La pintura japonesa (絵画, kaiga ; también gadō画道) es una de las artes visuales japonesas más antiguas y refinadas , y abarca una amplia variedad de géneros y estilos. Como ocurre con la historia de las artes japonesas en general, la larga historia de la pintura japonesa muestra una síntesis y competencia entre la estética japonesa nativa y la adaptación de ideas importadas, principalmente de la pintura china , que fue especialmente influyente en varios puntos; La influencia occidental significativa sólo llega a partir del siglo XIX, comenzando al mismo tiempo que el arte japonés influyeba en el de Occidente .
Las áreas temáticas donde la influencia china ha sido repetidamente significativa incluyen la pintura religiosa budista, la pintura de paisajes con tinta en la tradición pictórica de los literatos chinos , la caligrafía de sinogramas , [1] y la pintura de animales y plantas, especialmente pájaros y flores . Sin embargo, en todos estos campos se han desarrollado tradiciones distintivamente japonesas. El tema que se considera más característico de la pintura japonesa, y posteriormente del grabado , es la representación de escenas de la vida cotidiana y escenas narrativas que a menudo están repletas de figuras y detalles. Sin duda, esta tradición comenzó a principios del período medieval bajo la influencia china, que ahora es imposible de rastrear excepto en los términos más generales, pero desde el período de las primeras obras supervivientes se había convertido en una tradición específicamente japonesa que duró hasta el período moderno.
La Lista oficial de Tesoros Nacionales de Japón (pinturas) incluye 162 obras o conjuntos de obras de los siglos VIII al XIX que representan picos de logros o supervivencias muy raras de períodos tempranos.
Los orígenes de la pintura en Japón se remontan al período prehistórico de Japón . Se encuentran representaciones figurativas simples, así como diseños botánicos, arquitectónicos y geométricos en la cerámica del período Jōmon y en las campanas de bronce dōtaku del período Yayoi (1000 a. C. - 300 d. C.) . Se han encontrado pinturas murales con diseños geométricos y figurativos en numerosos túmulos que datan del período Kofun y del período Asuka (300-700 d.C.).
Junto con la introducción del sistema de escritura chino ( kanji ), los modos chinos de administración gubernamental y el budismo en el período Asuka, muchas obras de arte fueron importadas a Japón desde China y comenzaron a producirse copias locales en estilos similares.
Con el posterior establecimiento del budismo en el Japón de los siglos VI y VII, la pintura religiosa floreció y se utilizó para adornar numerosos templos erigidos por la aristocracia. Sin embargo, el Japón del período Nara es más reconocido por sus importantes contribuciones en el arte de la escultura que en la pintura.
Las pinturas más antiguas que se conservan de este período incluyen los murales de las paredes interiores del Kondō (金堂) en el templo Hōryū-ji en Ikaruga, Prefectura de Nara . Estas pinturas murales, así como las imágenes pintadas en el importante Santuario Tamamushi , incluyen narrativas como jataka , episodios de la vida del Buda histórico, Shakyamuni , además de imágenes icónicas de budas, bodhisattvas y varias deidades menores. El estilo recuerda a la pintura china de la dinastía Sui o del último período de los Dieciséis Reinos . Sin embargo, a mediados del período Nara, las pinturas al estilo de la dinastía Tang se hicieron muy populares. Estos también incluyen los murales de la tumba de Takamatsuzuka , que datan de alrededor del año 700 d.C. Este estilo evolucionó hasta convertirse en el género Kara-e, que siguió siendo popular durante el período Heian temprano .
Como la mayoría de las pinturas del período Nara son de naturaleza religiosa, la gran mayoría son de artistas anónimos. Una gran colección de arte del período Nara, tanto japonés como chino de la dinastía Tang [2] , se conserva en el Shōsō-in , un depósito del siglo VIII que anteriormente era propiedad de Tōdai-ji y actualmente administrado por la Agencia de la Casa Imperial .
