The Last Laugh ( alemán : Der letzte Mann , transl. The Last Man ) es una película muda alemana de 1924 dirigida por el director alemán FW Murnau a partir de un guión escrito por Carl Mayer . La película está protagonizada por Emil Jannings y Maly Delschaft .
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Stephen Brockmann resumió la trama de la película como "un portero de hotel anónimo pierde su trabajo". [1] Es un ejemplo cinematográfico del género Kammerspielfilm o "drama de cámara", que sigue el estilo de obras breves y escasas de la vida de la clase media baja que enfatizaban la psicología de los personajes en lugar de los decorados y la acción. El género trató de evitar los intertítulos (tarjetas de título) del diálogo hablado o la descripción que caracterizan a la mayoría de las películas mudas, en la creencia de que las imágenes mismas deberían transmitir la mayor parte del significado.
En 1955, se rehizo la película protagonizada por Hans Albers . La película [ se necesita aclaración ] fue votada como la número 11 en la prestigiosa lista 12 de Bruselas en la Exposición Universal de 1958.
El personaje de Jannings es el portero de un hotel famoso, que se siente muy orgulloso de su trabajo y posición. Su indiferente gerente decide que el portero se está volviendo demasiado viejo y débil para presentar la imagen del hotel, por lo que lo degrada a un trabajo menos exigente: el de encargado del baño. Intenta ocultar su degradación a sus amigos y familiares pero, para su vergüenza, lo descubren. Sus amigos y vecinos, pensando que les ha mentido todo el tiempo sobre su prestigioso trabajo, se burlan de él sin piedad mientras su familia lo rechaza por vergüenza. El portero, conmocionado y con una pena increíble, regresa al hotel para dormir en el baño donde trabaja. La única persona que es amable con él es el vigilante nocturno, que lo cubre con su abrigo mientras se queda dormido.
A continuación viene el único título de la película, que dice: "Aquí debería terminar realmente nuestra historia, porque en la vida real, el anciano desamparado no tendría nada que esperar más que la muerte. Sin embargo, el autor se apiadó de él y le proporcionó Un epílogo bastante improbable." [2]
Al final, el público lee en el periódico que el portero heredó una fortuna de un excéntrico millonario llamado AG Monney, un cliente que murió en sus brazos en el baño del hotel. El portero regresa al hotel, donde cena felizmente con el vigilante nocturno, que se mostró amable con él. De camino a su magnífico carruaje tirado por caballos, el portero da propinas a todo el personal de servicio del hotel, que rápidamente se forma en fila a su paso. En la escena final de la película, cuando tanto el portero como el sereno están en el carruaje, un mendigo le pide algo de dinero al portero. El portero invita al mendigo al carruaje e incluso le da una propina al nuevo portero, que ahora es el encargado de hacer entrar a los invitados.
El director FW Murnau se encontraba en el apogeo de su carrera cinematográfica en Alemania y tenía grandes ambiciones para su primera película con UFA . [3] Afirmó que "Todos nuestros esfuerzos deben dirigirse a abstraer todo lo que no es el verdadero dominio del cine. Todo lo trivial y adquirido de otras fuentes, todos los trucos, artificios y clichés heredados del escenario y de libros." [4] Murnau llamó al guionista Carl Mayer alguien que trabajó en "el verdadero dominio del cine" y aceptó hacer Der letzte Mann después de que Mayer y el director de cine Lupu Pick pelearan y Pick abandonara la película. [5] La película no utiliza intertítulos, algo que ya habían hecho Mayer y Pick on Scherben y Sylvester varios años antes, así como el director Arthur Robison en la película Schatten en 1923.
La película se rodó íntegramente en los estudios UFA. Murnau y el director de fotografía Karl Freund utilizaron elaborados movimientos de cámara para la película, una técnica que más tarde se denominó " entfesselte Kamera " (cámara desencadenada). En una escena, una cámara estaba atada al pecho de Freund mientras entraba en bicicleta en un ascensor y salía a la calle. En otra escena, se envía una cámara por un cable desde una ventana hasta la calle de abajo y luego se invierte en la edición. El cineasta francés Marcel Carné dijo más tarde que "La cámara... se desliza, se eleva, hace zoom o se entrelaza hacia donde la lleva la historia. Ya no está fija, sino que participa en la acción y se convierte en un personaje del drama". [5] Años más tarde, Karl Freund desestimó las contribuciones de Murnau a las películas que hicieron juntos, alegando que Murnau no tenía ningún interés en la iluminación y nunca miraba a través de la cámara, y que "Carl Mayer solía interesarse mucho más que en el encuadre. " [5] Los escenógrafos de la película, Robert Herlth y Walter Röhrig , negaron esta afirmación y defendieron a Murnau. Murnau describió la cinematografía de la película como "debido a la forma... [los objetos] fueron colocados o fotografiados, su imagen es un drama visual. En su relación con otros objetos o con los personajes, son unidades en la sinfonía del película." [5]
Murnau señaló que la historia era absurda porque "todo el mundo sabe que un encargado de baño gana más que un portero". [6] Los carteles de la película están escritos en un lenguaje imaginario que Alfred Hitchcock tomó como esperanto . [7]
Hubo tres versiones diferentes de la película, para el público alemán, americano e internacional. [8] Mientras que los mercados europeos conservaron el significado del título original alemán ( The Last Man ) en su lanzamiento inicial, los países de habla inglesa optaron por el título más optimista Laugh .
