La publicación musical es el negocio de crear, producir y distribuir partituras musicales impresas, partes y libros en varios tipos de notación musical , al tiempo que se garantiza que el compositor , el letrista y otros creadores reciban el crédito y las regalías u otro pago (cuando corresponda). Este artículo describe la historia inicial de la industria.
La publicación de música no comenzó a gran escala hasta mediados del siglo XV, cuando se desarrollaron las primeras técnicas mecánicas para imprimir música. [1] El ejemplo más antiguo, el Salterio de Maguncia , data de 1457 y es el segundo libro que se imprimió en la imprenta de Gutenberg (después de la Biblia de Gutenberg ). [2] Antes de 1501, los libros de música eran propiedad de los ricos o las instituciones religiosas, y la música tenía que aprenderse de oído o copiarse a mano. [3] Este era un proceso muy laborioso y que consumía mucho tiempo, por lo que al principio solo lo llevaban a cabo monjes y sacerdotes que buscaban preservar la música sacra para la iglesia. Las pocas colecciones de música secular que existen fueron encargadas y poseídas por nobles ricos. Los ejemplos incluyen el Códice Squarcialupi de música italiana del Trecento y el Códice Chantilly de música francesa del Ars subtilior . La copia a mano persistió mucho después de la invención de la imprenta, y la música se difundió ampliamente en forma de manuscrito hasta bien entrado el siglo XVIII, tanto en copias personales como en publicaciones de copistas.
El padre de la impresión musical moderna fue Ottaviano Petrucci , un impresor y editor que logró asegurar un monopolio de veinte años sobre la música impresa en Venecia durante el siglo XVI. [4] Su primera colección se tituló Harmonice Musices Odhecaton y contenía 96 composiciones polifónicas , en su mayoría de Josquin des Prez y Heinrich Isaac . Floreció al centrarse en obras flamencas , en lugar de italianas, ya que eran muy populares en toda Europa durante el Renacimiento. Su imprenta utilizaba el método de triple impresión, en el que se prensaba una hoja de papel tres veces. La primera impresión eran las líneas del pentagrama, la segunda las palabras y la tercera las notas. Este método producía resultados muy limpios, aunque consumía mucho tiempo y era costoso.
En Inglaterra, alrededor de 1520, John Rastell desarrolló un método de impresión única para imprimir música. [5] Con su método, las líneas del pentagrama, las palabras y las notas formaban parte de una sola pieza de tipografía, lo que facilitaba mucho su producción. Sin embargo, este método producía resultados más desordenados, ya que las líneas del pentagrama a menudo estaban alineadas de forma inexacta y se veían onduladas en la página. El método de impresión única finalmente triunfó sobre el de Petrucci y se convirtió en el modo de impresión dominante hasta que el grabado en placa de cobre tomó el control en el siglo XVII. Este método fue adoptado y utilizado ampliamente por un francés, Pierre Attaingnant .
El concepto de copyright musical tuvo sus inicios en el reinado del rey Enrique VIII de Inglaterra, quien exigió que se le enviaran copias de todo el material impreso y ofreció protección a los impresores en forma de licencias, principalmente para producir una nueva fuente de ingresos. En 1575, Isabel I concedió a Thomas Tallis y a su alumno William Byrd un monopolio de patente de 21 años sobre la impresión y publicación de música polifónica. [6] En 1618, el compositor alemán Heinrich Schütz presentó una petición a Johann Georg I para obtener una patente de impresión electoral, por un período de diez años. [7] Se hicieron peticiones similares en 1627 y 1636 (la aprobación de esta última se conserva en la documentación del emperador Fernando III , 1637), y una solicitud de renovación en 1642. [7] La primera ley de copyright moderna fue el Estatuto de Ana (1709), que protegía todas las obras publicadas durante un período de catorce años, ampliado posteriormente a veintiocho años. El primer intento de un aviso impreso de derechos de autor musical aparece en el "Shir Hashirim" de Salomone Rossi (Venecia, 1623), que incluye una maldición rabínica contra aquellos que infrinjan el texto, escrita por León de Módena .
El primer acuerdo internacional en materia de derechos de autor fue el Convenio de Berna de 1886. El principio básico del Convenio es la disposición de que cada uno de los países contratantes otorgará protección automática a las obras en todos los demás países de la unión y a las obras no publicadas cuyos autores sean ciudadanos o residentes en esos países. [8] Los derechos de ejecución están incluidos en estas disposiciones. En marzo de 2012, 165 países se habían adherido al Convenio.
La primera ley federal de derechos de autor de Estados Unidos otorgó protección a "mapas, gráficos y libros". Contrariamente a algunos relatos académicos, la protección de los "libros" de la Ley de 1790 sí abarcó las composiciones musicales. [9] El primer registro en Estados Unidos de una composición musical lo realizó Raynor Taylor el 6 de enero de 1794 para la canción original " The Kentucky Volunteer ". [10] Sin embargo, las composiciones musicales no fueron protegidas explícitamente hasta la Ley de Derechos de Autor de 1831 , y luego la protección permaneció limitada a los derechos de reproducción. El plazo de los derechos de autor era de veintiocho años más un período de renovación de catorce años.
