Leo Ornstein (nacido Лев Орнштейн , Lev Ornshteyn ; c. 11 de diciembre de 1895 [n 1] - 24 de febrero de 2002) fue un compositor y pianista experimental estadounidense de principios del siglo XX. Sus interpretaciones de obras de compositores de vanguardia y sus propias piezas innovadoras e incluso impactantes lo convirtieron en una causa célebre en ambos lados del Atlántico. La mayor parte de sus obras experimentales fueron escritas para piano . [1]
Ornstein fue el primer compositor importante que hizo un uso extensivo del grupo tonal . Como pianista, se le consideraba un talento de talla mundial. [2] A mediados de la década de 1920, se había alejado de su fama y pronto desapareció de la memoria popular. Aunque dio su último concierto público antes de los cuarenta años, continuó escribiendo música durante otro medio siglo y más. En gran parte olvidado durante décadas, fue redescubierto a mediados de los años 1970. Ornstein completó su octava y última sonata para piano en septiembre de 1990, a la edad de noventa y cuatro años, lo que lo convirtió en el compositor publicado de mayor edad en la historia en ese momento (una marca superada desde entonces por Elliott Carter ).
Ornstein nació en Kremenchug , gobernación de Poltava , Imperio ruso (hoy parte de Ucrania ). Creció en un ambiente musical: su padre era un cantor judío ( Hazan ), mientras que un tío violinista animaba los estudios del joven. Ornstein fue reconocido desde el principio como un prodigio del piano ; En 1902, cuando el célebre pianista polaco Josef Hofmann visitó Kremenchuk, escuchó actuar a Ornstein, de seis años. Hofmann le entregó una carta de recomendación para el prestigioso Conservatorio de San Petersburgo . Poco después, Ornstein fue aceptado como alumno en la Escuela Imperial de Música de Kiev , entonces dirigida por Vladimir Puchalsky. Una muerte en la familia obligó a Ornstein a regresar a casa. En 1903, Ossip Gabrilowitsch lo escuchó tocar y lo recomendó al Conservatorio de Moscú . En 1904, Ornstein, de nueve años, hizo una audición y fue aceptado en la escuela de San Petersburgo. [3] Allí estudió composición con Alexander Glazunov y piano con Anna Yesipova . A la edad de once años, Ornstein se ganaba la vida entrenando a cantantes de ópera. [4] Para escapar de los pogromos incitados por la organización nacionalista y antisemita Unión del Pueblo Ruso , la familia emigró a los Estados Unidos el 24 de febrero de 1906, exactamente noventa y seis años antes de su muerte. [5] Se establecieron en el Lower East Side de Nueva York y Ornstein se matriculó en el Instituto de Arte Musical, predecesor de la Juilliard School , donde estudió piano con Bertha Feiring Tapper . En 1911, hizo un debut bien recibido en Nueva York con piezas de Bach , Beethoven , Chopin y Schumann . Las grabaciones de dos años después de obras de Chopin, Grieg y Poldini demuestran, según el historiador de la música Michael Broyles, "un pianista de sensibilidad, prodigiosa capacidad técnica y madurez artística". [6]
Ornstein pronto tomó una dirección muy diferente. Comenzó a componer obras que contenían sonidos disonantes y sorprendentes. [5] El propio Ornstein estaba inquieto por la primera de estas composiciones: "Al principio realmente dudaba de mi cordura. Simplemente dije, ¿qué es eso? Estaba completamente alejado de cualquier experiencia que haya tenido". [7] El 27 de marzo de 1914, en Londres, ofreció su primera representación pública de obras entonces denominadas "futuristas", hoy conocidas como modernistas . [n 2] Además de un arreglo de Busoni de tres preludios corales de Bach y varias piezas de Schoenberg , Ornstein interpretó varias de sus propias composiciones. El concierto causó un gran revuelo. Un periódico describió el trabajo de Ornstein como "la suma de Schoenberg y Scriabine [ sic ] al cuadrado". [8] Otros fueron más analíticos: "Nunca hemos sufrido una atrocidad tan insoportable, expresada en términos de la llamada música". [8]
La siguiente actuación de Ornstein casi provocó disturbios: "En mi segundo concierto, dedicado a mis propias composiciones, podría haber tocado cualquier cosa. Ni siquiera podía oír el piano. La multitud silbaba y aullaba e incluso lanzaba misiles contra el suelo. escenario." [7] La reacción, sin embargo, no fue universalmente negativa: el Musical Standard lo llamó "uno de los compositores más notables de la época... [con] ese germen de realismo y humanidad que es indicativo de genio". [9] Al año siguiente, fue la comidilla de la escena musical estadounidense por sus interpretaciones de obras de vanguardia de Schoenberg, Scriabin, Bartók , Debussy , Kodály , Ravel y Stravinsky (muchas de ellas estrenos en Estados Unidos), así como como composiciones propias, aún más radicales. [10]
