Synecdoche, New York ( / sɪˈnɛkdəki / sin- EK - də-kee ) [ 3 ] es una película dramática psicológica posmoderna estadounidense de 2008 escrita y dirigida por Charlie Kaufman en su debut como director. Está protagonizada por Philip Seymour Hoffman como un director de teatro enfermo que trabaja en una producción teatral cada vez más elaborada y cuyo compromiso extremo con el realismo comienza a desdibujar los límites entre ficción y realidad . El título de la película es un juego de palabras con Schenectady, Nueva York , donde se desarrolla gran parte de la película, y el concepto de sinécdoque , en el que una parte de algo representa el todo o viceversa.
La película se estrenó en competición en el 61º Festival de Cine de Cannes el 23 de mayo de 2008. Sony Pictures Classics adquirió los derechos de distribución en Estados Unidos, sin pagar dinero pero acordando dar a los patrocinadores de la película una parte de los ingresos. [5] [6] Tuvo un estreno limitado en cines en los EE. UU. el 24 de octubre de 2008 y fue un fracaso comercial en su lanzamiento inicial. [2]
La historia y los temas de Synecdoche, New York polarizaron a los críticos: algunos la calificaron de pretenciosa o autocomplaciente, pero otros la declararon una obra maestra, y Roger Ebert la clasificó como la mejor de la década. [7] La película también fue nominada a la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 2008 , y desde entonces ha aparecido en múltiples encuestas de las mejores películas del siglo XXI. [8] [9]
El director de teatro Caden Cotard ve cómo su vida se desmorona. Padece numerosas dolencias físicas y se distancia cada vez más de su esposa, la artista Adele. Toca fondo cuando Adele lo deja para empezar una nueva vida en Berlín , llevándose consigo a su hija de cuatro años, Olive.
Tras el éxito de su producción de Muerte de un viajante , Caden recibe inesperadamente una beca MacArthur , que le proporciona los medios económicos para perseguir sus intereses artísticos. Decide utilizarla para crear una pieza artística de brutal realismo y honestidad, en la que pueda volcar todo su ser. Reúne a un elenco en un enorme almacén en el Distrito Teatral de Manhattan , dirige una celebración de lo mundano, instruyendo al elenco para que viva sus vidas construidas. A medida que la maqueta dentro del almacén se vuelve cada vez más mimética de la ciudad exterior, Caden continúa buscando soluciones a sus crisis personales. Queda traumatizado cuando descubre que Adele se ha convertido en una pintora célebre en Berlín y que Olive está creciendo bajo la cuestionable guía de la amiga de Adele, María. Después de un intento fallido de una aventura con Hazel (la mujer que trabaja en la taquilla), se casa con Claire, una actriz de su elenco, y tiene una hija con ella. Su relación fracasa y él continúa su incómoda relación con Hazel, que ahora está casada, tiene hijos y trabaja como su asistente. Mientras tanto, una enfermedad desconocida está apagando sistemáticamente su sistema nervioso autónomo .
A medida que pasan rápidamente los años, el almacén en constante expansión queda aislado del deterioro de la ciudad exterior. Caden se entierra cada vez más en su obra maestra , difuminando la línea entre la realidad y el mundo de la obra al poblar el elenco y el equipo con doppelgängers . Por ejemplo, Sammy Barnathan es elegido para el papel de Caden en la obra después de que Sammy revela que ha estado siguiendo obsesivamente a Caden durante 20 años, mientras que el doble de Sammy es elegido para interpretar a Sammy. El interés de Sammy por Hazel desencadena un resurgimiento de la relación de Caden con ella, lo que lleva a Sammy a suicidarse. Poco después de que Caden y Hazel finalmente se reúnan, Hazel muere por inhalación de humo en su casa en constante llama.
Mientras intenta superar los límites de sus relaciones personales y profesionales, Caden deja que una actriz asuma su papel de director y asume su papel anterior como Ellen, la guardiana de Adele. Vive sus días en la maqueta del apartamento de Adele bajo las instrucciones de la directora sustituta mientras ocurre una calamidad inexplicable en el almacén que deja ruinas y cuerpos a su paso. Finalmente, se prepara para la muerte mientras apoya la cabeza en el hombro de una actriz que había interpretado anteriormente a la madre de Ellen, aparentemente la única persona viva en el almacén. A medida que la escena se vuelve gris, Caden comienza a decir que ahora tiene una idea de cómo hacer la obra, cuando la voz de la directora en su oído lo interrumpe con su última señal: "Muere".
