La guitarra principal (también conocida como guitarra solista ) es una parte musical para una guitarra en la que el guitarrista toca líneas melódicas , pasajes instrumentales de relleno , solos de guitarra y, ocasionalmente, algunos riffs y acordes dentro de la estructura de una canción . La guitarra principal es la guitarra destacada, que generalmente toca líneas basadas en una sola nota o notas dobles . [1] En el rock , el heavy metal , el blues , el jazz , el punk , la fusión , algo de pop y otros estilos musicales, las líneas de guitarra principal a menudo son respaldadas por un segundo guitarrista que toca la guitarra rítmica , que consiste en acordes de acompañamiento y riffs .
La primera forma de guitarra principal surgió en el siglo XVIII, en forma de estilos de guitarra clásica , que evolucionaron a partir de la guitarra barroca y la vihuela española. Estos estilos fueron populares en gran parte de Europa occidental, con guitarristas notables como Antoine de Lhoyer , Fernando Sor y Dionisio Aguado . Fue durante este período de cambio clásico al romanticismo que la guitarra de seis cuerdas se utilizó por primera vez para componer en solitario. A lo largo del siglo XIX, la guitarra clásica encontraría prominencia en conjuntos de música de cámara , utilizada para acompañamiento melódico, así como en composiciones en solitario. Estos estilos se extenderían a Estados Unidos a mediados del siglo XIX e influirían en la "música de salón" temprana.
A finales del siglo XIX, comenzaron a aparecer las guitarras de cuerdas de acero, en particular las de Martin Guitars , y en la década de 1880 el estilo Piedmont Blues estaba surgiendo en el sur rural. El estilo de guitarra Piedmont se convertiría en una gran influencia en la música Ragtime , que a su vez influiría en los estilos de blues emergentes a principios del siglo XX. A lo largo de la década de 1910, los guitarristas de blues, incluidos Willie Brown y Charley Patton, comenzaron a ser pioneros en técnicas de guitarra slide , que se convertirían en un elemento básico del Delta Blues . Estas técnicas se desarrollarían en gran medida durante las décadas siguientes y durante la Gran Depresión por artistas como Tommy Johnson , Ishmon Bracey , Robert Johnson y Robert Wilkins . Durante este período, se desarrollaron otras formas de guitarra de blues, a menudo con una fuerte influencia del ragtime o Piedmont. Entre los guitarristas más destacados se encuentran Blind Blake y Blind Willie McTell , este último tocando con el pulgar y púas de metal en una guitarra de doce cuerdas para replicar mejor el sonido del piano . Los estilos de guitarra de Piedmont y ragtime también proporcionaron una base para los primeros estilos de guitarra de música country con músicos como Maybelle Carter , Sam McGee , Bayless Rose y Frank Hutchison desarrollando fuertemente estos estilos.
A lo largo de la década de 1920, aparecen los primeros estilos de guitarra de jazz y swing con los virtuosos Eddie Lang y Lonnie Johnson , este último con una fuerte influencia del blues. Lang usaba una púa de plectro mientras que Johnson tocaba con púas de dedo y una púa. Más tarde, Django Reinhardt alcanzaría la prominencia, tocando en el estilo Gypsy Jazz . Estos guitarristas todavía se consideran a menudo los mayores innovadores de sus estilos. Al mismo tiempo, The Delmore Brothers serían pioneros en la guitarra flatpicking a través de solos melódicos de punteo rápido que influirían en gran medida a muchos futuros guitarristas del bluegrass , el rock and roll temprano y la música country . Robert Nighthawk se convirtió en el primer músico de blues en grabar con una guitarra eléctrica e influiría en gran medida en grandes como Muddy Waters y Elmore James .
Durante la década de 1940, Merle Travis desarrollaría en gran medida las técnicas de punteo iniciadas por guitarristas como Maybelle y McGee, y desarrollaría un estilo propio basado en el pulgar, que solo proporcionaba la línea de bajo, y el dedo índice, que solo proporcionaba la melodía. Este estilo sería la base para muchos guitarristas futuros, incluidos Chet Atkins , Scotty Moore , Doc Watson y Earl Hooker , aunque muchos usaban dos dedos en lugar de solo el índice como lo había hecho Travis.
Para crear líneas de guitarra principal, los guitarristas usan escalas , modos , arpegios , licks y riffs que se interpretan utilizando una variedad de técnicas. [1] En bandas de rock, heavy metal, blues, jazz y fusión y algunos contextos pop, así como otros, las líneas de guitarra principal a menudo emplean punteo alternativo , punteo de barrido , punteo económico y legato (por ejemplo, hammer ons , pull offs ), que se utilizan para maximizar la velocidad de sus solos o riffs. Estos "trucos" pueden emplear la mano que puntea utilizada en el área del traste (como tapping ), e incluso aumentarse y embellecerse con dispositivos como arcos o dispositivos electrónicos separados como un ebow (arco electrónico).
Algunos guitarristas utilizan ocasionalmente habilidades que combinan técnica y espectáculo, como tocar la guitarra detrás de la cabeza o puntear con los dientes delanteros. En un contexto de blues , así como en otros, los guitarristas a veces crean solos que utilizan riffs de estilo de llamada y respuesta que embellecen con bending de cuerdas , vibrato y slides .
Los guitarristas de jazz integran los elementos básicos de las escalas y los patrones de arpegio en frases melódicas y rítmicas equilibradas que forman un solo coherente. Los guitarristas de jazz a menudo intentan imbuir su fraseo melódico con el sentido de la respiración natural y el fraseo legato que utilizan los trompetistas, como los saxofonistas. Asimismo, las improvisaciones solistas de un guitarrista de jazz deben tener un impulso rítmico y una "sensación de tiempo" que generen una sensación de " swing " y "groove". Los guitarristas de jazz más experimentados aprenden a tocar con diferentes "sensaciones de tiempo", como tocar "por delante del ritmo" o "por detrás del ritmo", para crear o liberar tensión.
Otro aspecto del estilo de la guitarra de jazz es el uso de adornos estilísticamente apropiados, como notas de gracia, slides y notas apagadas. Cada subgénero o era del jazz tiene diferentes adornos que son parte del estilo de ese subgénero o era. Los guitarristas de jazz suelen aprender los estilos de ornamentación adecuados escuchando grabaciones destacadas de un estilo o era de jazz determinado. Algunos guitarristas de jazz también toman prestadas técnicas de ornamentación de otros instrumentos de jazz, como el préstamo de Wes Montgomery de tocar melodías en octavas paralelas, que es una técnica de piano de jazz. Los guitarristas de jazz también tienen que aprender a añadir tonos de paso y utilizar "tonos guía" y tonos de acordes de la progresión de acordes para estructurar sus improvisaciones.
En los años 1970 y 1980, con la interpretación de la guitarra de fusión jazz-rock, los guitarristas de jazz incorporaron enfoques de solos de guitarra de rock , como solos basados en riffs y el uso de patrones de escala pentatónica y de blues. Algunos guitarristas utilizan técnicas de shredding de guitarra de fuego rápido , como tapping y bending de barra de trémolo . El guitarrista Al Di Meola , que comenzó su carrera con Return to Forever en 1974, fue uno de los primeros guitarristas en tocar en un estilo " shred ", una técnica que luego se utilizó en la interpretación de rock y heavy metal. Di Meola usó el punteo alternativo para tocar secuencias muy rápidas de notas en sus solos.
Cuando los guitarristas de jazz improvisan , utilizan las escalas, modos y arpegios asociados con los acordes en la progresión de acordes de una melodía. El enfoque de la improvisación ha cambiado desde las primeras eras de la guitarra de jazz. Durante la era del swing, muchos solistas improvisaban "de oído" embelleciendo la melodía con adornos y notas de paso. Sin embargo, durante la era del bebop, el tempo rápido y las progresiones de acordes complicadas hicieron que fuera cada vez más difícil tocar "de oído". Junto con otros improvisadores, como saxofonistas y pianistas, los guitarristas de jazz de la era del bebop comenzaron a improvisar sobre los cambios de acordes utilizando escalas (escala de tonos enteros, escala cromática, etc.) y arpegios. [2] Los guitarristas de jazz tienden a improvisar en torno a las relaciones acorde/escala, en lugar de reelaborar la melodía, posiblemente debido a su familiaridad con los acordes resultantes de su papel de acompañamiento. Una fuente de ideas melódicas para la improvisación es la transcripción de solos improvisados de grabaciones. Esto proporciona a los guitarristas de jazz una fuente de "licks", frases melódicas e ideas que incorporan intactas o en variaciones, y es una forma establecida de aprender de las generaciones anteriores de músicos.
En una banda con dos guitarras, puede haber una división lógica entre guitarras principales y guitarras rítmicas, aunque esa división puede no estar clara. [1] Dos guitarristas pueden actuar como un tándem de guitarras e intercambiar los roles de guitarra principal y guitarra rítmica. Alternativamente, dos o más guitarristas pueden compartir los roles de guitarra principal y guitarra rítmica a lo largo del espectáculo, o ambos guitarristas pueden desempeñar el mismo rol ("guitarras principales duales" o "guitarras rítmicas duales"). A menudo, varios guitarristas que tocan notas individuales pueden crear patrones de acordes mientras mezclan estas "armonías" con pasajes al unísono mixtos creando efectos de sonido únicos con efectos especiales electrónicos que alteran el sonido , como dobladores o un efecto de " coro " que sobrepronuncian significativamente el lead a veces para sobresalir y ser escuchados en espectáculos ruidosos o arrojar su sonido estéticamente tanto acústica como electrónicamente.
En las bandas de rock, heavy metal, blues, jazz y fusión, así como en algunos contextos pop y otros, la línea de guitarra principal a menudo incluye melodías (así como acordes de potencia de las guitarras rítmicas) con un tono sostenido y cantado. Para crear este tono en la guitarra eléctrica , los guitarristas suelen seleccionar ciertas pastillas y usar efectos electrónicos como pedales de efectos y pedales de distorsión , o compresores de sonido , o efectos de doblador para un tono más sostenido, y efectos de retardo o un efecto de "coro" electrónico, así como reverberación y eco electrónicos para un sonido reverberante.
Para lograr este efecto de sustain, los guitarristas suelen utilizar amplificadores de válvulas como los de Marshall o Fender . [3] El efecto de válvulas proviene de la forma en que las válvulas amplificadoras distorsionan cuando se las lleva al límite de su potencia de amplificación. A medida que la forma de onda de la señal de la guitarra alcanza los límites del amplificador, la amplificación disminuye, redondeando la parte superior de la forma de onda. Esto equivale a la compresión de ciclos de onda individuales y es agradable al oído.
Un volumen alto puede inducir retroalimentación de audio , que un guitarrista puede controlar para aumentar drásticamente el sustain. Al sostener la guitarra a una cierta distancia y ángulo de los altavoces del amplificador, un guitarrista puede crear un sonido continuo y sin decaimiento. Los efectos especiales electrónicos que utilizan bucles de efectos pueden reproducir esto artificialmente. Otros efectos que embellecen el tono y el tono de la guitarra principal incluyen la barra de vibrato que altera físicamente la tensión de las cuerdas, los slides y los efectos wah-wah y univibe .