John Wesley (25 de noviembre de 1928 - 10 de febrero de 2022) fue un pintor estadounidense, conocido por sus idiosincrásicas obras figurativas de eros y humor, representadas en un estilo preciso, duro e inexpresivo. [1] [2] [3] El arte de Wesley se mantuvo fiel en gran medida a las premisas artísticas que estableció en la década de 1960: un estilo de tira cómica de formas planas, delicados contornos negros, una paleta mate limitada de colores saturados y líneas elegantes y minimalistas. composiciones bajas. [4] [5] Sus temas característicos incluían ninfas retozando, desnudos, bebés y animales, escenas pastorales e históricas, y personajes de tiras cómicas de los años cincuenta en escenarios humorísticamente blasfemos y ambiguos de deseo prohibido, rabia o desesperación. [6] [7] [8] [9]
Desde temprano, los críticos de arte categorizaron a Wesley como un artista pop , debido a su apropiación del lenguaje visual y, en ocasiones, de la iconografía de la cultura popular. [9] [8] [10] Los críticos posteriores, sin embargo, lo consideraron un outsider del arte cuyo trabajo eludió la categorización, destacando, entre otras cosas, su sondeo psicológico de un inconsciente estadounidense (en gran parte masculino), sus afinidades formales con la abstracción y su amplia- diversos préstamos histórico-artísticos. [11] [12] [6] [13] Jenifer Borum de Artforum describió el trabajo de Wesley como una combinación de "un vocabulario pop, una refinada sensibilidad minimalista y una propensión surrealista a yuxtaposiciones asombrosas", [9] mientras que Dave Hickey lo comparó con un "fabulista" rococó del siglo XVIII , citando su inclinación por la narrativa erótica. [7]
La obra de Wesley ha sido expuesta en el Whitney Museum of American Art, [14] MoMA PS1 , [15] Stedelijk Museum Amsterdam , Portikus (Frankfurt) y la Fundación Chinati , entre otros. [16] [17] Pertenece a colecciones de arte públicas que incluyen el Museo de Arte Moderno , [18] Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles , [19] y el Museo Whitney. [20] En 1976, recibió una beca Guggenheim . [21]
John Mercer Wesley nació en Los Ángeles, California en 1928, hijo de Elsa Marie Patzwaldt y Ner Wesley. [1] En 1934, descubrió a su padre en casa, muerto de un derrame cerebral, un evento que tuvo un impacto profundamente traumático y a largo plazo en él. [1] [22] Posteriormente, vivió en un orfanato durante un año, hasta que su madre se volvió a casar y asumió la custodia. [23] Comenzó a hacer pinturas expresionistas abstractas a principios de la década de 1950 a pesar de la falta de formación artística formal, y finalmente tomó clases de arte nocturnas mientras trabajaba en trabajos manuales como lavaplatos, almacenista y remachador de aviones. [24] [10] [2]
Durante la siguiente década, dos trabajos influyeron directamente en sus inicios en la pintura. En 1953, comenzó un empleo de cinco años en el departamento de ilustración de Northrop Aircraft Corporation , donde simplificó planos y los convirtió en dibujos; En 1960, se mudó a Nueva York con su segunda esposa, la pintora minimalista Jo Baer , y aceptó un trabajo como empleado de correos. [3] [10] [23] Basándose en ambas experiencias, incorporó líneas simples y funcionales, color azul cianotipo mate y formas postales icónicas (escudos, estampillas, sellos) en pinturas tipo pancartas y placas influenciadas por las imágenes inexpresivas. de Jasper Johns y relacionado con el trabajo de los artistas pop Roy Lichtenstein , James Rosenquist y Andy Warhol . [25] [24] [22] [26] Durante este período, Wesley desarrolló afiliaciones personales más cercanas con los artistas minimalistas Donald Judd , Dan Flavin , Robert Ryman y Sol LeWitt . [24] [27] [1] A pesar de las disparidades externas en sus enfoques, Judd y Flavin apoyaron durante mucho tiempo el trabajo de Wesley; Judd reservó un espacio permanente para las pinturas de Wesley junto con conocidas obras minimalistas en su complejo de la Fundación Chinati en Marfa, Texas . [8] [28] [23] [17]
La historia temprana de las exposiciones de Wesley incluyó exposiciones colectivas en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (1959); Museo de Arte de Oakland (1963); tres exposiciones itinerantes internacionales de la Federación Estadounidense de las Artes (1966–8); el Whitney Painting Annual de 1968–9 (precursor de su bienal ); Documenta 5 (1972); y exposiciones individuales en la Galería Robert Elkon (1963–84). [29] [30] [25] [31] [32] En su carrera posterior, se llevaron a cabo estudios del trabajo de Wesley en el Museo Stedelijk (1993, viajando a Portikus); [16] MoMA PS1 (2000, organizado por Alanna Heiss ); [7] los Museos de Arte de Harvard (Sert Gallery, 2001, organizado por Linda Norden); Fundación Chinati (2004); Kunsthalle de Núremberg (2006); Fundación Prada (2009); [13] y en varias exposiciones en Fredericks & Freiser en Nueva York. [33] [26] [23] [1] La exposición de Prada fue comisariada por Germano Celant como parte de la Bienal de Venecia y contó con 150 obras. [34]
