Otto Nebel (25 de diciembre de 1892 - 12 de septiembre de 1973) fue un pintor alemán nacido en Berlín , Alemania.
Nebel comenzó su carrera profesional en 1909 en el campo de la ingeniería de la construcción. Tomó clases de interpretación en el Lessingtheater de Berlín hasta 1914. Sus profesores de interpretación fueron los famosos Rudolf Blümner y Friedrich Kayssler . Quería hacer su debut en el Stadttheater Haben cuando estalló la Primera Guerra Mundial . Nebel pasó los años de guerra en los frentes oriental y occidental alemanes. En 1918, durante su encarcelamiento de guerra de 14 meses en Colsterdale , Inglaterra, escribió su poema expresionista Zuginsfeld condenando la guerra. [1] En 1919, regresó a Berlín y se hizo amigo de Wassily Kandinsky , Paul Klee , Georg Muche , Kurt Schwitters y su arte. Se unió al círculo en torno a Herwarth Walden y su esposa Nell Walden . Ella inició su colaboración en la galería Sturm y la escuela de arte Der Sturm . Junto con Hilla von Rebay y Rudolf Bauer fundó el grupo de artistas Der Krater en 1923. Durante este tiempo también trabajó para la revista Der Sturm . Nebel se casó con Hildegard Heitmeyer, la asistente de Gertrud Grunow , en 1924. Conoció a Hildegard en la Bauhaus de Weimar . Permanecieron en Weimar hasta 1925, donde pintaron, escribieron poemas y actuaron. En 1933, cuando los nacionalsocialistas menospreciaron su trabajo como arte degenerado , abandonó Alemania para ir a Suiza , primero a Muntelier y más tarde a Berna . Nebel tuvo problemas económicos porque no se le permitió trabajar en Suiza. Gracias al esfuerzo de Kandinsky, pudo vender regularmente algunos de sus cuadros a la Fundación Solomon R. Guggenheim entre 1936 y 1951. La República Federal Alemana le otorgó a Nebel la Orden del Mérito de la República Federal de Alemania en 1965.
La dura realidad que vivió durante la Primera Guerra Mundial como joven soldado y teniente de reserva del ejército influyó en su deseo de seguir una carrera artística. Los puntos de referencia para tomar esta decisión fueron la exposición conmemorativa de Franz Marc y el encuentro de Nebel con Herwarth Walden , a quien conoció en 1916 en Berlín. Walden proporcionó una importante plataforma para los enfoques vanguardistas en el arte, la literatura y la música, tanto con su galería Der Sturm como con la revista del mismo nombre, y de ese modo facilitó en gran medida el avance de la expresión.
Las angustiosas experiencias de Nebel durante la guerra son el tema central de su debut literario " Zuginsfeld " (1920). El poema de 6.000 versos retoma el hilo de la poesía de August Stramm y la consiguiente escuela Der Sturm, pero explora nuevos caminos. El collage literario describe el caos de la guerra adoptando su lenguaje típico. De manera asociativa y jugando con las palabras, Nebel produjo cadenas de palabras interminables utilizando fragmentos de palabras auténticas de órdenes militares, contraseñas y consignas, titulares, canciones populares y del lenguaje de la gente culta de la Alemania guillermina . El mordisco satírico del collage textual se manifiesta visualmente en la serie de dibujos para "Zuginsfeld", que ejecutó por primera vez en 1930. Con pluma de púas, Nebel hizo caricaturas en 50 dibujos a pluma y tinta de los militares y otros grupos de la sociedad que, a sus ojos, despertaron la euforia por la guerra. Las figuras grotescas recuerdan mucho las imágenes utilizadas por Georg Grosz y Otto Dix .
