Ambient 1: Music for Airports es el sexto álbum de estudio de Brian Eno , lanzado en marzo de 1978 por Polydor Records . Es el primero de los álbumes de Eno lanzados bajo el sello de música ambiental , un género musical destinado a "inducir calma y un espacio para pensar" sin dejar de ser "tan ignorable como interesante". [1] [2] Si bien no es la primera entrada de Eno en el estilo, se le atribuye la acuñación del término.
El álbum consta de cuatro composiciones creadas mediante la superposición de bucles de cinta de diferentes longitudes, y fue diseñado para ser reproducido continuamente como una instalación de sonido , con la intención de desactivar la atmósfera ansiosa de una terminal de aeropuerto . Eno definió su enfoque en oposición a la música ambiental "enlatada" y las prácticas de escucha fácil . El álbum fue el primero de cuatro álbumes lanzados en la serie Ambient de Eno, que concluyó con Ambient 4: On Land de 1981 .
En 2004, la revista Rolling Stone le atribuyó al álbum la definición del género ambient. [3] En 2016, Pitchfork lo clasificó como el mejor álbum de ambient de todos los tiempos. [4]
Eno se interesó por el ambiente cuando sufrió un accidente automovilístico que lo envió al hospital a mediados de la década de 1970. Su amiga Judy Nylon visitó a Eno en el hospital y dejó un álbum sonando suavemente antes de irse. [5] El sonido se mezcló con la lluvia fuera de la habitación y, al no poder levantarse y ajustar el volumen, Eno permitió que creara un ambiente en sintonía con su atención fluctuante. [6] El álbum Discreet Music (1975), según el propio juicio de Eno, fue su primera incursión en la música ambiental. [6] [7] [8] [9]
Después de pasar varias horas esperando un vuelo en el aeropuerto de Colonia Bonn , Alemania , y de sentirse molesto por su atmósfera poco inspirada, Eno concibió un álbum de música "diseñado para aeropuertos". Su intención era que el álbum siguiera funcionando en varias otras situaciones. [10] [11] [12] La música ambiental era entonces un "campo relativamente modesto", "más un concepto que un género", y en su mayoría creada en el contexto de las prácticas dominantes de muzak . [7] [13] [14] El concepto de Eno era distinto del enfoque de ruido de fondo "derivado" de la música de ascensor y la música fácil de escuchar , [4] y, en cambio, se iba a utilizar como un medio para crear espacio para el pensamiento. [15] En las notas del álbum, Eno explicó:
Mientras que la música de fondo convencional se produce eliminando toda sensación de duda e incertidumbre (y, por lo tanto, todo interés genuino) de la música, la música ambiental conserva estas cualidades. Y mientras que su intención es "iluminar" el entorno añadiéndole estímulos (supuestamente aliviando así el tedio de las tareas rutinarias y nivelando los altibajos naturales de los ritmos corporales), la música ambiental tiene como objetivo inducir la calma y un espacio para pensar. La música ambiental debe poder adaptarse a muchos niveles de atención auditiva sin imponer uno en particular; debe ser tan ignorable como interesante. [16]
Más tarde, Eno nombró a los Ray Conniff Singers y la " idea borgiana " de un "mundo al revés" autogenerado que se centra en la música como inspiraciones durante este período. [17] [18]
Todas las pistas fueron compuestas por Eno excepto "1/1", que fue co-compuesta por Eno con el ex baterista y vocalista de Soft Machine, Robert Wyatt , y con el productor Rhett Davies .
