Drowning Girl (también conocida como Secret Hearts o I Don't Care! I'd Rather Sink ) es una pintura estadounidense de 1963 en óleo y pintura de polímero sintético sobre lienzo de Roy Lichtenstein , basada en el arte original de Tony Abruzzo . La pintura está considerada entre las obras más significativas de Lichtenstein, tal vez a la par de su aclamado díptico de 1963 Whaam!. Una de las pinturas más representativas del movimiento pop art , Drowning Girl fue adquirida por el Museo de Arte Moderno en 1971.
La pintura ha sido descrita como una "obra maestra del melodrama ", y es una de las primeras imágenes del artista que representan a mujeres en situaciones trágicas, un tema al que regresó con frecuencia a mediados de la década de 1960. Muestra a una mujer con lágrimas en los ojos en un mar turbulento. Está emocionalmente angustiada, aparentemente por un romance. Utilizando las convenciones del arte del cómic , una burbuja de pensamiento dice: "¡No me importa! ¡Prefiero hundirme antes que llamar a Brad para pedir ayuda!". Este elemento narrativo resalta el melodrama cliché, mientras que sus gráficos, incluidos los puntos Ben-Day que hacen eco del efecto del proceso de impresión, reiteran el tema de Lichtenstein de un trabajo pictórico que imita la reproducción mecanizada. La obra se deriva de un panel de DC Comics de 1962 ; tanto los elementos gráficos como los narrativos de la obra están recortados de la imagen original. También toma prestado de La gran ola de Kanagawa de Hokusai y de elementos de los artistas modernistas Jean Arp y Joan Miró . Es una de varias obras de Lichtenstein que mencionan a un personaje llamado Brad que está ausente de la imagen.
A finales de los años 1950 y principios de los 1960, varios pintores estadounidenses comenzaron a adaptar las imágenes y los motivos de las tiras cómicas. [1] Roy Lichtenstein hizo dibujos de personajes de tiras cómicas en 1958. Andy Warhol produjo sus primeras pinturas en el estilo en 1960. Lichtenstein, sin conocer la obra de Warhol, produjo Look Mickey y Popeye en 1961. [2] Aunque Warhol había producido serigrafías de tiras cómicas y de otros temas de arte pop , supuestamente se relegó a las latas de sopa Campbell como tema en ese momento para evitar competir con el estilo más acabado de los cómics de Lichtenstein. [3] Una vez dijo: "Tengo que hacer algo que realmente tenga mucho impacto, que sea lo suficientemente diferente de Lichtenstein y James Rosenquist , que sea muy personal, que no parezca que estoy haciendo exactamente lo que ellos están haciendo". [4]
Drowning Girl representó el avance del trabajo de dibujos animados de Lichtenstein, que representó su salida de 1961 de su período de expresionismo abstracto , de dibujos animados animados a temas más serios como el romance y las fuerzas armadas en tiempos de guerra. [5] Lichtenstein dijo que, en ese momento, "estaba muy entusiasmado y muy interesado en el contenido altamente emocional pero el manejo impersonal y distante del amor, el odio, la guerra, etc., en estas imágenes de dibujos animados". [5] Lichtenstein parodió cuatro Picasso entre 1962 y 1963. [6] Las representaciones de mujeres llorando de Picasso pueden haber influenciado a Lichtenstein para producir retratos de mujeres vulnerables con lágrimas en los ojos, como los sujetos de Hopeless y Drowning Girl . [7] Otra posible influencia en su énfasis en representar a mujeres angustiadas a principios y mediados de la década de 1960 fue que su primer matrimonio se estaba disolviendo en ese momento. [8] El primer matrimonio de Lichtenstein con Isabel Wilson, del que nacieron dos hijos, duró desde 1949 hasta 1965; la pareja se separó en 1963. [9] [10]
Cuando Lichtenstein hizo su transición al trabajo basado en el cómic, comenzó a imitar el estilo al tiempo que adaptaba el tema. Aplicó esquemas de color simplificados y técnicas similares a las de la impresión comercial. El estilo que adoptó fue "imágenes simples, bien enmarcadas, compuestas de campos sólidos de color llamativo a menudo delimitados por líneas de borde gruesas y marcadas". [11] La técnica prestada fue "representar variaciones tonales con patrones de círculos de colores que imitaban las tramas de semitonos de los puntos Ben-Day utilizados en la impresión de periódicos". [12] PBS afirma que se trata de una adaptación del estilo de línea clara asociado con Hergé . [13] Lichtenstein dijo una vez sobre su técnica: "Tomo un cliché y trato de organizar sus formas para hacerlo monumental". [9]
