The Velvet Underground es el tercer álbum de estudio de la banda de rock estadounidense Velvet Underground . Publicado en marzo de 1969 por MGM Records , fue su primer disco con el multiinstrumentista Doug Yule , quien reemplazó al miembro anterior John Cale . Grabado en 1968 en TTG Studios en Los Ángeles, California, el sonido del álbum, que consiste principalmente en baladas y canciones de rock sencillas, marcó un cambio notable en el estilo con respecto a las grabaciones anteriores de la banda. El vocalista principal Lou Reed hizo esto intencionalmente como resultado de su abrasivo álbum de estudio anterior White Light/White Heat (1968). [ cita necesaria ] Reed quería que otros miembros de la banda cantaran en el álbum; Yule contribuyó con la voz principal en el tema de apertura " Candy Says " y el tema de cierre " After Hours " es cantado por la baterista Maureen Tucker .
Temáticamente, The Velvet Underground analiza el amor, contrastando lanzamientos anteriores de la banda. Reed ideó el orden de las pistas y basó su composición en las relaciones y la religión. " Pale Blue Eyes " ha sido aclamada como una de sus mejores canciones de amor, [ ¿por quién? ] aunque "The Murder Mystery" se destaca por su experimentación en una devolución de llamada a White Light/White Heat . Billy Name tomó la fotografía del álbum de la banda sentada en un sofá en la fábrica de Andy Warhol . El proceso de grabación comenzó con poca antelación y, aunque la banda tenía la moral alta, al final se sintieron decepcionados de que Reed hubiera creado su propia mezcla del producto final.
Las críticas contemporáneas elogiaron el álbum, que supuso un punto de inflexión para la banda. Sin embargo, The Velvet Underground no llegó a las listas, sufriendo nuevamente por una falta de promoción por parte del sello discográfico de la banda. Reed jugó un papel dominante en el proceso de mezcla y su propia mezcla del álbum, denominada "closet mix", se lanzó por primera vez en los Estados Unidos. Al ingeniero de MGM, Val Valentin, se le atribuyó una mezcla diferente que se ha distribuido más ampliamente desde entonces. Reseñas retrospectivas lo han calificado como uno de los mejores álbumes de la década de 1960 y de todos los tiempos, y muchos críticos destacaron su producción moderada y sus letras personales. En 2020, Rolling Stone lo ubicó en el puesto 143 de su lista de los " 500 mejores álbumes de todos los tiempos ".
Cale fue despedido del grupo en septiembre de 1968 y Yule fue contratado como bajista. Yule fue descubierta por Morrison a través del road manager de la banda, Hans Onsager. [2] Semanas después de que Yule se uniera a Velvet Underground, comenzaron a grabar su tercer álbum de estudio. [3] Lou Reed , el compositor principal de la banda, creía que la banda no debería "hacer otro White Light/White Heat" . Pensé que sería un error terrible, y realmente lo creí. Pensé que teníamos que demostrar el otro lado. de nosotros. De lo contrario, nos convertiríamos en algo unidimensional, y eso debía evitarse a toda costa". [4]
Según Morrison, a principios de 1968 la mayoría del equipo de la banda fue robado en el Aeropuerto Internacional JFK, lo que influyó en el sonido del álbum. Sin embargo, Yule rechaza esta afirmación, explica que no recuerda tal evento y aclara que la banda simplemente estaba tocando de manera más melódica; Tucker también dice esto. Durante este tiempo, Reed tenía un gusto cada vez mayor por la música relajante; en una entrevista con Lester Bangs destacó los temas "Jesus" y "Candy Says", declarando este último "probablemente la mejor canción que he escrito ..." [3] Reed consideró que White Light/White Heat estaban tan lejos como la banda podía optar por dicha producción y, además, llamó capítulo a cada álbum que hizo la banda. [1] Comenzaron a grabar después de una gira por la costa oeste y el manager de la banda, Steve Sesnick, obtuvo tiempo en el estudio con poca antelación, por lo que la banda había tenido poco tiempo para prepararse. [5] En ese momento, Reed estaba manejando las relaciones entre su novia Shelley Albin y Name, lo que influyó en su composición. [6]
The Velvet Underground se grabó durante noviembre y diciembre de 1968 en los estudios TTG de Los Ángeles. La banda se alojó en el hotel Chateau Marmont y realizó giras frecuentes mientras grababa. [3] Escribieron y ensayaron en el hotel por la tarde, grabando canciones por la noche. [7] Reed y Morrison tocaron guitarras de 12 cuerdas de Fender . [3] [7] La moral en el estudio era en general alta; Yule dijo que grabar el álbum "fue muy divertido. Las sesiones fueron constructivas, felices y creativas, todos estaban trabajando juntos". [4] Según Yule, tomó "un par de semanas para las pistas básicas", describiéndolo además como un "álbum de estudio en vivo". Reed intentó intencionalmente que Yule fuera el centro de atención, y los miembros de la banda sospecharon que esto podría haber inflado su ego. En general, las sesiones tuvieron un ambiente alegre; [8] Tucker dijo que "estaba satisfecha con la dirección en la que íbamos y con la nueva calma en el grupo, y pensando en un buen futuro, esperando que la gente mejorara y alguna compañía discográfica nos aceptara y nos hiciera justicia. " [4]
"The Murder Mystery" incluye las voces de los cuatro miembros. Yule afirma que la canción fue grabada en un estudio de MGM en la Sexta Avenida en Nueva York, aunque esto contradice las notas del disco. [3] La canción de cierre del álbum, "After Hours", tiene una rara voz solista de Tucker, solicitada por Reed porque sentía que la calidad dulce e inocente de su voz encajaba mejor con el estado de ánimo de la canción que con el suyo. [9] Tucker estaba nervioso mientras grababa la pista, y después de ocho tomas hizo que todos se fueran excepto ella, Reed y Valentin. Después de terminar su toma, dijo que no la cantaría en vivo a menos que alguien se lo pidiera. Reed grabó varios solos de guitarra para "What Goes On"; Cuando Valentin comentó que se estaban quedando sin espacio para las pistas, la banda finalmente decidió conservarlas todas, [3] ya que Reed no podía decidir cuál sonaba mejor. [10] Cuando Reed hizo su propia mezcla para el álbum, que ahogó otras partes de acompañamiento excepto su voz, Morrison y Tucker se molestaron. [7] Morrison describió el producto final como "antiproducción". [10]
La moderación y sutileza del álbum fue una desviación significativa de la abrasividad directa de White Light/White Heat . [11] [12] Redujo las referencias sexuales explícitas, el horror y las referencias a las drogas de su esfuerzo anterior, reemplazándolos con discusiones sobre religión, amor y soledad. [8] El crítico musical Greg Kot del Chicago Tribune lo caracterizó como folk rock , [13] y Troy Carpenter de la revista Rolling Stone dijo que se centraba en un rock suave y melódico . [11] Según el periodista musical Steve Taylor, The Velvet Underground es un álbum pop debido a sus canciones más accesibles y "ha sido llamado Lou Reed con una banda de acompañamiento debido al énfasis puesto en las canciones en lugar del trabajo de sonido experimental". [14] El biógrafo Richie Unterberger comentó sobre su dramático cambio en el sonido: "Habiendo hecho quizás el álbum más ruidoso de todos los tiempos, es casi como si ahora hubieran decidido hacer el LP más silencioso del mundo". [3] Reed dijo que todas las canciones del álbum estaban en orden y se complementaban entre sí, explicando en una entrevista con Howard Smith : [1]
Hubo ciertas preguntas formuladas en la canción de apertura ... y luego se delineó, ya sabes, a través de varias fases. ... terminó con 'Jesús', diciendo ahora ayúdame a hacer esto, hombre. ... Y luego, después de pasar por todo ... desde aquí hasta aquí, que es lo que pasa una persona promedio, te enfrentas a 'El Misterio del Asesinato', que es un cambio total de todo. Porque no deberías enfrentarte a eso, pero lo hiciste.
Al igual que en los otros álbumes ... la gente no entendió [el orden de las canciones]. Y en este caso sentí que era obvio. Pero tal vez no fue así. ... Y finalmente resume, dice: 'Esa es la historia de mi vida'. Pero luego se enfrentó a otra cosa, que es que una vez que te superas, te resuelves, de modo que no existes ... Pero lo que realmente sucede fuera de ti es 'El Misterio del Asesinato ... y luego, después eso, fue algo así como, bueno, 'After Hours'. ¿Qué podrías decir después de 'The Murder Mystery'? Excepto que 'cierras la puerta, la noche podría durar para siempre'. Cual es verdad.
Reed consideraba cada canción como "pequeñas obras" impersonales. [3] Aparte de los contundentes rockeros " What Goes On " y "Beginning to See the Light", el álbum contiene canciones reflexivas y melódicas que tratan sobre diversas formas de amor, [12] como "Pale Blue Eyes", "Some Kinda Love", "Jesús", "Soy libre" y "Esa es la historia de mi vida". La forma de tocar las guitarras gemelas de Reed y Morrison se convirtió en el sonido más destacado de la banda, [12] y el álbum tenía arreglos adicionales que carecían de distorsión. La única canción que exhibe las raíces vanguardistas de la banda es "The Murder Mystery". [12] La canción tardó dos sesiones en grabarse y su poema se incluyó más tarde en The Paris Review . [10]
El tema de apertura " Candy Says " está basado en la actriz transgénero Candy Darling, quien fue miembro de Warhol's Factory . [9] [3] Yule canta una historia de Darling, que odia su cuerpo y sufre dolor emocional. [8] Hace referencia a los pensamientos de Darling al afirmar ambiguamente "He llegado a odiar mi cuerpo/Y todo lo que requiere en este mundo". [15] Darling reaparece en la canción de Reed de 1972 " Walk on the Wild Side ". [16] Morrison dice que la elección de que Yule cantara la canción se debió a que Reed estaba desgastado por las giras. Yule está respaldado por armonías de doo wop y coros. Esta fue la primera vez que Yule cantó en un estudio, [3] y la canción fue cantada por Yule ante la insistencia de Reed. [dieciséis]
"What Goes On" es alegre y combina múltiples partes de guitarra principal con un órgano; este órgano, tocado por Yule, está presente en más canciones del disco. [3] Kory Grow de Rolling Stone describió el solo de guitarra de Reed en la canción como "gaita". [10] Descrito como la "anomalía" de la cara uno por Rob Jovanovic , se completa con un "ritmo nervioso", su sonido es el resultado de que Reed aumentó el volumen de su guitarra durante la grabación. [8] RC Baker de The Village Voice calificó esta canción como "uno de los mayores himnos existenciales del rock 'n' roll". [17]
"Some Kinda Love" contiene letras lascivas que contrastan con el disco, pero aún tiene elementos tenues: Tucker solo usa un cencerro y un bombo. [3] Describe ambiguamente el amor, específicamente el amor religioso. [8] Reed hace referencia a " The Hollow Men " de TS Eliot . [9] Escribe sobre dos personajes, Tom y Marguerita, y detalla una conversación seductora entre ellos. [18] Victor Bockris cita esto como otro ejemplo "donde [Reed] hace que las letras de rock funcionen como literatura". [19] Grow dijo que la canción explica cómo el amor es uniforme, mientras que "Pale Blue Eyes" simplemente habla de "otro tipo de amor", específicamente el adulterio, según Reed. [10]
"Pale Blue Eyes" ha sido llamada una de las mejores canciones de amor de Reed [ ¿según quién? ] —Morrison lo destacó del álbum en una entrevista de 1981. [ cita necesaria ] La composición del mismo se remonta a 1966; [3] se había presentado en vivo desde mediados de 1966. [20] Describe el adulterio y el pecado como una extensión de las referencias religiosas del álbum. [8] Se inspiró en la novia de Reed en ese momento, Shelley Albin. [21] Según Reed, lo escribió para alguien que extrañaba y que tenía ojos color avellana; hace referencia a "Seré tu espejo" y He estado abajo tanto tiempo que parece que depende de mí de Richard Fariña. [9] Además, Sesnick especula que algunas líneas son sobre el despido de Cale. [22] Tucker toca una pandereta. [18] Reed elogió el solo de guitarra de Morrison en la canción: [3]
Tenía ese hermoso tartamudeo. Nunca podría hacer eso. Siempre me pregunté cómo diablos hizo eso. Pero así era simplemente su forma de jugar: intuitivo, pero intuitivo combinado con cerebro.
Según Reed, "Jesús" no tiene nada que ver con la religión, aunque la describió como una canción de búsqueda. Sin embargo, en la balada popular , Reed le pide a Jesús la redención en forma de un sermón alegre . [3] Reed tenía poco interés en la religión; El mensaje de la canción es generalmente secular. [18] Durante el transcurso de la canción, el bajo de Yule asume un papel principal en el acompañamiento instrumental. [8]
"Comenzar a ver la luz" utiliza una frase asociada con la redención religiosa. En la canción, Reed habla de su revelación imaginada, [3] y afirma su distinción de ser amado, [19] esta vez descrito en relación con la religión. [10] Se dirige al movimiento del amor libre con las líneas "Aquí vamos de nuevo/Pensé que eras mi amigo", y luego comenta "¿Cómo se siente ser amado?" [23]
"I'm Set Free" es ambiguo, aunque saluda a Phil Spector ; las despedidas al final de la canción imitan las de " You've Lost That Lovin' Feelin' " de la banda de Spector, los Righteous Brothers . Unterberger elogia su solo de guitarra como "uno de los más subestimados con mejor gusto del grupo". [3] En la canción, Reed afirma que está libre de una relación, [10] aunque finalmente descubre que esto no es cierto. [19]
"Esa es la historia de mi vida" tiene una instrumentación mínima, aunque también hace referencia a Name. Originalmente, Cale tocó la viola para la canción en versiones en vivo, aunque no se incluyó ninguna viola para esta versión de estudio. [3] Durante la canción se repiten cuatro líneas de la letra. [8] El título y la letra se inspiraron en un comentario de Name, quien presentó a Reed una de sus mayores influencias, Alice Bailey . [18] Bockris resume el tema de esta canción: "La diferencia entre el bien y el mal es la historia de la vida de [Reed]". [19]
"The Murder Mystery" es una pista de palabra hablada. [3] Incorpora un ritmo raga , órgano murmurante , pasajes de palabras habladas superpuestas y voces melodiosas de contrapunto. [12] Durante los versos, Lou Reed y el guitarrista Sterling Morrison recitan diferentes versos de poesía simultáneamente, con las voces posicionadas estrictamente a la izquierda y a la derecha. Para los coros, Tucker y Yule cantan diferentes letras y melodías al mismo tiempo, también separadas de izquierda a derecha. [3] Unterberger señaló que tiene "poca melodía" y su narrativa es repetitiva, comparándola con "discos de 78 rpm y 16 rpm reproducidos simultáneamente", y la pista se cierra con un piano "progresivamente enloquecido". De la canción, Reed hizo referencia a "Sister Ray", y explicó que la canción "es parte de la novela que es un asesinato misterioso". Nunca se interpretó en vivo en su totalidad; Morrison explicó que sería demasiado difícil de tocar. [3] Jovanovic lo describió como una "mezcla incomprensible" y un homenaje a White Light/White Heat ; Reed lo calificó como un fracaso, ya que quería que "una voz dijera lo opuesto [lírico] de la otra". [8]
"After Hours" fue el único lanzamiento de la banda en ese momento con Tucker como voz principal. No toca percusión y solo está acompañada por una guitarra y un bajo. Tucker cuenta diciendo "uno, dos, tres"; un disco de grabación más antiguo con la etiqueta "If You Close the Door (canción de Moe)". [3] Generalmente, la canción trata sobre el aislamiento intencional. [10]
La portada fue tomada por Billy Name , fotógrafo y archivero de Warhol's Factory , [24] y presenta a la banda sentada tranquilamente en un sofá en The Factory. A Name le pagaron 300 dólares por la fotografía, que era lo máximo que le habían pagado en ese momento por una fotografía. [1] Yule y Tucker miran a Reed, y Morrison mira hacia otro lado; según Tucker, esto se debe a que Reed estaba hablando de la portada de la revista. [19] La contraportada es una imagen de Reed fumando, dividida en dos mitades con una de ellas al revés, ambas mostrando solo el lado izquierdo de su rostro. Cada lado incluye la lista de canciones y los créditos del disco, que también están al revés en esa parte de la imagen. [1] Reed sostuvo un número de Harper's Bazaar que fue retocado con aerógrafo. [8] La portada hizo que el disco fuera apodado "El álbum gris". [23]
La fecha de lanzamiento del "tercer álbum" de la banda se dio en un artículo de noviembre de 1968 en Los Angeles Free Press como enero de 1969; [25] la revista danesa Superlove presentó una vista previa del álbum completo en enero de 1969. Phil Morris de MGM le dijo a Record World el 22 de febrero de 1969 que el álbum estaba listo para su lanzamiento. Cuando se lanzó el álbum en marzo de 1969, los créditos de composición incluían a toda la banda como compositora, a pesar de que Reed escribió todas sus canciones. En cambio, los lanzamientos posteriores etiquetarían a Reed como el único compositor. La banda cambió de Verve Records al sello matriz MGM por razones desconocidas: Sesnick dice que la división de rock de Verve estaba a punto de cerrar, mientras que Morrison dice que esto fue simplemente "un cambio administrativo". [1] En última instancia, la decisión de mudarse a MGM fue de Sesnick. [19]
Se lanzaron dos mezclas del álbum. La mezcla inicial es de Reed que potencia su voz y baja sus instrumentos, que fue la primera mezcla vendida en Estados Unidos. Morrison notó que suena como si hubiera sido grabado en un armario, lo que llevó a su etiqueta como "mezcla de armario". Valentin produjo una mezcla más convencional, que Yule diría más tarde que desconocía. [1] La mezcla más distribuida es la que se le atribuye a Valentin, [8] que se distribuyó por toda Europa. [18] Las dos versiones utilizan interpretaciones completamente diferentes de "Some Kinda Love", ambas tomadas de las mismas sesiones de grabación. La mezcla de armario fue elegida para incluirse en la caja Peel Slowly and See . [21]
Si bien Onsager no planeó realizar una gira hasta después del lanzamiento de dos sencillos comercialmente exitosos, su calendario de giras se mantuvo casi ininterrumpido y solo se lanzó un sencillo sin éxito. "What Goes On" se lanzó en marzo de 1969, con "Jesus" como cara B. MGM lo promocionó en un anuncio de página completa en Cashbox, pero su distribución fue muy limitada. El álbum sufrió falta de promoción, aunque se utilizó un anuncio de radio para WNEW-FM en Nueva York, y MGM también incluyó anuncios en publicaciones como Rolling Stone , Creem y Village Voice . Al final, no logró figurar en la lista Billboard Top LP , el primer disco de la banda en hacerlo. Tucker lo atribuyó a la falta de promoción, mientras que Yule notó que el álbum finalmente no fue popular. [1] Debido a su fracaso en las listas, MGM no planeaba lanzar otro álbum de la banda. [18]
Unterberger notó cómo The Velvet Underground sonaba mucho más comercial que cualquiera de los álbumes anteriores de la banda y lo calificó como el punto donde la recepción crítica de la banda se volvió más positiva. [1] A pesar de esto, sin embargo, el álbum no llegó a las listas y tuvo menos éxito que los dos anteriores del grupo. [10] Al revisar el álbum para The Village Voice en 1969, Robert Christgau lo consideró el mejor trabajo de la banda y lo encontró melodioso, bien escrito y excepcionalmente cantado, a pesar de "otro experimento fastidioso" en "The Murder Mystery" y algunos "misterios". " con respecto a la mezcla. [26] En su votación para la encuesta anual de críticos de la revista Jazz & Pop , Christgau lo clasificó como el sexto mejor álbum del año. [27] Más tarde lo incluyó en su "Biblioteca de discos básica" de grabaciones de los años 1950 y 1960, publicada en Christgau's Record Guide: Rock Albums of the Seventies (1981). [28]
Lester Bangs , escribiendo en la revista Rolling Stone , consideró que no está a la par con White Light/White Heat y tiene errores con "The Murder Mystery" y "Pale Blue Eyes", pero finalmente dijo que su combinación de música poderosamente expresiva y letras profundamente sentimentales persuadirán a los detractores de la banda haciéndoles creer que pueden "escribir y tocar cualquier tipo de música que quieran con igual brillantez". [29] Paul Williams de Crawdaddy declaró que "todo el mundo ama" el nuevo lanzamiento de la banda y lo etiquetó como su favorito personal desde Forever Changes by Love. Bob Stark de Creem observó que estaba "tan 'lejos' como cualquiera de los dos [álbumes anteriores]". Lenny Kaye revisó el disco para Jazz & Pop , calificándolo de "casi lírico en su belleza". Otros periódicos como Chicago Seed , Record World , Cashbox y el más convencional Variety elogiaron el álbum, y este último afirmó que es "una contribución importante al avance lírico del rock". Adrian Ribolla de Oz , sin embargo, lamentó que "Velvet Underground realmente no suenan juntos en este álbum". Además, Broadside de Massachusetts anhelaba el sonido más antiguo de la banda. [1] Melody Maker , aunque elogió el álbum, simultáneamente lo descartó comentando que "no es sensacional, pero sí interesante". Retrospectivamente, en octubre de 1969, Richard Williams, de la misma revista, explicó que "la vieja crueldad todavía estaba ahí", calificando la antigua reseña de Melody Maker como errónea y aclamando los primeros tres álbumes de la banda como "un conjunto de trabajo que es fácilmente tan impresionante como cualquier otro". en roca". [30]
