David Hammons (nacido el 24 de julio de 1943) es un artista estadounidense, mejor conocido por sus obras en la ciudad de Nueva York y Los Ángeles y sus alrededores durante las décadas de 1970 y 1980.
David Hammons nació en 1943 en Springfield, Illinois , el menor de diez hijos criados por una madre soltera. [1] Esta dinámica causó una gran tensión financiera en su familia durante su infancia; más tarde declaró que no está seguro de cómo lograron "salir adelante" durante este tiempo. [2] Aunque no tenía inclinación académica, Hammons mostró un talento temprano para el dibujo y el arte; sin embargo, la facilidad con la que estas prácticas le llegaron hizo que desarrollara desdén por ellas. [2] En 1962 se mudó a Los Ángeles, donde comenzó a asistir al Chouinard Art Institute (ahora CalArts ) de 1966 a 1968 y al Otis Art Institute de 1968 a 1972. Nunca se inscribió oficialmente allí, pero Charles White le permitió asistir a clases nocturnas. [3] Allí fue influenciado por artistas como Charles White , [4] Bruce Nauman , John Baldessari , Noah Purifoy y Chris Burden , todos los cuales pronto serían conocidos internacionalmente. Durante su estancia en Los Ángeles, conoció a Senga Nengudi , un artista conceptual y de performance con el que más tarde compartió un estudio. [2] Con Nengudi y otros, Hammons formó Studio Z (colectivo de artistas) (también conocido como LA Rebellion), un colectivo de arte que colaboró en obras artísticas. [5] Otros miembros de Studio Z fueron Maren Hassinger , Ronn Davis, Duval Lewis, RoHo, Franklin Parker , Barbara McCullough , Houston Conwill y Joe Ray (artista) . [6] En 1974, Hammons se instaló en la ciudad de Nueva York, donde poco a poco se hizo más conocido a nivel nacional. Todavía vive y trabaja en Nueva York.
En 1966, Hammons se casó con Rebecca Williams, con quien tuvo dos hijos. La pareja se divorció en 1972. [2]
En 2003, [5] Hammons se casó con Chie Hasegawa, una artista nacida en Japón. [7]
Hammons se ha mostrado reacio a hablar de su vida personal y temprana, ya que desea evitar que su trabajo sea enmarcado de cierta manera. [2] Esto se exhibe en la forma en que invierte la relación estereotipada entre creador y curador, al afirmar: "Como yo lo veo, la Bienal Whitney y la Documenta me necesitan, pero yo no las necesito a ellas". [8]
Hammons ha sido filantrópico con otros artistas negros, concretamente comprando sus obras y ayudándolos a ganar reconocimiento. [3]
A través de su variada obra y medios, y de sus frecuentes cambios de dirección, Hammons ha logrado evitar un estilo visual característico. Gran parte de su obra hace alusiones y comparte inquietudes con el minimalismo y el arte posminimalista, pero con referencias duchampianas añadidas al lugar de los negros en la sociedad estadounidense. [9] La obra de Hammons no solo está hecha de alusiones, sino también de metáforas . Estas metáforas se convierten en símbolos que tienen un significado importante en el mundo del arte, así como a los ojos del público. David Hammons continúa ofreciendo una interpretación crucial de la historia del arte afroamericano en la vida de una persona de color a través de estos símbolos. Anthony Huberman ha afirmado que "la obra de Hammons juega con el arte de la misma manera que un músico de jazz juega con el sonido: se mete en él, lo dobla, lo tuerce y evita que se quede demasiado quieto o demasiado cómodo". [10]
David Hammons era considerado bastante distinguido de sus colegas jóvenes artistas afroamericanos de su tiempo; era visto como "postnegro - avant la lettre, su trabajo aludía a un atrusismo al que el resto de nosotros recién estamos despertando". [11]
Sobre las obras de James Turrell relacionadas con la percepción de la luz, Hammons dijo: "Me gustaría poder hacer arte así, pero estamos demasiado oprimidos para que yo me meta en eso... Me encantaría hacerlo porque eso también podría ser muy negro. Ya sabes, como artista negro, que trabaja sólo con la luz. Dirían, "¿cómo diablos podría lidiar con eso, viniendo de donde vino?" Quiero llegar a eso, estoy tratando de llegar a eso, pero todavía no soy lo suficientemente libre. Todavía siento que tengo que transmitir mi mensaje". [12]