El tema de Drowning Girl es un ejemplo de las mujeres basadas en cómics de Lichtenstein posteriores a 1963 que "lucen duras, nítidas, frágiles y uniformemente de moda en apariencia, como si todas salieran del mismo bote de maquillaje". [14] A principios de la década de 1960, Lichtenstein produjo varias pinturas de "dramas fantásticos" de mujeres en amoríos con hombres dominantes que causan que las mujeres sean miserables, como Drowning Girl , Hopeless y In the Car . Estas obras sirvieron como preludio a las pinturas de 1964 de inocentes "chicas de al lado" en una variedad de estados emocionales tenues. [15] "En Hopeless y Drowning Girl , por ejemplo, las heroínas aparecen como víctimas de amoríos infelices, y una muestra impotencia ... y la otra desafío (preferiría ahogarse antes que pedir la ayuda de su amante)". [15] Drowning Girl , las obras antes mencionadas y Oh, Jeff...I Love You, Too...But... se encuentran entre esas tragedias que hacen del autor una atracción popular en los museos. [16]
Drowning Girl se deriva de la página de presentación de "Run for Love!", ilustrada por Tony Abruzzo y rotulada por Ira Schnapp , en Secret Hearts #83 (noviembre de 1962), DC Comics . [17] [18] [19] Este es el mismo número de cómic que inspiró a Hopeless . [20]
En 1963, Lichtenstein parodiaba varios tipos de fuentes, como ilustraciones comerciales, imágenes de cómics e incluso obras maestras modernas. Las obras maestras representaban lo que podría haberse denominado el "canon" del arte y se consideraba "arte elevado", mientras que el tema del "arte menor" incluía imágenes de tiras cómicas. Sus fuentes de obras maestras incluían a Cézanne , Mondrian y Picasso . Durante este período de su carrera, Lichtenstein señaló que "las cosas que aparentemente he parodiado en realidad las admiro". [21] En ese momento, Lichtenstein estaba explorando el tema de la "industrialización de la emoción". En el obituario de Lichtenstein, el crítico de Los Angeles Times , Christopher Knight, dijo que la obra era "una ingeniosa réplica a las famosas pinturas de mujeres con pinceladas de De Kooning ". [22] Sus romances cómicos a menudo representaban representaciones estereotipadas de pasiones frustradas. [23] Aunque el sitio web de la Fundación Lichtenstein afirma que Lichtenstein no comenzó a utilizar su técnica de proyector opaco hasta el otoño de 1963, [24] Lichtenstein describió su proceso para producir arte basado en cómics, incluida Drowning Girl :
Lo más directamente posible... A partir de una caricatura, una fotografía o lo que sea, dibujo un dibujo pequeño, del tamaño que quepa en mi proyector opaco... No dibujo un dibujo para reproducirlo, lo hago para recomponerlo... Proyecto el dibujo sobre el lienzo y lo esbozo y luego juego con el dibujo hasta que me satisface.
— Liechtenstein [5]
Cuando Lichtenstein tuvo su primera exposición individual en la Galería Leo Castelli en la ciudad de Nueva York en febrero de 1962, se agotó antes de la inauguración. [25] [26] Además de Drowning Girl , la exposición incluyó Look Mickey , [27] Engagement Ring , Blam y The Refrigerator . [28] La muestra se desarrolló del 10 de febrero al 3 de marzo de 1962. [29] Según el sitio web de la Fundación Lichtenstein, Drowning Girl fue parte de la primera exposición de Lichtenstein en la Galería Ferus en Los Ángeles del 1 al 27 de abril de 1963, presentando Masterpiece , Portrait of Madame Cézanne y otras obras de 1962 y 1963. También fue parte de su segunda exposición individual en la Galería Leo Castelli del 28 de septiembre al 24 de octubre de 1963 que incluyó Torpedo...Los!, Baseball Manager , In the Car , Conversation y Whaam !. [24] [29] Los materiales de marketing para la muestra incluyeron la litografía Crak! [30] [31] El Museo de Arte Moderno adquirió Drowning Girl en 1971, [32] y su página web para esta obra acredita a Philip Johnson y al Sr. y la Sra. Bagley Wright por la adquisición. [33]