Entre 1915 y principios de la década de 1920, cuando prácticamente dejó de actuar en público, Ornstein fue una de las figuras más conocidas (hasta cierto punto, notorias) de la música clásica estadounidense. En la descripción de Broyles y Denise Von Glahn, su "atracción era inmensa. Actuaba constantemente ante salas repletas, a menudo más de dos mil, en muchos lugares la 'audiencia más grande de la temporada ' " . como Wild Men's Dance (también conocido como Danse Sauvage ; ca. 1913-14) e Impressions of the Thames (ca. 1913-14) fueron pioneros en el uso integrado del grupo tonal en la composición de música clásica , que Henry Cowell , tres años menor que Ornstein, haría. hacer aún más para popularizar. En la descripción del erudito Gordon Rumson, Wild Men's Dance es una "obra de ritmo vehemente y rebelde, compuesta de densos grupos de acordes... y acentos brutales. Ritmos complejos y acordes gigantescos y estridentes atraviesan todo el espectro del piano. Esto sigue siendo un obra para un gran virtuoso capaz de imbuirla de una energía ardiente y feroz." [12] Aaron Copland recordó una actuación como el momento más controvertido de sus últimos años de adolescencia. [13] En 2002, un crítico del New York Times declaró que "sigue siendo una sorpresa". [14] Según el crítico Kyle Gann , Impressions of the Thames , "si Debussyan en sus texturas, utilizó acordes más espinosos de los que Debussy jamás se atrevió, y también agrupaciones en el rango de agudos y un golpe bajo que presagiaba la Palestina de Carlomagno , pero modulada.. .con un convincente sentido de unidad." [15]
Como ejemplo de lo que Ornstein describió como "música abstracta", su Sonata para violín y piano (1915; no 1913 como a menudo se dice erróneamente) [16] fue aún más lejos; "al borde", como él mismo lo expresó: "Yo diría que [la sonata] había llevado la música justo al borde... Simplemente retrocedí y dije: 'más allá de eso se encuentra el caos total ' " . 17] En 1916, el crítico Herbert F. Peyser declaró que "el mundo efectivamente se ha movido entre la época de Beethoven y la de Leo Ornstein". [18] Esa primavera, Ornstein dio una serie de recitales en la casa de uno de sus defensores en Nueva York; Estos conciertos fueron precedentes cruciales para las sociedades de compositores en torno a las cuales prosperaría la escena musical moderna en la década de 1920. [19] Ornstein también viajó a Nueva Orleans en 1916, donde descubrió el jazz . [20] Al año siguiente, el crítico James Huneker escribió:
Nunca pensé que viviría para escuchar a Arnold Schoenberg sonar manso, pero suena manso, casi tímido y vacilante, después de Ornstein, quien es, de manera muy enfática, el único compositor futurista genuino y verdaderamente azul vivo. [21]
Además de "futurista", a Ornstein también se le etiquetó a veces, junto con Cowell y otros en su círculo, como "ultramodernista". Un artículo del Baltimore Evening Sun se refirió a él como "el pianista intransigente, que ha puesto a todo el mundo musical por los oídos y que es probablemente la figura más discutida en el escenario de los conciertos". [22] En The Musical Quarterly fue descrito como "el fenómeno musical más destacado de nuestro tiempo". [18] El compositor nacido en Suiza Ernest Bloch lo declaró "el único compositor en Estados Unidos que muestra signos positivos de genio". [23]
En 1918, Ornstein era lo suficientemente conocido como para que se publicara una biografía completa de él. El libro, de Frederick H. Martens, sugiere no sólo el nivel de fama de Ornstein a los veinticuatro años, sino también su efecto divisivo en la escena cultural:
Para muchos, Leo Ornstein representa un malvado genio musical que vaga sin la menor palidez de la ortodoxia tonal, en una extraña tierra de nadie plagada de sonidos tortuosos, con gemidos de desesperación futurista, con chillidos cubistas y gritos y choques postimpresionistas. Él es el gran anarquista, el iconoclasta. [24]
