Victor Vasarely ( francés: [viktɔʁ vazaʁeli] ; nacido Győző Vásárhelyi , húngaro: [ˈvaːʃaːrhɛji ˈɟøːzøː] ; 9 de abril de 1906 [1] - 15 de marzo de 1997) fue un artista húngaro-francés, ampliamente aceptado como "abuelo" y líder. [2] del movimiento Op art .
Su obra titulada Zebra , creada en 1937, es considerada por algunos como uno de los primeros ejemplos de Op art.
vida y trabajo
Vasarely nació en Pécs y creció en Piešťany (entonces Pöstény) y Budapest , donde, en 1925, inició estudios de medicina en la Universidad Eötvös Loránd . En 1927, abandonó la medicina para aprender pintura académica tradicional en la Academia privada Podolini-Volkmann. En 1928/1929, se matriculó en la escuela de arte privada de Sándor Bortnyik llamada Műhely (literalmente "Taller", existente hasta 1938), entonces ampliamente reconocida como el centro de estudios de la Bauhaus de Budapest. Con problemas de liquidez, el műhely no podía ofrecer todo lo que ofrecía la Bauhaus. En cambio, se concentró en las artes gráficas aplicadas y el diseño tipográfico.
En 1929 pintó su Estudio Azul y su Estudio Verde . En 1930 se casó con su compañera de estudios Claire Spinner (1908-1990). Juntos tuvieron dos hijos, André y Jean-Pierre . Jean-Pierre también era artista y utilizaba el nombre profesional "Yvaral". Trabajó en contabilidad y diseño de carteles publicitarios en una empresa de rodamientos de bolas en Budapest. Vasarely se convirtió en diseñador gráfico y cartelista durante la década de 1930 combinando patrones e imágenes orgánicas.
Obra de Vasarely al aire libre en la iglesia de Pálos en Pécs
Vasarely abandonó Hungría y se instaló en París en 1930. Trabajó como artista gráfico y consultor creativo en las agencias de publicidad Havas, Draeger y Devambez (1930-1935). Sus interacciones con otros artistas durante este tiempo fueron limitadas. Pensó en abrir una institución siguiendo el modelo del műhely de Sándor Bortnyik y desarrolló material didáctico para ello. Habiendo vivido principalmente en hoteles baratos, se instaló en 1942/1944 en Saint-Céré, en el departamento de Lot . Después de la Segunda Guerra Mundial , abrió un taller en Arcueil , un suburbio a unos 10 kilómetros del centro de París (en el departamento de Val-de-Marne de la Isla de Francia ). En 1961, se instaló finalmente en Annet-sur-Marne (en el departamento de Sena y Marne ).
Vasarely finalmente pasó a producir arte y escultura utilizando ilusión óptica . Durante las siguientes tres décadas, Vasarely desarrolló su estilo de arte abstracto geométrico, trabajando con diversos materiales pero utilizando un número mínimo de formas y colores:
1929-1944 : Primeros gráficos : Vasarely experimentó con efectos de textura, perspectiva, sombras y luces. Su primera etapa gráfica se tradujo en obras como Zebras (1937), Chess Board (1935) y Girl-power (1934).
1944-1947 : Les Fausses Routes – En el camino equivocado : Durante este período, Vasarely experimentó con pinturas cubistas , futuristas , expresionistas , simbólicas y surrealistas sin desarrollar un estilo único. Luego dijo que estaba en el camino equivocado. Expuso sus obras en la galería Denise René (1946) y en la galería René Breteau (1947). Al escribir la introducción al catálogo, Jacques Prévert situó a Vasarely entre los surrealistas . Prévert crea el término imaginarios (imágenes + noir, negro) para describir las pinturas. A este período se asocian Autorretrato (1941) y El ciego (1946).
1947-1951 : Desarrollo del arte abstracto geométrico (arte óptico) : Finalmente, Vasarely encontró su propio estilo. Los desarrollos superpuestos llevan el nombre de su herencia geográfica. Denfert se refiere a las obras influenciadas por las paredes de azulejos blancos de la estación de metro Paris Denfert – Rochereau . Los guijarros y conchas elipsoides encontrados durante unas vacaciones en 1947 en la costa bretona de Belle Île le inspiraron para las obras de Belles-Isles . Desde 1948, Vasarely solía pasar sus meses de verano en Gordes, en Provenza-Alpes-Costa Azul . Allí, las casas cúbicas le llevaron a la composición del grupo de obras denominado Gordes/Cristal . Trabajó sobre el problema de los espacios vacíos y llenos sobre una superficie plana así como sobre la vista estereoscópica.