Con el desarrollo de las sectas budistas esotéricas de Shingon y Tendai , la pintura de los siglos VIII y IX se caracteriza por la imaginería religiosa, en particular el mandala pintado (曼荼羅, mandara ) . Numerosas versiones de mandala, las más famosas, el Mandala del Reino de los Diamantes y el Mandala del Reino del Útero en Tōji en Kioto, se crearon como pergaminos colgantes y también como murales en las paredes de los templos. Un ejemplo temprano conocido es el de la pagoda de cinco pisos de Daigo-ji , un templo al sur de Kioto .
La Escuela Kose fue una familia de artistas de la corte fundada por Kanaoka Kose en la segunda mitad del siglo IX, durante el período Heian temprano. Esta escuela no representa un único estilo de pintura como otras escuelas, sino los diversos estilos de pintura creados por Kanaoka Kose y sus descendientes y alumnos. Esta escuela cambió las pinturas de estilo chino con temas chinos al estilo japonés y jugó un papel importante en la formación del estilo de pintura yamato-e . [3] [4]
Con la creciente importancia de las sectas de la Tierra Pura del budismo japonés en el siglo X, se desarrollaron nuevos tipos de imágenes para satisfacer las necesidades devocionales de estas sectas. Estos incluyen raigōzu (来迎図) , que representa al Buda Amida junto con los bodhisattvas asistentes Kannon y Seishi llegando para dar la bienvenida a las almas de los fieles que partieron al Paraíso Occidental de Amida. Un ejemplo temprano destacado que data de 1053 está pintado en el interior del Salón Fénix del Byōdō-in , un templo en Uji, Kioto . Este también se considera un ejemplo temprano del llamado yamato-e (大和絵, "pintura de estilo japonés") , en la medida en que incluye elementos paisajísticos como suaves colinas que parecen reflejar algo de la apariencia real del paisaje de Japón occidental.
El período Heian medio se considera la edad de oro de los Yamato-e, que inicialmente se utilizaron principalmente para puertas correderas ( fusuma ) y biombos plegables ( byōbu ). Sin embargo, también pasaron a primer plano nuevos formatos de pintura, especialmente hacia el final del período Heian, incluido el emakimono , o largos pergaminos ilustrados. Las variedades de emakimono abarcan novelas ilustradas, como Genji Monogatari , obras históricas, como Ban Dainagon Ekotoba , y obras religiosas. En algunos casos, los artistas emaki emplearon convenciones narrativas pictóricas que se habían utilizado en el arte budista desde la antigüedad, mientras que en otras ocasiones idearon nuevos modos narrativos que se cree que transmiten visualmente el contenido emocional de la narrativa subyacente. Genji Monogatari está organizado en episodios discretos, mientras que Ban Dainagon Ekotoba, más animado, utiliza un modo narrativo continuo para enfatizar el avance de la narrativa. Estos dos emaki también difieren estilísticamente: las rápidas pinceladas y los colores claros de Ban Dainagon contrastan marcadamente con las formas abstractas y los vibrantes pigmentos minerales de los pergaminos de Genji . El asedio del Palacio Sanjō es otro ejemplo famoso de este tipo de pintura.
Los e-maki también sirven como algunos de los primeros y mejores ejemplos de onna-e ("cuadros de mujeres") y otoko-e ("cuadros de hombres") y estilos de pintura. Hay muchas diferencias sutiles entre los dos estilos. Aunque los términos parecen sugerir las preferencias estéticas de cada género, los historiadores del arte japonés han debatido durante mucho tiempo el significado real de estos términos y siguen sin estar claros. Quizás lo más fácilmente perceptible sean las diferencias en el tema. Onna-e , personificado en el pergamino Tale of Genji , típicamente trata de la vida y el romance cortesano, mientras que otoko-e , a menudo trata de eventos históricos o semilegendarios, particularmente batallas.
Estos géneros continuaron durante el período Kamakura en Japón. Este estilo de arte quedó muy ejemplificado en la pintura titulada Ataque nocturno al Palacio Sanjo , una pieza llena de colores vibrantes, detalles y una gran visualización de una novela titulada Heiji Monogatari . Se siguieron produciendo e-maki de diversos tipos; sin embargo, el período Kamakura se caracterizó mucho más fuertemente por el arte de la escultura que por la pintura. "El período Kamakura se extendió desde finales del siglo XII hasta el siglo XIV. Fue una época de obras de arte, como pinturas, pero principalmente esculturas que aportaron una visión más realista de la vida y sus aspectos de la época. En cada uno de estos "En las estatuas se incorporaron muchos rasgos realistas en la producción de las mismas. Muchas esculturas incluían narices, ojos, dedos individuales y otros detalles que eran nuevos para el lugar de la escultura en el arte".