Cowell, que había conocido a Ornstein mientras estudiaba en Nueva York, seguiría un estilo igualmente radical como parte de una gran misión intelectual y cultural, que también implicó escritos ambiciosos sobre teoría musical y esfuerzos editoriales y promocionales en apoyo de la vanguardia. Ornstein, el iconoclasta de vanguardia de la música clásica estadounidense, siguió una musa mucho más idiosincrásica: "Me guio enteramente sólo por mi instinto musical en cuanto a lo que siento que es trascendente o intrascendente". [25] Prueba de ello es el hecho de que, incluso en el apogeo de su notoriedad ultramodernista, también escribió varias obras líricas y tonales, como la Primera Sonata para violonchelo y piano: [ 26] "[Fue] escrita en menos de una semana bajo una obligación a la que no se podía resistir", dijo más tarde Ornstein. "Está más allá de mi comprensión por qué debería haber escuchado esta pieza romántica en el mismo período en el que estaba tumultuosamente involucrado en el primitivismo de [otras obras]". [27] Al comentar sobre la pieza después de la muerte de Ornstein, aproximadamente tres cuartos de siglo después, el crítico Martin Anderson escribió que "rivaliza con la [sonata para violonchelo] de Rachmaninov en magníficas melodías". [28]
Antes del cambio de década, probablemente en 1918 o 1919, Ornstein produjo una de sus obras más distintivas que involucran grupos tonales, Suicide in an Airplane . [29] Su partitura requiere un patrón de ostinato de bajo de alta velocidad destinado a simular el sonido de los motores y capturar la sensación de vuelo. [30] La pieza serviría de inspiración para la Sonata para aviones (1923) de George Antheil , quien reflejó la influencia de Ornstein en otras obras como Sonata Sauvage (1923). [31] En un escrito de 2000, el pianista e historiador Joseph Smith citó Suicidio en un avión entre aquellas piezas de Ornstein que "representaban (y pueden representar todavía) el ne plus ultra de la violencia pianística". [32]
Ornstein, agotado, abandonó efectivamente su célebre carrera interpretativa a principios de la década de 1920. [33] Su "música pronto fue olvidada", escribe el académico Erik Levi, dejándolo "una figura esencialmente periférica en la vida musical estadounidense". [34] Como lo describe Broyles, "Ornstein se había retirado en su mayor parte cuando aparecieron las nuevas organizaciones musicales de la década de 1920. Demasiado temprano y demasiado independiente, Ornstein tenía poco deseo de participar en el movimiento modernista cuando se afianzó en los Estados Unidos. Estados Unidos... [Él] parecía poco molesto por la publicidad o la falta de ella. Sólo escuchaba su propia voz". [35]
El estilo compositivo principal de Ornstein también estaba cambiando. Como lo describe el crítico moderno Gordon Rumson, su
El lenguaje musical se organizó en una gradación luminosa y reluciente entre la sencillez y la dureza. Las melodías tienen un tinte hebraico y Ornstein no duda en colocar música disonante y tonal una al lado de la otra. Este cambio de estilo es sólo una de las herramientas creativas de Ornstein. Más importante aún, hay una franqueza de emoción que hace que la música sea realmente atractiva. También cabe señalar que su música está idealmente escrita para piano y es claramente obra de un maestro pianista. [21]
Esta transformación contribuyó a que Ornstein cayera en la oscuridad. Aquellos a quienes había inspirado ahora lo rechazaban, casi con tanta vehemencia como los críticos a quienes había escandalizado una década antes. "[Él] había sido el modelo del modernismo radical durante la década de 1910, y cuando abandonó ese estilo por uno más expresivo, los ultramodernos reaccionaron como un amante despreciado", según Broyles. "Ni siquiera Cowell, conocido por su temperamento tolerante, podría perdonar a Ornstein". [36]
Habiendo abandonado no sólo los escenarios de conciertos, sino también los ingresos que conllevaban, Ornstein firmó un contrato exclusivo con el sello Ampico para fabricar rollos de piano . [37] Hizo más de dos docenas de rollos para Ampico, en su mayoría de un repertorio no modernista; Los compositores que interpretó con mayor frecuencia fueron Chopin, Schumann y Liszt . Dos rollos contenían sus propias composiciones: Berceuse (Cradle Song) (ca. 1920-21) y Prélude tragique (1924). [38] Ornstein nunca registró, en ningún formato, ni siquiera un solo ejemplo de sus piezas futuristas que le habían dado fama.