Al comienzo de su carrera, durante la década de 1960, el medio principal de Hammons eran las impresiones corporales. Este arte único se hacía engrasando el propio cuerpo de Hammons; luego, lo presionaba sobre el papel y agregaba grafito u otro medio para acentuar la impresión corporal. [13] Hammons reconoce que tomó prestada esta técnica del artista francés Yves Klein . Gran parte de las impresiones corporales de Hammons reflejan una de sus principales influencias para su obra de arte: la raza. Gran parte de su trabajo refleja su compromiso con los movimientos de derechos civiles y Black Power . Como hombre negro que experimentó estos movimientos de primera mano, su obra de arte está profundamente arraigada en sus experiencias personales. [14] Estos temas se han demostrado en una variedad de sus impresiones corporales. Esto se ve específicamente en sus obras "Spade" que creó durante la década de 1970: la palabra se usa irónicamente para reflejar la falta de comprensión de Hammons sobre por qué se usa como un término despectivo para los afroamericanos. [3] Aunque no se limita exclusivamente a Body Prints, muchas de las obras de arte de esta serie se realizan en este medio. Está Spade , una impresión de 1974 donde el artista presionó su rostro contra la forma dejando una huella caricaturesca de rasgos negroides. También en la serie Spade está Spade (Power for the Spade), esta pieza muestra una impresión corporal en relieve sobre un lienzo que representa una carta de Spade que encontrarías en una baraja de cartas. Esta obra de arte intenta recuperar el término transformando su significado de un término racista en una "insignia de honor". [15] De manera similar, su pintura de 1970, Black First, America Second, son 2 imágenes de él mismo envuelto en la bandera estadounidense. Es su yo negro y su yo estadounidense. Siente como si estas dos identidades que tiene estuvieran divididas y fundamentalmente en desacuerdo. Están constantemente luchando entre sí y no pueden unirse. [16] De manera similar, está su 'Injustice Case' donde se representa a sí mismo atado a una silla y amordazado. [17] Esta imagen hace referencia al tratamiento dado a Bobby Seale durante el juicio a los 7 de Chicago y a los intentos de Hammons de comentar la desigualdad que sufrieron los afroamericanos en esa época. [18] Esta pieza en particular refleja la capacidad de Hammons para capturar la experiencia personal de ser un hombre negro en Estados Unidos, especialmente en la época del Movimiento por los Derechos Civiles, y ha sido descrita por Michael Govan como "un ícono del arte estadounidense". [7] Esta pieza también refleja el talento artístico natural de Hammons, ya que fue adquirida por el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles apenas un año después de su realización. [19]
Más adelante en su carrera, Hammons ha explorado el medio escultórico en la creación de piezas. En su serie Spade de la década de 1970 incluyó obras como Bird (1973) donde el músico de jazz Charlie Parker es evocado por una pala que emerge de la boquilla de un saxofón. El nombre de la pieza refleja el apodo de Parker de "Yardbird" o "Bird". [20] De manera similar, está Spade with Chains (1973), donde el artista emplea el término provocativo y despectivo, junto con el instrumento de jardinería literal , para hacer un juego de palabras visual entre la hoja de una pala y una máscara africana, y una declaración contemporánea sobre los problemas de la esclavitud y la resistencia. En su pieza seminal, African-American Flag ( Bandera afroamericana ), Hammons aborda el tema de frente. La pieza representa la bandera estadounidense en los colores Garvey de negro, rojo y verde ( colores panafricanos ), estos colores también se utilizan en la bandera de UNIA . [21] La importancia de esta pieza se demuestra por su condición de parte de la colección permanente del Museo de Arte Moderno de Nueva York. Una copia de la bandera se encuentra izada en la entrada del Studio Museum en Harlem. [21]