Como la mayoría de las pinturas de los períodos Heian y Kamakura son de naturaleza religiosa, la gran mayoría son de artistas anónimos. Un artista conocido por su perfección en este nuevo estilo artístico del período Kamakura fue Unkei, y finalmente dominó esta forma de arte escultórico y abrió su propia escuela llamada Kei School. A medida que avanzaba esta era, "se produjo el resurgimiento de estilos clásicos aún anteriores, la importación de nuevos estilos del continente y, en la segunda mitad del período, el desarrollo de estilos únicos del este de Japón centrados en la era Kamakura".
Durante el siglo XIV, el desarrollo de los grandes monasterios zen de Kamakura y Kioto tuvo un gran impacto en las artes visuales. Suibokuga , un austero estilo monocromático de pintura en tinta introducido desde la dinastía Ming en China de los estilos de lavado de tinta Song y Yuan, especialmente Muqi (牧谿), reemplazó en gran medida las pinturas policromadas en rollo del arte zen temprano en Japón adheridas a las normas de iconografía budista de siglos. antes, como Takuma Eiga (宅磨栄賀). A pesar de la nueva ola cultural china generada por la cultura Higashiyama , persistieron algunos retratos policromados, principalmente en forma de pinturas chinso de monjes zen. [5]
Atrapar un bagre con una calabaza (ubicado en Taizō-in , Myōshin-ji , Kioto), del sacerdote-pintor Josetsu , marca un punto de inflexión en la pintura de Muromachi. En primer plano se representa a un hombre en la orilla de un arroyo sosteniendo una pequeña calabaza y mirando un gran bagre resbaladizo. La niebla llena el terreno intermedio y, al fondo, las montañas parecen estar muy lejos. Generalmente se supone que el "nuevo estilo" de la pintura, ejecutado alrededor de 1413, se refiere a una sensación más china de espacio profundo dentro del plano pictórico.
A finales del siglo XIV, las pinturas de paisajes monocromáticos (山水画sansuiga ) habían encontrado el patrocinio de la familia gobernante Ashikaga y eran el género preferido entre los pintores zen, evolucionando gradualmente desde sus raíces chinas hacia un estilo más japonés. Un desarrollo posterior de la pintura de paisajes fue el rollo de imágenes de poemas, conocido como shigajiku .
Los artistas más destacados del período Muromachi son los sacerdotes-pintores Shūbun y Sesshū . Shūbun, un monje del templo Shōkoku-ji de Kioto , creó en el cuadro Leyendo en un bosque de bambú (1446) un paisaje realista con una profunda recesión en el espacio. Sesshū, a diferencia de la mayoría de los artistas de la época, pudo viajar a China y estudiar la pintura china en sus orígenes. Paisaje de las cuatro estaciones ( Sansui Chokan ; c. 1486) es una de las obras más logradas de Sesshu, que representa un paisaje continuo a lo largo de las cuatro estaciones.
A finales del período Muromachi, la pintura con tinta había migrado de los monasterios zen al mundo del arte en general, cuando los artistas de la escuela Kanō y la escuela Ami (ja:阿弥派) adoptaron el estilo y los temas, pero introduciendo un estilo más plástico y efecto decorativo que continuaría hasta los tiempos modernos.