El uso del movimiento de la cámara, ángulos dramáticos, tomas distorsionadas y cambios de enfoque contribuyeron a crear nuevas perspectivas e impresiones para los espectadores. [9] El uso del montaje en la película también fue pionero: la técnica de Murnau consistía en utilizar un corte suave y rápido en las escenas iniciales seguido de un corte brusco en las escenas en las que el portero es humillado. En la escena en la que el portero está borracho se utiliza una combinación de distorsión y superposición de imágenes para retratar su experiencia subjetiva. [10] El trabajo de cámara mejora el uso creativo del lenguaje corporal de Jannings mediante el uso de primeros planos y ángulos de cámara que alientan al espectador a ver los eventos desde la perspectiva del portero. [9] Este tipo de movimiento de cámara se llama movimiento afectivo. Este término se utiliza para el movimiento de cámara que se basa en las emociones del personaje, mientras que el movimiento de cámara que se basa en las acciones del personaje se conoce como movimiento de acción. Para que el espectador se adentre más en la película, la cámara debe corresponder con éxito su movimiento a cómo actuaría el espectador en ese escenario específico. [11] En la escena en la que está borracho, la cámara desencadenada maniobra libremente y da vueltas por la habitación, como si el espectador estuviera borracho.
Otro ejemplo de cómo la técnica de la cámara desencadenada introduce al espectador en la película es el momento en que el portero se entera de que ha sido sustituido por un portero nuevo y más joven. En esta escena, con la ayuda de un primer plano y un acercamiento de su rostro, el espectador ahora presta aún más atención a sus expresiones faciales. Este movimiento afectivo de cámara es efectivo para que el espectador se identifique y se relacione más con la condición emocional interna del personaje. Al crear una conexión entre el espectador y el personaje con la técnica de la cámara desencadenada, el espectador se integra en la película. Esto demostró el potencial que el movimiento de cámara aportaba al cine. Estos aspectos de la película se unen en el término movimiento subjetivo, en el que el espectador interpreta subjetivamente el movimiento de la cámara, mientras que interpreta las acciones del personaje de manera más objetiva en el movimiento de acción. [11] La cámara desencadenada captura la verdadera esencia del movimiento subjetivo y así crea más posibilidades en la realización cinematográfica.
Las decoraciones y la presentación de ambientes contrastantes también fueron importantes para crear la impresión. El contraste entre el rico entorno del hotel Atlantic y las viviendas de clase baja da la impresión de una presentación realista de las situaciones. Los decoradores de Der letzte Mann fueron Robert Herlth y Walter Röhrig. [12] Otro uso del contraste fue la ilustración del respeto y esencialmente el poder del uniforme combinado con el ridículo y el desprecio que experimentó el portero después de su degradación. [ cita necesaria ]
El poder del uniforme en la cultura alemana fue analizado en un artículo académico de Jon Hughes. [13] El uso de un uniforme parece realzar la masculinidad de la persona y proporciona cierto poder institucional, ya que el usuario se identifica con la institución correspondiente. Por tanto, un uniforme proporciona confianza personal y el respeto de los demás, [13] como se ilustra en Der letzte Mann . El rápido ascenso de los nazis al poder también podría atribuirse al uso generalizado de uniformes. [14] La película Der letzte Mann ilustra claramente este efecto de la confianza en uno mismo y del poder personal/institucional relacionado con el uso de un uniforme decorado. [ cita necesaria ]
El uso de intertítulos era común durante la era del cine mudo . Los primeros premios de la Academia en 1929 incluyeron un premio por "Mejor Escritura - Tarjetas de Título", [15] ya que generalmente eran un elemento clave de una película y se pensaba que eran necesarias para transmitir la narrativa de una película al público. Der letzte Mann fue inusual en el uso de una sola tarjeta de título a lo largo de la película.
La falta de intertítulos en la película refleja la opinión de Murnau de que eran "una presencia obstructiva en el cine" [16] que señalaba la dependencia del cine de otras formas de arte. En una entrevista con el periodista Eduard Jawitz, Murnau afirmó que el cine era todavía un arte "joven" que "aún no apreciaba plenamente sus propias formas de expresión y su material", lo que, según explicó, era la razón por la que la mayoría de las películas se basaban en intertítulos para transmitir significado. . [16] Esta perspectiva llevó a Murnau a experimentar con diferentes estrategias visuales para comunicar la narrativa de la película, como el movimiento subjetivo de la cámara y la puesta en escena.