La guerra también afectó a la obra de Nebel, ya que casi toda su obra pictórica creada antes de 1933 fue destruida en Berlín durante la Segunda Guerra Mundial. Por lo tanto, sabemos poco de sus primeras pinturas, dibujos y grabados. Nebel estuvo en contacto con artistas y escritores conocidos durante la desorientada era de la posguerra debido a la inflación . Vivió en condiciones precarias y, entre otros trabajos, aceptó encargos para sobrevivir. (Véase la portada diseñada para la revista Die Dame de 1920). Buscó refugio en la utopía del arte como el programa de contraste a su triste situación. En 1920, Nebel unió fuerzas con Rudolf Bauer y Hilla von Rebay y formó el grupo Der Krater / Das Hochamt der Kunst ("El cráter / La gran masa del arte"). Los tres artistas compartían la visión de que la pintura debía ser puramente no figurativa , centrándose en la experiencia artística y las emociones. La idea de que la revolución del arte moderno podía conducir también a una deseada transformación de la sociedad los vinculó a otros grupos de artistas y escritores de vanguardia. Aunque el grupo no se mantuvo unido por mucho tiempo, las ideas que perseguía siguieron siendo fundamentales para la obra de Nebel.
Nebel los ejecutó para su poema "Unfeig" (1924/1925), que es una obra fundamental para sus nociones sobre el alfabeto . [2] Él llamó al poema una fuga rúnica . En "Unfeig", como en su otra fuga rúnica "Das Rad der Titanen" (1926/1957), utilizó solo nueve o doce letras del alfabeto.
Las Runen-Fahnen ("Banderas Rúnicas") son partituras ópticas que visualizan la interacción entre las letras individuales del alfabeto y sus diversas facetas. De manera análoga a la fuga musical, en las fugas rúnicas las vocales y las consonantes elegidas al principio determinan el "tema", que se repite y transforma continuamente mediante expansión, reducción e inversión. El objetivo de Nebel en la reducción y concentración del material lingüístico era crear un lenguaje que contrastara con el lenguaje cotidiano trillado y su uso racional. Escribió: "La gente mal educada de nuestros tiempos es sorda a las palabras y ciega a las imágenes. No oye lo que lee. Lo que escribe, no lo puede ver". Nebel creía que había recuperado la inmediatez que se escondía tras las convenciones del lenguaje en palabras individuales y letras del alfabeto. Con un formato más grande que el tamaño de un hombre, las Runen-Fahnen dan a entender que todo el cuerpo debe participar en la lectura.
Los Runen-Fahnen son una representación visual cuádruple del comienzo original del texto:
El banderín rúnico 1 muestra el texto en una tipografía inventada por Nebel. Los banderines rúnicos 2-4, a su vez, sustituyen los caracteres latinos por otro sistema de signos y rompen así con la percepción habitual. Las letras individuales del alfabeto ya no pueden pasarse por alto. El banderín rúnico 2 registra los sonidos asignando a cada uno una forma y un color especiales asociados a sus cualidades específicas. El banderín rúnico 3 asume el nivel de caracteres, de los que nos damos cuenta como unidades y formas gráficas por medio de la alienación. El banderín rúnico 4 combina ambos aspectos mencionados anteriormente. Nebel entendía los caracteres o runas como entidades lingüísticas independientes cuyas dimensiones sonoras o acústicas y visuales eran la parte clave de una obra de arte. Las fugas rúnicas, sin embargo, representan una búsqueda experimental del "sonido interior" ( Kandinsky ) de las palabras y las letras, su impacto en las emociones. Aunque los fragmentos de Uns, unser, Er sie Es (1922) deben leerse como intentos preliminares que culminaron en las fugas rúnicas, tienen sin embargo una calidad muy independiente y distinta. En las hojas sueltas originales que se unieron para formar el libro, Nebel trazó un abecedario utilizando símbolos geométricos pintados. En estos folios intentó, al menos en parte, encontrar una correspondencia entre caracteres y sonidos. El artista los reformuló más tarde en collages de recortes de papel, creando poemas extremadamente cortos. Estas obras subrayan la paridad entre palabra e imagen en su obra, entre formas de expresión literarias y visuales. Su legado de manuscritos permite comprender el proceso de escritura detrás de las fugas rúnicas y da una impresión palpable de cómo el contenido depende del lenguaje.
Incluso antes de que Nebel abandonara "oficialmente" el uso del lenguaje visual figurativo, creó una serie de obras no objetivas, que a menudo tenían títulos tomados de la terminología musical: Animato , Dopio movimento , ' ondo con brio gai o Con Tenerezza . Fueron producidas durante la década de 1930, algunas durante sus estancias en Italia . Nebel comparó sus esfuerzos con los de un director de orquesta que "ensaya" una partitura con una orquesta. Estas obras anuncian su trabajo no objetivo.