Algunas fuentes describen a los personajes de la serie de chicas trágicas de Lichtenstein como heroínas (en el sentido de que son las contrapartes de los héroes), [34] y otras no lo hacen (en el sentido de que no son heroicas). [35] Drowning Girl es una pintura de un personaje femenino que preferiría ceder al poder del océano antes que pedir ayuda. La versión de Lichtenstein de la escena elimina todo excepto el mar y algunas partes del cuerpo del personaje: su cabeza, hombro y mano, que apenas están por encima del agua. Cuando se presenta su rostro, sus ojos están cerrados y de ellos fluyen gotas de lo que parecen lágrimas. Debido a que Lichtenstein solo presenta un único cuadro, el espectador no sabe qué sucedió antes de este momento y qué sucederá después. Además, el espectador no tiene forma de saber quién es Brad y por qué ella es tan reacia a llamarlo. [34]
Según The Grove Encyclopedia of American Art , el elemento más importante del procedimiento de Lichtenstein a principios de la década de 1960 fue "la ampliación y unificación de su material de origen". [12] Aunque, según algunas fuentes, los cambios realizados para producir Drowning Girl no se consideran significativos, [15] Lichtenstein realizó varios cambios notables con respecto a la fuente original: "En la ilustración original, el novio de la chica que se está ahogando aparece en el fondo, aferrado a un bote volcado. Lichtenstein recortó la imagen dramáticamente, mostrando a la chica sola y rodeada por una ola amenazante. Cambió el título de '¡No me importa si tengo un calambre!' a '¡No me importa!' y el nombre del novio de Mal a Brad". [33] Con el primer cambio narrativo, Lichtenstein eliminó la evidencia de que la chica que se está ahogando tiene un calambre en la pierna. [34] Con el último cambio narrativo, Lichtenstein intentó cambiar la percepción del novio. Al hablar de otra obra ( I Know... Brad ), Lichtenstein afirmó que el nombre Brad le sonaba heroico y que se utilizaba con el objetivo de simplificar demasiado los clichés. [36]
El método de Lichtenstein implicaba "el fortalecimiento de los aspectos formales de la composición, una estilización del motivo y una 'congelación' tanto de la emoción como de las acciones". [12] Aunque los paneles de cómic representan un momento en el tiempo, Drowning Girl está tomado de un ejemplo de una representación en panel de cómic de un momento relativamente más "preñado" de drama dependiente del pasado y del futuro que la mayoría de los momentos. [37] Esta obra también marca una fase en la carrera de Lichtenstein en la que muchas de sus obras recibieron títulos en presente-participativo como Sleeping Girl , Crying Girl y Blonde Waiting , lo que acentúa la "relación de las obras con el proceso y la acción". [37] Según The Grove Encyclopedia of American Art , durante esta fase de la carrera de Lichtenstein "un constante aunque comedido y un suave sentido del humor contribuyen tanto a la alegre ligereza de la obra de Lichtenstein como la composición equilibrada y completamente armoniosa". [12]
El contenido narrativo estuvo en el centro de gran parte de la obra de Lichtenstein como un medio para atraer al espectador. [38] Con unas medidas de 171,6 cm × 169,5 cm (67,625 in × 66,75 in), Drowning Girl presenta a "una joven que parece haber llorado un río... literalmente ahogándose en la emoción", según Janis Hendrickson. El melodrama deja claro que ha sido herida por un "Brad", el nombre que se le da a varios de los héroes de Lichtenstein. [39] Vian Shamounki Borchert dice que el epígrafe deja claro que el sujeto está prácticamente "ahogándose en un mar de lágrimas". [16]
En el estilo típico de Lichtenstein, la mujer trágica se presenta "en un estado de angustia suspendida". [34] Según Janis Hendrickson, la cabeza del sujeto parece descansar sobre una ola como si fuera una almohada y yace en el agua como si fuera una cama, creando una mezcla de "erotismo y lugar de descanso final". [40] Las aguas del mar se arremolinan alrededor de las ondas del cabello del sujeto creando la percepción de un remolino. [34] La pintura es representativa de la afinidad de Lichtenstein por el drama de un solo cuadro que reduce la capacidad del espectador para identificarse con él y que abstrae la emoción. Su uso de la apariencia industrial y mecánica trivializa aún más los sentimientos, [41] aunque los toques pictóricos contribuyen a su simplificación. [42]