Aunque Inglaterra fue líder en el desarrollo de los derechos de autor, Francia fue la primera en materia de derechos de ejecución. En 1777, Pierre de Beaumarchais fundó la "Bureau de Legislation Dramatique" , que se convirtió en la actual Société des Auteurs et Compositeurs Dramatiques (SACD) en 1829. Muchos años después, en 1847, esto inspiró al compositor y libretista Ernest Bourget a reclamar un pago por cada interpretación de sus obras en Les Ambassadeurs , un importante café-concierto de la época. Una demanda ganada por Bourget y otros en 1851 condujo a la formación de la Société des Auteurs, Compositeurs et Editeurs de Musique (SACEM), la primera sociedad de derechos de ejecución del mundo.
Otros países siguieron su ejemplo: en 1882 se fundó la Società Italiana degli Autori ed Editori (SIAE) y en 1899 la Sociedad de Autores española , predecesora de la actual Sociedad General de Autores y Editores (SGAE). La predecesora de la Gesellschaft für Musikalische Aufführungs und Mechanische Vervielfältigungsrechte (GEMA) fue fundada en Alemania por el compositor Richard Strauss en 1903. Se convirtió en GEMA en 1915 cuando se fusionó con otra pequeña sociedad. De este modo, a finales del siglo XIX, se habían sentado las bases para la industria editorial musical moderna.
Como Inglaterra era líder en el desarrollo de sistemas de derechos de autor y Francia estaba a la vanguardia en el desarrollo de derechos de ejecución, Alemania fue el país pionero en la publicación de música moderna. Las primeras empresas de publicación de música alemanas datan del siglo XVIII. Bernhard Christoph Breitkopf de Leipzig , impresor y editor general, decidió especializarse en la impresión de música a partir de 1754. Tuvo éxito desarrollando mejoras en la composición de tipos de música. Gottfried Christoph Härtel se unió a la firma en 1795, que pronto se convirtió en la sociedad de Breitkopf & Härtel . Fueron los editores originales de un quién es quién de los grandes compositores alemanes, incluidos Beethoven , Haydn , Mozart , Schubert , Schumann y Wagner .
Schott Music de Maguncia fue fundada en 1770 por Bernhard Schott y todavía existe en la actualidad. Se especializó en óperas francesas e italianas y, más recientemente, ha publicado obras de Hindemith , Stravinsky , Orff , Schoenberg y Henze . N. Simrock de Bonn , y más tarde de Berlín, fue fundada en 1790 por Nikolaus Simrock . Sus publicaciones originales incluían obras de Beethoven, Haydn, Meyerbeer , Weber , Mendelssohn , Schumann y Brahms .
En 1764, Josiah Flagg compiló la primera colección de música popular y religiosa, impresa en papel fabricado en las colonias. El período posrevolucionario fue notable por la llegada de los primeros editores musicales profesionales de Europa en la década de 1770. Abrieron tiendas en Filadelfia , Nueva York, Boston y Baltimore , trayendo consigo tecnología europea. Benjamin Carr y James Hewitt fueron dos importantes editores musicales estadounidenses de los primeros tiempos. La primera canción publicada con derechos de autor en Estados Unidos fue The Kentucky Volunteer , de la propia casa de Carr.
Sólo en el primer cuarto del siglo XIX, las editoriales estadounidenses imprimieron 10.000 obras de música popular. Sin embargo, la industria no hizo nada por promover la música ni por formar a los compositores. Las canciones se hicieron populares gracias al boca a boca. La mayoría de las compañías de juglares y cantantes profesionales escribían su propia música o encargaban canciones a sus clientes. Stephen Foster fue el primer compositor que intentó ganarse la vida como compositor profesional independiente, pero en la década de 1850 la protección de los derechos de autor era tan laxa y las regalías tan escasas (o inexistentes) que se encontró viviendo en la pobreza. Esto cambió sólo gradualmente, a medida que los jóvenes que se dedicaban a otras empresas comerciales empezaron a percibir las posibilidades de enriquecimiento que ofrecía la publicación de canciones.
Antes de la década de 1880, la publicación de música popular era una función secundaria de las tiendas de música o de los editores de música "seria" ( clásica ). Después de 1880, los editores de Nueva York desarrollaron una técnica de promoción llamada " plugging" . En 1900, la mayoría de los editores de música habían agrupado sus negocios a lo largo de la calle 28 (entre la 6.ª avenida y Broadway ) para estar más cerca del próspero centro de entretenimiento de Nueva York. Esta zona llegó a conocerse como Tin Pan Alley . La primera década del siglo XX vio la producción de más música popular de la que se había escrito hasta ese momento: alrededor de 25.000 canciones al año. En 1893, la partitura de la canción "After the Ball" vendió un millón de copias y, durante los siguientes diez años, se vendieron un total de diez millones.