Esto es exactamente lo que Wassily Kandinsky tenía en mente en su libro pionero De lo espiritual en el arte : "El sonido musical actúa directamente sobre el alma y encuentra eco allí porque, aunque en grados variables, la música es innata en el hombre". Con crecientes tendencias a la abstracción, Kandinsky también se refirió a la música y trató de expresar emociones -análogo a escribir partituras- con colores y formas en sus Composiciones, improvisaciones e impresiones .
Nebel exigía incansablemente a los espectadores que se abrieran a las "toneladas resonantes" de los cuadros que contemplaban. Nebel afirmaba: "Mi pintura es poesía, hermana de mi arte lingüístico. Donde termina el lenguaje comienza el orden rúnico de los símbolos".
Entre 1926 y 1928 Nebel visitaba con frecuencia el pueblo bávaro de Kochel , no lejos de Murnau . También visitaba Ascona , en Suiza, con regularidad. Allí fundó una fábrica de papel pintado y se topó con muchas dificultades y trámites burocráticos , lo que le obligó a abandonar muy pronto el experimento. En aquella época produjo numerosos diseños de papel pintado que posteriormente pudo utilizar repetidamente para sus collages. Durante su estancia en Kochel, solía hacer excursiones en busca de motivos en la campiña bávara. El artista comentaba sus coloridos dibujos de esta época con las siguientes palabras: "La extrañeza de la composición debe entenderse con humor. Las imágenes son de un estilo que pertenece al alma de los niños. Se pueden guardar protegidas bajo vitrinas sobre pequeñas mesas redondas que se pueden girar a voluntad. Entonces las mamás pueden llevar a sus queridos a dar un paseo por el campo de Kochel y contarles cuentos de hadas. Sólo tienen que leer la historia que el tío Painter ha escrito allí". Éstas son las instrucciones que dio Nebel para “leer” sus “coloridas y brillantes composiciones” de este período.
En los años 20 volvió periódicamente a Ascona, donde pintó escenas intensamente coloristas con un aire sureño (como Aus Losone o Ascona -Lido ) . Esta ciudad de la región del Tesino tenía un marcado aire italiano y era una atracción clave para muchos artistas de vanguardia. Entre los que conoció allí se encontraba un pintor con el que planearon fundar una escuela de pintura (Cavallo rosso). Además, fue invitado a exponer en Ascona junto con el grupo de artistas Der grosse Bär, en el que estaban presentes artistas como Marianne von Werefkin y el fundador del grupo, Walter Helbling.
Italia fue un imán para Nebel. Durante una estancia de tres meses en 1931, compiló su Atlas de colores de Italia , que sería la base esencial para muchas composiciones pictóricas futuras. En sus explicaciones en las páginas opuestas a las láminas individuales, el artista agregó comentarios sobre el ambiente general de las respectivas vistas. Cuanto mayor era la variedad de colores y más llamativa la "resonancia", más generosamente calculó las figuras geométricas y los rectángulos de colores. También "retrató" los objetos por sus valores de color y "sonidos", ya fueran pinturas en las paredes de las casas o barcos de pesca, olivares o pinares, cadenas montañosas o playas. Finalmente, Nebel compiló un catálogo "psicohistórico" clasificando ciertos colores según impresiones ópticas personales y con las escalas resultantes sentó las bases para su trabajo futuro.
La importancia que tendrían los atlas de colores para el artista a partir de entonces, a la hora de diseñar o componer cuadros, no sólo se aprecia en obras como Rivoli , Pompejanisches ("Pompeya"), Camogli , Recco o Arkadisches ("Arcadia"), sino también en las láminas Siena I a III . Como antiguo experto en construcción, se dejó cautivar por los aspectos arquitectónicos. En Siena dominan los colores terrosos de los edificios de ladrillo, entrelazados por acentos rítmicos de luz y sombra, rojo óxido y verde oliva. Por otra parte, en las obras en las que tomó en mano las láminas del atlas de Florencia ( Toscanische Stadt / Ciudad Toscana , 1932), la ciudad en la que el artista se refugió repetidamente en el futuro, predominan todo tipo de variaciones de azul y gris. Las obras relacionadas con Florencia están especialmente llenas de alusiones a motivos arquitectónicos y destellos de color, y están impregnadas de la característica luz brillante de la ciudad. Tras su exilio, Nebel interpretó tanto los motivos arquitectónicos como los paisajes a través de la lente del Farben-Atlas ("Atlas de colores").
