Vinci y El Grito de Edvard Munchhan logrado algo que la mayoría de las pinturas (independientemente de su importancia histórica, su belleza o su valor monetario) no han logrado: comunican un significado específico casi de inmediato a casi cada espectador. Estas pocas obras han logrado lograr la transición del ámbito de élite del visitante del museo al enorme recinto de la cultura popular. [59]
En diciembre de 1893, Unter den Linden en Berlín fue el lugar de una exposición de la obra de Munch, que mostraba, entre otras piezas, seis pinturas tituladas Estudio para una serie: El amor. Esto inició un ciclo que más tarde llamó Friso de la vida: un poema sobre la vida, el amor y la muerte . Los motivos de Frieze of Life , como The Storm y Moonlight , están llenos de atmósfera. Otros motivos iluminan el lado nocturno del amor, como Rose y Amelie y Love and Pain . En Muerte en la habitación del enfermo , el tema es la muerte de su hermana Sophie, que reelaboró en muchas variaciones futuras. El enfoque dramático de la pintura, que retrata a toda su familia, se dispersa en figuras de dolor separadas y desconectadas. En 1894, amplió el espectro de motivos añadiendo Ansiedad , Cenizas , Virgen y Mujeres en tres etapas (de la inocencia a la vejez). [62]
A principios del siglo XX, Munch trabajó para terminar el "Friso". Pintó numerosos cuadros, varios de ellos de mayor formato y en cierta medida reflejados en la estética Art Nouveau de la época. Realizó un marco de madera con relieves tallados para el gran cuadro Metabolismo (1898), inicialmente llamado Adán y Eva . Esta obra revela la preocupación de Munch por la "caída del hombre" y su pesimista filosofía del amor. Motivos como La cruz vacía y Gólgota (ambos c. 1900 ) reflejan una orientación metafísica y también reflejan la educación pietista de Munch. El friso completo se mostró por primera vez en la exposición secesionista de Berlín en 1902. [63]
Los temas de "El friso de la vida" se repiten a lo largo de la obra de Munch, pero se centró especialmente en ellos a mediados de la década de 1890. En bocetos, pinturas, pasteles y grabados, aprovechó las profundidades de sus sentimientos para examinar sus principales motivos: las etapas de la vida, la mujer fatal, la desesperanza del amor, la ansiedad, la infidelidad, los celos, la humillación sexual y la separación en la vida y muerte. [64] Estos temas se expresan en pinturas como El niño enfermo (1885), Amor y dolor (retitulada Vampiro ; 1893-1894), Cenizas (1894) y El puente . Este último muestra figuras fláccidas con rostros sin rasgos distintivos u ocultos, sobre los cuales se alzan las formas amenazadoras de árboles pesados y casas inquietantes. Munch retrató a las mujeres como víctimas frágiles e inocentes (ver Pubertad y Amor y dolor ) o como causa de un gran anhelo, celos y desesperación (ver Separación , Celos y Cenizas ).
Munch suele utilizar sombras y anillos de color alrededor de sus figuras para enfatizar un aura de miedo, amenaza, ansiedad o intensidad sexual. [65] Estas pinturas han sido interpretadas como reflejos de las ansiedades sexuales del artista, aunque también se podría argumentar que representan su turbulenta relación con el amor mismo y su pesimismo general con respecto a la existencia humana. [66] Muchos de estos bocetos y pinturas se realizaron en varias versiones, como Madonna , Hands and Puberty , y también se transcribieron como grabados en madera y litografías. Munch odiaba separarse de sus pinturas porque pensaba que su obra era un único cuerpo de expresión. Entonces, para capitalizar su producción y obtener algunos ingresos, recurrió a las artes gráficas para reproducir muchas de sus pinturas, incluidas las de esta serie. [67] Munch admitió los objetivos personales de su trabajo, pero también ofreció su arte a un propósito más amplio: "Mi arte es realmente una confesión voluntaria y un intento de explicarme a mí mismo mi relación con la vida; es, por lo tanto, en realidad una Es una especie de egoísmo, pero constantemente espero que a través de esto pueda ayudar a otros a lograr claridad". [68]
Si bien atrajo reacciones fuertemente negativas, en la década de 1890 Munch comenzó a recibir cierta comprensión de sus objetivos artísticos, como escribió un crítico: "Con despiadado desprecio por la forma, la claridad, la elegancia, la integridad y el realismo, pinta con la fuerza intuitiva de su talento la forma más visiones sutiles del alma." [69] Uno de sus grandes partidarios en Berlín fue Walther Rathenau , más tarde ministro de Asuntos Exteriores alemán , quien contribuyó en gran medida a su éxito.