Estos temas raciales han sido explorados en otras piezas escultóricas. El uso que hace Hammons de materiales descartados o abyectos , incluidos, entre otros, excrementos de elefante, partes de pollo, mechones de cabello afroamericano y botellas de vino barato [19], proporciona una interpretación crucial de la vida estadounidense y de la historia del arte desde la perspectiva de una persona negra. [22] Muchos críticos ven estos objetos como evocadores de la desesperación de la clase urbana negra pobre, pero Hammons, según se dice, vio una especie de poder sacrosanto o ritualista en estos materiales, por lo que los utilizó tan ampliamente. Por ejemplo, utilizó cabello recogido de barberías y lo pegó sobre piedras grandes. Estos objetos descartados se han convertido en algunas de las esculturas más conocidas de David Hammons que representan la vida de un afroamericano que vive en los Estados Unidos. Su pieza Sin título , hecha sobre varillas de construcción recubiertas de pelo rasta, fue vendida al Museo Whitney por cien mil dólares en 1992. [3] La pieza de Hammons In the Hood ha evolucionado hasta convertirse en un símbolo de lo que es ser joven, negro y hombre. La escultura se realizó en 1993 y se exhibió en la Galería Mnuchin de Nueva York. Esta sencilla escultura es un trozo de tela cortado clavado en la pared con un alambre enhebrado a través del forro para abrir la capucha, evocando la idea del linchamiento y se convierte en un microcosmos de lo que es ser negro en Estados Unidos. [23] Puede que sea simple, pero es muy eficaz y se alinea con la cantidad de trabajo de Hammons. [23] ' In the Hood ' fue replanteado en el centro de atención cultural cuando las imágenes de la pieza se usaron como fotos de perfil en las redes sociales para los partidarios de Black Lives Matter después del asesinato de Trayvon Martin . [19]
Sin embargo, la obra de Hammons no se limita a tratar el tema de la raza. También aborda la estructura jerárquica de clases al reflejarla en la dinámica entre los jóvenes negros y el baloncesto. Hammons creó una serie de aros de baloncesto más grandes que la vida, meticulosamente decorados con tapas de botellas, evocando el mosaico y el diseño islámicos. Un ejemplo de estos "altares" es High Falutin' o Basketball Chandelier , este último coloca un aro de baloncesto a su altura estándar, pero se vuelve inutilizable por su uso de materiales: cuentas de vidrio cortadas y apliques ornamentales. [24] Sin embargo, donde este tema se demuestra más prominentemente es en su pieza Higher Goals de 1986. Hammons coloca un aro de baloncesto ordinario, una red y un tablero en un poste de tres pisos de altura, comentando las aspiraciones casi imposibles del estrellato deportivo como una forma de salir del gueto. Hammons dice: "Se necesitan cinco personas para jugar en un equipo, pero hay miles que quieren jugar; no todos lo lograrán, pero incluso si no lo logran, al menos lo intentaron". Higher Goals estuvo en exhibición en el Cadman Plaza Park de Nueva York de 1986 a 1987. [25] Continúa sus piezas "Bird" con su obra de 1990 del mismo nombre. Esta vez aborda cómo los afroamericanos han tenido amplias oportunidades en ciertas industrias, como la música y el deporte, pero oportunidades limitadas en otras, por ejemplo, las artes. Esta pieza coloca una pelota de baloncesto, adornada con plumas y alambre de gallinero, en el marco de una jaula de pájaros victoriana pintada de blanco. La jaula simboliza la jaula metafórica en la que aún se encuentra la comunidad afroamericana. [26]
En 2007, Hammons colaboró con su esposa, Chie Hasegawa, en una pieza que gozó de gran aceptación entre el público. [27] En la elegante galería del centro de la ciudad especialmente seleccionada por Hammons (que no acepta que se le asocie con ninguna galería en particular), instalaron abrigos de piel de cuerpo entero sobre maniquíes antiguos: dos visones, un zorro, una marta cibelina, un lobo y una chinchilla. Luego quemaron, tiñeron y pintaron la parte posterior de los abrigos. [28] Esto convirtió a los abrigos en una "trampa sartorial" que evocaba pensamientos de política, consumismo, animismo, derechos de los animales y más. [28] La ironía de esta Exposición sin título no se limitaba únicamente a los abrigos en sí, sino