A mediados de la década de 1920, Ornstein abandonó Nueva York para aceptar un puesto docente en la Academia Musical de Filadelfia, que más tarde formaría parte de la Universidad de las Artes . [39] Durante este período, escribió algunas de sus obras más importantes, incluido el Concierto para piano, encargado por la Orquesta de Filadelfia en 1925. [35] Dos años más tarde, produjo su Quinteto para piano. Una obra tonal épica marcada por un uso aventurero de la disonancia y arreglos rítmicos complejos , es reconocida como una obra maestra del género. [40]
A principios de la década de 1930, Ornstein realizó su última actuación pública. [41] Unos años más tarde, él y su esposa, la ex Pauline Cosio Mallet-Prèvost (1892-1985), también pianista, fundaron la Escuela de Música Ornstein en Filadelfia. [42] Entre los estudiantes allí, John Coltrane y Jimmy Smith seguirían carreras importantes en el jazz. [43] Los Ornstein dirigieron y enseñaron en la escuela hasta que cerró con su jubilación en 1953. Básicamente desaparecieron de la vista del público hasta mediados de la década de 1970, cuando fueron localizados por la historiadora de la música Vivian Perlis : la pareja estaba pasando el invierno en un parque de casas rodantes en Texas (también tenían una casa en New Hampshire). [44] Ornstein había seguido componiendo música; Dotado de una memoria poderosa, no fue diligente en escribirlo todo y no había tratado de publicarlo durante décadas. Aunque su estilo se había suavizado mucho desde la década de 1910, conservó su carácter único y con su redescubrimiento llegó un nuevo estallido de productividad. En la descripción de Gann, las obras para piano compuestas por Ornstein cuando tenía ochenta años, como Solitude y Rendezvous at the Lake , presentaban melodías que "surgían a través de interminables volutas ornamentadas que no recordaban a ningún otro compositor". [15]
En 1988, Ornstein, de noventa y dos años, escribió su Séptima Sonata para piano. Con esta composición, Ornstein se convirtió, por un par de años, en el compositor publicado de mayor edad, hasta Elliott Carter , en producir una nueva obra sustancial. [45] El 23 de septiembre de 1990, a la edad de noventa y cuatro años, Ornstein completó su última obra, la Octava Sonata para piano. [46] Los nombres de los movimientos de la sonata reflejan no sólo el paso de un período de tiempo notable, sino también un sentido del humor y un espíritu exploratorio no atenuados: I. "La agitación de la vida y algunos fragmentos de sátira" / II. "Un viaje al ático: una lágrima o dos por una infancia que se ha ido para siempre" (a. "El clarín" / b. "Un lamento por un juguete perdido" / c. "Una cuna medio mutilada: Berceuse" / d. “Primer paseo en carrusel y sonidos de zanfona”) [n 3] / III. "Disciplinas e Improvisaciones". Al revisar el debut de la obra en Nueva York, el crítico Anthony Tommasini escribió: "Entre la locura rugiente del primer y tercer movimiento, el movimiento intermedio es una suite de cuatro breves reflexiones musicales sobre recuerdos de la infancia descubiertos en un ático. Aunque completamente incongruente, el cambio en El tono es audaz y la música cautivadora. El público escuchó embelesado y luego estalló en aplausos." [14]
El 24 de febrero de 2002, Ornstein murió en Green Bay, Wisconsin . A la edad de 106 años, estaba entre los compositores más longevos. [47]