A pesar de que más de la mitad de sus obras pintadas son paisajes, rara vez se ve a Munch como un paisajista. Sin embargo, Munch tenía una fijación por varios elementos de la naturaleza que dieron lugar a motivos recurrentes a lo largo de su obra. La costa y el bosque son escenarios importantes del trabajo de Munch. Un enfoque en el uso que hace Munch de la naturaleza para transmitir emociones es el tema de Edvard Munch: Trembling Earth en el Clark Art Institute .
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En 1896, Munch se mudó a París, donde se centró en las representaciones gráficas de sus temas Friso de la vida . Desarrolló aún más su técnica de xilografía y litografía. El Autorretrato con brazo de esqueleto de Munch (1895) está realizado con un método de grabado con aguja y tinta también utilizado por Paul Klee . [70] Munch también produjo versiones multicolores de The Sick Child , sobre la tuberculosis , que se vendieron bien, así como varios desnudos y múltiples versiones de Kiss (1892). [70] En mayo de 1896, Siegfried Bing celebró una exposición del trabajo de Munch dentro de la Maison de l'Art Nouveau de Bing . La exposición mostró 60 obras, entre ellas El beso, El grito, Madonna, El niño enfermo, La cámara de la muerte y El día después. La exposición de Bing ayudó a presentar a Munch al público francés. [71] Aún así, muchos de los críticos parisinos todavía consideraban el trabajo de Munch "violento y brutal", incluso si sus exposiciones recibieron mucha atención y buena asistencia. [72] Su situación financiera mejoró considerablemente y, en 1897, Munch se compró una casa de verano frente a los fiordos de Kristiania, una pequeña cabaña de pescadores construida a finales del siglo XVIII, en la pequeña ciudad de Åsgårdstrand en Noruega. Llamó a esta casa la "Casa Feliz" y regresó aquí casi todos los veranos durante los siguientes 20 años. [73] Era este lugar el que extrañaba cuando estaba en el extranjero y cuando se sentía deprimido y agotado. "Caminar por Åsgårdstrand es como caminar entre mis cuadros; me inspiro mucho para pintar cuando estoy aquí".
En 1897, Munch regresó a Kristiania, donde también recibió una aceptación a regañadientes: un crítico escribió: "Un buen número de estos cuadros se han exhibido antes. En mi opinión, mejoran con el conocimiento". [73] En 1899, Munch comenzó una relación íntima con Tulla Larsen, una mujer de clase alta "liberada". Viajaron juntos a Italia y, al regresar, Munch comenzó otro período fértil en su arte, que incluyó paisajes y su última pintura en la serie "El friso de la vida", La danza de la vida (1899). [75] Larsen estaba ansioso por casarse, pero Munch no. Su bebida y su mala salud reforzaron sus temores, como escribió en tercera persona: "Desde niño odiaba el matrimonio. Su hogar enfermo y nervioso le había hecho sentir que no tenía derecho a casarse". [76] Munch casi cedió ante Tulla, pero huyó de ella en 1900, alejándose también de su considerable fortuna, y se mudó a Berlín. [76] Su Chicas en el embarcadero [ se necesita aclaración ] , creada en 18 versiones diferentes, demostró el tema de la juventud femenina sin connotaciones negativas. [67] En 1902, exhibió sus obras temáticamente en la sala de la Secesión de Berlín, produciendo "un efecto sinfónico, causó un gran revuelo, mucho antagonismo y mucha aprobación". [77] Los críticos berlineses estaban empezando a apreciar el trabajo de Munch a pesar de que el público todavía encontraba su trabajo extraño y extraño.