Music for Airports hace uso de bucles de cinta empalmados. [19] Al recordar su creación, Eno dijo que fue "concebido como deliberadamente austero y sin emociones" y "esencialmente hecho por máquinas". [17] [20] Comenzó a trabajar durante la creación de Low de David Bowie . [21] Con respecto a su instrumentación, rango dinámico , timbre , armonía, tonalidad y textura, las pistas son confinadas y presentan un "repertorio contenido de tonos, formas gestuales y contenido motívico que perdura en su totalidad". [9] [22] Se ven variaciones de timbre al comparar las pistas, como el cálido "1/1" que contrasta con el frío y oscuro "1/2". [9] No tienen ritmos de acompañamiento y, en cambio, una repetición irregular. [23]
Eno, que se considera un " viajero nervioso ", no quería que todo fuera "brillante y alegre" , y consideró los sentimientos que surgen al estar en un aeropuerto, incluida la supuesta relevancia de la mortalidad , y esperaba que el álbum trajera consuelo: "Realmente, es música para resignarte a la posibilidad de la muerte". [24] [25] John L. Waters describió el álbum como una "progresión lógica del trabajo de los músicos experimentales y "serios" basados en sistemas ( John White , Gavin Bryars , Christopher Hobbs , Michael Parsons , Michael Nyman ) que Eno grabó y defendió para su sello Obscure ". [26] David Stubbs notó similitudes con el trabajo de Erik Satie . [27]
"1/1" presenta loops de piano interpretados de manera arrítmica, siendo el piano el instrumento dominante en todo el álbum. [6] [28] La pista surgió de dos pianistas improvisando sin que ninguno pudiera escuchar claramente al otro, lo que llevó a que se tocaran melodías separadas pero complementarias. [29] Se presentan varios motivos , tocados de manera irregular. [30] El filósofo del arte John Lysaker , mientras discutía el sentido general de dirección sin rumbo del álbum, señaló que "1/1" "no se mantiene unido mejor (ni peor) que una nube". [6] [a] La música en todo momento es de ritmo lento, sin "desarrollo melódico o armónico distintivo [;] sin altos ni bajos". [12] "1/1" es la única pista que presenta una melodía. [31] [ aclaración necesaria ]
"2/1" y "1/2" hacen uso de bucles vocales; el primero fue diseñado para que fluctuaran en sincronía. [32] Las duraciones dispares de "2/1" fueron el resultado de las diferentes capacidades de cada cantante. Modificó las grabaciones de cinta despreocupadamente para convertirlas en bucles , [33] deseando "un silencio al menos dos veces más largo que el sonido" y "relaciones complicadas en lugar de simples". "Y luego comencé a ejecutar todos los bucles y dejé que se configuraran de la manera que eligieran configurarse". [34] El profesor de música Victor Szabo describió la pista como "fantasmal", escribiendo que los bucles de cinta "sin vibrato " son "extrañamente sin vida": "A través de tales técnicas de composición y códigos afectivos-expresivos , '2/1' insinúa la ausencia humana más abiertamente que cualquier otra pista". [9]
"2/2" fue interpretada con un sintetizador ARP 2600. Brian Eno describió cómo se grabó esta pieza:
[...] La segunda pieza de la segunda cara de Music for Airports se hizo con un ARP 2600. Creo que es un sonido hermoso, que no podría haber obtenido de ningún otro sintetizador que conozca. Lo que lo hace tan delicioso es que está ralentizado y tiene tres tipos de eco. [35]
El primer álbum de música ambiental que se hizo popular -y luego reconocido como la "primera grabación deliberadamente 'ambiental'"- fue inicialmente rechazado por los críticos, el público y algunos de los colegas de Eno por igual, desconcertando a algunos de los primeros. [12] [46] [26] [47] [48] Solo se volvió más favorecido en la década de 1990, habiendo "entrado en el canon musical moderno ". [49] [31]
La insulsez fue una crítica muy común en las reseñas iniciales, un posible subproducto de su concepción invariable y populista, escribió Szabo. [9] En una reseña de 1979 para Rolling Stone , Michael Bloom encontró que Ambient 1 era autoindulgente y carente de foco. "Hay una buena dosis de alta artesanía aquí", dijo Bloom. "Pero para encontrarla, tienes que frustrar la intención de la música concentrándote". [50] En otra reseña contemporánea para The Village Voice , el crítico Robert Christgau escribió que "estos cuatro fragmentos de minimalismo modestamente 'ambient' tienen verdaderos encantos como calmantes de propósito general. Pero también debo informar que han tenido un desempeño desigual en fondos específicos". [51] Más tarde lo llamó "un aburrimiento". [9] Al escribir para The Globe and Mail , en la época de su lanzamiento, Alan Niester categorizó el álbum como alienígena, llamándolo "grunge de fondo" que era más adecuado para "lavar platos [y] hacer la cama". [52] En una entrevista de 1979 con Eno para Musician , el crítico Lester Bangs describió a Music for Airports como teniendo "una calidad cristalina, como la luz del sol a través del cristal de una ventana que lo hace algo hipnótico incluso cuando lo escuchas a medias", y contó una experiencia personal en la que el álbum lo indujo a un estado de sueño con Charles Mingus . [53]