La libertad artística que experimentó tras abandonar Alemania en 1933 le permitió alejarse cada vez más de la pintura figurativa . La galerista Jeanne Bucher desempeñó un papel en esta transformación de su arte. Nebel la conoció en abril de 1937 en París . Ella tenía varios artistas que representaban el "nuevo arte" en su programa, y entre ellos estaba Wassily Kandinsky . Así, Nebel tuvo contacto con el grupo cosmopolita Abstraction-Création ( Incidentes en amarillo claro , Suspendido , Feliz , todos de 1937). En 1938, Nebel utilizó oficialmente por primera vez el término " no objetivo " en su catálogo de obras, y entre las piezas clasificadas de esta manera se encuentra la obra número "U2", Animato . Ya a partir de 1936, pudo vender obras al recién fundado " Museo de Pintura No Objetiva " en Nueva York, es decir, a la institución que hoy es el Museo Guggenheim . La relación de Nebel con este museo fue de fundamental importancia para él, ya que desde 1933, cuando se encontraba exiliado en Berna , no tenía permiso de trabajo . El apoyo del Guggenheim se lo agradeció sobre todo a la recomendación de Kandinsky, así como a la buena voluntad de su amiga de los primeros años en Berlín, Hilla von Rebay , que fue la iniciadora y administradora de la Fundación Guggenheim . Este generoso y continuo apoyo se prolongó durante la Segunda Guerra Mundial hasta 1951. Hoy en día, 36 obras de arte de Nebel, que datan de 1936 a 1948, pertenecen a la colección del Museo Guggenheim de Nueva York. Otras se han vendido entretanto.
El hecho de que Nebel, después de mediados de la década de 1930, explorara la pintura abstracta con mayor intensidad está vinculado a un regalo que recibió de su esposa Hilda en la Navidad de 1935: una edición del I Ching: El libro de los cambios .
La obra completa consta de sesenta hojas de gran formato. En 1962, Nebel viajó en barco a Oriente Próximo vía Dubrovnik y Mykonos hasta Estambul , Sochi y Bursa . Los dibujos se asemejan ópticamente a caracteres árabes o cirílicos y, en gran medida, están realizados en papel gris o negro de "calidad imperial". Nebel los consideraba narraciones rúnicas visuales que estaban estrechamente relacionadas con sus textos literarios.
En 1929 realizó cuatro obras de arte en carpeta. Fueron concebidas como una combinación entre texto e imagen, en la que la imagen se creaba en primer lugar y el texto, a continuación, plasmaba pensamientos y observaciones sobre la obra respectiva. Los primeros contornos a lápiz o pluma son parcialmente visibles debajo del dibujo a lápiz de color.
La primera serie, Karneval (Carnaval), es la que no tiene texto; probablemente en este caso Nebel no consideró necesario un texto correspondiente. Un baile de máscaras que tuvo lugar en Berlín el 9 de febrero de 1929 fue la inspiración para la atmósfera carnavalesca que Nebel presenta en un caleidoscopio de imágenes y movimiento. En total, el artista abre 26 ventanas para los espectadores, a través de las cuales pueden ver figuras de colores brillantes y payasos con máscaras que pasan flotando. Algunos de ellos tienen un aspecto espeluznante.
Durante su permiso en Berlín, Nebel visitó la exposición conmemorativa de Franz Marc , muerto en la guerra el 4 de marzo de 1916, que se celebró en la galería Der Sturm. De este modo, se fijó en este artista fundamental y, a partir de entonces, fue muy admirado. En Herwarth-Walden conoció a un mecenas que más tarde le abrió las puertas a exposiciones y publicaciones. La entonces esposa de Walden, la artista sueca Nell Roslund-Walden , volvió a encontrarse con Nebel décadas después en Berna y se reanudó una antigua amistad.