A principios de los años 1960, el tema de las obras de Lichtenstein basadas en cómics fue objeto de un acalorado debate. En un artículo de 1963 en The New York Times , Brian O'Doherty escribió que la obra de Lichtenstein no era arte, diciendo que Lichtenstein era "uno de los peores artistas de Estados Unidos" que "se dedicaba a hacer una oreja de cerdo de una oreja de cerdo". [9] Esto formaba parte de un debate generalizado sobre los méritos de las ampliaciones de cómics de Lichtenstein como verdadero arte. En enero de 1964, Life publicó un artículo titulado "¿Es él el peor artista de Estados Unidos?" sobre esta controversia. [43] Las críticas posteriores fueron mucho más amables. Todd Brewster señaló que esto puede haber estado motivado por la demanda popular; le dijo a Life en 1986 que "Esas ampliaciones de dibujos animados pueden haber perturbado a los críticos, pero los coleccionistas, cansados de la solemnidad del expresionismo abstracto, estaban listos para un poco de alivio cómico. ¿Por qué las páginas cómicas no podían ser bellas artes?" [9] Su obra es ahora ampliamente aceptada, aunque algunos lo critican por tomar prestado de los cómics sin atribuirle el mérito a los creadores originales, pagar regalías o buscar permiso de los propietarios de los derechos de autor. [44] David Barsalou ha dedicado décadas a identificar todos los materiales de origen de Lichtenstein y ha publicado más de 1000 imágenes en Flickr que detallan las fuentes no reconocidas de Lichtenstein. [45]
Algunos críticos cuestionan las habilidades artísticas de Lichtenstein. Everett Kinstler dijo que a pesar de la asociación de Lichtenstein con los cómics románticos, en su época "ningún editor de cómics habría contratado a Lichtenstein: no era lo suficientemente bueno". Kinstler dijo que Lichtenstein carecía de la capacidad de representar la gama emocional de la historia a través de expresiones faciales y lenguaje corporal de forma independiente. [46]
Drowning Girl fue pintada en el punto culminante del uso de puntos agrandados, recortes y ampliación de la fuente original por parte de Lichtenstein. [47] En 1993, la curadora del Museo Solomon R. Guggenheim, Diane Waldman, señaló que Lichtenstein hizo de Drowning Girl una piedra angular de su carrera debido a "su extraordinario sentido de la organización, su capacidad para usar una curva amplia y manipularla en un patrón integral". [48] Según la edición de 2007 de The Oxford Dictionary of American Art and Artists , la obra es "una mezcla de cliché, melodrama, patetismo y absurdo..." [49] En 1995, el erudito en arte Jonathan Fineberg la llamó "un estilo notablemente impasible". [50] La imagen es típica de la representación de Lichtenstein de sujetos cómicos que responden a una situación de una manera cliché. [51]
Los retoques que hizo Lichtenstein con el material original dieron como resultado una recomposición con un enfoque más nítido después de eliminar varios elementos que distraían de la representación de la mujer, como el barco volcado , el sujeto masculino en problemas y el paisaje marino en general. El resultado, escribió Lanchner, fueron olas que se arremolinaban y se precipitaban y una "espuma blanca animada" que envolvía al sujeto con una "flotabilidad pictórica" que formaba un "continuum acuático". [5]
Drowning Girl presenta un "reconocimiento inequívoco del linealismo extravagante del Art Nouveau ". [52] Las olas tienen la intención de "recordar a Hokusai , así como las formas biomórficas de Arp y Miró "; [53] tal como los cómics originales pueden haber pretendido hacerlo. [54] Lichtenstein ha afirmado que existe una fuerte relación entre el panel original del cómic y La gran ola de Kanagawa de Hokusai , lo que convierte a esta obra en un puente entre los dos. [55] Se dice que la adaptación de la impresión de olas añade un aspecto y una sensación decorativos a la pintura, sin los cuales la obra podría resultar mucho más alarmante para el espectador. [41] Lichtenstein incluso hizo la conexión entre las olas arabescas de Drowning Girl y "la estética del Art Nouveau". [56] Con respecto a esta obra, Lichtenstein afirmó: [48] [57]
En La chica que se ahoga, el agua no solo es Art Nouveau, sino que también puede verse como Hokusai. No lo hago solo porque sea otra referencia. La caricatura en sí misma a veces se parece a otros períodos del arte, tal vez sin saberlo... Hacen cosas como las pequeñas olas de Hokusai en La chica que se ahoga . Pero el original no era muy claro en este sentido, ¿por qué debería serlo? Lo vi y luego lo llevé un poco más allá hasta que fue una referencia que la mayoría de la gente entenderá... es una forma de cristalizar el estilo mediante la exageración.