también a la ubicación de la exposición. Presentarla en L & M Arts en el centro de Manhattan fue una decisión específica de Hammons, ya que deseaba invocar la ironía de que los abrigos encajaran en la representación del estilo de vida del Upper East Manhattan, pero que no encajaran bien en otros lugares de Nueva York. [29] De manera similar, su obra Smoke Screen (1990-95 ) está hecha con una franja de tela dorada, lo que le da a la pieza, a primera vista, un aspecto de clase alta o regio. Sin embargo, al observarla más de cerca, la tela está cubierta de agujeros de quemaduras y colillas de cigarrillos adornan la pieza y el piso que la rodea. [30]
En 2021, Hammons colaboró con el Hudson River Park Trust y el Whitney Museum para crear Days End . Esta pieza es un "monumento fantasma" al difunto artista, Gordon Matta-Clark. [31] En concreto, la obra de arte sirve como homenaje al "Muelle 52" de Matta-Clark al crear un marco estructural del almacén que componía la obra del artista. [31] Matta-Clark había cortado cinco aberturas en las paredes, los techos y el tejado de un cobertizo abandonado en el muelle. [3] Esta será la única pieza pública permanente de Hammons hasta la fecha. [31] La pieza en sí está hecha de varillas de acero, la mitad de las cuales están en tierra y las otras sobre pilotes de acero en el río Hudson. [3]
En mayo de 2021, el Museo Whitney de Arte Estadounidense presentó la escultura Day's End, terminada por Hammons, en el parque Hudson River Park, frente al propio museo. El fantasmal contorno arquitectónico exoesquelético de un muelle se inspiró en Day's End, Cinical Inversion, una pieza anterior de Gordon Matta-Clark (1943-1978), en la que el artista anterior hizo cinco incisiones en el edificio Pier 52, que anteriormente se encontraba en el mismo sitio. [32] [33]
Hammons ha ampliado su repertorio al medio escénico, que le ha permitido hablar de nociones de espacios públicos y privados, así como de lo que constituye una mercancía valiosa. Esto se vio especialmente en su pieza de 1983 Bliz-aard Ball Sale . Hammons se sitúa junto a vendedores ambulantes en el centro de Manhattan para vender bolas de nieve cuyo precio depende de su tamaño. [34] Este acto sirve tanto como parodia del intercambio de mercancías como de comentario sobre la naturaleza capitalista del arte fomentado por las galerías de arte. Además, pone un énfasis satírico en la " blancura ", ridiculizando el lujo superficial de la clasificación racial y criticando las duras realidades sociales de la venta ambulante que experimentan quienes han sido discriminados en términos de raza o clase. Esta performance fue captada por el fotógrafo y amigo negro Dawoud Bey . [3]
Hammons volvió a trabajar con Bey en Pissed Off , donde orinó sobre la gigantesca escultura de acero TWU de Richard Serra ; antes de arrojar varios pares de zapatillas sobre la parte superior de la obra en Shoe Tree . Esto dio la sensación de zapatos colgados sobre cables telefónicos en barrios del centro de la ciudad e impuso una influencia negra en una obra realizada por un artista blanco. [8]
En una exposición en la Galería Shimada, en Yamaguchi, Japón, Hammons colocó una gran roca en la parte trasera de un camión y luego procedió a conducir por la ciudad. [3]
Su obra de arte con abrigos de piel tiene un componente escénico. Hammons le pidió a Dominique Levy, copropietaria de la galería L & M donde se exhibirían los abrigos, que caminara por Madison Avenue con uno de ellos mientras Hammons filmaba. [3]
En 2020, Hammons compartió una imagen inédita de una actuación en un artículo de Daniel S. Palmer para el New York Times. Durante una tormenta de nieve en 2007, y en otras desde entonces, Hammons envolvió una bufanda de invierno alrededor de la cabeza de una escultura de bronce de una mujer negra en la base del monumento a Henry Ward Beecher en Columbus Park, Brooklyn. [35]
Su primera exposición en Nueva York tuvo lugar en 1975 en Just Above Midtown (JAM), donde sus obras estuvieron presentes junto a las de otros artistas de color, incluido su amigo y mentor Charles White. [3] Tituló esta exposición Greasy Bags and Barbeque Bones.
