June Claire Wayne (7 de marzo de 1918 - 23 de agosto de 2011) fue una pintora, grabadora, innovadora de tapices, educadora y activista estadounidense. Fundó Tamarind Lithography Workshop (1960-1970), una imprenta sin fines de lucro con sede en California dedicada a la litografía . [1]
Wayne nació en Chicago el 7 de marzo de 1918, hijo de Dorothy Alice Kline y Albert Lavine, pero el matrimonio terminó poco después del nacimiento de Wayne y ella fue criada por su madre soltera y su abuela, [2] ambas refugiadas del violento antisemitismo y los pogromos de Bielorrusia y la Rusia imperial . [3] Wayne tenía aspiraciones de ser artista y abandonó la escuela secundaria a la edad de quince años para perseguir este objetivo. [4] Aunque no tenía una formación artística formal, comenzó a pintar y tuvo su primera exposición en la Boulevard Gallery de Chicago en 1935. [1] [2] A los diecisiete años, Wayne expuso sus acuarelas bajo el nombre de June Claire. [5] Expuso nuevamente pinturas al óleo y acuarela al año siguiente por invitación del Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México . [4] En 1938, trabajó como artista para el WPA Easel Project en Chicago. [4]
En 1939, Wayne se mudó a la ciudad de Nueva York , donde se mantenía como diseñadora de joyas durante el día y continuaba pintando en su tiempo libre. [4] Se casó con el cirujano de la Fuerza Aérea George Wayne en 1940, y en 1942 fue enviado a servir en el teatro europeo de la Segunda Guerra Mundial . [6] Mientras su esposo estaba en Europa, Wayne se mudó por primera vez a Los Ángeles y aprendió ilustración de producción en Caltech , donde recibió capacitación para trabajar convirtiendo planos en dibujos para la industria aeronáutica . [4] [5] Luego le ofrecieron un trabajo escribiendo programas de continuidad musical y bonos de guerra [7] para la estación de radio WGN en Chicago y se mudó allí. Regresó a Los Ángeles cuando su esposo regresó a los Estados Unidos desde el extranjero en 1944. [6] La pareja se divorció en 1960, pero la artista continuó usando "June Wayne" como su identidad profesional por el resto de su vida. [4] [5] [8]
Cuando terminó la Segunda Guerra Mundial , Wayne regresó a Los Ángeles y se convirtió en un miembro activo de la escena artística de California . Mientras continuaba pintando y exhibiendo, se dedicó a la litografía en 1948 en las instalaciones de Lynton Richards Kistler , inicialmente produciendo litografías basadas en sus pinturas y luego desarrollando nuevas imágenes. [6] En 1957, Wayne viajó a París para colaborar con el maestro impresor francés Marcel Durassier, quien fue el grabador de artistas como Pablo Picasso , Henri Matisse , Salvador Dalí , Marc Chagall y más, [9] primero en litografías que ilustran los sonetos de amor. del poeta inglés John Donne y luego en un libro de artista también basado en la poesía de Donne. [5] [6] "Su libro de artista “Songs and Sonets”, completado en diciembre de 1958, fue uno de los primeros en la tradición parisina producido por un estadounidense, y mucho menos por una mujer estadounidense". [10] Wayne finalmente produjo 123 copias del libro terminado, una de las cuales despertó el interés de Wilson MacNeil "Mac" Lowry, director de programas de artes y humanidades de la Fundación Ford . [6]
Cuando Wayne se reunió con Lowry en 1958, ella expresó su frustración por tener que ir a Europa a buscar colaboradores para sus proyectos de litografía, un grabado que en ese momento en Estados Unidos se asociaba más con carteles que con bellas artes. Lowry sugirió que presentara una propuesta a la Fundación Ford buscando dinero para revitalizar la litografía en los EE. UU. [4] [6] Con la ayuda de la fundación, Wayne abrió el Taller de Litografía Tamarind (llamado así por su ubicación en una calle de Hollywood), en 1960. [ 5] Wayne actuó como director, apoyado por el pintor y grabador Clinton Adams en el papel de director asociado y Garo Antreasian en el papel de maestro impresor y director técnico. [11]
El tamarindo inspiró un renacimiento [12] en el grabado estadounidense y mundial. [13] Wayne insistió en el uso de papeles finos, ediciones pequeñas e integridad en la publicación, todo con la intención de afirmar que las impresiones eran una forma de bellas artes.