La buena cobertura de prensa hizo que Munch atrajera la atención de los influyentes mecenas Albert Kollman y Max Linde . Describió el giro de los acontecimientos en su diario: "Después de 20 años de lucha y miseria, las fuerzas del bien finalmente vienen en mi ayuda en Alemania y se abre para mí una puerta brillante". [78] Sin embargo, a pesar de este cambio positivo, el comportamiento autodestructivo y errático de Munch lo llevó primero a una pelea violenta con otro artista, luego a un tiroteo accidental en presencia de Tulla Larsen, que había regresado para una breve reconciliación, que hirió dos de sus dedos. Más tarde, Munch cortó un autorretrato que los representaba a él y a Larsen por la mitad como consecuencia del tiroteo y los acontecimientos posteriores. [79] Ella finalmente lo dejó y se casó con un colega más joven de Munch. Munch tomó esto como una traición y se detuvo en la humillación durante algún tiempo, canalizando parte de la amargura en nuevas pinturas. [80] Sus pinturas Naturaleza muerta (La asesina) y La muerte de Marat I , realizadas en 1906-07, hacen referencia clara al incidente del tiroteo y las secuelas emocionales. [81]
En 1903-04, Munch expuso en París, donde los futuros fauvistas , famosos por sus colores audazmente falsos, probablemente vieron sus obras y pudieron haber encontrado inspiración en ellas. Cuando los fauves realizaron su propia exposición en 1906, Munch fue invitado y exhibió sus obras junto con las de ellos. [82] Después de estudiar la escultura de Rodin , Munch pudo haber experimentado con plastilina como ayuda para el diseño, pero produjo pocas esculturas. [83] Durante este tiempo, Munch recibió muchos encargos de retratos y grabados que mejoraron su situación financiera, normalmente precaria. [84] En 1906, pintó el biombo de una obra de Ibsen en el pequeño Teatro Kammerspiele situado en el Deutsches Theatre de Berlín , en el que estaba colgado el Friso de la Vida . Posteriormente , el director del teatro, Max Reinhardt, lo vendió; ahora se encuentra en la Galería Nacional de Berlín . [85] Después de una etapa anterior de paisajes, en 1907 volvió a centrar su atención en figuras y situaciones humanas. [86]
En el otoño de 1908, la ansiedad de Munch, agravada por el consumo excesivo de alcohol y las peleas, se había agudizado. Como escribió más tarde: "Mi condición estaba al borde de la locura: era un peligro y se iba". [87] Sujeto a alucinaciones y sentimientos de persecución, ingresó en la clínica de Daniel Jacobson. La terapia que recibió Munch durante los siguientes ocho meses incluyó dieta y "electrificación" (un tratamiento entonces de moda para las afecciones nerviosas, que no debe confundirse con la terapia electroconvulsiva ). [88] La estancia de Munch en el hospital estabilizó su personalidad y, después de regresar a Noruega en 1909, su trabajo se volvió más colorido y menos pesimista. Para alegrar aún más su estado de ánimo, el público en general de Kristiania finalmente se entusiasmó con su trabajo y los museos comenzaron a comprar sus pinturas. Fue nombrado Caballero de la Real Orden de San Olav "por sus servicios en el arte". [89] Su primera exposición estadounidense fue en 1912 en Nueva York. [90]
Como parte de su recuperación, Jacobson aconsejó a Munch que sólo socializara con buenos amigos y evitara beber en público . Munch siguió este consejo y en el proceso produjo varios retratos de gran tamaño de amigos y patrocinadores, retratos honestos y sin halagos. [91] También creó paisajes y escenas de personas trabajando y jugando, utilizando un nuevo estilo optimista: pinceladas amplias y sueltas de colores vibrantes con uso frecuente de espacios en blanco y un uso poco común del negro, con solo referencias ocasionales a sus temas mórbidos. Con más ingresos, Munch pudo comprar varias propiedades que le dieron nuevas perspectivas para su arte y finalmente pudo mantener a su familia. [92]
El estallido de la Primera Guerra Mundial encontró a Munch con lealtades divididas, como afirmó: "Todos mis amigos son alemanes, pero lo que amo es Francia". [93] En la década de 1930, sus patrocinadores alemanes, muchos de ellos judíos, perdieron sus fortunas y algunos sus vidas durante el ascenso del movimiento nazi. [94] Munch encontró impresores noruegos para sustituir a los alemanes que habían estado imprimiendo su obra gráfica. [95] Dado su mal historial de salud, durante 1918 Munch se sintió afortunado de haber sobrevivido a un ataque de gripe española , la pandemia mundial de ese año. [96]