Sony Pictures Classics se puso en contacto con Kaufman y Spike Jonze para hacer una película de terror. Los dos comenzaron a trabajar en una película que tratara sobre cosas que les daban miedo en la vida real en lugar de los típicos tropos de las películas de terror. [10] Este proyecto evolucionó hasta convertirse en Synecdoche . Jonze estaba previsto que lo dirigiera, pero decidió dirigir Donde viven los monstruos en su lugar. [11]
Al principio de la película, Hazel compra una casa que está en llamas todo el tiempo. Al principio, Hazel se muestra reacia a comprarla, pero le comenta al agente inmobiliario: "Me gusta, de verdad. Pero me preocupa mucho morir en el incendio", a lo que el agente responde: "Es una gran decisión, decidir cómo uno prefiere morir". En una entrevista con Michael Guillén, Kaufman dijo: "Bueno, ella eligió vivir allí. De hecho, en la escena justo antes de morir dice que el final está integrado en el principio. Eso es exactamente lo que sucede allí. Ella elige vivir en esta casa. Tiene miedo de que la mate, pero se queda allí y lo hace. Esa es la verdad sobre cualquier elección que hacemos. Tomamos decisiones que resuenan a lo largo de nuestras vidas". [12] La casa en llamas ha sido comparada con la frase de Tennessee Williams : "Todos vivimos en una casa en llamas, sin bomberos a los que llamar; sin salida, solo la ventana del piso de arriba para mirar mientras el fuego quema la casa y nos deja atrapados, encerrados en ella". [13] [ Se necesita una mejor fuente ] También se ha dicho que la casa es una referencia a la psicología junguiana . En una entrevista, Kaufman mencionó que un erudito junguiano ve la casa como una representación del yo. [14]
La película menciona continuamente la frase "El fin está integrado en el principio", que hace referencia a la conexión entre la muerte y el nacimiento. Esto se enfatiza por el hecho de que la mayor parte del tiempo se pasa sin haber nacido o estando muerto, y que la vida es una fracción de segundo en comparación. Otra conexión con este tema es el comienzo y el final de la película con un fundido a una pantalla gris. [15]
Caden y Adele son artistas, y la escala en la que ambos trabajan se vuelve cada vez más relevante para la historia. Adele trabaja en una escala extremadamente pequeña, mientras que Caden trabaja en una escala imposiblemente grande, construyendo una réplica de tamaño real de la ciudad de Nueva York en un almacén, y eventualmente un almacén dentro de ese almacén, y así sucesivamente, continuando en este ciclo imposible. El nombre de Adele es casi un mondegreen para "un arte delicado" (Adele Lack Cotard). Al comentar sobre la escala de las pinturas (en realidad las pinturas miniaturizadas del artista Alex Kanevsky ), [16] Kaufman dijo: "En el estudio [de Adele] al comienzo de la película puedes ver algunas pinturas pequeñas pero de tamaño regular que podrías ver sin una lupa ... Para cuando [Caden] va a la galería a ver su trabajo, lo cual es muchos años después, ya no puedes verlas en absoluto". Continuó: "Como imagen onírica me atrae. Su trabajo es, en cierto modo, mucho más efectivo que el de Caden. El objetivo de Caden en su intento de hacer su extensa pieza teatral es impresionar a Adele porque se siente muy carente al lado de ella en términos de su trabajo", y añadió: "El trabajo de Caden es muy literal. La única forma en que puede reflejar la realidad en su mente es imitándola en tamaño real... Es una imagen onírica pero no está interactuando con ella con éxito". [12]
Muchos críticos creen que la escritura de Kaufman está influenciada por la psicología junguiana . [12] [17] [18] [19] Carl Jung escribió que los estados de vigilia y sueño son necesarios en la búsqueda de significado. Caden a menudo parece existir en una combinación de los dos. Kaufman ha dicho: "Creo que la diferencia es que una película que intenta ser un sueño tiene un remate y el remate es: fue un sueño". [12] [14] Otro concepto en la psicología junguiana son los cuatro pasos para la autorrealización: tomar conciencia de la sombra (reconocer los lados constructivos y destructivos), del anima y animus (donde un hombre toma conciencia de su componente femenino y una mujer toma conciencia de su componente masculino), del espíritu arquetípico (donde los humanos adquieren sus personalidades mana ) y, finalmente, la autorrealización (donde una persona es plenamente consciente del ego y del yo). Caden parece pasar por las cuatro etapas. Cuando contrata a Sammy, descubre su verdadera personalidad y se vuelve más consciente de sí mismo. Demuestra conciencia de su ánima cuando se reemplaza por Ellen y le dice a Tammy que su personalidad lo habría hecho más apto para la feminidad que para la masculinidad. Al asumir el papel de Ellen, toma conciencia del espíritu arquetípico y finalmente se da cuenta de las verdades sobre su vida y sobre el amor.