Los artistas fueron invitados a residencias de dos o tres meses en Tamarind, donde trabajarían con maestros impresores, tanto estadounidenses como europeos, para producir litografías. [6] Algunos artistas, como el primer artista residente de Tamarind, Romas Viesulas, ya tenían experiencia como grabadores, mientras que otros llegaron a Tamarind, como Josef y Anni Albers , Ruth Asawa , Bruce Conner , Richard Diebenkorn , Burhan Doğançay. , John Dowell, [14] Claire Falkenstein , Sam Francis , Françoise Gilot , Philip Guston , Richard Hunt , Louise Nevelson , Ed Ruscha , Rufino Tamayo , Charles White , habían trabajado principalmente en otros medios. [5] [6] Tamarind Workshop era una institución educativa que tenía como objetivo enseñar litografía a impresores y artistas estadounidenses. Wayne, muy consciente de la subrepresentación de mujeres y afroamericanos en el mundo del arte, se propuso incluir a muchos en la lista de Tamarind, algo poco común en ese momento. La idea actual de la colaboración entre el impresor y el artista estadounidense comenzó con June Wayne en Tamarind Workshop. [15] En 1970, Wayne sintió que su misión estaba cumplida, renunció como directora y dispuso el traslado del taller a la Universidad de Nuevo México , donde, como Instituto Tamarind , continúa hoy. [11]
“Mi método de trabajo es el método científico” afirmó June Wayne. “Ser artista es muy parecido a ser detective. La tarea del artista es siempre notar, digerir y comentar lo que está pasando. Lo hacemos, seamos conscientes de ello o no. Mi modelo siempre ha sido Sherlock Holmes . Siempre me ha interesado el perro que no ladraba por la noche. ¿Qué significa una forma negativa? Quiero explorar lo que no sabes”. [dieciséis]
"Los extraordinarios avances en la exploración espacial y la genética realizados a mediados del siglo XX fueron esenciales para el proceso artístico y el arte de Wayne, y su exploración de estos nuevos descubrimientos fue única. Su conocimiento científico provino tanto de sus lecturas como de sus conexiones personales con destacados En la década de 1950 se hizo amiga de Harrison Brown , un físico nuclear que enseñaba en el Instituto de Tecnología de California . Siguieron amistades o asociaciones con otros científicos, entre ellos Richard Feynman , Jonas Salk , inventor de la vacuna contra la polio , y varios contactos. en el Jet Propulsion Laboratory , que se convirtió en el centro mundial de exploración espacial en los años 1960." [17] “El artista deambula por aquellas áreas del pensamiento moderno donde las diferencias entre arte y ciencia, arte y música, o arte y escritura se difuminan. Aquí es donde es probable que se produzcan las innovaciones conceptuales y técnicas de Wayne. Imagina los significados estéticos y las formas de las ideas, ya sea en la física cuántica, en las fugas o en las perturbaciones de la percepción debidas a interferencias ópticas. También le entusiasman las posibilidades estructurales tan distintas como las de la composición musical o el diseño de puentes y aviones. La doble hélice del ADN fue la fuente durante varios años de la creación de imágenes de Wayne a principios de los años 1970”. [18] “Ella describió los descubrimientos científicos de manera poética más que ilustrativa […] reconociendo que una relación demasiado estrecha con los hechos va en contra de los potenciales metafísicos y estéticos” (Jay Belloli) [19]
