Grace Graupe-Pillard es una artista estadounidense de la ciudad de Nueva York , Estados Unidos. Fue conocida por su postura feminista durante la década de 1970. Más tarde, sus pinturas abordaron cuestiones políticas más amplias, como la guerra de Irak .
Grace Graupe nació en Washington Heights , Nueva York , hija de Else Graupe, modista y diseñadora, y Gerhard Graupe, arquitecto que fue el arquitecto principal de Herman Jessor and Co., que construyó viviendas de clase media en Nueva York, como Penn South , Co-op City , Van Cortlandt Park /Amalgamated, Rochdale Village , Seward Park Housing, etc. Ambos influyeron mucho en su trabajo. [1] También estuvo influenciada por la individualidad, o la falta de ella, debido a que tenía una hermana gemela, Florence, y creía que la gente debería mirar más allá de las apariencias. [2] Asistió a la High School of Music and Art y al City College de Nueva York , donde obtuvo su licenciatura en historia y ciencias políticas. Pasó brevemente por el CUNY Graduate Center en Estudios del Área Rusa, que abandonó para volver a la escuela de arte y estudiar dibujo con Marshal Glasier en la Art Students League en Manhattan , donde recibió una beca George Bridgman evaluada por Philip Guston .
Graupe-Pillard es pintora, artista pública, educadora y hace videos, habiendo exhibido obras de arte en muchos lugares, incluyendo Cheim & Read Gallery, Nueva York, Carl Hammer Gallery, Chicago, The Proposition, Nueva York, Hal Bromm Gallery, Nueva York, Rupert Ravens Contemporary y Aljira-A Center For Contemporary Art en Newark, Nueva Jersey, etc. Ha participado en exposiciones grupales en The Noyes Museum, PS 1, Bass Museum , Indianapolis Museum, The Maier Museum, The Aldrich Museum, The Drawing Center , The Hunterdon Museum, The Frist Center y The National Academy Museum. Sus fotos y videos han sido presentados en Lars von Trier 's Gesamt, Warsaw Jewish Film Festival, Scope Miami, Scope London, Art Chicago , Art Fem. TV, Cologne OFF, Found Footage & SHOAH, etc.
Al regresar a Nueva Jersey en 1974 después de vivir en Nuevo México durante seis años, donde conoció y se casó con Stephen Pillard, se unió al movimiento feminista y comenzó a pintar hombres y mujeres que no eran vistos típicamente como "atractivos" y que no encajaban en el canon histórico del arte del "desnudo", es decir, se centraba en mujeres con estrías. [1] A lo largo de los años 70, 80 y 90, Grace Graupe-Pillard dibujó figuras desnudas no de modelos sino de vecinos, amigos y otras personas comunes. Sus sujetos eran a menudo personas de mediana edad con físicos de mediana edad, y sus representaciones de ellos no estaban destinadas principalmente a ser sensuales o sexualmente atractivas. [3] Graupe-Pillard dijo: "Mi trabajo desde 1975 ha abordado cuestiones feministas comenzando con pinturas de grandes desnudos frontales de hombres y mujeres de varias edades que no "encajaban" en los dictados de la "mirada" de la red de historia del arte/museos dominada por los hombres". [4]
De 1984 a 1994, Graupe-Pillard trabajó con un medio tradicional de una manera no tradicional creando grandes instalaciones de pastel/lienzo recortado. Descubrió que los pasteles , que a menudo se han considerado una herramienta de la mujer para ser utilizada en temas "delicados" de mujeres, eran el medio perfecto para documentar el a menudo difícil "arte de la supervivencia" en Nueva York. También descubrió que había una inmediatez y franqueza en el uso de pasteles que imita la velocidad y la emoción del entorno urbano con sus elementos contradictorios de miseria y glamour. Graupe-Pillard trabajó en grandes dibujos al pastel de personas comunes, incluidos bailarines de break dance, peatones y personas sin hogar, [5] para que parecieran míticos y heroicos. Graupe-Pillard también usó estos retratos para comentar cuestiones sociales como la mortalidad, como se ve en la pieza Balance/Woman (1989), donde los ancianos se están descomponiendo lentamente a medida que las generaciones más jóvenes desafían la atracción del mundo. [6] Según Graupe-Pillard, “el poder y el abuso del poder –como los conflictos entre hombres y mujeres tanto a nivel personal como político- están siempre presentes en mi conciencia y en mi obra de arte”. [7] La vida contemporánea fue narrada a través de la creación de grandes piezas recortadas que fueron instaladas en una o más paredes. Los individuos retratados en estos murales presentan diversas yuxtaposiciones de edad, sexo, clase, raza y vocación para producir un “teatro humano de tipos, gestos y emociones”. (Michael Brenson, The New York Times 29/3/85.) Graupe-Pillard dijo que deseaba hacer que esas personas que a menudo son “invisibles” fueran permanentemente “visibles”. También se incluyeron elementos arquitectónicos e imágenes fragmentadas de la vida y la cultura estadounidenses. Cambios de lugar y escala, diferentes ritmos y una riqueza de color y forma produjeron una sensación de los alrededores. La síntesis de figuras, retratos y siluetas hizo una declaración de cómo los pensamientos privados y las posturas públicas interactúan en la metrópolis. A principios de la década de 1990, trabajó en su serie Silhouette empleando una gama más amplia de imágenes, usando siluetas para servir como un dispositivo de encuadre de contorno para conceptos más personales y poéticos.
De 1990 a 1993, Graupe-Pillard creó Nowhere To Go - One Family's Experience, que trataba sobre los efectos destructivos del poder en una serie que se exhibió en el Museo Estatal de Nueva Jersey y en la Universidad Rider , Nueva Jersey, titulada: The Holocaust: Massacre of Innocents. Esta serie consta de grandes lienzos que representan figuras de prisioneros judíos que reflejan la experiencia de su padre y sus abuelos paternos durante el Holocausto en la Alemania nazi y es un tema recurrente en su obra. [2] Creció con el conocimiento del dolor de su padre, que resultó de su incapacidad para salvar a setenta miembros de la familia durante la guerra. Utiliza el simbolismo para comentar los eventos: conejos para la experimentación médica, genocidio masivo y velocidad arrolladora con la que creció la guerra. También dibujó las figuras para reflejar la propaganda del antisemitismo durante el Holocausto, con narices ganchudas y manos carteristas. En su obra también se encuentran imágenes de máscaras de gas, vallas de alambre, esvásticas y fotos de sus abuelos que murieron allí. Graupe-Pillard eligió la suavidad de los pasteles para crear esta serie y señaló que no era un medio generalmente utilizado para representar la dureza de la guerra. A pesar de sus múltiples series de guerra, Graupe-Pillard ha señalado: "No creo que el arte pueda marcar la diferencia. Otto Dix pintó los desastres de la guerra, pero muy pocas personas lo conocen o han visto sus pinturas porque no es una estrella de rock ni una estrella de los medios". [1] http://www.chgs.umn.edu/museum/responses/graupePillard/
Otra serie titulada MANIPULACIÓN/PINTURAS DESPLAZADAS 2002-2017 estuvo influenciada por el 11 de septiembre y el inicio de la guerra de Irak. En un mundo donde el terrorismo, la limpieza étnica y la agitación cultural han dominado los titulares de las noticias, estas pinturas se centran en el efecto devastador de la guerra y su impacto en la población civil. Titulada DESPLAZADOS, esta serie correlaciona el desplazamiento de civiles en países devastados por la guerra con una desintegración visual de la forma, evidente tanto en el proceso creativo como en el producto pintado final. En cada pintura, el caos de la desintegración cultural está simbolizado por la fragmentación del plano de la imagen. Con una edición y un "filtrado" repetidos en programas informáticos que reiteran el filtrado de la información, se apropia de imágenes de fuentes periodísticas, "haciendo estallar la realidad" de la fotografía para que el resultado final se destile y se desintegre de su contexto original, y se reduzca a formas excéntricas de colores impredecibles y planos que enfatizan aún más la fragmentación de la forma y la eliminación de su fuente original.