Munch pasó la mayor parte de sus últimas dos décadas en soledad en su finca casi autosuficiente en Ekely, en Skøyen , Oslo. [97] Muchas de sus últimas pinturas celebran la vida agrícola, incluidas varias en las que utilizó su caballo de trabajo "Rousseau" como modelo. [98] Sin ningún esfuerzo, Munch atrajo un flujo constante de modelos femeninas, a quienes pintó como sujetos de numerosos cuadros de desnudos. Probablemente tuvo relaciones sexuales con algunos de ellos. [99] Munch ocasionalmente salía de su casa para pintar murales por encargo, incluidos los realizados para la fábrica de chocolate Freia . [100]
Hasta el final de su vida, Munch continuó pintando implacables autorretratos, contribuyendo al ciclo de autobúsqueda de su vida y a su inquebrantable serie de tomas de sus estados emocionales y físicos. En las décadas de 1930 y 1940, los nazis etiquetaron la obra de Munch como " arte degenerado " (junto con la de Picasso , Klee , Matisse , Gauguin y muchos otros artistas modernos) y retiraron sus 82 obras de los museos alemanes. [101] Adolf Hitler anunció en 1937: "Por lo que nos importa, esos bárbaros y tartamudos de la cultura prehistórica de la Edad de Piedra pueden regresar a las cuevas de sus antepasados y allí pueden aplicar su primitivo rasguño internacional". [102]
En 1940, los alemanes invadieron Noruega y el partido nazi asumió el gobierno. Munch tenía 76 años. Con casi una colección completa de su arte en el segundo piso de su casa, Munch vivía con el temor de una confiscación nazi. Setenta y una de las pinturas tomadas anteriormente por los nazis habían sido devueltas a Noruega mediante la compra de coleccionistas (las otras 11 nunca fueron recuperadas), incluidas El grito y El niño enfermo , y también fueron ocultadas a los nazis. [103]
Munch murió en su casa de Ekely, cerca de Oslo, el 23 de enero de 1944, aproximadamente un mes después de cumplir 80 años. Su funeral orquestado por los nazis sugirió a los noruegos que era un simpatizante nazi, una especie de apropiación del artista independiente. [104] La ciudad de Oslo compró la finca Ekely a los herederos de Munch en 1946; su casa fue demolida en mayo de 1960. [105]
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De mi cuerpo podrido
crecerán flores
y yo estoy en ellas
y eso es la eternidad.
Edvard Munch [106]
Cuando Munch murió, el resto de sus obras fueron legadas a la ciudad de Oslo, que construyó el Museo Munch en Tøyen (inaugurado en 1963). El museo posee una colección de aproximadamente 1.100 pinturas, 4.500 dibujos y 18.000 grabados, la colección más amplia de sus obras en el mundo. [107] El Museo Munch sirve como propiedad oficial de Munch; [107] ha participado activamente en la respuesta a las infracciones de derechos de autor, así como en la limpieza de los derechos de autor de la obra, como la aparición de The Scream de Munch en una campaña publicitaria de M&M en 2006 . [108] El representante de derechos de autor en Estados Unidos para el Museo Munch y el patrimonio de Edvard Munch es la Artists Rights Society . [109]
El arte de Munch era muy personalizado y enseñaba poco. Su simbolismo "privado" era mucho más personal que el de otros pintores simbolistas como Gustave Moreau y James Ensor . Munch seguía siendo muy influyente, particularmente entre los expresionistas alemanes , que seguían su filosofía: "No creo en el arte que no sea el resultado compulsivo del impulso del hombre de abrir su corazón". [51] Muchas de sus pinturas, incluida El grito , tienen un atractivo universal además de su significado muy personal.
Las obras de Munch están ahora representadas en numerosos museos y galerías importantes de Noruega y el extranjero. Su cabaña, "la Casa Feliz", fue entregada al municipio de Åsgårdstrand en 1944; sirve como un pequeño Museo Munch. El inventario se ha mantenido exactamente como lo dejó.
Una versión de El Grito fue robada de la Galería Nacional en 1994. En 2004, otra versión de El Grito , junto con una de Madonna , fue robada del Museo Munch en un atrevido robo a plena luz del día. Finalmente se recuperaron todos, pero las pinturas robadas en el robo de 2004 sufrieron graves daños. Han sido meticulosamente restaurados y se encuentran nuevamente en exhibición. Tres obras de Munch fueron robadas del Hotel Refsnes Gods en 2005; fueron recuperadas poco después, aunque una de las obras resultó dañada durante el robo. [110]
En octubre de 2006, la xilografía en color Dos personas. El solitario ( To mennesker. De ensomme ) estableció un nuevo récord para sus grabados cuando se vendió en una subasta en Oslo por 8,1 millones de coronas (1,27 millones de dólares equivalentes a 1.800.000 dólares en 2022). También estableció un récord por el precio más alto pagado en una subasta en Noruega. [111] El 3 de noviembre de 2008, el cuadro Vampiro estableció un nuevo récord para sus pinturas cuando se vendió por 38.162.000 dólares estadounidenses (equivalente a 51.900.000 dólares en 2022) en Sotheby's de Nueva York.
