Jane Wilson (1924–2015) fue una pintora estadounidense asociada tanto con la pintura de paisajes como con el expresionismo . Vivió y trabajó en la ciudad de Nueva York y en Water Mill, Nueva York .
Wilson nació en Seymour, Iowa, el 29 de abril de 1924. [1] [2] Se crió en una granja allí durante la Gran Depresión . Fue la primera de dos niñas nacidas de Wayne Wilson, ingeniero civil, y Cleone Margaret Marquis, profesora, novelista y poeta. Ambos padres provenían de familias de agricultores.
Wilson atribuyó su interés de larga data por los paisajes a su profunda relación con los elementos naturales cuando era niña en Iowa . "El paisaje tenía un enorme significado para mí", dijo. "De niña solía caminar mucho sola y cuando pienso en un paisaje, pienso en el gran peso del cielo y en cómo se apoya sobre la tierra. Y recuerdo la luz. La luz es específica de ciertos lugares y el tipo de luz y formación del paisaje con el que creces influye enormemente en lo que haces más adelante". [3]
En 1941, a la edad de diecisiete años, Wilson se matriculó en la Universidad de Iowa , donde estudió pintura e historia del arte. El departamento había sido presidido anteriormente por Grant Wood , un pintor asociado con el regionalismo de la década de 1930. Sin embargo, en la década de 1940, el departamento miró hacia las florecientes escenas de expatriados europeos y expresionistas abstractos estadounidenses de la ciudad de Nueva York . El Dr. Lester D. Longman reorganizó la facultad, que incluía a James Lechay y Philip Guston . De su experiencia universitaria, Wilson dijo: "El jefe del departamento de arte, Lester Longman, viajaba a Nueva York, seleccionaba y traía de vuelta exposiciones enteras para nuestro beneficio, con pinturas que iban desde el majestuoso expresionista Max Beckmann hasta el advenedizo Jackson Pollock . En otra ocasión, el Dr. Longman tomó prestadas cien pinturas del Museo Metropolitano y las colgó por todo el departamento de arte para que las estudiáramos y viviéramos con ellas. Así, en los años 40, estuvimos expuestos no solo a verdaderas obras maestras en vivo, sino también a los primeros destellos del expresionismo abstracto". [4] Después de graduarse en Phi Beta Kappa , Wilson enseñó historia del arte en la universidad durante dos años.
En 1949, Wilson se mudó a la ciudad de Nueva York con su esposo John Jonas Gruen , quien había sido compañero de estudios. En la ciudad de Nueva York y en Long Island , Wilson se involucró profesional y personalmente con un grupo de pintores y poetas (a veces conocido como la Escuela de Nueva York ). Entre los artistas estaban Fairfield Porter , Larry Rivers y Jane Freilicher , y entre los poetas estaban James Schuyler , John Ashbery y Frank O'Hara . En su pintura, Wilson comenzó a moverse hacia la abstracción y a alejarse de su formación académica. En 1952, comenzó a exponer con dos galerías cooperativas: Tanager Gallery y Hansa Gallery , donde fue miembro fundador.
Durante la década de 1950, Wilson también trabajó como modelo de moda para ayudar a sustentar su carrera como artista. Como modelo, Wilson reconoció la pericia técnica y el arte escultórico que implica el diseño de moda. Sin embargo, otros en el mundo del arte pueden haber considerado esta actividad como "indecorosa para una artista seria". Wilson defendió su intelecto mencionando sus años en el mundo académico. [5]
A mediados de la década de 1950, Wilson se centró cada vez más en la producción de paisajes expresionistas . Sobre este período, Wilson dijo: "En 1956 y 1957, me encontré en uno de esos momentos lúcidos que ocurren cada veinte años y me di cuenta de que no era un expresionista abstracto de segunda generación. Observé los ingredientes de lo que estaba pintando y sentí una lealtad incontrolable hacia el tema, y hacia el paisaje en particular". [6]
En 1960, el artista pop Andy Warhol le encargó a Wilson que pintara su retrato, Andy and Lilacs . [7] [8] Wilson apareció en una de las famosas Screen Tests (películas) de Warhol y fue incluido en su película 13 Most Beautiful Women .
En 1960, Wilson y su marido compraron una cochera con un gran pajar en Water Mill, Nueva York, en Long Island.
A finales de la década de 1960, Wilson pintó cada vez más naturalezas muertas , y continuó haciéndolo durante la década de 1970. A principios de la década de 1980, volvió a pintar paisajes.