The Velvet Underground no impactó el Billboard 200 hasta su reedición de 1985, cuando alcanzó el puesto 197. [40] Según Billboard en 2013, The Velvet Underground ha vendido 201.000 copias desde 1991, cuando Nielsen SoundScan comenzó a rastrear las ventas de discos. [40]
En una reseña de la reedición del álbum de 1985, David Fricke de Rolling Stone comentó que tanto The Velvet Underground como su predecesor carecen de la diversidad del álbum debut de la banda de 1967 y de la accesibilidad precisa de Loaded (1970). Sin embargo, consideró que el álbum sigue siendo edificante como un ciclo de canciones tierno y sutilmente amplio cuya producción cruda revela sorprendentemente la esencia de la composición más expresiva de Reed. Fricke citó la "pareja irónica" de "Pale Blue Eyes" y "Jesus" como el mejor resumen de "la calidez esperanzada en el centro de la ira de los Velvet". [37]
Los críticos profesionales elogiaron la moderada producción del álbum. Colin Larkin , escribiendo en The Encyclopedia of Popular Music (1998), dijo que el álbum mostraba una nueva sutileza debido al papel más importante de Reed en la banda y que "reveló un enfoque pastoral, más suave y más moderado, conservando el aura escalofriante e inquietante". de lanzamientos anteriores." [41] En The Rolling Stone Album Guide (2004), Rob Sheffield escribió que después de la partida de Cale, la banda se convirtió en "baladistas folk acústicos" y que Reed era inesperadamente encantador en el álbum, cuyas "cada canción es un clásico". [38] La revista Q calificó el álbum como "una actuación de banda inolvidable y parpadeante". [36] Nick Butler de Sputnikmusic consideró que, aunque no es tan bueno como el álbum debut de la banda, The Velvet Underground "sigue siendo un álbum brillante". [42] Greg Kot del Chicago Tribune destacó la moderada contribución de Reed al disco, resumiéndola como "por primera vez sin John Cale, [Reed] crea folk-rock tranquilo e increíblemente hermoso". [13] Mark Deming para AllMusic escribió que las canciones del disco son las más personales y conmovedoras que la banda había grabado. [32] Brian Eno lo declaró su álbum favorito de la banda. [1]
The Velvet Underground fue votado en el puesto 262 en la tercera edición de los 1000 mejores álbumes de todos los tiempos de Colin Larkin (2000). [43] En 2003, Rolling Stone lo clasificó en el puesto 314 en su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos . En la edición de 2012 se redujo a 316 y en la edición de 2020 se subió a 143. [44] [45] [46] La revista NME lo nombró el 21.º mejor álbum de todos los tiempos en una lista de los 100 mejores álbumes de todos los tiempos. . [47] La lista de Pitchfork de 2017 de los 200 mejores álbumes de la década de 1960 lo ubicó en el puesto 12, por encima de Electric Ladyland de Jimi Hendrix Experience . [48] Ultimate Classic Rock lo incluyó en su Top 100 de álbumes no clasificados de la década de 1960. [49] Uncut lo incluyó en el puesto 52 de sus 200 mejores álbumes de todos los tiempos, por encima de Third/Sister Lovers de Big Star pero detrás de Tapestry de Carole King . [50]
Robert Dimery incluyó el álbum en la edición de 2018 de su libro 1001 álbumes que debes escuchar antes de morir . [51]
Junto con los primeros tres álbumes del grupo, The Velvet Underground recibió una reedición en 1985. [3] [52] Estas reediciones tuvieron un éxito inesperado, lo que condujo a nuevos lanzamientos bajo PolyGram , como Another View . El álbum se incluyó en la caja Peel Slowly and See , [52] y luego sería reeditado como una edición Super Deluxe para su 45 aniversario, incluyendo versiones mono de pistas, demos y presentaciones en vivo. [35]
Todas las pistas escritas por Lou Reed . Todas las voces principales de Reed, excepto donde se indique lo contrario. Los tiempos de ejecución enumerados son para la mezcla Valentin; El disco uno de la Edición Super Deluxe del 45º Aniversario es la mezcla de Valentin.
El metro de terciopelo
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