1951-1955 : Imágenes cinéticas, fotografías en blanco y negro : A partir de sus obras de Gordes desarrolló sus imágenes cinemáticas, paneles de vidrio acrílico superpuestos crean impresiones dinámicas y en movimiento según el punto de vista. En el período blanco y negro combinó los marcos en un solo panel transponiendo fotografías en dos colores. Homenaje a Malevitch , un mural cerámico de 100 m 2 (1100 pies cuadrados) adorna la Universidad de Caracas , Venezuela, que codiseñó en 1954 con el arquitecto Carlos Raúl Villanueva , es una obra importante de este período. El arte cinético floreció y obras de Vasarely, Calder , Duchamp , Man Ray , Soto , Tinguely fueron expuestas en la galería Denise René bajo el título Le Mouvement (el movimiento). Vasarely publicó su Manifiesto Amarillo . Basándose en las investigaciones de los pioneros constructivistas y de la Bauhaus , postuló que la cinética visual ( plastique cinétique ) se basaba en la percepción del espectador, considerado el único creador, jugando con ilusiones ópticas .
1955-1965 : Folklore planétaire, permutaciones y arte serial : El 2 de marzo de 1959, Vasarely patentó su método de unités plastiques . Se recortan permutaciones de formas geométricas de un cuadrado de color y se reorganizan. Trabajó con una paleta de colores y formas estrictamente definida (tres rojos, tres verdes, tres azules, dos violetas, dos amarillos, negro, blanco, gris; tres círculos, dos cuadrados, dos romboides, dos rectángulos largos, un triángulo, dos círculos disecados, seis elipses) que luego amplió y numeró. A partir de este alfabeto plástico , comenzó el arte en serie , una permutación interminable de formas y colores elaborada por sus asistentes. (El proceso creativo se produce mediante herramientas estandarizadas y actores impersonales que cuestionan la unicidad de una obra de arte). En 1963, Vasarely presentó su paleta al público bajo el nombre de Folklore planetaire .
1965– : Hommage à l'hexagone, Vega : La serie Tributo al hexágono consiste en infinitas transformaciones de hendiduras y relieves añadiendo variaciones de color, creando un móvil perpetuo de ilusión óptica . En 1965 Vasarely fue incluido en la exposición del Museo de Arte Moderno The Responsive Eye , creada bajo la dirección de William C. Seitz. Su serie Vega juega con rejillas esféricas hinchadas creando una ilusión óptica de volumen.
Kezdi-Ga , 1970, Serigrafía en colores, Edición de 250, 50,8 cm × 50,8 cm (20,0 pulg. × 20,0 pulg.)
En octubre de 1967, el diseñador Will Burtin invitó a Vasarely a hacer una presentación en la conferencia Vision '67 de Burtin, celebrada en la Universidad de Nueva York. El 5 de junio de 1970, Vasarely abrió su primer museo dedicado con más de 500 obras en un palacio renacentista en Gordes (cerrado en 1996). Una segunda empresa importante fue la Fundación Vasarely en Aix-en-Provence , un museo ubicado en una estructura distinta especialmente diseñada por Vasarely. Fue inaugurado en 1976 por el presidente francés Georges Pompidou , dos años después de su muerte. El museo se encuentra actualmente en mal estado, varias de las piezas expuestas han sido dañadas por filtraciones de agua del techo. Además, en 1976 se instaló su gran objeto cinemático Georges Pompidou en el Centro Pompidou de París y se estableció el Museo Vasarely ubicado en su lugar natal en Pécs , Hungría, con una gran donación de obras de Vasarely. En la misma década, incursionó en el diseño industrial con una serie de 500 piezas de la exclusiva vajilla Suomi de Timo Sarpaneva que Vasarely decoró para el Studio Linie del fabricante de porcelana alemán Rosenthal . [3] En 1982, el cosmonauta Jean-Loup Chrétien llevó al espacio 154 serigrafías especialmente creadas a bordo de la nave espacial franco-soviética Salyut 7 y luego las vendió en beneficio de la UNESCO . En 1987 se creó el segundo museo húngaro Vasarely en el Palacio Zichy de Budapest con más de 400 obras.
Murió a los 90 años en París el 15 de marzo de 1997.
Legado
En 2012 se montó una nueva exposición de Vasarely en París, en el Musée en Herbe .
La portada original británica del segundo álbum de David Bowie , ' David Bowie ' (1969), presenta el trabajo de Vasarely de fondo. [4]
En 2019, se exhibió en el Centro Georges Pompidou de París una exposición temporal de la obra de Vasarely titulada Le Partage des Formes . [5]
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