Tøjner describe la obra como "la mejor formulación de Lichtenstein de una contraimagen a las muchas explosiones en su universo", señalando que el drama ya pasó su punto máximo aunque pueda parecer que está en un crescendo. [58] También señala que "las lágrimas se dibujan con la clásica plenitud cérea de Lichtenstein" a pesar del agua circundante, lo que debe ser significativo ya que no hay "justificación naturalista". [58] Una reseña de la revista Art Magazine de noviembre de 1963 afirmó que esta era una de las "pinturas amplias y poderosas" de la exposición de 1963 en la Galería Castelli. [29] Sin embargo, el nombre de la obra no era universalmente conocido. En la reseña de la revista Art Magazine de su exposición de 1964 en la Galería Castelli, se hace referencia a Lichtenstein como el autor de I Don't Care, I'd Rather Sink ( Drowning Girl ). [29] En 2005, Gary Garrels del Museo de Arte Moderno escribió que la obra es una "poética de lo absolutamente banal, de la cotidianeidad desplazada" que resulta en una "imagen congelada en el tiempo y el espacio", volviéndola "icónica". [42] Comparándola con la fuente, Garrels dice que es una representación "en un vocabulario simplificado" producida mientras Lichtenstein dejaba de lado su objetividad mecánica. [42] Según The Grove Encyclopedia of American Art , los ejemplos extremos de su formalización se convierten en "abstracción virtual" cuando el espectador recuerda que el motivo es un elemento de una obra más grande. Así, Lichtenstein reforzó una visión no realista de las tiras cómicas y los anuncios publicitarios, presentándolos como imágenes artificiales con técnicas gráficas minimalistas. La magnificación de Lichtenstein de su material original enfatizó la sencillez de sus motivos como un equivalente al dibujo comercial mecánico, lo que llevó a implicaciones sobre sus declaraciones sobre la América industrial moderna. No obstante, Lichtenstein parece haber aceptado la cultura industrial capitalista estadounidense. [12]
En 2003, Sarah Rich y Joyce Henri Robinson contrastaron el uso de los puntos Ben-Day de Lichtenstein en Drowning Girl con el trabajo de otro artista, señalando que el trabajo "satiriza el melodrama de las telenovelas y los cómics serializados, convirtiendo el drama del potencial suicidio del personaje principal en una actuación de alto nivel". [59]
En 2009, Lanchner escribió sobre cómo la traducción de Lichtenstein de un contenido "altamente cargado" con una presentación manejada con frialdad intensificó el contraste entre ambos. [5]
Muchas fuentes describen a Whaam! y Drowning Girl como las obras más famosas de Lichtenstein. [60] [61] También se considera una de sus obras más influyentes junto con Whaam! y Look Mickey . [62] John Elderfield , curador jefe del Museo de Arte Moderno, señaló que la exposición "MoMA en Berlín" de 2004 celebrada durante la renovación del museo fue una "visión general sinóptica del arte del siglo XX". Los aspectos más destacados de la exposición de 212 piezas según varias publicaciones como The New York Times y Artnet fueron La noche estrellada de Van Gogh , La danza de Matisse y Drowning Girl de Lichtenstein , todas las cuales estaban de gira fuera de los Estados Unidos por primera vez. [63] [64]
Drowning Girl formó parte de la retrospectiva más grande de Lichtenstein, que visitó el Art Institute of Chicago en 2012, la National Gallery of Art en Washington, DC , en 2012 y 2013, la Tate Modern en Londres en 2013 y el Centre Pompidou en 2013. [65] Durante la retrospectiva de 2012-13, The Huffington Post describió a Drowning Girl como la "obra maestra del melodrama" de Lichtenstein. [66] El crítico de arte danés y director del Museo de Arte Moderno de Louisiana, Poul Erik Tøjner, calificó la obra como un ejemplo de las piezas de "perdición poscoital" de Lichtenstein , describiéndola como el "testigo estrella" de este género de sus obras. Señala que el sujeto está alcanzando profundidades lejanas mientras actúa por orgullo. [58] Tøjner percibió el erotismo en esta pintura, comparando la boca abierta con un rasgo vaginal y notando la singularidad de Lichtenstein al utilizar la boca abierta. Con eso en mente, compara las lágrimas con residuos de eyaculación . [67]
La
joven que se ahoga(
Ill. p. 31) (1963) muestra a una joven que parece haber llorado a mares. Está literalmente ahogándose en la emoción y se ha abandonado a sus fuerzas destructivas. Brad, el nombre del hombre que se relaciona con varias de las "heroínas" de Lichtenstein, debe haberla lastimado mucho.
Ella yace en el agua como si fuera una cama, una mezcla de erotismo y lugar de descanso final.