En 1922, Moholy-Nagy expuso por primera vez en la galería Der Sturm. En 1928, ambos artistas se reencontraron en Ascona , donde Nebel había entablado una estrecha amistad con Marianne von Werefkin. Más tarde, Nebel mantuvo correspondencia, en particular con Lothar Schreyer y Georg Muche , que se habían conocido en la galería Der Sturm y que los tres querían recuperar la dimensión metafísica que faltaba en el arte. Nebel también se sintió identificado con Albert Gleizes , de quien recibió en 1935 una carta en la que Gleizes confirmaba su afinidad artística: "Nous sommes sur les memes voies, occupations des memes recherches".
En el apogeo de Der Sturm, Wassily Kandinsky fue considerado un renovador del arte y un referente para muchos artistas. Una gran parte de la obra de Nebel llegó a la Colección Guggenheim de Nueva York gracias al apoyo de Kandinsky y Hilla von Rebay. Kandinsky y Nebel intercambiaron una gran cantidad de cartas y dejaron así una amplia prueba de su amistad.
Al artista le gustaba experimentar sobre todo con el linograbado , un gran favorito entre los expresionistas alemanes y un medio al que infundieron nueva vida. Tras colaborar en la revista Der Sturm a principios de la década de 1920, volvió a trabajar con esta técnica de impresión, en particular en 1936, y produjo la serie de siete Gastgeschenk in Schwarz-Weiss ("Obsequio de hospitalidad en blanco y negro"), una serie independiente de 210 linograbados, algunos de ellos casi en miniatura, que presentan una fusión de su vocabulario artístico y formal hasta entonces. La temática de sus linograbados sigue el repertorio de sus obras en color sobre papel y bocetos, así como de sus pinturas, y en ocasiones explora caminos para desarrollar géneros completamente nuevos. Nebel produjo linograbados continuamente junto con sus otros trabajos. El medio abrió nuevas y diversas vías de expresión. Una y otra vez volvió a esta técnica y experimentó con diferentes tipos de linóleo y varias capas de colores. De esta manera consiguió una impresión de múltiples capas muy similar al efecto que buscaba en sus otros cuadros, es decir, lograr un efecto espacial y aireado. Incluyó recortes de sus linograbados en sus papiers collés y collages . En ellos también utilizó sus papeles pintados de Kochel. Nebel también experimentó regularmente con la "pintura sobre vidrio invertida". Esta forma de arte la descubrió durante una estancia en la Alta Baviera , donde era muy popular para imágenes devocionales y votivas . Más tarde en su vida comenzó a explorar esta técnica nuevamente y produjo composiciones abstractas animadas y coloridas sobre paneles de vidrio.
Un recuerdo y resumen de Kate T. Steinitz de Artforum Los Ángeles:
"Cuando leí el nombre de Otto Nebel en la ventana de la Galería Raboff, escuché el eco de una voz de hace mucho tiempo. Nunca olvidé ese sonido. Lo había escuchado en una calle oscura de Berlín en los años veinte. Primero fue un recital en solitario , luego hubo dos voces; pertenecían a un hombre de mediana estatura y un hombre alto, Otto Nebel y Kurt Schwitters . Los siguieron una docena de amigos, principalmente artistas. Todos veníamos de una fiesta tras otra, o de un café después de la inauguración de una exposición, o ¿era un recital tras otro en la Galería Sturm? No lo recuerdo, pero todavía oigo el ruido en la calle oscura, ambos pintores-poetas sin inhibición gritando, chillando, aullando. Había juegos de palabras y chistes con un significado amargo bajo la superficie. Nebel recitó fragmentos de esta épica ' Zug-ins-Feld ' - Marcha a la guerra - una historia real de su propia experiencia aterradora. Recitó frases de heridos de guerra, mutilados; frases que Fueron alcanzados por disparos y destrozados en palabras, palabras sueltas de protesta, sangrando en sonidos.