Los artistas importantes del período Muromachi en Japón incluyen:
_-_left_screen.jpg/1280px-Kan%C5%8D_Eitoku_-_Rakuch%C5%AB_rakugai_zu_(Uesugi)_-_left_screen.jpg)
_-_right_hand_screen.jpg/1280px-Hasegawa_Tohaku_-_Pine_Trees_(Sh%C5%8Drin-zu_by%C5%8Dbu)_-_right_hand_screen.jpg)
En marcado contraste con el período Muromachi anterior, el período Azuchi-Momoyama se caracterizó por un estilo policromado grandioso, con un uso extensivo de láminas de oro y plata que se aplicarían [6] a pinturas, vestimentas, arquitectura, etc.; y por obras a muy gran escala. [6] En contraste con el estilo lujoso que muchos conocían, la élite militar apoyaba la simplicidad rústica, especialmente en la forma de la [7] ceremonia del té donde usaban utensilios desgastados e imperfectos en un ambiente similar. Este período inició la unificación de líderes "en guerra" bajo un gobierno central. A menudo se cree que la fecha inicial de este período es 1568, cuando Nobunaga entró en Kioto, o 1573, cuando el último Ashikaga Shogun fue expulsado de Kioto. La escuela Kanō, patrocinada por Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi, Tokugawa Ieyasu y sus seguidores, ganó enormemente en tamaño y prestigio. Kanō Eitoku desarrolló una fórmula para la creación de paisajes monumentales en las puertas correderas que cierran una habitación. Estos enormes biombos y pinturas murales fueron encargados para decorar los castillos y palacios de la nobleza militar. En particular, Nobunaga hizo construir un enorme castillo entre 1576 y 1579, que resultó ser uno de los mayores desafíos artísticos para Kanō Eitoku. Su sucesor, Toyotomi Hideyoshi, también construyó varios castillos durante este período. Estos castillos fueron algunas de las obras artísticas más importantes a la hora de experimentar en este periodo. Estos castillos representan el poder y la confianza de los líderes y guerreros en la nueva era. [8] Este estatus continuó en el período Edo posterior, cuando el bakufu Tokugawa continuó promoviendo las obras de la escuela Kanō como el arte oficialmente sancionado por el shōgun, los daimyōs y la corte imperial.
Sin embargo, durante el período Azuchi-Momoyama también existieron y se desarrollaron artistas y corrientes ajenas a la escuela Kano, adaptando temas chinos a los materiales y la estética japoneses. Un grupo importante fue la escuela Tosa , que se desarrolló principalmente a partir de la tradición yamato-e y que era conocida principalmente por obras e ilustraciones a pequeña escala de clásicos literarios en formato de libro o emaki.
Los artistas importantes del período Azuchi-Momoyama incluyen:
.jpg/1280px-It%C5%8D_Jakuch%C5%AB_-_Black_rooster_and_nandin_(Colorful_Realm_of_Living_Beings).jpg)
El desarrollo económico que acompañó la llegada de una sociedad pacífica en el período Edo condujo al desarrollo de una amplia variedad de formas de arte, y muchas pinturas se produjeron en un estilo diferente al de las escuelas Kano y Tosa , que habían sido las ortodoxas. escuela de pintura. En 1970, Nobuo Tsuji (ja) publicó un libro titulado Kisō no Keifu (奇想の系譜, Linaje de los excéntricos) , que se centraba en los pintores del "Linaje de los excéntricos" que rompían con la tradición, como Iwasa Matabei , Kanō Sansetsu , Itō. Jakuchū , Soga Shōhaku , Nagasawa Rosetsu y Utagawa Kuniyoshi . Esta obra ha revolucionado la forma en que se ve la historia del arte japonés, y la pintura del período Edo se ha convertido en una de las áreas más populares del arte japonés en Japón. En los últimos años, los estudiosos y las exposiciones de arte han añadido a menudo a Hakuin Ekaku y Suzuki Kiitsu a los seis artistas enumerados por Tsuji, llamándolos los pintores del "Linaje de los excéntricos". [9] [10] [11]
Una escuela muy importante que surgió a principios del período Edo fue la escuela Rinpa , que utilizaba temas clásicos, pero los presentaba en un formato atrevido y profusamente decorativo. Sōtatsu, en particular, desarrolló un estilo decorativo recreando temas de la literatura clásica, utilizando figuras y motivos de colores brillantes del mundo natural sobre fondos de pan de oro. Un siglo después, Korin reelaboró el estilo de Sōtatsu y creó obras visualmente hermosas y exclusivamente suyas.