El periodista de PopMatters John Davidson se mostró entusiasmado en una reseña retrospectiva, calificando a Music for Airports como una obra maestra cuyo valor "solo se puede apreciar al escucharla en una variedad de estados de ánimo y entornos. Entonces es probable que te sorprenda cómo la música le permite a tu mente el espacio para respirar", escribió Davidson, "y al hacerlo, se adapta a tu estado de ánimo". [54] La crítica de AllMusic Linda Kohanov afirmó que "como una buena pintura, estos paisajes sonoros en evolución no requieren una participación constante por parte del oyente [...] pero la música también recompensa la atención con una riqueza sonora ausente en los tipos estándar de música de fondo o de escucha fácil". [36] Sasha Frere-Jones escribió que, por la fuerza de sus composiciones, Music for Airports no facilita una experiencia de escucha que se pueda ignorar fácilmente: "el álbum es demasiado hermoso para ignorarlo". [55] Sal Cinquemani de Slant Magazine describió el efecto de las composiciones como "pura ingravidez". [43] Q lo describió como "relajante y sublime, un álbum útil cuando te sientes particularmente delicado". [56] En una reseña positiva, Grayson Haver Currin de Pitchfork escribió que "escuchar Music for Airports como algo más que un bálsamo de fondo, estas cuatro pistas siguen siendo maravillosas y transformadoras, capaces de reorganizar el aire de una habitación". [40]
Ambient 1 fue incluido en el libro 1001 Albums You Must Hear Before You Die . [57] Chuck Eddy de Spin más tarde lo nombró el cuarto álbum de ambient más esencial. [58] En septiembre de 2016, Pitchfork nombró al disco el mejor álbum de ambient de todos los tiempos. [59]
El álbum ha sido reconocido como un lanzamiento seminal e influyente, un ícono del género y la discografía de Eno. [6] [24] [21] [60] [61] JD Considine escribió en The Rolling Stone Album Guide que el disco definió la estética ambiental al tiempo que proporcionó un nombre para el género. [3] Chris Richards de The Washington Post escribió que "enseñó a toda una generación de músicos a considerar la música como una textura". [62] Reflexionando sobre el álbum, Jon Caramanica lo llamó el mejor trabajo de Eno que siguió poco después de Roxy Music. [13] Debido en parte a Music for Airports , la percepción de la carrera de Eno cambió y se alineó con compositores minimalistas muy influyentes: Steve Reich , Philip Glass , Terry Riley y La Monte Young . [63] Artistas como Pauline Oliveros , Riley y Harold Budd ampliarían el estilo de música ambiental de Eno, que ocuparía un lugar destacado en sus siguientes álbumes; Music for Airports actuó como un punto de partida para que Eno y sus colaboradores exploraran el estilo, como en la serie numerada Ambient (1978-1982). [9] [64] [65] Su concepción pronto se volvería más maleable y menos dependiente de las ubicaciones. [9]
A lo largo de los años, el álbum ha vendido más de 200.000 copias, lo que lo convierte en uno de sus álbumes en solitario más vendidos. [66]
El álbum ha sido instalado y presentado en al menos cinco aeropuertos; se ha encontrado con la resistencia de algunos viajeros y trabajadores, que lo consideran disruptivo. [9] [67] Las clínicas y los hospitales han utilizado los álbumes para calmar a los pacientes. [68] En 1998, Bang on a Can interpretó el álbum en vivo, favoreciendo un " estilo tecnicolor ". [31] Al hablar de su actuación, Eno la describió como el conjunto "tratando de actuar como máquinas, pero no suenan como máquinas en absoluto, suenan como personas y es bastante conmovedor cuando eso aparece". [20] Sintió que la calidad emotiva de la interpretación era el resultado del supuesto elemento humano; lo conmovió hasta las lágrimas, dijo, y otros que conocía, como Lou Reed y Laurie Anderson , tuvieron reacciones similares. [17] Los críticos se hicieron eco de los elogios de Eno, incluido el de la superioridad de la interpretación. [31]
En 2010, The Black Dog , a través de su noveno álbum de estudio, Music for Real Airports , emitió una "réplica musical", criticando la deshumanización percibida de los aeropuertos y la supuesta intención de Eno de "adormecer a los clientes". [9] [69]
El nombre de la pista hace referencia al primer lanzamiento del álbum (1978) como LP , por lo que la primera pista significa "primera pista, primer lado", y así sucesivamente. La impresión del CD agrega 30 segundos de silencio después de cada pista, incluido "2/2".
La contraportada del álbum presenta cuatro imágenes de notación gráfica abstracta , una para cada pista, que representan su estructura e instrumentación. [6] [70]