"Nebel se había convertido en poeta y pintor durante cuatro años de servicio militar en la guerra, más catorce meses en un campo de prisioneros de guerra inglés. Su exitosa carrera como arquitecto e ingeniero de arquitectura se había interrumpido bruscamente. Sin embargo, el flujo de su imaginación y su impulso creativo no podían detenerse. Limitado en sus movimientos por los deberes militares, estaba bajo una presión constante. El vapor de su protesta tuvo que encontrar una salida en palabras y formas pictóricas. Inmediatamente después de su regreso de la guerra, Nebel se unió al grupo de vanguardia de Herwarth Walden 'Der Sturm'. A partir de ese momento colaboró en la revista Der Sturm , expuso en la Galería Sturm y actuó en los recitales de Sturm. Kurt Schwitters se unió al grupo aproximadamente al mismo tiempo. Esa noche, en la calle lateral de Berlín, las palabras encendidas y significativas de Nebel y las palabras y sonidos deliberadamente sin sentido de Schwitters estallaron como fuegos artificiales. Tuvimos suerte de que no interfiriera ningún policía. Tanto Schwitters como Nebel estaban acostumbrados a hablar alto y enfático en el En la Galería Sturm, los recitales no eran suaves. Schwitters, Nebel y los demás intérpretes tenían que seguir el ritmo de Rudolph Bluemner, el gran maestro de la palabra hablada, que había abandonado el escenario para unirse a Herwarth Walden como escritor, crítico e intérprete en la Sturm. El viento de la Sturm en la Potsdamerstrasse se convirtió en un huracán que asoló la sintaxis y la gramática y atomizó las oraciones. Los sujetos y predicados con sus cláusulas añadidas estallaron en el aire; la más radical fue en Zurich en 1916, cuando Hugo Ball recitó poemas de meras sílabas sin significado, ensamblados a partir de los restos de palabras por su mero valor sonoro. ¿Tendencias destructivas, como le pareció al público? O, como Gertrude Stein explicó más tarde su propio lenguaje desconectado: "... Descomponer el párrafo y todo para comenzar de nuevo sin conectar con nada cotidiano y realmente elegir algo".
"Nebel eligió la fuerza expresiva de la palabra; ritmo y significado combinados en frases entrecortadas , en fragmentos de diálogo, evocando situaciones pero no describiendo. Palabras que impactaban y palabras que dejaban al descubierto la decadencia bajo apariencias bien enmascaradas. La epopeya "Zug-ins-Feld" apareció en muchas continuaciones en el Sturm de 1920-1921. En la época de los recitales en la Galería Sturm, las paredes temblaban bajo explosiones de ira y protesta. Los artistas del Sturm creían en su camino; eran moralistas dentro de sus propias leyes de moralidad. Condenaban el sangriento asesinato en masa de la guerra, pero con sus plumas, sus pinceles y sus voces mataban ejércitos de escritores, artistas, críticos de otras confesiones artísticas y filosóficas. Atacaban la hipocresía y el compromiso; preferían perturbar y asustar a su público más que complacerlo. Que esto sucediera en las salas de una galería de arte no fue casual. La búsqueda de un nuevo arte del mundo fue llevada en gran medida por pintores-poetas y Músicos-pintores. Arnold Schoenberg era en aquella época un pintor del movimiento Sturm.
"Nebel es poco conocido en Estados Unidos. No era conocido en absoluto en la Costa Oeste antes de la exposición de una pequeña selección de sus pinturas en la Galería Raboff. Ernest Raboff las había descubierto en la Galería Simone Heller de París y quedó fascinado por la belleza y la armonía en la riqueza temática de la composición abstracta y por la elaborada ejecución. De hecho, evocaban una música armónica de las esferas en lugar del fortissimo de la voz de protesta de Nebel en Berlín en la década de 1920.
"Nebel es un clásico del movimiento abstracto en la pintura. Inmediatamente después de su regreso de la guerra se unió a Kandinsky, Klee y Schwitters en su concepto del arte. Siguieron siendo amigos durante toda la vida. No se puede negar que algunas de las pinturas de Nebel tienen un parecido familiar con Klee y Kandinsky, pero de la misma manera que las pinturas cubistas de Gris y Braque tienen un parecido familiar con las de Picasso del mismo período. Esto se debe al mismo concepto espiritual, ciertamente no a la dependencia o imitación. Nebel, como Klee y Schwitters, se limita a pequeños formatos en contraste con los formatos gigantescos de la escuela americana actual. En su pequeña superficie, que varía en colores aéreos como el cielo al atardecer o al amanecer, orbitan formas o cuerpos claramente definidos, círculos, barras, cuadrados y bolas similares a estrellas y líneas serpenteantes de rápido movimiento. Todo tipo de constelaciones parecen moverse en un orden controlado. Otras pinturas dan la sensación de estabilidad por el equilibrio de las formas geométricas. No hay nada accidental, ninguna confusión pictórica. Nebel no es un pintor de acción espontánea ni tampoco un primitivo . Conoce su oficio, basándose en un sólido conocimiento de las teorías del color . Un cuadro tiene zonas de gris que reciben una noble cualidad de la división óptica del color. Pequeños puntos regulares de colores complementarios, colocados uno al lado del otro, según el principio de Seurat , se mezclan a la vista del espectador con el fino gris de las nubes, palabras no figurativas que se transforman en formas.