A lo largo de su carrera, Wesley se apropió de imágenes de los medios populares para su trabajo. Los críticos, sin embargo, han considerado sus recontextualizaciones más desconcertantes y peculiares que las del arte pop, argumentando que su estilo fue en gran medida un punto de partida para investigaciones sutiles de forma y contenido psicológico. [13] [9] [2] Han identificado varias distinciones clave en su obra: su mezcla poética de encanto y trauma, dulzura y erotismo subyacente; [5] [35] preocupaciones por la memoria personal, el deseo y la fantasía en lugar de imágenes de consumo, comerciales e industriales; [8] y la amplitud de su bricolaje , que apunta hacia fuentes que incluyen frisos antiguos y pinturas de jarrones, arte japonés, Art Nouveau , Matisse , representaciones históricas y patrones de papel tapiz contemporáneos. [6] [15] [24]
Aunque a Wesley no le gustaba explicar su trabajo ni ser didáctico, [10] [24] sus discordantes acoplamientos (p. ej., humano-animal) y las repeticiones minimalistas de figuras, reposicionadas y manipuladas como muñecos de papel en filas o patrones, sugieren narrativas esquivas. , significados profundamente personales, misteriosos y contenido social irreverente. [24] [3] [36] [37] Profundizando en su lectura de Wesley como fabulista, Dave Hickey escribió que Wesley "reinventó las alegorías casuales y libidinosas de la pintura rococó" para usarlas como comentarios velados y urbanos dirigidos a la hegemonía contemporánea. de los valores puritanos en Estados Unidos, [7] mientras que la curadora Carolyn Christov-Bakargiev señaló: "Bajo la superficie de sus declaraciones absurdas, se puede encontrar un comentario mordaz sobre la sociedad, la superficialidad, el poder o el abuso, si uno sólo quiere buscarlo. " [38]
Las fijaciones visuales y el estilo de Wesley registraron sus cualidades extrañas e idiosincrásicas ya en 1963. Colocó retratos caricaturescos, grupales e individuales y figuras históricas, con poses expresivas, en espacios vacíos, enmarcados por bordes simétricos, estilo Art Nouveau, de flores, pájaros o, en The Hijas del aviador (1963): siluetas de biplanos de la Primera Guerra Mundial, creando un contrapunto entre lo masculino y lo femenino. [39] [11] [36] A mediados de la década, estas imágenes dieron paso a inquietantes pinturas eróticas de figuras desnudas y semidesnudas (a menudo mujeres aparentemente inconscientes) y animales personificados: ranas, camellos, osos, simios y pájaros. , ardillas, algunas dispuestas en formaciones repetitivas parecidas a frisos con bordes planos pintados. [1] [8] Entre estas obras se encuentran: Sueño de ranas (1965), que presenta a una lánguida mujer desnuda reclinada sobre tres ranas rosadas risueñas; Camel (1966), un hombre con cabeza de caballo y un camello de doble joroba acoplados agresivamente; y "Gluttony" (1969), que mostraba cinco piernas bien formadas que sobresalían del pico de un personaje parecido al pato Donald. [8] [26] [36]
En la década de 1970, Wesley comenzó a centrarse en escenarios domésticos que David Pagel describió más tarde como "disecciones amorosas de ambigüedad y doble significado". [5] [35] En términos formales, estas pinturas se caracterizaron por un uso más libre de líneas, composiciones más abiertas y paletas de colores intensificadas dominadas por rosas dulces, azules celestes, beiges carne y verdes de hospital; [13] [40] Temáticamente, a menudo daban una mirada ridícula, pero incisiva, a las relaciones de género, el poder paterno y la mortalidad. [24] [8] [36] Suzanna and the Lugosis (May I Cut In?) (1972) retrató a una mujer pálida y languideciente en los brazos de un vampiro rosa con esmoquin, con tres vampiros idénticos pero más pálidos alineados detrás de él. [35] [15] En Daddy's Home (1972), Wesley duplicó cinco veces la alegre figura de una hija, y la repetición transformó una expresión de deleite incontrolable en una que parecía sugerir una mueca demoníaca y dependencia como arma. [5] [11] Peter Schjeldahl escribió que este trabajo señalaba "un ángulo de visión agudo y decididamente excéntrico" situado "más o menos mareadamente, en algún punto del continuo desde lo divertido, ja, ja, hasta lo divertido y peculiar". [35]
Alrededor de 1973, Wesley comenzó un largo compromiso (que se extendió hasta la década de 2000) con personajes populares de tiras cómicas de la década de 1950 como Blondie , Popeye y Dennis the Menace . [9] [6] [12] Una preocupación particular fue el personaje de Chic Young , Dagwood Bumstead , de Blondie , que críticos como Linda Norden escribieron, funcionó como un sustituto del padre desaparecido de Wesley, permitiéndole acceder a la gente. , espacios domésticos y patetismo de su infancia. [13] [9] [12] [1] Colocó a estos personajes de cómics en escenarios ambiguos, a menudo primarios y de humor negro a través de los cuales exploró el erotismo, la frustración, el terror, la desesperación o la violencia dentro de la vida cotidiana y mundana. [13] [23]