La serie de impresiones de pigmentos de archivo de Graupe-Pillard, Interventions, comenzó en 2003 y se centró en las guerras en el extranjero. Interventions fue una unión de sus medios de elección, la fotografía y la pintura, y un uso avanzado de la manipulación del color. Los collages muestran una decadencia de la santidad cultural y el sufrimiento debido a la guerra. Para crear Interventions, utilizó fotografías de alta resolución de lugares familiares en las principales ciudades, incluidas la ciudad de Nueva York, Baltimore, Newark y Chicago, y las superpuso digitalmente con representaciones en collage de la guerra, como atentados con coches bomba, edificios destruidos, refugiados y soldados. Utilizó esta combinación para provocar en los espectadores la idea de la guerra en el propio patio trasero. [8]
Serie Ojo de Cerradura - 1995–2000.
Este conjunto de trabajos se basa en fotografías pegadas directamente sobre el lienzo; las imágenes de estas grandes pinturas se han extraído de una gran cantidad de libros y revistas de historia del arte. Consisten en reproducciones fotográficas que ya han sido recortadas y alteradas, que luego se escanean en el ordenador y se vuelven a recortar y alterar cambiando la escala y el contexto. Utilizando una estructura formal sencilla (un ojo de cerradura y una silueta) y colocando formas apropiadas dentro de esos parámetros, Graupe-Pillard crea un diálogo entre la fisicalidad de la foto pegada y el ilusionismo de la pintura. Como indica el título, la SERIE KEYHOLE es una mirada voyerista a los numerosos trastornos físicos y psicológicos que ocurren a medida que maduramos y atravesamos experiencias vitales. [9]
En 2007, Graupe-Pillard también creó una serie titulada Stop Stealing My Face [10] , una colaboración de imágenes reimpresas dibujadas a mano que llevan al espectador a través del último mes de la vida de su madre en el hospicio . Las fotos son desde el punto de vista de la cama y están reimpresas, lo que impide que los espectadores tengan acceso a los documentos originales que compartieron el mismo espacio que los últimos suspiros de su madre, una forma simbólica de Graupe-Pillard de mantener una intimidad con su madre que el público no puede tocar. [8]
Grace Delving Into Art es una serie fotográfica que comenzó en 2012 y en la que aparece ella misma desnuda, interactuando con el arte público, planteando cuestiones sobre la imagen corporal en mujeres maduras, la performance y el voyeurismo, contribuyendo a un diálogo contemporáneo sobre el feminismo y el cuerpo de la artista y la fusión de los ámbitos público y privado. [11]
Grace Graupe-Pillard ha recibido encargos de arte público de Shearson Lehman American Express , AT&T , Peat Marwick , Wonder Woman Wall en la terminal de autobuses Port Authority en la ciudad de Nueva York, Robert Wood Johnson University Hospital , New Brunswick, Nueva Jersey , y "Celebrating Orange", encargado para la ciudad de Orange, Nueva Jersey . Los proyectos de arte público también incluyen encargos de NJ Transit para su nuevo sistema de tránsito ferroviario ligero Hudson Bergen en la estación Garfield en Jersey City y la estación 2nd Street en Hoboken instalada en 2004, así como una obra de arte para la estación Aberdeen-Matawan de New Jersey Transit en Aberdeen, Nueva Jersey. En 1995, fue elegida para formar parte del Comité de Artes de Tránsito de New Jersey Transit y desarrollar un "Plan Maestro" que establecía pautas y enfoques para la inclusión de arte en su nuevo sistema de tránsito ferroviario ligero Hudson-Bergen. También se desempeñó como una de las líderes del equipo de diseño para 3 de las estaciones. En 1998, se le pidió a la Sra. Graupe-Pillard que formara parte del equipo de diseño para la planificación de las obras de arte que se colocarían en la estación Hoboken 2nd St. [12] 2nd Street (estación HBLR)
Graupe-Pillard luego se convirtió en educadora de arte, una carrera que abarcó más de cuarenta años trabajando para el Sistema de Parques del Condado de Monmouth (1975-2016) y también dirigió el Taller Abby Mural Fellowship en el Museo y Escuela de Arte de la Academia Nacional (2003-2010).