En 1980, Hammons participó en el innovador The Times Square Show de Colab , que sirvió como foro de intercambio de ideas para un grupo más joven de artistas alternativos de Nueva York. Su instalación estaba formada por brillantes fragmentos de vidrio esparcidos (de botellas rotas de vino Night Train). [36]
Hammons ha retomado la asociación entre el baloncesto y los jóvenes negros en una serie de dibujos realizados a partir de rebotar repetidamente una pelota de baloncesto sucia sobre enormes hojas de papel blanco limpio colocadas en el suelo. Travelling medía casi 3 metros de alto y el nombre hacía referencia tanto al término de baloncesto " Traveling " como a "ser transportado".
También ha expuesto el tema de la raza en otros medios. How Ya Like Me Now retrató al candidato político Jesse Jackson como un hombre blanco, con cabello rubio y ojos azules, para reflejar el sesgo racial de la política estadounidense. Esta obra, que fue pintada en una pared, fue vandalizada por dos hombres con mazos. Hammons continúa exhibiendo la obra dañada, e incluso incluye mazos para agregarle carácter a la pieza. [8]
En una muestra de 2011 en L & M Arts, presentó una serie de dibujos y pinturas oscurecidos o cubiertos por lonas o láminas de plástico, en un caso cubierto por un armario de madera. [37] Ha hecho dibujos de polvo Kool-Aid antes de cubrirlos con una cortina; la cortina solo se levanta bajo ciertas condiciones. [37] Estas piezas reflejan la idea de que en una era de vigilancia y desbordamiento de información, Hammons intenta detener este flujo y retener la información. [37] Esta idea también se vio más literalmente en su Concierto en negro y azul , donde la Ace Gallery en Nueva York estaba en total oscuridad y los visitantes tenían que guiarse con pequeñas linternas. [37]
Hammons exploró el medio del video y colaboró con el artista Alex Harsley en una serie de trabajos en video, entre ellos Phat Free (titulado originalmente Kick the Bucket ), que se incluyó en la Bienal del Whitney y otros lugares. Hammons y Harsley también han colaborado en instalaciones en la 4th Street Photo Gallery de Nueva York, un conocido espacio de exposiciones y proyectos de artistas en East Village.
En "The Window: Rented Earth: David Hammons", [38] una de sus primeras exposiciones individuales en el New Museum , Hammons abordó la relación diametralmente opuesta entre espiritualidad y tecnología al yuxtaponer una máscara tribal africana con un invento moderno: un televisor de juguete para niños.
En 2016, Hammons realizó una exposición en una galería en colaboración con la Galería Mnuchin llamada "David Hammons: Five Decades". [8] Como se ve en su Exposición de Artes L & M, esta elección de ubicación y la desconexión que genera entre esta y su arte es buscada por Hammons. [39]
En 2014, Hammons compró un antiguo almacén en Yonkers, Nueva York, con la intención de crear allí su propia galería de arte. [37] [40]
En 2019, Hauser & Wirth organizó una gran retrospectiva de su obra en Los Ángeles, que incluyó un campamento de personas sin hogar en el lugar. [41]
Una de las mayores influencias de Hammons ha sido el mundo de la música. En el mencionado Bird rinde homenaje al músico de jazz Charlie Parker. De manera similar, cuando Hammons se enteró de que Miles Davis había muerto, llevó un estéreo portátil al Museo de Arte Moderno de Nueva York cuando estaba instalando sus obras para su muestra de 1991 'Dislocations'. [8] Además, el título de una de sus obras How Ya Like Me Now proviene de una canción de Kool Moe Dee . [8] En su Exposición Mnuchin, colocó tres soportes de micrófono, con sus boquillas extendiéndose tan alto que la mayoría de la gente no podía alcanzarlos, con el título Which Mike do you want to be like...? (Haciendo referencia a Mike Tyson , Michael Jordan y Michael Jackson ). [42] Dedicó una exposición en la Galería Hauser & Wirth de Los Ángeles a Ornette Coleman , describiéndolo como "el Duchamp de la música, el que lo cambió todo". [3]
Otra de las influencias clave de Hammons es el artista francés Marcel Duchamp. Hammons se describe a sí mismo como el director de la «Clínica Ambulatoria Duchamp» [8] y la empresa propietaria de su galería de Yonkers se llama «Duchamp Realty». [8]
Hammons recibió la Beca MacArthur (conocida popularmente como la "Beca Genius") en julio de 1991. [8]
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