En 1970, Wilson y su familia aparecieron en la pintura de Alice Neel La familia (John Gruen, Jane Wilson y Julia) . [9]
La imagen de Wilson está incluida en el icónico cartel de 1972 Some Living American Women Artists de Mary Beth Edelson . [10]
En 2002, Wilson recibió el premio a la trayectoria del Guild Hall Museum de East Hampton, Nueva York . [11]
En 2009, la crítica de arte del New York Times, Roberta Smith, elogió el trabajo reciente de Wilson: "La galería DC Moore muestra los últimos paisajes luminosos de Jane Wilson, que pueden ser los mejores. Relegan la tierra o el agua a una franja estrecha y baja para dejar que la luz y las nubes hagan su suave magia. El tema real aquí es el color, lo que puede convertir a la Sra. Wilson en una pintora de campos de color postabstracta ". [12]
Elisabeth Sussman ha comentado sobre la posición de las pinturas de Jane Wilson en la actualidad: "Lo que encuentro tan notable al confrontar las pinturas de Jane Wilson en el siglo XXI es cuán elegías se ven y cómo simultáneamente recuerdan las sensibilidades poéticas de mediados de siglo, cuando la sintaxis se mantenía simple, cuando las representaciones cotidianas de la tierra y el cielo o de la vida ordinaria podían ser a la vez benévolas y metafísicas: situaciones simples que evocaban los caprichos y complejidades del día a día". [13]
Wilson murió el 13 de enero de 2015, en la ciudad de Nueva York, a los 90 años. [2]
En 1961, Wilson describió su proceso de pintura en la revista Art in America :
"Mis cuadros están hechos principalmente de memoria. Después de hacer indicaciones sencillas de masa y movimiento, empiezo a pintar de arriba hacia abajo con capas finas de color, trabajando sobre ellas con pintura un poco más espesa. Cuando pinto paisajes, tengo la sensación de que el detalle y la masa se construyen con variedades de aplicaciones de pintura, pero cuando un cuadro está terminado, estos detalles de alguna manera se han convertido en cosas reconocibles. Siempre me sorprende lo específicas que son mis pinturas. Lo que recuerdo como color y pintura aplicados en un área particular del cuadro porque eran necesarios, de alguna manera se ha convertido en elementos identificables del paisaje. Las figuras y los bodegones, sin embargo, son temas más agresivos. Aquí mi impulso es llevar el fondo lo más adelante posible, empujar el tema hacia atrás; reducir lo específico, insistir en la pintura y el cuadro". [14]
Stuart Preston escribió sobre sus primeros trabajos: «[Jane Wilson] es una hedonista en la pintura, que emplea una plétora de pinceladas y colores brillantes que a veces caen en bodegones y figuras, pero por lo general no». [15] Hablando de la obra de Wilson de principios de los años 50, Dore Ashton escribió: «[Ella] es una pintora joven encantada por la majestuosidad de la luz. Sus paisajes e incluso sus estudios de figuras se articulan en términos de los estados de ánimo del sol. Básicamente, una franca expresionista, la señorita Wilson pinta sus paisajes con energía y colores fuertes». [16]
En 1957 apareció en la revista Life como una de las cinco pintoras jóvenes más destacadas, junto con Joan Mitchell y Helen Frankenthaler . [17] También a finales de la década de 1950, las revistas Time , Glamour y Coronet presentaron reseñas y artículos que aumentaron su visibilidad y reputación como pintora.
En 1963, el crítico del New York Times, John Canaday, escribió: "De vez en cuando aparece un artista que pone a prueba los recursos adjetivos del crítico porque la mitad de los adjetivos que son apropiados como descripciones suenan despectivos cuando se supone que son elogiosos. Jane Wilson, con una nueva exposición en la galería Tibor de Nagy , es una de esas pintoras. La dulzura es una de las cualidades innegables de su arte, pero llamar dulce a una pintura es condenarla, aunque Gainsborough y Berthe Morisot , a quienes la señorita Wilson nos recuerda, se encuentran entre los pintores vulnerables a la misma palabra. Al igual que Gainsborough y Morisot, la señorita Wilson sabe cómo manejar un pincel. Es tan experta, tan hábil, tan segura, que uno teme que de una exposición a la siguiente su mano tomará el control y obtendremos ese estilo automático y habitual con todas las manifestaciones superficiales de brillo vivaz y flujo dulce que no tienen sentido cuando la sensibilidad controladora se ha vuelto descuidada o se ha agotado. Parte del deleite (“delicioso” es otro adjetivo parcialmente sospechoso) de la pintura de la señorita Wilson es que en cada cuadro parece haber tocado precisamente ese equilibrio entre delicadeza y seguridad... [18]
En 1984, el crítico Michael Brenson escribió en The New York Times : “El mundo humano parece contener la respiración a través de diferentes etapas de un debate continuo, a veces acalorado, entre la tierra, el agua y el cielo… En estos paisajes… la inteligencia y la voluntad del artista están tan profundamente interiorizadas en la lucha pictórica que el visitante experimenta las pinturas mucho antes y mucho después de que las vea realmente”. [19]
En 1985, Paul Gardner escribió sobre la carrera de Wilson: "A su manera sobria, sin pompa ni fanfarronería, Wilson representa lo que es el mundo del arte: poder de permanencia, cualquiera sea la tendencia del momento, y un cuerpo de trabajo en constante desarrollo que da como resultado una reputación en constante aumento". [20]
En 1997, Lucy Sante escribió sobre la relación de Wilson con el cielo: "Cualquiera de los cuadros de Jane Wilson es una maravilla; el efecto de una sala llena es extraordinario. Desde los oscuros y turbulentos hasta aquellos cuyos pálidos gradientes los hacen imposibles de fotografiar, el conjunto es abrumadoramente variado como el trabajo de un pintor que trata un solo tema. Y sin embargo, en toda su abundancia podría verse como una vasta obra, así como en su única y austera dedicación expresa la extravagancia más desenfrenada, y en su naturaleza primordial es infinitamente renovable, eternamente ahora. Juntos, Jane Wilson y el cielo han hecho una enciclopedia de estados de ánimo y texturas y marcas y paletas, delineando la inmensa personalidad múltiple que colectivamente llamamos clima. El cielo, que no tiene memoria propia, es tremendamente afortunado de tenerla como su retratista, su analista, su biógrafa". [21]
En 2016 su biografía fue incluida en el catálogo de la exposición Mujeres del expresionismo abstracto organizada por el Museo de Arte de Denver . [22]
Wilson expuso de forma constante a partir de 1953. Recibió numerosos honores y un amplio reconocimiento por su trabajo, incluida la elección para la Academia Estadounidense de las Artes y las Letras de Nueva York. Wilson fue la primera mujer en ser elegida para la presidencia de la Academia Nacional de Diseño. [23]
Las pinturas de Wilson están incluidas en las colecciones de los principales museos de todo el país, entre ellos: