Synecdoche, New York ( / s ɪ ˈ n ɛ k d ə k i / sin- EK -də-kee ) [3] es una película de drama psicológico posmoderno estadounidense de 2008 [4] escrita y dirigida por Charlie Kaufman en su debut como director. Está protagonizada por Philip Seymour Hoffman como un director de teatro enfermo que trabaja en una producción teatral cada vez más elaborada y cuyo compromiso extremo con el realismo comienza a desdibujar los límites entre ficción y realidad . El título de la película es un juego de palabras con Schenectady, Nueva York , donde se desarrolla gran parte de la película, y el concepto de sinécdoque , en el que una parte de algo representa el todo o viceversa.
La película se estrenó en competición en el 61º Festival de Cine de Cannes el 23 de mayo de 2008. Sony Pictures Classics adquirió los derechos de distribución en Estados Unidos, sin pagar dinero pero acordando dar a los patrocinadores de la película una parte de los ingresos. [5] [6] Tuvo un estreno limitado en cines en los EE. UU. el 24 de octubre de 2008 y fue un fracaso comercial en su estreno inicial. [2]
La historia y los temas de Synecdoche, Nueva York polarizaron a los críticos: algunos la calificaron de pretenciosa o autoindulgente, pero otros la declararon una obra maestra, y Roger Ebert la calificó como la mejor de la década. [7] La película también fue nominada a la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 2008 y desde entonces ha aparecido en múltiples encuestas sobre las mejores películas del siglo XXI. [8] [9]
El director de teatro Caden Cotard descubre que su vida se está desmoronando. Sufre numerosas dolencias físicas y se ha distanciado cada vez más de su esposa artista, Adele. Toca fondo cuando Adele lo deja para emprender una nueva vida en Berlín , llevándose consigo a su hija de cuatro años, Olive.
Después del éxito de su producción de Death of a Salesman , Caden recibe inesperadamente una beca MacArthur , lo que le proporciona los medios económicos para dedicarse a sus intereses artísticos. Decide utilizarlo para crear una pieza artística de brutal realismo y honestidad, en la que puede volcar todo su ser. Reuniendo a un elenco en un enorme almacén en el distrito de teatros de Manhattan , dirige una celebración de lo mundano, instruyendo al elenco a vivir sus vidas construidas. A medida que la maqueta dentro del almacén se vuelve cada vez más mimética de la ciudad exterior, Caden continúa buscando soluciones a sus crisis personales. Queda traumatizado cuando descubre que Adele se ha convertido en una pintora célebre en Berlín y que Olive está creciendo bajo la guía cuestionable de María, la amiga de Adele. Tras un intento fallido de romance con Hazel (la mujer que trabaja en la taquilla), se casa con Claire, una actriz de su reparto, y tiene una hija con ella. Su relación fracasa y él continúa su incómoda relación con Hazel, quien ahora está casada, tiene hijos y trabaja como su asistente. Mientras tanto, una condición desconocida está apagando sistemáticamente su sistema nervioso autónomo .
A medida que pasan los años, el almacén en continua expansión queda aislado del deterioro de la ciudad exterior. Caden se sumerge cada vez más profundamente en su obra maestra , desdibujando la línea entre la realidad y el mundo de la obra al poblar el elenco y el equipo con dobles . Por ejemplo, Sammy Barnathan interpreta el papel de Caden en la obra después de que Sammy revela que ha estado siguiendo obsesivamente a Caden durante 20 años, mientras que el doble de Sammy interpreta a Sammy. El interés de Sammy en Hazel provoca un resurgimiento de la relación de Caden con ella, lo que lleva a Sammy a suicidarse. Poco después de que Caden y Hazel finalmente se juntan, Hazel muere por inhalación de humo en su casa en constante incendio.
Mientras supera los límites de sus relaciones personales y profesionales, Caden deja que una actriz asuma su papel de director y asume su papel anterior como Ellen, la guardiana de Adele. Vive sus días en el modelo del apartamento de Adele bajo las instrucciones del director sustituto mientras ocurre una calamidad inexplicable en el almacén que deja ruinas y cadáveres a su paso. Finalmente, se prepara para la muerte mientras apoya su cabeza en el hombro de una actriz que anteriormente había interpretado a la madre de Ellen, aparentemente la única persona en el almacén que sigue viva. A medida que la escena se vuelve gris, Caden comienza a decir que ahora tiene una idea de cómo hacer la obra, cuando la voz del director en su oído lo interrumpe con su señal final: "Muere".