La imagen de Munch aparece en el billete de 1.000 coronas noruegas , junto con imágenes inspiradas en su obra de arte. [112]
En febrero de 2012 se celebró una importante exposición de Munch, Edvard Munch. The Modern Eye , inaugurado en la Schirn Kunsthalle Frankfurt ; La exposición fue inaugurada por Mette-Marit, princesa heredera de Noruega . [113] [114]
En mayo de 2012, El grito se vendió por 119,9 millones de dólares (equivalente a 152.800.000 dólares en 2022) y es la segunda obra de arte más cara jamás vendida en una subasta abierta. (Fue superada en noviembre de 2013 por Tres estudios de Lucian Freud , que se vendió por 142,4 millones de dólares). [115]
En 2013, cuatro de las pinturas de Munch fueron representadas en una serie de sellos del servicio postal noruego , para conmemorar en 2014 el 150 aniversario de su nacimiento. [116]
El 14 de noviembre de 2016, una versión de Las chicas del puente de Munch se vendió por 54,5 millones de dólares (equivalente a 66.500.000 dólares en 2022) en Sotheby's , Nueva York, lo que lo convierte en el segundo precio más alto alcanzado por una de sus pinturas. [117]
En abril de 2019, el Museo Británico acogió la exposición Edvard Munch: Love and Angst , que comprende 83 obras de arte e incluye una rara copia original de El grito . [118]
En mayo de 2022, la Galería Courtauld acogió la exposición Edvard Munch. Obras maestras de Bergen , que muestran 18 pinturas de la colección del industrial noruego Rasmus Meyer . [119]
En junio de 2023, el Clark Art Institute acogió la exposición Edvard Munch: Trembling Earth . Es la primera exposición en los Estados Unidos que se centra en cómo Munch utilizó la naturaleza para transmitir un significado más profundo en su pintura. Tierra temblorosa presenta más de 75 obras, muchas de ellas de la colección del Munchmuseet , y más de 40 pinturas y grabados de colecciones privadas raramente vistas. [120]
En septiembre de 2023, el Museo de Arte Moderno Berlinische Galerie acogió una exposición sobre Edvard Munch. Magia del Norte en colaboración con el Museo Munch de Oslo. La exposición incluye alrededor de 80 obras de Edvard Munch, además de obras de otros artistas que dieron forma a la idea del Norte y al panorama artístico moderno en el Spree de Berlín a finales del siglo XIX. [121]
En noviembre de 2023, el Museo Barberini de Potsdam también acogió una exposición Edvard Munch: Trembling Earth en colaboración con el Museo Munch de Oslo. La exposición se superpone a la exposición de la Berlinische Galerie durante ocho semanas; ambas exposiciones están bajo el patrocinio conjunto del presidente alemán Frank-Walter Steinmeier y Su Majestad el Rey Harald V de Noruega. La exposición incluye más de 110 préstamos de otras instituciones. [122]
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En 1911 se celebró el concurso final para la decoración de los grandes muros del Aula (salón de actos) de la Universidad de Oslo entre Munch y Emanuel Vigeland . El episodio se conoce como la "controversia del Aula". En 1914, finalmente se encargó a Munch la decoración del Aula y el trabajo se completó en 1916. Esta importante obra de la pintura monumental noruega incluye 11 pinturas que cubren 223 m 2 (2400 pies cuadrados). El Sol , Historia y Alma Mater son las obras clave de esta secuencia. Munch declaró: "Quería que las decoraciones formaran un mundo de ideas completo e independiente, y quería que su expresión visual fuera distintivamente noruega y universalmente humana". En 2014 se sugirió que las pinturas del Aula tendrían un valor de al menos 500 millones de coronas. [123] [124]
En 2007, Noche de verano en la playa de Munch fue devuelta a la nieta de Alma Mahler, quien se vio obligada a huir de los nazis con su marido judío en marzo de 1938, tras la anexión de Austria por Hitler. [125] [126] En 2008, el Museo de Bellas Artes de Basilea rechazó una reclamación por la Madonna de Munch, una litografía de un desnudo en negro, rojo y azul , de los herederos del coleccionista judío Curt Glaser. [127] En 2012, el Kupferstichkabinett de Berlín restituyó tres dibujos de Munch a los herederos de Curt Glaser , un coleccionista judío obligado a exiliarse por los nazis. [128] En 2012, una reclamación por El grito de los herederos de Hugo Simón fue rechazada cuando salió a subasta. [129] En 2023, Dance on the Beach de Munch fue objeto de un acuerdo entre los herederos de Glaser y los herederos de Thomas Olsen, un armador noruego y vecino y coleccionista de Munch. [130]
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