En 1971, tras el traslado del Taller de Litografía de Tamarindo a la Universidad de Nuevo México , Wayne viajó a Francia . Tenía profundos vínculos con el país, ya que creó allí su serie John Donne en los años 50 y desarrolló amistades con maestros impresores como Marcel Durassier, quien fue el grabador de artistas como Picasso, Matisse, Dali, Marc Chagall y más. [20] Buscando nuevos medios, y animado por su amiga Madeleine Jarry, Inspecteur Principal du Mobilier National et des Manufactures des Gobelins et de Beauvais , Wayne comenzó a diseñar tapices en Francia en la famosa fábrica de Gobelins . [6] [21] “La participación de June Wayne en todos y cada uno de los aspectos del proceso del tapiz fue total; es decir, no se limitó a entregar sus dibujos animados de tamaño natural a uno de los tres estudios involucrados en la selección de los tejidos de lana. Hilados y su hilatura. También le preocupaban las decisiones sobre el grosor y el cabo, así como los matices y matices precisos a la hora de teñir los hilos, el juego de luces y sombras creado a través de los puntos o puntadas individuales, y las intersecciones donde se entrelazan la urdimbre y el hilo. Los hilos de la trama interactuaron. También hizo los dibujos animados a escala real, pegándolos en una sábana musulmana para mayor durabilidad. Incluso después de que se decidieron todos los aspectos, ella no desapareció, dejando a los tejedores solos. En cambio, regresaba con frecuencia para comprobar su trabajo y asegurarse de que todo progresara como ella lo había previsto”. [22]
Durante su tiempo de colaboración con los talleres franceses, Wayne creó doce imágenes de tapices, todas ellas con menos de cuatro ejemplos y algunas destruidas por no ser de su agrado. [23] En los diseños de los tapices, Wayne continuó expresando su fascinación por las conexiones entre el arte, la ciencia y la política, creando a menudo diseños basados en imágenes que había producido inicialmente en otros medios. [6] Al utilizar tapices para transmitir temas contemporáneos, Wayne actuó característicamente como el "artista intrépido y multifacético que no aceptaba limitaciones y que se aventuraba hacia cualquier cosa que la intrigara, fascinara o captara su imaginación". (Christa C. Mayer Thurman, "June Wayne's Narrative Tapestries: Tidal Waves, DNA, and the Cosmos", The Art Institute of Chicago, 2010.) “Los tapices de June Wayne, magistrales en su concepción y extraordinarios en su refinada belleza y ejecución, representan sus décadas de investigación sobre la intersección del arte y la ciencia”. James Cuno , como presidente y director del Instituto de Arte de Chicago . [24] El curador Bernard Kester retomó las observaciones de Wayne sobre el tiempo: “Ella eligió el tapiz porque el elemento de tiempo contenido dentro del proceso de tejido en sí es acumulativo y permanece implícito en el resultado. El tejido del tapiz es intensivo, rítmico y lento. En estas características, Wayne encontró una manera directa y apropiada de transmitir al espectador una sensación del paso del tiempo que es interna al proceso. Puede llevar al espectador más allá del tiempo real para leer ciertas obras a un ritmo acelerado o percibir otras en un tiempo cósmico prolongado”. [25]
En 1984, Wayne volvió a la pintura, medio con el que había comenzado su carrera en Chicago y en la Ciudad de México cuando era joven. “En la Serie Cognitos (más tarde denominada Conjunto Djuna), pintó sobre lienzos preparados años antes por Douglass Howell , el consumado fabricante de papel, que construyó superficies gruesas y de gran textura a partir de mezclas de yeso, gelatina y papel; la mitad de ellos pintaron sobre pinturas previamente existentes”. [26] De manera general aluden a atmósferas y topografías planetarias, y a menudo eran monocromáticos. En cuanto a su uso frecuente del color negro, Wayne explicó: “Para mí, el negro es el color más noble. Las negras permiten que suceda cualquier cosa, y con imaginación. No comparte esos clichés terrenales sobre lo que significa el color: el rojo es sangre, el azul es el cielo, el verde es la tierra. Tales suposiciones distorsionan la forma en que miramos el arte”. [27]