En el delirio de Cotard , uno cree que está muerto o que le faltan órganos o que están descomponiéndose. [20] La preocupación de Caden por la enfermedad y la muerte parece relacionada.
Cuando Caden entra en el piso de Adele, el timbre que pulsa (31Y) lleva el nombre de "Capgras". El delirio de Capgras es un trastorno psiquiátrico en el que los afectados perciben que personas conocidas (cónyuges, hermanos, amigos) han sido sustituidas por impostores idénticos. Este tema se repite a lo largo de la película, ya que las personas son sustituidas por actores de la obra de Caden.
En las escenas finales de la película, Caden escucha instrucciones a través de un auricular. Esto es similar a la alucinación auditiva en tercera persona descrita por Kurt Schneider como un síntoma de primer orden de la esquizofrenia . [21]
La película es metarreferencial en el sentido de que retrata una obra dentro de una obra , a veces también llamada mise en abyme .
Este tema ha sido comparado con la frase de William Shakespeare "Todo el mundo es un escenario, y todos los hombres y mujeres son meros actores". [22] [23] También se ha comparado con el vídeo musical de la canción " Bachelorette " de la cantante islandesa Björk , [23] [24] que retrata a una mujer que encuentra un libro autobiográfico sobre ella que se escribe solo, que luego se adapta en una obra de teatro que presenta una obra de teatro dentro de sí mismo. El vídeo fue dirigido por Michel Gondry , quien también dirigió las películas de Kaufman Human Nature y Eternal Sunshine of the Spotless Mind . En una entrevista, Kaufman respondió a la comparación: "Sí, escuché esa comparación antes. La razón por la que Michel y yo nos encontramos es porque tenemos ideas similares". [25]
A lo largo de la película, Caden hace referencia a la inevitabilidad de la muerte y a la idea de que todo el mundo ya está muerto. “Prácticamente todo en la grotesca existencia de Caden presagia mortalidad y decadencia”, escribió Jonathan Romney en The Independent , “ya sean lesiones en la piel, mensajes de fax confusos o el contenido de los inodoros de la gente”. [26]
Algunos críticos han señalado que la película parece inspirada en el concepto de simulacro y simulación del filósofo posmodernista Jean Baudrillard . [27] [28] [29] Uno de los nombres que Caden le da a su obra es Simulacrum . The Guardian sugirió que la película es la "novela posmoderna definitiva". [4] Baudrillard hace referencia al cuento de Jorge Luis Borges " Sobre la exactitud en la ciencia " en sus escritos. Algunos comentaristas han comparado el final de la película, cuando Caden camina a través de su reproducción mientras comienza a desmoronarse, con la historia. [16] [30]
Los libros de Hazel también tienen importancia en la película. Tiene El camino de Swann de Marcel Proust (el primer volumen de En busca del tiempo perdido ) y El proceso de Franz Kafka ; ambos están relacionados con los motivos de la película. [13]
En el agregador de reseñas Rotten Tomatoes , la película tiene un índice de aprobación del 69% basado en 195 reseñas, con una calificación promedio de 6.8/10. El consenso crítico del sitio web dice: "El ambicioso debut como director de Charlie Kaufman a veces se esfuerza por conectar, pero en última instancia proporciona una visión fascinante de la mente de un escritor". [31] En Metacritic , la película tiene una puntuación media ponderada de 67 sobre 100, basada en 34 críticos, lo que indica "críticas generalmente favorables". [32] Varios críticos la han comparado con la película 8½ de Federico Fellini de 1963. [ 18] [33] [34]