Las primeras obras representativas basadas en cómics incluyeron Olive Oyl (1973), que presentaba a ese personaje desnudo, dormido y flotando con cuatro personajes infantiles de Swee'Pea, enojados y señalando, a horcajadas sobre ella; Popeye (1973), un niño armado que secuestra a un Wimpy indefenso; y The Bumsteads (1974), que mostraba a Blondie tumbada en una cama, boca abajo y llorando, con las piernas dobladas y sin fondo, con el pie cubriendo parcialmente la cara de Dagwood, mientras él se inclinaba por detrás, sin estar claro su próximo movimiento. [5] [9] Las pinturas posteriores de Wesley "Bumstead" "se centraron en la psique neurótica y con inclinaciones eróticas del hombre estadounidense", [12] examinando temas de deseo y frustración insaciables, insuficiencia y mediocridad, rabia, anhelo y pérdida. [15] Invirtió los roles de género convencionales en pinturas como Off His Feed (1991), retratando a un Dagwood desnudo, posiblemente impotente, pasivo mientras una atenta Blondie le hacía cosquillas en los dedos de los pies; en Bumstead, Maddened by the Mistral, Fighting for His Knife (1990), dos Dagwood lucharon por un arma homicida, mientras que en Bumstead in Bedlam (1991) el Dagwood de Wesley apareció con una camisa de fuerza. [9] [12] En la década de 2000, añadió un nuevo giro a las obras de Dagwood, incorporando un personaje femenino que rendía homenaje al género japonés ukiyo-e y al maestro del siglo XVIII, Kitagawa Utamaro , en pinturas que exploraban preocupaciones eróticas compartidas. , como Utamaro Nude, Bumstead Nude y Utamaro Washing, Bumstead Sleeping (ambos de 2003). [40] [6]
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A lo largo de la segunda mitad de su carrera, Wesley continuó refinando su enfoque, equilibrando la concisión y la franqueza con la complejidad emocional y los temas poco convencionales. [41] [42] [4] Su trabajo en la década de 1980 a menudo puso en primer plano preocupaciones formales a través de conjuntos en forma de friso de desnudos repetidos (por ejemplo, Hips , 1984) o animales en arreglos decorativos similares a papel tapiz (por ejemplo, Sin título (Caballo y nubes) , 1988). [41] [32] Una serie de la década de 1990 empleaba a mujeres desnudas, a menudo radicalmente recortadas con sus rostros fuera de la vista o con los ojos cerrados, arrullando de diversas formas a los espectadores (como si las vieran desde la perspectiva de un bebé lactante), flotando como cuerpos oceánicos envolventes. , o yacer boca abajo y vulnerable en medio del éxtasis. [9] [43] Jenifer Borum describió estas pinturas posteriores como una combinación de "lo materno y lo erótico, subrayando efectivamente la naturaleza infantil de la fragmentación obsesiva y la cosificación de las mujeres por parte de los medios". A diferencia de los anuncios, señaló, "para Wesley, lo personal y lo social son inseparables". [9] David Pagel identificó un nuevo nivel de ternura y vulnerabilidad en los grandes acrílicos de Wesley de la década de 2000. Dominadas por extensiones de carne contra el cielo azul, obras como Smooch (2003) representaban a hombres y mujeres en estrechos primeros planos de cabezas, cuellos, hombros y manos y parecían sugerir momentos intensos, recuerdos o ensueños de intimidad. [44] [4]
Wesley se casó con su primera esposa, Alice Richter, en 1947. Tuvieron dos hijos, una hija, Christine Knox, y un hijo, Ner Wesley. [1] Después de su divorcio, se casó con la pintora minimalista Jo Baer en 1959 y se mudó con ella de Los Ángeles a Nueva York. [10] En 1970 se divorciaron y en 1971 se casó con la novelista Hannah Green , permaneciendo con ella hasta su muerte en 1996. [45] La dramaturga y pintora Patricia Broderick , fallecida en 2003, fue su pareja durante los últimos seis años. de su vida. [46]
Wesley murió en su casa de Manhattan, el 10 de febrero de 2022, a la edad de 93 años. [1]
La obra de Wesley pertenece a numerosas colecciones permanentes, incluidas las de la Albright-Knox Art Gallery , [47] Blanton Museum of Art , [48] Chinati Foundation, [17] Denver Art Museum , Detroit Institute of Arts , [49] Harvard Art Museums , [50] Museo Hirshhorn, Museo de Arte Memphis Brooks , [51] Museo Ludwig (Alemania), Museo de Arte Moderno, [18] Museo de Arte Contemporáneo, Los Ángeles, [19] Museo de Arte de Portland , [52] Rose Art Museo , [53] Museo de Arte de Seattle , [54] Museo Stedelijk (Ámsterdam), [16] Museo Whitney, [20] y Wadsworth Atheneum . [1] [34]
Fue reconocido con una beca Guggenheim en 1976 y premios del National Endowment for the Arts y de la American Academy of Arts and Letters , entre otros. [21] [55]