Otro género importante que comenzó durante el período Azuchi-Momoyama, pero que alcanzó su pleno desarrollo a principios del período Edo fue el arte Nanban , tanto en la representación de extranjeros exóticos como en el uso del estilo extranjero exótico en la pintura. Este género se centró en el puerto de Nagasaki , que tras el inicio de la política de aislamiento nacional del shogunato Tokugawa era el único puerto japonés que quedaba abierto al comercio exterior y, por tanto, era el conducto por el que las influencias artísticas chinas y europeas llegaban a Japón. Las pinturas de este género incluyen pinturas de la escuela de Nagasaki , y también de la escuela Maruyama-Shijo , que combinan influencias occidentales con elementos tradicionales japoneses.
Una tercera tendencia importante en el período Edo fue el surgimiento del género Bunjinga (pintura literaria), también conocido como escuela Nanga (escuela de pintura del sur). Este género comenzó como una imitación de las obras de los pintores eruditos y aficionados chinos de la dinastía Yuan , cuyas obras y técnicas llegaron a Japón a mediados del siglo XVIII. El maestro Kuwayama Gyokushū fue el mayor partidario de la creación del estilo bunjin . Teorizó que los paisajes policromáticos debían considerarse al mismo nivel que las pinturas monocromáticas de los literatos chinos. [12] Los artistas posteriores de bunjinga modificaron considerablemente tanto las técnicas como el tema de este género para crear una mezcla de estilos japonés y chino. Los ejemplos de este estilo son Ike no Taiga , Uragami Gyokudō , Yosa Buson , Tanomura Chikuden , Tani Bunchō y Yamamoto Baiitsu .
Debido a las políticas de austeridad fiscal y social del shogunato Tokugawa, los modos lujosos de estos géneros y estilos se limitaron en gran medida a los estratos superiores de la sociedad y no estaban disponibles, si no prohibidos, para las clases bajas. La gente común desarrolló un tipo de arte separado, el fūzokuga (風俗画, arte de género ), en el que eran populares las pinturas que representaban escenas de la vida cotidiana, especialmente la de la gente común, el teatro kabuki , las prostitutas y los paisajes. Estas pinturas en el siglo XVI dieron origen a las pinturas y grabados en madera del ukiyo-e .
Los artistas importantes del período Edo incluyen:
El período anterior a la guerra estuvo marcado por la división del arte en estilos europeos en competencia y estilos indígenas tradicionales.
Durante el período Meiji , Japón experimentó un tremendo cambio político y social en el curso de la campaña de europeización y modernización organizada por el gobierno Meiji . La pintura de estilo occidental ( yōga ) fue promovida oficialmente por el gobierno, que envió a jóvenes artistas prometedores al extranjero para estudiar y contrató a artistas extranjeros para que vinieran a Japón a establecer un plan de estudios de arte en las escuelas japonesas. Kuroda Seiki es considerado el líder del movimiento yōga y el padre de la pintura de estilo occidental en Japón. [13]
Sin embargo, después de un estallido inicial de entusiasmo por el arte de estilo occidental, el péndulo giró en la dirección opuesta y, liderado por el crítico de arte Okakura Kakuzō y el educador Ernest Fenollosa , hubo un resurgimiento del aprecio por los estilos tradicionales japoneses ( Nihonga ). En la década de 1880, el arte de estilo occidental fue prohibido en las exposiciones oficiales y fue duramente criticado por los críticos. Hashimoto Gahō , pintor de la Escuela Kano , fue el fundador del lado práctico de este movimiento de resurgimiento. No se limitó a pintar pinturas de estilo japonés utilizando técnicas tradicionales, sino que revolucionó la pintura tradicional japonesa incorporando la expresión realista del Yōga y marcó la dirección para el posterior movimiento Nihonga . Como primer profesor de la Escuela de Bellas Artes de Tokio (ahora Universidad de las Artes de Tokio ), formó a muchos pintores que más tarde serían considerados maestros de Nihonga , entre ellos Yokoyama Taikan , Shimomura Kanzan , Hishida Shunsō y Kawai Gyokudō . [14] [15]
Los pintores de estilo Yōga formaron la Meiji Bijutsukai (Sociedad de Bellas Artes Meiji) para realizar sus propias exposiciones y promover un interés renovado por el arte occidental.
En 1907, con el establecimiento del Bunten bajo los auspicios del Ministerio de Educación , ambos grupos en competencia encontraron reconocimiento mutuo y coexistencia, e incluso comenzaron el proceso hacia la síntesis mutua.
El período Taishō vio el predominio del Yōga sobre el Nihonga . Después de largas estancias en Europa, muchos artistas (incluido Arishima Ikuma) regresaron a Japón bajo el reinado de Yoshihito, trayendo consigo las técnicas del impresionismo y del postimpresionismo temprano . Las obras de Camille Pissarro , Paul Cézanne y Pierre-Auguste Renoir influyeron en las primeras pinturas del período Taishō. Sin embargo, los artistas de yoga del período Taishō también tendieron al eclecticismo , y hubo profusión de movimientos artísticos disidentes. Entre ellas se encontraba la Sociedad Fusain ( Fyuzankai ), que enfatizaba los estilos del postimpresionismo, especialmente el fauvismo . En 1914, surgió la Nikakai (Sociedad de Segunda División) para oponerse a la Exposición Bunten patrocinada por el gobierno.
La pintura japonesa durante el período Taishō estuvo sólo levemente influenciada por otros movimientos europeos contemporáneos, como el neoclasicismo y el postimpresionismo tardío.
Sin embargo, fue el resurgimiento de Nihonga , hacia mediados de la década de 1920, el que adoptó ciertas tendencias del postimpresionismo. La segunda generación de artistas Nihonga formó la Academia de Bellas Artes de Japón ( Nihon Bijutsuin ) para competir contra la Bunten patrocinada por el gobierno , y aunque las tradiciones yamato-e se mantuvieron fuertes, el uso cada vez mayor de la perspectiva occidental y los conceptos occidentales de espacio y luz comenzaron a extenderse. desdibuja la distinción entre Nihonga y yōga .
La pintura japonesa del período Shōwa de antes de la guerra estuvo dominada en gran medida por Sōtarō Yasui y Ryūzaburō Umehara , quienes introdujeron los conceptos de arte puro y pintura abstracta en la tradición Nihonga , y así crearon una versión más interpretativa de ese género. Esta tendencia fue desarrollada aún más por Leonard Foujita y la Nika Society, para abarcar el surrealismo . Para promover estas tendencias, en 1931 se formó la Asociación de Arte Independiente ( Dokuritsu Bijutsu Kyokai ).
Durante la Segunda Guerra Mundial , los controles y la censura gubernamentales hicieron que sólo se pudieran expresar temas patrióticos. Muchos artistas fueron reclutados para el esfuerzo de propaganda del gobierno , y la revisión crítica y no emocional de sus obras apenas está comenzando.
Los artistas importantes del período anterior a la guerra incluyen:
En el período de posguerra, en 1947 se formó la Academia de Arte de Japón ( Nihon Geijutsuin ), patrocinada por el gobierno, que contenía divisiones de nihonga y yōga . El patrocinio gubernamental de exposiciones de arte ha terminado, pero ha sido reemplazado por exposiciones privadas, como la Nitten , a una escala aún mayor. Aunque inicialmente Nitten fue la exposición de la Academia de Arte de Japón, desde 1958 está dirigida por una corporación privada independiente. La participación en el Nitten se ha convertido casi en un requisito previo para la nominación a la Academia de Arte de Japón, lo que en sí mismo es casi un requisito previo no oficial para la nominación a la Orden de la Cultura .