En su reseña en el Chicago Sun-Times , Roger Ebert dijo: "La vi la primera vez y supe que era una gran película... el tema de 'Synecdoche, New York' es nada menos que la vida humana y cómo funciona. Utilizando un director de teatro neurótico del norte del estado de Nueva York, abarca cada vida y cómo se enfrenta y fracasa. Piénsalo un poco y, Dios mío, se trata de ti. Quienquiera que seas". [35] En 2009, Ebert escribió que la película era la mejor de la década. [7] Manohla Dargis de The New York Times dijo: "Decir que es una de las mejores películas del año o incluso una de las más cercanas a mi corazón es una respuesta tan patética a su ambición desbordante que bien podría dejarla ahora mismo... A pesar de su manera escurridiza con el tiempo y el espacio y la narrativa y el dominio controlado del medio por parte del Sr. Kaufman, Synecdoche, New York es tanto un grito del corazón como una afirmación de conciencia creativa. Es extravagantemente conceptual pero también atada al aquí y ahora". [27] En Los Angeles Times , Carina Chocano calificó la película como "salvajemente ambiciosa... extensa, imponente, desgarradora, frustrante, difícil de seguir y dolorosamente, dolorosamente triste". [16]
Las críticas negativas en su mayoría calificaron la película de incomprensible, pretenciosa, deprimente o autocomplaciente. Rex Reed , Richard Brody [ 36] y Roger Friedman [37] la calificaron como una de las peores películas de 2008. Owen Gleiberman de Entertainment Weekly le dio a la película una D+ y escribió: "Dejé de hacer cara o cruz de Synecdoche, New York , pero recibí un mensaje: la compulsión de permanecer fuera de la propia vida y observarla hasta este punto no es el mecanismo del arte, es la estructura de la psicosis ". [38] El crítico de cine estadounidense Jonathan Rosenbaum escribió que "parece más una ilustración de su guion que una película completa, lo que demuestra cuánto necesita un Spike Jonze o un Michel Gondry para hacer realidad sus conceptos surrealistas". [39]
La revista Moving Arts Film Journal situó a la película en el puesto n.° 80 de su lista de "Las 100 mejores películas de todos los tiempos". [40] Además, es la 61.ª película más aclamada del siglo XXI según el agregador de reseñas They Shoot Pictures, Don't They? [41]
La película apareció en las diez mejores listas de muchos críticos de las mejores películas de 2008. [42] Tanto Kimberly Jones como Marjorie Baumgarten del Austin Chronicle la nombraron la mejor película del año, al igual que Ray Bennett de The Hollywood Reporter .
Apareció en 101 listas de "Lo mejor de 2008", y 20 de ellas le dieron el puesto número uno. [43] Aquellos que lo colocaron en su top ten incluyeron a Manohla Dargis de The New York Times , Richard Corliss de Time , Shawn Anthony Levy de The Oregonian , Josh Rosenblatt del Austin Chronicle , Joe Neumaier del New York Daily News , Ty Burr y Wesley Morris del Boston Globe , Philip Martin del Arkansas Democrat-Gazette , Scott Foundas de LA Weekly y Walter Chaw, Bill Chambers e Ian Pugh de Film Freak Central (los tres lo colocaron en el número uno).
Roger Ebert del Chicago Sun-Times la nombró la mejor película de la década de 2000. [7] En la encuesta Sight & Sound de 2012, cuatro críticos la clasificaron entre las 10 mejores películas de todos los tiempos, [44] y Ebert consideró que la película era una fuerte contendiente para su propia lista. [45] También en 2012, en Time , Richard Corliss la clasificó en el séptimo lugar en su lista de las "Mejores películas del milenio (hasta ahora)". [46]
En una encuesta de críticos de la BBC de 2016, Synecdoche, New York fue clasificada como la vigésima mejor película del siglo XXI. [47]
En 2019, la película ocupó el puesto número 7 en la encuesta Las 100 mejores películas del siglo XXI realizada por The Guardian . [48]
La película fue nominada a los Premios de la Sociedad de Efectos Visuales en las categorías de " Efectos visuales de apoyo sobresalientes en una película de largometraje ", "Pinturas mate sobresalientes en una película de largometraje" y "Entorno creado sobresaliente en una película de largometraje". [49]
Varios críticos han comparado la película con la serie de televisión de comedia documental estadounidense The Rehearsal creada por Nathan Fielder . [50] [51]