A pesar de la promulgación de nuevas leyes de derechos de autor en Estados Unidos, incluida la Ley Chace de 1891 , que permitía la protección internacional de los derechos de autor, las disposiciones de la Ley de Derechos de Autor de 1909 fueron generalmente ignoradas. Para corregir esta situación, el compositor de operetas Victor Herbert estableció la Sociedad Estadounidense de Compositores, Autores y Editores (ASCAP), en 1914. Esta atrajo rápidamente a compositores destacados como Irving Berlin y John Philip Sousa , y pudo garantizar que todos recibieran el pago y el crédito adecuados por su trabajo.
La publicación musical tiene muchos aspectos, el principal de los cuales es la concesión de licencias de música para su uso en publicidad, televisión, películas y otros fines. La publicación musical comenzó siendo simplemente la publicación de la partitura en sí, y ni siquiera de la partitura. Se hacían hojas de canciones que solo tenían la letra de una canción popular. En el siglo XIX, las partituras de canciones comenzaron a incluir un acompañamiento de piano simple y una notación para la melodía de la canción. En la década de 2010, la publicación musical es la explotación de composiciones (canciones, piezas instrumentales y otra música) para diversos usos interpretativos, incluidos usos más nuevos como la concesión de licencias para videojuegos, para el uso por parte de artistas discográficos que buscan su próximo single de éxito y para su uso en una variedad de propósitos de concesión de licencias.
En el ámbito de la edición musical existen muchos tipos de licencias diferentes. Por ejemplo:
Una licencia general es una tarifa anual que se paga a una de las principales organizaciones de derechos de ejecución ( SESAC , ASCAP o BMI ). La licencia general que se paga a la PRO cubre todas las obras que se encuentran en el catálogo de la PRO. Las licencias generales son utilizadas principalmente por las cadenas de televisión y las estaciones de radio para tener el derecho de reproducir cualquier canción o pieza de un catálogo en lugar de pagar tarifas de licencia por cada canción individualmente. [11]
Una licencia mecánica se emite cuando un artista discográfico desea vender su grabación de una composición escrita. Sirve como aviso a los propietarios de la composición de que se realizarán ventas y que se les adeudarán y pagarán regalías según una tasa legal.
Una Licencia de Derechos de Interpretación (PRO) es la licencia que le otorga al licenciatario el derecho de interpretar públicamente la canción/obra. [11]
Por último, una licencia de sincronización otorga el derecho a utilizar la composición en la sincronización de una grabación sobre una imagen en movimiento en una película, un anuncio, un programa de televisión o cualquier otra obra audiovisual. Para el mismo uso de sincronización, se debe obtener también una licencia de uso maestra, que otorga derechos para utilizar la grabación de sonido, que es un activo de propiedad separada de la composición.
Un editor musical negocia los usos y honorarios de los autores y compositores que aparecen en su lista. En la década de 2010, las editoriales son una fuente principal de ingresos además de las giras en vivo, porque las licencias de sincronización han persistido como una fuente de ingresos sustancial mientras que la industria musical atravesó cambios que hicieron que su fuente de ingresos dominante anteriormente, las ventas de discos, decayera de manera constante.
La invención y el desarrollo de la grabación de sonido dieron lugar a una redefinición del concepto de publicación, de forma muy similar a como las tiendas de música en línea de la década de 2000 revolucionarían más tarde la forma de comprar grabaciones. Al principio, la música popular tardó en aprovechar la nueva tecnología. En 1910, cuando las ventas del nuevo formato de disco superaron a las del antiguo cilindro, más del 75% de los discos vendidos eran de música clásica. Un factor que influyó en esto pudo haber sido el coste, que habría concentrado las ventas entre los compradores más selectos. Hasta 1925, las ventas de partituras siguieron superando a las de los discos y fueron la principal fuente de ingresos para editores y compositores. En ese momento, las ventas de partituras comenzaron a declinar mientras que los discos seguían proporcionando ingresos insuficientes para compensarlo. Esto provocó problemas económicos breves pero graves para algunos editores.
Samuel Fox (1884-1971) , que fundó la Sam Fox Publishing Company en 1906, fue el primero en publicar bandas sonoras originales para películas. [12] En 1927, después del estreno de The Jazz Singer (la primera película sonora ), la necesidad de música llevó a los estudios cinematográficos a comprar editoriales musicales, consiguiendo catálogos de música y compositores experimentados al mismo tiempo. Por ejemplo, en 1929, Warner Brothers pagó 10 millones de dólares por Harms , Witmark y Remick ; MGM compró Leo Feist Inc. y algunas empresas más pequeñas; Paramount inició su propia división editorial, Famous Music .