Sony Pictures Classics se acercó a Kaufman y Spike Jonze para proponerles hacer una película de terror. Los dos comenzaron a trabajar en una película que trataba sobre cosas que encontraban aterradoras en la vida real en lugar de los típicos tropos de las películas de terror. [10] Este proyecto evolucionó hasta convertirse en Synecdoche . Estaba previsto que Jonze dirigiera, pero eligió dirigir Donde viven los monstruos . [11]
Al principio de la película, Hazel compra una casa que está constantemente en llamas. Al principio, mostrando renuencia a comprarlo, Hazel le comenta al agente de bienes raíces: "Me gusta, me gusta. Pero estoy realmente preocupada por morir en el fuego", a lo que el agente responde: "Es una gran decisión, ¿cómo puede ser?". uno prefiere morir." En una entrevista con Michael Guillén, Kaufman dijo: "Bueno, ella tomó la decisión de vivir allí. De hecho, dice en la escena justo antes de morir que el final está integrado en el principio. Eso es exactamente lo que sucede allí. Ella elige vivir en esta casa. Tiene miedo de que la mate, pero se queda allí y esa es la verdad sobre cualquier elección que hagamos. Tomamos decisiones que resuenan a lo largo de nuestras vidas". [12] La casa en llamas ha sido comparada con la frase de Tennessee Williams : "Todos vivimos en una casa en llamas, no hay departamento de bomberos al que llamar; no hay salida, solo la ventana de arriba para mirar mientras el fuego quema la casa". con nosotros atrapados, encerrados en él." [13] También se ha dicho que la casa es una referencia a la psicología junguiana . En una entrevista, Kaufman mencionó que un erudito junguiano ve la casa como una representación de uno mismo. [14]
La película menciona continuamente la frase "El fin está integrado en el principio", que se refiere a la conexión entre la muerte y el nacimiento. Esto se ve enfatizado por el hecho de que la mayor parte del tiempo se pasa sin haber nacido ni muerto, y cómo la vida, en comparación, es una fracción de segundo. Otra conexión con este tema es el comienzo y el final de la película con un desvanecimiento en una pantalla gris. [15]
Caden y Adele son artistas y la escala en la que ambos trabajan se vuelve cada vez más relevante para la historia. Adele trabaja en una escala extremadamente pequeña, mientras que Caden trabaja en una escala increíblemente grande, construyendo una réplica a tamaño real de la ciudad de Nueva York en un almacén y, finalmente, un almacén dentro de ese almacén, y así sucesivamente, continuando en este ciclo imposible. El nombre de Adele es casi un montitlen para "un arte delicado" (Adele Lack Cotard). Al comentar sobre la escala de las pinturas (en realidad, las pinturas miniaturizadas del artista Alex Kanevsky ), [16] Kaufman dijo: "En el estudio [de Adele] al comienzo de la película se pueden ver algunas pinturas pequeñas pero de tamaño regular que se podían ver sin lupa... Cuando [Caden] va a la galería para ver su trabajo, muchos años después, ya no puedes verlos en absoluto". Continuó: "Como imagen de un sueño, me atrae. Su trabajo es, en cierto modo, mucho más efectivo que el trabajo de Caden. El objetivo de Caden en su intento de hacer su extensa obra de teatro es impresionar a Adele porque se siente muy falto junto a ella en términos de su trabajo", y agregó: "El trabajo de Caden es tan literal. La única forma en que puede reflejar la realidad en su mente es imitándola en tamaño real... Es una imagen de un sueño, pero no interactúa con ella exitosamente". [12]
Muchos críticos creen que los escritos de Kaufman están influenciados por la psicología junguiana . [12] [17] [18] [19] Carl Jung escribió que los estados de vigilia y sueño son necesarios en la búsqueda de significado. Caden a menudo parece existir en una combinación de los dos. Kaufman ha dicho: "Creo que la diferencia es que una película que intenta ser un sueño tiene un remate y el remate es: fue un sueño". [12] [14] Otro concepto en la psicología junguiana son los cuatro pasos hacia la autorrealización: tomar conciencia de la sombra (reconociendo los lados constructivos y destructivos), del anima y animus (donde un hombre toma conciencia de su componente femenino y una mujer se vuelve consciente de su componente masculino), del espíritu arquetípico (donde los humanos adquieren sus personalidades de maná) y, finalmente, de la autorrealización (donde una persona es plenamente consciente del ego y del yo). Caden parece pasar por las cuatro etapas. Cuando contrata a Sammy, descubre su verdadera personalidad y se vuelve más consciente de sí mismo. Muestra conciencia de su anima cuando se reemplaza por Ellen y le dice a Tammy que su personalidad lo habría hecho más hábil en la feminidad que en la masculinidad. Al asumir el papel de Ellen, se vuelve consciente del espíritu arquetípico y finalmente se da cuenta de verdades sobre su vida y sobre el amor.