La tarjeta de título singular de Der letzte Mann se utiliza para presentar el epílogo de la película. La tarjeta de título explica que si bien la narración terminaría de manera realista con el portero permaneciendo en su situación desesperada, el escritor de la película "se apiadó de él" y creó un final "improbable". Este intertítulo introduce una escena tonalmente diferente en la que la película avanza en el tiempo y muestra al ahora rico portero cenando en el hotel. Este final ha recibido críticas por su conveniencia, y algunos críticos cuestionan si el intertítulo fue una interjección de disculpa de Murnau sobre esta conclusión. [17]
La película fue realizada en 1924, en la época de la República de Weimar . Los pagos de reparación de guerra impuestos a Alemania provocaron una inflación vertiginosa , colapso económico, escasez de alimentos, pobreza, desnutrición y hambre. [18] Los alemanes pequeñoburgueses buscaban alguna esperanza de mejora de su situación económica. Incluso una posibilidad tan poco realista como la de heredar dinero de otra persona traía alguna esperanza. Esta necesidad de esperanza y el conocimiento que tenía el director de las expectativas del público en general fueron las razones por las que Der letzte Mann tuvo un epílogo feliz, aunque poco realista. [19]
El cine alemán inició colaboraciones con productores de Hollywood, lo que condujo a una influencia mutua y en 1926 los productores alemanes firmaron un contrato con Hollywood , lo que inició una migración de actores y directores alemanes a Hollywood. El efecto fue similar a la fuga de cerebros de científicos de todo el mundo observada posteriormente hacia Estados Unidos . [20]
Uno de los resultados de esta temprana cooperación fue que el director Alfred Hitchcock viajó a Berlín y empezó a trabajar con Friedrich Murnau. Hitchcock quedó muy impresionado con las técnicas de cámara desencadenadas de Murnau y afirmó que su cooperación con Murnau fue una "experiencia enormemente productiva" y que Der letzte Mann era una "película casi perfecta". [21] La cooperación con Murnau fue para Hitchcock esencialmente un "punto de referencia clave". [22] Hitchcock también expresó su aprecio por los puntos de vista de la cámara de Murnau y las tomas subjetivas que proporcionaban la "identificación del público" con el personaje principal. [23] El rating de Der letzte Mann en Hollywood fue muy alto: "Hollywood simplemente elogió The Last Laugh ", señaló Jan Horak. [24]
La película fue un gran éxito financiero y de crítica y poco después permitió a Murnau hacer dos películas de gran presupuesto. [3] Los críticos elogiaron el estilo de la película y los movimientos artísticos de la cámara. El crítico de cine Paul Rotha dijo que "definitivamente estableció la película como un medio de expresión independiente... Todo lo que había que decir... se dijo enteramente a través de la cámara... The Last Laugh era cine-ficción en su forma más pura". ; ejemplar de la composición rítmica propia de la película." [5] Años más tarde , CA Lejeune la llamó "probablemente la menos sensacionalista y ciertamente la más importante de las películas de Murnau. Le dio a la cámara un nuevo dominio, una nueva libertad... Influyó en el futuro de la fotografía cinematográfica... en todas partes. mundo, y sin sugerir ninguna revolución en el método, sin arrasar con la opinión crítica como lo había hecho Caligari , dirigió la atención técnica hacia el experimento y estimuló... un nuevo tipo de pensamiento de cámara con un final narrativo definido. [5] Lotte Eisner elogió sus "superficies opalescentes llenas de reflejos, de lluvia o de luz: las ventanillas de los coches, las hojas vidriadas de la puerta giratoria que reflejan la silueta del portero vestido con un impermeable negro reluciente, la masa oscura de las casas con las ventanas iluminadas, las aceras mojadas y las luces relucientes". charcos... Su cámara captura la penumbra filtrada que cae de las farolas... se apodera de las barandillas a través de las ventanas del sótano." [5]
La historia y el contenido de la película también fueron elogiados por los críticos, y Eisner afirmó que "es eminentemente una tragedia alemana y sólo puede entenderse en un país donde el uniforme es el rey, por no decir dios. Una mente no alemana tendrá dificultad para comprender todas sus trágicas implicaciones." [4] Siegfried Kracauer señaló que "todos los inquilinos, en particular las mujeres... [veneran el uniforme] como símbolo de autoridad suprema y están felices de que se les permita venerarlo". [5]
En el año 2000, Roger Ebert la incluyó entre su lista de Grandes Películas. [2]
Kino International lanzó una reconstrucción de la versión alemana y una "versión de exportación no restaurada" en 2008 (esta última aparentemente es la versión utilizada por Kino en versiones anteriores). [25] Un documental extra de 40 minutos compara las versiones alemana, americana e internacional. [8]