"La pincelada precisa, el acabado de cada punto, línea y forma, como una joya, hicieron que algunos críticos clasificaran a Nebel como un simple artesano, un joyero o un artista del esmalte que se adentraba en la pintura. Pero para Nebel, como para Kandinsky y Klee, el arte es la expresión visible de conceptos espirituales. Cada obra de arte, dice Nebel, es una imagen del desarrollo y la transformación mental del artista. La artesanía más elaborada es lo suficientemente buena como para dar forma a una visión inspirada e iluminada. Los medios y los medios deben usarse en armonía con el proceso creativo.
"Son preciosas y casi sagradas, ya que tienen que hacer visible una revelación. El artista debe combinar la habilidad visual con la inteligencia de interpretación. Nebel expresa su filosofía idealista del arte en frases ditirámbicas , que desafían la traducción literaria directa, en un libro con 24 reproducciones de sus pinturas, dibujos y grabados: "Worte zu Bildern" (De las palabras a las imágenes). (Seis de estos cuadros se encuentran entre las 100 obras que posee el Museo Guggenheim de Nueva York; SH Guggenheim fue un patrocinador de Nebel durante muchos años difíciles). A partir de la forma libre expresionista de su epopeya de posguerra, progresó hacia estudios rigurosos del lenguaje para intensificar su medio. El resultado fue la introducción de la forma musical de la fuga en la poesía.
"Nebel no fue el único que utilizó formas en su obra literaria; James Joyce , también a principios del siglo XX, experimentó con formas musicales en su "Ulises", por ejemplo, en el episodio de las Sirenas , donde hizo un uso bastante libre de la fuga. Sus variaciones intelectuales de las palabras dependen de las asociaciones más complejas. Su crecimiento ilimitado de flores lingüísticas tiene sus raíces en el pantano de nuestra civilización. Nebel buscó y encontró un arquetipo de expresión en un mundo de formas hasta entonces desconocido. Las fugas de Nebel son únicas por una disciplina autoimpuesta. Para intensificar el poder de la palabra, se concentró en palabras compuestas solo por 9 letras del alfabeto para su primera fuga, "Unfeig" (Valiente) y por 12 letras para la segunda fuga, "Das Rad der Titanen" (La rueda de los titanes). Explica este intento de contrarrestar la falta de expresión en el lenguaje desgastado de nuestro tiempo.
"Unfeig Formato oblongo que se yergue como árboles. Asociar el regreso de Nebel a los caracteres rúnicos con el teutonismo romántico, wagneriano o peor, hitleriano, sería un malentendido de su propósito, la búsqueda de la simplicidad. Hay una afinidad mayor y más profunda con los valores pictóricos en su obra literaria. Nebel diseñó el libro "Unfeig" en un formato oblongo. Los poemas se yerguen como árboles, en posición vertical. Como pintor, transpone las letras en pequeños cuadrados de colores en la última hoja plegable de su libro. Nebel, al completar su 70º año, mira hacia atrás a una obra de 7000 hojas de dibujos y series de dibujos, 2000 hojas pintadas y gráficas, 200 pinturas, muchos libros y escritos inéditos, varios libros impresos. (Próximamente está "Die Goldene Spur", The Golden Track, Arcade Press). En la actualidad, otro libro está por salir, de pequeño formato, pero de gran importancia. Es la Fuga de 12 caracteres rúnicos, "das "Rad der Titanen" (La rueda de los titanes). Doce letras del alfabeto tienen el poder de hacer girar una gigantesca rueda de significado sobre un nuevo mundo en gestación.
"'El mito de la creación en el siglo XX', en palabras de Lothar Schreyer , 'no es una repetición de viejos mitos, sino Ur-Bilder, imágenes primarias, moldeadas por el impacto del siglo XX'".