Wayne innovó aún más en el medio de la pintura con su "Serie Quake", creada entre 1992 y 1995, explorando los eventos sísmicos que forman parte de la vida del sur de California. Wayne ideó sus propias "superficies altamente texturizadas a partir de módulos de estireno utilizados para empacar cajas de envío, el omnipresente "cacahuete" de espuma de poliestireno. Estos módulos, fáciles de cortar, moldear, pegar y pintar, le permitieron componer campos que combinan uniformidad y variedad. También continuaron su tradición de utilizar los objetos más comunes para lograr efectos estéticos poco comunes”. Wayne utilizó materiales similares en lienzos posteriores, incluido "Propellar", el lienzo monumental en el que estuvo trabajando hasta su muerte en 2011. [28]
Wayne “estaba enojado por la situación sexista en el mundo del arte: '¿Cuándo las mujeres serán sólo artistas en lugar de mujeres-artistas?' ”. [29] Esta convicción motivó la participación de Wayne en el movimiento artístico feminista en California en la década de 1970. Wayne concibió e impartió una serie de seminarios de profesionalización titulados "Juana de Arte" para artistas jóvenes a partir de 1971. [30] Los seminarios de Wayne cubrieron diversos temas relacionados con ser un artista profesional, como fijar precios de trabajo y acercarse a galerías, [31] y Se realizaron juegos de roles y sesiones de discusión. [30] También alentaron a retribuir a la comunidad feminista, ya que los graduados de los seminarios de Wayne debían enseñar los seminarios a otras mujeres. [30] La artista Faith Wilding escribió en 1977 que al entrevistar a muchos de los antiguos alumnos de Wayne, "todos estuvieron de acuerdo en que había marcado una tremenda diferencia en sus vidas y carreras profesionales; que, de hecho, había sido el punto de inflexión para algunos de ellos en dando el paso de aficionado a profesional." [30]
En 1972, Wayne encargó, y Tamarind Lithography Workshop publicó, "Sex Differentials in Art Exhibition Reviews: A Statistical Study" de Rosalie Braeutigam y Betty Fiske, un estudio que mostró el alcance de la desigualdad de género. [32] El estudio de 132 páginas investigó a través de Los datos empíricos sobre el alcance de la desigualdad que enfrentan las mujeres en las artes. Las publicaciones periódicas examinadas, incluidas el New York Times , Los Angeles Times , el San Francisco Chronicle , Artforum , ARTnews , Art in America y otras, provocaron un revuelo, un titular típico. leyendo “She Draws Bead on Artworld”. Como afirmó Wayne: “En 1959, las mujeres artistas estaban cubiertas por una línea de texto crítico frente a las 10.000 líneas de artistas masculinos. ARTnews dio el 99% de su cobertura a los hombres. No he cambiado mucho”. [33]
Junto con sus colegas artistas Sheila Levrant de Bretteville , Ruth Weisberg y otras, Wayne fue miembro fundador del Consejo de Mujeres en las Artes de Los Ángeles, que buscaba la representación equitativa de mujeres artistas en las exposiciones de los museos. [34] También formó parte del comité de selección de la exposición Temas contemporáneos: obras sobre papel de mujeres, que se inauguró en el Edificio de la Mujer de Los Ángeles en 1977 y presentó las obras de más de 200 mujeres artistas. [35]
Entre las alumnas de Wayne se encontraba Faith Bromberg , quien se involucraría ella misma en el movimiento artístico feminista. [36]
Some Living American Women Artists / Last Supper (1972) de Mary Beth Edelson se apropió de La última cena de Leonardo da Vinci , con las cabezas de mujeres artistas notables colocadas en collage sobre las cabezas de Cristo y sus apóstoles; Wayne estaba entre esas mujeres artistas notables. Esta imagen, que aborda el papel de la iconografía histórica religiosa y del arte en la subordinación de las mujeres, se convirtió en "una de las imágenes más icónicas del movimiento artístico feminista ". [37] [38]