En el delirio de Cotard , uno se cree muerto o que sus órganos faltan o están en descomposición. [20] La preocupación de Caden por la enfermedad y la muerte parece estar relacionada.
Cuando Caden entra al apartamento de Adele, el timbre pulsado (31Y) lleva el nombre "Capgras". El delirio de Capgras es un trastorno psiquiátrico en el que quienes lo padecen perciben que personas conocidas (cónyuges, hermanos, amigos) han sido reemplazadas por impostores idénticos. Este tema se repite a lo largo de la película cuando las personas son reemplazadas por actores en la obra de Caden.
En las escenas finales de la película, Caden escucha instrucciones por el auricular. Esto es similar a la alucinación auditiva en tercera persona descrita por Kurt Schneider como síntoma de primer orden de la esquizofrenia . [21]
La película es metarreferencial en el sentido de que retrata una obra de teatro dentro de una obra de teatro , a veces también llamada mise en abyme .
Este tema ha sido comparado con la frase de William Shakespeare "Todo el mundo es un escenario, y todos los hombres y mujeres meros actores". [22] [23] También se ha comparado con el vídeo musical de la canción " Bachelorette " de la cantante islandesa Björk , [23] [24] que retrata a una mujer que encuentra un libro autobiográfico sobre ella que escribe ella misma, que luego es adaptado a una obra de teatro que presenta una obra de teatro dentro de sí misma. El vídeo fue dirigido por Michel Gondry , quien también dirigió las películas de Kaufman Human Nature y Eternal Sunshine of the Spotless Mind . En una entrevista, Kaufman respondió a la comparación: "Sí, escuché esa comparación antes. La razón por la que Michel y yo nos encontramos es porque tenemos ideas similares". [25]
A lo largo de la película, Caden se refiere a la inevitabilidad de la muerte y a la idea de que todos ya están muertos. "Prácticamente todo en la grotesca existencia de Caden presagia mortalidad y decadencia", escribió Jonathan Romney de The Independent , "ya sean lesiones cutáneas, mensajes de fax confusos o el contenido de los inodoros de la gente". [26]
Algunos críticos han notado que la película parece inspirada en el concepto de simulacro y simulación del filósofo posmodernista Jean Baudrillard . [27] [28] [29] Uno de los nombres que Caden le da a su obra es Simulacrum . The Guardian sugirió que la película es la "novela posmoderna definitiva". [4] Baudrillard hace referencia al cuento de Jorge Luis Borges " Sobre la exactitud en la ciencia " en sus escritos. Algunos comentaristas han comparado el final de la película, cuando Caden camina a través de su reproducción mientras comienza a desmoronarse, con la historia. [16] [30]
Los libros de Hazel también tienen importancia en la película. Tiene El camino de Swann , de Marcel Proust (el primer volumen de En busca del tiempo perdido ) y El proceso , de Franz Kafka ; ambos están relacionados con los motivos de la película. [13]
En el agregador de reseñas Rotten Tomatoes , la película tiene un índice de aprobación del 69% basado en 195 reseñas, con una calificación promedio de 6,80/10. El consenso crítico del sitio web dice: "El ambicioso debut como director de Charlie Kaufman ocasionalmente intenta conectar, pero en última instancia proporciona una visión fascinante de la mente de un escritor". [31] En Metacritic , la película tiene una puntuación promedio ponderada de 67 sobre 100, basada en 34 críticas, lo que indica "críticas generalmente favorables". [32] Varios críticos la han comparado con la película 8½ de Federico Fellini de 1963 . [18] [33] [34]