.jpg/1280px-Myth_of_Tomorrow_(3041116540).jpg)
Las artes del período Edo y anterior a la guerra (1603-1945) fueron apoyadas por comerciantes y población urbana. A diferencia de los períodos Edo y anterior a la guerra, las artes del período de posguerra se hicieron populares. Después de la Segunda Guerra Mundial , los pintores, calígrafos y grabadores florecieron en las grandes ciudades, particularmente en Tokio , y se preocuparon por los mecanismos de la vida urbana, reflejados en las luces parpadeantes, los colores de neón y el ritmo frenético de sus abstracciones. Todos los "ismos" del mundo del arte entre Nueva York y París fueron abrazados fervientemente. Después de las abstracciones de los años 1960, los años 1970 presenciaron un retorno al realismo fuertemente aromatizado por los movimientos artísticos "op" y "pop", encarnados en los años 1980 en las explosivas obras de Ushio Shinohara . Muchos de estos destacados artistas de vanguardia trabajaron tanto en Japón como en el extranjero y ganaron premios internacionales. Estos artistas sentían que no había "nada japonés" en sus obras y, de hecho, pertenecían a la escuela internacional. A finales de la década de 1970, la búsqueda de las cualidades japonesas y de un estilo nacional hizo que muchos artistas reevaluaran su ideología artística y se alejaran de lo que algunos consideraban las fórmulas vacías de Occidente. Tarō Okamoto se inspiró en la cerámica del período Jomon para crear muchas pinturas y esculturas de gran tamaño y vanguardia para espacios públicos en Japón. Como artista y teórico del arte, mejoró enormemente la reputación del período Jomon en la historia del arte japonés. [16] Las pinturas contemporáneas dentro del lenguaje moderno comenzaron a hacer un uso consciente de las formas, dispositivos e ideologías del arte tradicional japonés. Varios artistas mono-ha recurrieron a la pintura para recuperar los matices tradicionales en la disposición espacial, las armonías cromáticas y el lirismo.
La pintura de estilo japonés o nihonga continúa como antes de la guerra, actualizando las expresiones tradicionales conservando su carácter intrínseco. Algunos artistas de este estilo todavía pintan sobre seda o papel con colores y tintas tradicionales, mientras que otros utilizan materiales nuevos, como el acrílico .
Muchas de las escuelas de arte más antiguas, sobre todo las de los períodos Edo y anterior a la guerra, todavía se practicaban. Por ejemplo, el naturalismo decorativo de la escuela rimpa , caracterizado por colores brillantes y puros y lavados sangrantes, se reflejó en el trabajo de muchos artistas del período de posguerra en el arte de los años 80 de Hikosaka Naoyoshi. El realismo de la escuela de Maruyama Ōkyo y el estilo japonés caligráfico y espontáneo de los caballeros eruditos se practicaron ampliamente en la década de 1980. A veces, todas estas escuelas, así como las más antiguas, como las tradiciones de tinta de la escuela Kanō , fueron inspiradas por artistas contemporáneos en el estilo japonés y en el lenguaje moderno. Muchos pintores de estilo japonés fueron honrados con premios y premios como resultado de la renovada demanda popular de arte de estilo japonés a partir de la década de 1970. Cada vez más, los pintores modernos internacionales también recurrieron a las escuelas japonesas al alejarse de los estilos occidentales en los años 1980. La tendencia había sido la de sintetizar Oriente y Occidente. Algunos artistas ya habían saltado la brecha entre ambos, como lo hizo el destacado pintor Shinoda Toko . Sus atrevidas abstracciones en tinta sumi se inspiraron en la caligrafía tradicional, pero se realizaron como expresiones líricas de la abstracción moderna.
También hay varios pintores contemporáneos en Japón cuyo trabajo se inspira en gran medida en las subculturas del anime y otros aspectos de la cultura popular y juvenil. Takashi Murakami es quizás uno de los más famosos y populares, junto con los demás artistas de su colectivo de estudio Kaikai Kiki . Su trabajo se centra en expresar problemas y preocupaciones de la sociedad japonesa de posguerra a través de formas que suelen ser aparentemente inocuas. Se basa en gran medida en el anime y estilos relacionados, pero produce pinturas y esculturas en medios más tradicionalmente asociados con las bellas artes, borrando intencionalmente las líneas entre el arte comercial y popular y las bellas artes.
Entre los artistas importantes de la posguerra se incluyen:
.jpg/1280px-Ry%C5%ABko-zu_By%C5%8Dbu_by_Hashimoto_Gah%C5%8D(Part_of_the_dragon).jpg)
_L.jpg/1280px-Parting_Spring_by_Kawai_Gyokudo_(National_Museum_of_Modern_Art,_Tokyo)_L.jpg)