Desde sus primeros años, Wayne fue una defensora de la libertad de expresión y una opositora a la censura estatal. Después de que Joseph McCarthy fuera reelegido para el Senado de Estados Unidos en 1952, el Ayuntamiento de Los Ángeles aprobó una resolución por 13 votos a 1 en la que calificaba a los artistas modernos de “herramientas involuntarias del Kremlin ” . Wayne asistió a las reuniones del Consejo para oponerse a la resolución y a las acciones del grupo “Sanity in Art”. [39] En el mismo período, "la ciudad quería hacer que cualquiera que modelara para una escuela de arte demostrara que no era prostituta". [39] En 1990, Wayne ayudó a liderar la acusación contra los intentos en el Congreso del representante Philip Crane (Illinois) y otros de abolir el Fondo Nacional de las Artes . Como afirmó Wayne: “Los artistas son contribuyentes. Tenemos derecho al debido proceso. Tenemos derecho a estar libres de difamación. Las artes de este país se encuentran entre los pocos flujos de caja positivos que tenemos en el comercio internacional. Y creo que eso implica mucha responsabilidad”. [40]
El arte de Wayne se ha exhibido en todo el mundo, incluyendo:
La obra de June Wayne está bien representada en los principales museos y colecciones privadas de todo el mundo. Una lista parcial de las colecciones del museo incluye:
En 1982, Wayne estuvo entre los primeros en recibir el premio Vesta, un premio anual recién creado que el Edificio de la Mujer de Los Ángeles otorgaba a mujeres que habían hecho contribuciones destacadas a las artes. [60] En 1999, en el momento de su retrospectiva en LACMA, Wayne fue honrada por el Ayuntamiento de Los Ángeles con la proclamación oficial iniciada y patrocinada por el entonces concejal Joel Wachs . En la década de 1990, Wayne ganó el premio Art Table por sus contribuciones profesionales a las artes visuales, el premio del Foro Internacional de Mujeres para mujeres que marcan la diferencia y los premios Lifetime Achievement Awards del Museo de Arte Neuberger y LA ArtCore. [6] En 2003, fue honrada con el premio Zimmerli Lifetime Achievement Award de la College Art Association y en 2009 recibió premios de tres instituciones: la Fundación Pollock-Krasner , el Centro para el Estudio de Gráficos Políticos y la Escuela de Bellas Artes Roski. Arts en la Universidad del Sur de California , así como elogios de la ciudad de West Hollywood y el condado de Los Ángeles . [6] Recibió doctorados honoris causa de la Escuela de Diseño de Rhode Island , la Facultad de Arte y Diseño de Moore , la Facultad de Artes y Oficios de California y la Facultad de Bellas Artes de Atlanta. [4] El 4 de abril de 2011, fue nombrada Chevalier de L'Ordre des Arts et des Lettres por el entonces Ministro de Cultura de Francia, Frédéric Mitterrand . En 2018, en el centenario de su nacimiento, Wayne fue honrada por el Ayuntamiento de Los Ángeles con una proclamación oficial.
A pesar de una década de batalla contra el cáncer, Wayne continuó trabajando activamente en su estudio de arte Tamarind hasta los noventa años. Entre sus proyectos se encontraba la monumental pintura de estireno "Propellar", que encarna muchas de sus ideas sobre el movimiento, la óptica y el cosmos. [61] En 2002, Wayne se convirtió en profesor de investigación en el Centro Rutgers para la Impresión y el Papel Innovadores . [62] Wayne también donó un grupo de más de 3.300 grabados, tanto de su obra como de otros artistas, al Centro Rutgers para la Impresión y el Papel Innovadores, que estableció el Centro de Estudios y Archivo June Wayne para albergar la colección. [62]
Los amigos y coleccionistas más cercanos de June Wayne en Los Ángeles se reunieron en 1988 para "June in June", un almuerzo por el 80 cumpleaños en honor a June Wayne. Asistieron David Hockney , Wallis Annenberg y un total de 70 celebrantes. El evento, organizado por Robert y Barbara Barrett [63] fue organizado para honrar a Wayne y recaudar fondos para comprar obras de June Wayne para la colección del Museo de Arte del Condado de Los Ángeles . [64] Diez años más tarde, LACMA reconocería la amplitud de su trabajo con una retrospectiva. [65] A los 92 años, Wayne asistió a “Tapices narrativos de June Wayne: mareas, ADN y el cosmos”, celebrada en el Instituto de Arte de Chicago en 2010.
Wayne murió en su estudio de Tamarind Avenue en Hollywood el 23 de agosto de 2011, con su hija y su nieta a su lado. [6] [66]