En su reseña en el Chicago Sun-Times , Roger Ebert dijo: "La vi la primera vez y supe que era una gran película... el tema de 'Synecdoche, New York' es nada menos que la vida humana y cómo funciona. . Utilizando a un director de teatro neurótico del norte del estado de Nueva York, abarca cada vida y cómo se afronta y fracasa. Piénsalo un poco y, Dios mío, se trata de ti . [35] En 2009, Ebert escribió que la película era la mejor de la década. [7] Manohla Dargis de The New York Times dijo: "Decir que [es] una de las mejores películas del año o incluso una de las más cercanas a mi corazón es una respuesta tan patética a su creciente ambición que bien podría empacarme". en este momento... A pesar de su manera resbaladiza con el tiempo, el espacio y la narrativa y la comprensión controlada del medio por parte del Sr. Kaufman, Synecdoche, New York es tanto un grito del corazón como una afirmación de la conciencia creativa. conceptual pero también atado al aquí y ahora." [27] En Los Angeles Times , Carina Chocano calificó la película como "tremendamente ambiciosa... extensa, impresionante, desgarradora, frustrante, difícil de seguir y dolorosamente, dolorosamente triste". [dieciséis]
Las críticas negativas en su mayoría calificaron la película de incomprensible, pretenciosa, deprimente o autoindulgente. Rex Reed , Richard Brody , [36] y Roger Friedman [37] la calificaron como una de las peores películas de 2008. Owen Gleiberman de Entertainment Weekly le dio a la película una D+ y escribió: "Dejé de hacer cara o cruz de Synecdoche, Nueva York , pero recibí un mensaje: la compulsión de permanecer fuera de la propia vida y observarla hasta este punto no es el mecanismo del arte, es la estructura de la psicosis ". [38] El crítico de cine estadounidense Jonathan Rosenbaum escribió que "parece más una ilustración de su guión que una película en toda regla, lo que demuestra cuánto necesita un Spike Jonze o un Michel Gondry para hacer realidad sus conceptos surrealistas". [39]
El Moving Arts Film Journal clasificó la película en el puesto 80 en su lista de "Las 100 mejores películas de todos los tiempos". [40] Además, es la película número 61 más aclamada del siglo XXI según el agregador de reseñas They Shoot Pictures, ¿no? [41]
La película apareció en las listas de las diez mejores películas de 2008 de muchos críticos. [42] Tanto Kimberly Jones como Marjorie Baumgarten del Austin Chronicle la nombraron la mejor película del año, al igual que Ray Bennett de The Hollywood Reporter .
Apareció en 101 listas de "Lo mejor de 2008", y 20 de ellas le otorgaron el puesto número uno. [43] Aquellos que lo colocaron entre los diez primeros incluyeron a Manohla Dargis de The New York Times , Richard Corliss de Time , Shawn Anthony Levy de The Oregonian , Josh Rosenblatt de Austin Chronicle , Joe Neumaier de New York Daily News , Ty Burr. y Wesley Morris del Boston Globe , Philip Martin del Arkansas Democrat-Gazette , Scott Foundas de LA Weekly y Walter Chaw, Bill Chambers e Ian Pugh de Film Freak Central (los tres lo ubicaron en el número uno).
Roger Ebert del Chicago Sun-Times la nombró la mejor película de la década de 2000. [7] En la encuesta Sight & Sound de 2012 , cuatro críticos la clasificaron entre las 10 mejores películas de todos los tiempos, [44] y Ebert consideró la película como una fuerte contendiente para su propia lista. [45] También en 2012, en Time , Richard Corliss la clasificó en el séptimo lugar en su lista de las "Mejores películas del milenio (hasta ahora)". [46]
En una encuesta de críticos de la BBC de 2016, Synecdoche, Nueva York ocupó el puesto 20 entre las mejores películas del siglo XXI. [47]
En 2019, la película ocupó el puesto número 7 en la encuesta Las 100 mejores películas del siglo XXI realizada por The Guardian . [48]
La película fue nominada a los premios Visual Effects Society en las categorías de " Efectos visuales de apoyo excepcionales en una película ", "Pinturas mate excepcionales en una película" y "Entorno creado excepcional en una película". [49]
Varios críticos han comparado la película con la serie de televisión documental estadounidense The Rehearsal creada por Nathan Fielder . [50] [51]
